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di Antonio Monticolo  Tra il 2004 e il 2005 un team di archeologi scoprì a York, cittadina del nord dell’Inghilterra una necropoli molto particolare divisa in due parti: 3 Driffield Terrace e 6 Driffeld Terrace. York è il nome moderno di Eboracum, fondata da Roma nel 71 d.C. Il numero totale di individui analizzati comprendeva 82 scheletri e 14 cremazioni. La maggior parte delle sepolture erano singole inumazioni, con l’eccezione di 4 sepolture doppie a 3 Driffield Terrace e una sepoltura doppia, una tripla e una quadrupla a 6 Driffield Terrace. Gli individui erano spesso supini (sulla schiena), ma a volte flessi (sui fianchi con le ginocchia leggermente tirate su) e un caso di sepoltura a faccia in giù.
Nessun defunto superava i 45 anni di età. Tre dei sette individui giovanili erano adolescenti tra i 15 e i 19 anni, mentre gli altri quattro sono stati identificati come un feto, un neonato, e due bambini di 1-2 e 6-7 anni Le analisi isotopiche e del DNA effettuate hanno rivelato un mix di origini che include individui originari della zona di Eboracum, di varie parti dell’Inghilterra meridionale, dell’Europa meridionale e centro-orientale, e un individuo proveniente dal vicino oriente (Siria, Giordania o Palestina). Ma le due caratteristiche importanti di tale necropoli sono: la totalità di sepolutre maschili (solo una è femminile) e il fatto che la prcentuale di decapitazioni si aggira intorno al 71%. Quest’ultimo è un fatto particolare perché nelle altre necropoli dell’Inghilterra la percentuale di decapitazione si aggira intorno al 5%. I crani decapitati dei defunti sono stati rinvenuti in varie posizioni, alcuni nella loro posizione anatomica, altri fra le gambe dell’individuo o lungo il fianco. Gran parte degli individui adulti e adolescenti avevano riportato in vita numerose contusioni e fratture poi guarite. Queste si concentrano soprattutto sul cranio e nella zona del viso; numerose erano anche le fratture dentali, delle ossa del polso e del primo metacarpo (pollice).  Fratture e contusioni indicano casi di violenza interpersonale e suggeriscono che la popolazione di questa necropoli avesse avuto una vita fisica particolarmente attiva e violenta. Casi di cribra orbitalia (porosità nei tetti dell'orbita) e ipoplasia dello smalto dentale (formazione di smalto difettoso) indicavano inoltre episodi di stress infantile, forse dovuti a cattiva alimentazione, parassiti e malattie infettive. Numerose erano anche le ferite da arma da taglio, in particolar modo nella zona delle vertebre cervicali forse tagli peri-mortem. Queste ferite suggeriscono che almeno una parte degli inumati sia stata decapitata subito dopo la morte, o che la decapitazione stessa sia stata la causa del decesso. In 25 dei 40 individui la decapitazione è stata effettuata con un singolo taglio netto, mentre nei restanti casi sono stati individuati fino a 17 tagli alla zona del collo. In molti casi la posizione delle incisioni ha permesso di stabilire che l’aggressore si trovava dietro la vittima, e che i colpi erano quasi sempre inflitti dall’alto verso il basso. Quali sono le ipotesi? Alcuni sostengono che i decapitati potrebbero essere stati vittima di una congiura voluta da Caracalla, altri ritengono che siano soldati stranier catturati oppure condannati a morte. Forse, come sostengono alcuni, si doveva trattare di una necropoli di gladiatori. In questo senso, uno scheletro presenta perforazioni su entrambe le ossa del bacino compatibili con i morsi di un carnivoro. I bordi delle perforazioni sono netti e freschi, senza tracce di osso neoformato a dimostrazione che sono state inflitte subito prima (o subito dopo) la morte dell’individuo. Ma a York non è ancora stato trovato nessun anfiteatro.  Google Sites
YorkMix Il Fatto Storico Il Fatto Storico Driffield Terrace An Insight Report By Kurt Hunter-Mann, York Archaeological Trust for Excavation and Research 2015
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4/6/2019 Al Museo dell’Ara Pacis la grande mostra “Claudio Imperatore.Messalina, Agrippina e le ombre di una dinastia”Read NowUn’esposizione con opere di straordinario interesse storico e archeologico che dal 6 aprile al 27 ottobre 2019 porterà i visitatori alla scoperta della vita e del regno di uno dei più controversi imperatori romani  Roma, 5 aprile 2019. Dal 6 aprile al 27 ottobre 2019 il Museo dell’Ara Pacis ospita la grande mostra "Claudio Imperatore. Messalina, Agrippina e le ombre di una dinastia" promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Crescita culturale - Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali e da Ville de Lyon, curata da Claudio Parisi Presicce e Lucia Spagnuolo, con la collaborazione di Orietta Rossini, ideata dal Musée des Beaux-Arts de Lyon, che ha ospitato la sede francese dell’esposizione terminata lo scorso 4 marzo, su progetto curatoriale di Geneviève Galliano e Francois Chausson. Organizzazione di Zètema Progetto Cultura. La mostra guiderà i visitatori alla scoperta della vita e il regno del discusso imperatore romano, dalla nascita a Lione nel 10 a.C. fino alla morte a Roma nel 54 d.C., mettendone in luce la personalità, l’operato politico e amministrativo, il legame con la figura di Augusto e con il celebre fratello Germanico, il tragico rapporto con le mogli Messalina e Agrippina, sullo sfondo della corte imperiale romana e delle controverse vicende della dinastia giulio- claudia. L'esistenza di Claudio è segnata da un destino singolare, che lo pone di fronte ad avvenimenti eccezionali, fatti di sangue, intrighi di corte, scelte politiche ardite. Primo imperatore a nascere fuori dal territorio italico, a Lugdunum, odierna Lione, il 1 agosto del 10 a.C., era un candidato improbabile al comando dell’impero. Augusto, che dubitava delle sue attitudini politiche, gli avrebbe preferito di gran lunga il fratello Germanico, che tuttavia morì prematuramente in circostanze sospette. Come successore, il popolo e l'esercito avevano poi scelto Caligola, che di Germanico era il figlio, erede della fama del padre. Ma l'assassinio di Caligola, accoltellato nel suo stesso palazzo, metteva necessariamente Claudio al centro della crisi politica successiva. Tiberio Claudio Cesare Augusto Germanico diventava così, alla notevole età di cinquant'anni, il primo imperatore acclamato, dopo una lunga trattativa politico-economica, da un corpo militare, i pretoriani. Anche i rapporti di Claudio con le sue quattro mogli sono segnati da congiure e vicende tragiche. La sua terza moglie, Messalina, più giovane di Claudio di 35 anni, rimane nota per i suoi molti vizi, veri o presunti, sebbene fosse la madre di Britannico, il primo erede maschio della dinastia giulio-claudia nato ad un imperatore regnante. Uccisa Messalina, con il consenso di Claudio, anche il destino di Britannico fu segnato: non conseguì mai il potere, vittima adolescente del fratellastro Nerone. L'ultimo matrimonio di Claudio, quello con sua nipote Agrippina, gli sarà fatale. Agrippina, figlia di Germanico e sorella di Caligola, viene considerata l'artefice della sua morte, forse per avvelenamento. Alla morte di Claudio seguì la sua divinizzazione, la realizzazione di un tempio a lui dedicato sul Celio e la successione nell’impero del figlio di Agrippina, Nerone. Il percorso espositivo al Museo dell’Ara Pacis, supportato dal lavoro aggiornato di storici e archeologi, traccia un’immagine di Claudio un po’ diversa da quella cupa e poco lusinghiera trasmessa dagli autori antichi. Ne emerge la figura rivisitata di un imperatore capace di prendersi cura del suo popolo, di promuovere utili riforme economiche e grandi lavori pubblici, contribuendo con la sua legislazione allo sviluppo amministrativo dell'Impero. Il racconto della vita e delle opere di Claudio, reso attraverso un allestimento originale fatto di immagini e suggestioni visive e sonore, costituisce la caratteristica saliente del percorso espositivo e i personaggi della narrazione - presentati attraverso opere d’arte di assoluto valore - saranno anche protagonisti di istallazioni che contribuiranno a rendere coinvolgente l’esperienza di visita. In mostra alcune opere di straordinario interesse storico e archeologico: dalla Tabula Claudiana, su cui è impresso il famoso discorso tenuto da Claudio in Senato nel 48 d.C. sull’apertura ai notabili galli del consesso senatorio, al prezioso cameo con ritratto di Claudio Imperatore dal Kunsthistorisches Museum, fino al piccolo ma suggestivo ritratto in bronzo dorato di Agrippina Minore, proveniente da Alba Fucens e concesso in prestito dalla Soprintendenza Archeologia, Belle Arti e Paesaggio dell’Abruzzo, che testimonia l’interesse di Claudio per il territorio dell’allora Regio IV, dove realizzò l’impresa del Fucino. Una delle novità della mostra è l’esposizione, per la prima volta, del ritratto di Germanico della Fondazione Sorgente Group, opera importante che celebra il giovane e amato principe colpito da un destino avverso. La mostra allestita al Museo dell’Ara Pacis vanta importanti prestiti internazionali (Musée du Louvre, Lugdunum Musée et Théâtres Romains, Musée des Beaux-Arts di Lione, Musei Vaticani, Ecole nationale Supérieure des Beaux-Arts di Parigi, Kunsthistorisches Museum di Vienna, The British Museum, Colchester & Ipswich Museums) e nazionali (Museo Archeologico Nazionale di Napoli, Gallerie degli Uffizi di Firenze, Museo Nazionale Romano, Museo Archeologico e d’Arte della Maremma, Soprintendenza Archeologia, Belle Arti e Paesaggio dell’Abruzzo, Museo civico archeologico ‘Antonio di Nino’, Fondazione Sorgente Group e Galleria Vincent) avvalendosi al contempo di opere provenienti dal Sistema Musei Civici (Musei Capitolini, Centrale Montemartini, Antiquarium Celio, Museo della Civiltà Romana, Museo di Roma) in qualche caso restaurate o riesposte per l’occasione. Ufficio stampa Zetema Progetto Cultura Patrizia Morici p.morici@zetema.it Gabriella Gnetti g.gnetti@zetema.it 13 marzo 2019 - 30 giugno 2019  Le Scuderie del Quirinale in occasione del cinquecentenario della morte di Leonardo da Vinci con il Museo Nazionale della Scienza e della Tecnologia di Milano e insieme alla Veneranda Biblioteca Ambrosiana dedicano una mostra al celebre umanista indagando la sua opera secondo le più aggiornate linee guida museologiche e museografiche, nelle declinazioni legate alla storia dell’ingegneria, del pensiero, della cultura scientifico-tecnologica. Dalla formazione toscana, al soggiorno milanese, fino al tardo periodo romano, la mostra ripercorre l’opera di Leonardo sul fronte tecnologico e scientifico e traccerà le connessioni culturali con i suoi contemporanei, per offrire una visione finalmente ampia di questa grande figura, spesso presentata come genio isolato. Le sezioni della mostra esploreranno i grandi temi affrontati da Leonardo sul versante del pensiero tecnico e umanistico, al centro del dibattito degli artisti e tecnologi rinascimentali: lo sviluppo di macchine per i grandi cantieri di costruzione, l’utilizzo del disegno e della prospettiva come strumenti di conoscenza e rappresentazione, l’arte della guerra tra tradizione e innovazione, il vagheggiamento di macchine fantastiche come quelle per il volo, la passione per la rappresentazione dell’elemento macchina in quanto tale, l’ideazione di soluzioni negli ambiti del lavoro e della produzione, la riflessione sulla città ideale e lo studio delle vie d’acqua, la riscoperta del mondo classico e una riflessione su come, nel tempo, sia nato e si sia sviluppato il mito di Leonardo. 28/5/2019 Il “Sogno d’amore” di Chagall: l’artista russo per la prima volta in mostra a NapoliRead Now Marc Chagall, Le Coq Violet, 1966-72, olio su tela A Napoli, precisamente nella Basilica della Pietrasanta, è in corso la mostra dedicata al grande artista russo Marc Chagall (1887-1985), inaugurata il 15 febbraio 2019 e aperta al pubblico fino al prossimo 30 giugno: la mostra, tenutasi per la prima volta nella città partenopea, racconta l’amore e il sentimento dell’artista/poeta per la sua amatissima moglie Bella ed è suddivisa in 150 opere, la maggior parte di esse facenti parte di collezioni private sparse un po’ in tutto il mondo e quindi di difficile accesso al pubblico, a loro volta divise in cinque sezioni, Infanzia e tradizione russa, Sogni e fiabe, Il mondo sacro e la Bibbia, Un pittore con le ali da poeta e L’amore sfida la forza di gravità.
Nelle opere coesistono ricordi d’infanzia, fiabe, poesie, religione e guerra, un universo di sogni dai colori vivaci, di sfumature intense che danno vita a paesaggi popolati da personaggi, reali o immaginari, che si affollano nella fantasia dell’artista. Opere che riproducono un immaginario onirico in cui è difficile discernere il confine tra realtà e sogno, avvicinandosi, in un certo senso, a quelle del periodo surrealista di Dalì. Curata da Dolores Duràn Ucar, la mostra è stata organizzata dal Gruppo Arthemisia che, dopo il successo ottenuto con la mostra dedicata ad Escher al PAN, ha deciso di riconfermare la sua fiducia nella città partenopea allestendo una nuova grande mostra, questa volta, nello straordinario scenario della Basilica della Pietrasanta. Una mostra da non perdere, che lascia tutti con il fiato sospeso e, ora che manca circa un mese al suo termine, come direbbero alcune testate pubblicitarie in periodo di saldi… Affrettatevi gente, affrettatevi! Immagini tratte da: Alcune informazioni per la stesura di questo articolo, nonché l’immagine di apertura, sono state tratte dal seguente sito: http://www.arte.it/calendario-arte/napoli/mostra-chagall-sogno-d-amore-57373 di Marianna Carotenuto Il Leone Alato, conosciuto anche come Leone di San Marco o Leone Marciano è il secolare simbolo di Venezia, nonché della regione Veneto e di numerosi enti ed amministrazioni. Il leone è la rappresentazione simbolica di San Marco Evangelista, ed è generalmente rappresentato con un libro tra le zampe. Il libro, erroneamente associato al Vangelo, generalmente aperto, reca la scritta «PAX TIBI MARCE EVANGELISTA MEVS», parole che secondo un’antichissima tradizione veneziana, un angelo con le sembianze di un leone avrebbe rivolto a San Marco, naufrago nelle lagune veneziane. «Pax tibi Marce, evangelista meus. Hic requiescet corpus tuum» (Pace a te, Marco, mio evangelista. Qui riposerà il tuo corpo), gli avrebbe detto, preannunciandogli che il suo corpo avrebbe trovato riposo e venerazione in quelle terre. La figura del Leone compare anche nell’iconografia cristiana. Si fa riferimento al carro di Dio descritto dal profeta Ezechiele (Ez 1, 4-10), che viene trasportato da quattro misteriosi esseri tetramorfi. San Giovanni, nel libro dell’Apocalisse, riprende questa visione del profeta. Il leone è infatti uno dei quattro esseri viventi descritti nel libro come posti attorno al trono dell'Onnipotente, intenti a cantarne le lodi, scelti come simboli dei quattro evangelisti. Questo animale simboleggia la forza della parola dell'Evangelista, le ali raffigurano l'elevazione spirituale, mentre l'aureola è il tradizionale simbolo cristiano della santità. Esso inoltre esprime anche il significato di maestà e potenza; il libro esprime i concetti di sapienza e di pace e l'aureola conferisce un'immagine di pietà religiosa. Alla spada, con cui a volte viene rappresentato il leone, oltre al significato di forza, è affidato anche il simbolo di giustizia; caratteri con cui Venezia amava pensare e descrivere sé stessa: maestà, pace, forza militare, potenza, saggezza, giustizia e pietà religiosa. Il Leone di San Marco è stato raffigurato da tantissimi artisti e in altrettanti diversi modi e posizioni, classificabili in 3 macro categorie: Leone andante : è possibile vedere per intero il corpo del leone di profilo, appoggiato su tre zampe mentre l'anteriore destra è poggiata sul libro: tipica raffigurazione presentata nelle bandiere e nelle grandi statue, dove vi era abbondanza di spazio per riportare la rappresentazione completa.   Leone rampante : Di profilo e dritto sulle zampe posteriori e con le zampe anteriori regge il libro e la spada.  Leone in moléca : Il leone è accovacciato e posizionato frontalmente con le ali spiegate a ventaglio assumendo un aspetto simile al granchio con le chele aperte (e in veneziano moléca è il nome dei piccoli granchi in periodo di muta). È una versione molto usata su spazi ridotti, per la semplicità e la compattezza grafica, soprattutto su monete, sigilli, stemmi e bassorilievi stiacciati.  Passeggiando per Venezia dove è possibile ammirare le sculture leonine? Senza dubbio recandosi in Piazza San Marco, volgendo lo sguardo verso l’alto della Basilica di San Marco, è possibile ammirare la bellissima rappresentazione del leone dorato sulla sommità del frontone, proprio sotto la statua del Santo.  Spostandosi verso il molo, svetta dal lato di Palazzo Ducale una colonna che regge la scultura bronzea del Leone Alato più famoso di Venezia.  Tra la Basilica di San Marco ed il Palazzo Ducale c'è uno dei due ingressi del Palazzo stesso, una maestosa Porta di accesso, Porta della Carta, al cui centro c’è il Leone di San Marco con, inginocchiato davanti a lui, il Doge Foscari.  Numerose sono anche le rappresentazioni del Leon in Moeca come si vede nel Bando del Pane, nel quale vengono enunciati i posti nei quali non era possibile fare commercio di pane se non dopo aver pagato i dovuti dazi allo stato. Questa rappresentazione in tondo, con la faccia del Leone ben in primo piano e le ali aperte dietro a completamento della forma circolare, veniva adoperata su ogni forma di proprietà dello Stato Veneziano durante le sua millenaria esistenza, e ancora oggi è adoperato sulla carta da lettere del Comune di Venezia e sulle divise dei Vigili Urbani.  Tante altre rappresentazioni leonine ti aspettano a Venezia. Tu le hai già viste tutte? Faccelo sapere! Immagini tratte da: - Wikipedia - dipoco.altervista.org - www.arte2000.it URBINO, Palazzo Ducale – Sale del Castellare 17 maggio – 13 ottobre 2019 / Inaugurazione giovedì 16 maggio h 15  Il Comune di Urbino, con il contributo della Regione Marche e del Comitato nazionale per la celebrazione dei 500 anni dalla morte di Raffaello Sanzio, dedica una importante mostra monografica a Raffaellino del Colle, pittore colto, che elaborò una delle più originali ed autentiche espressioni del manierismo fuori Firenze. L’esposizione “Da Raffaello. Raffaellino del Colle”, a cura di Vittorio Sgarbi, ospitata dal 17 maggio al 13 ottobre a Palazzo Ducale - Sale del Castellare, fa da apripista alle celebrazioni urbinati del 2020 per il quinto centenario della morte di Raffaello Sanzio (1483 - 1520), del quale Raffaellino (1494/97 - 1566) fu uno dei più fedeli e intelligenti seguaci. Sarà questo l’evento di apertura del nuovo ciclo di mostre diffuse tra Urbino, Fano e Pesaro in programma tra primavera ed estate, dal titolo “Mostre per Leonardo e per Raffaello”, nell’ambito delle celebrazioni promosse dal MIBAC per i 500 anni dalla morte di Leonardo da Vinci nel 2019 e di Raffaello Sanzio nel 2020. “Il sostegno della Regione Marche a questo importante progetto - spiega il presidente Luca Ceriscioli - si lega non solo alle celebrazioni di artisti di straordinario valore come Raffaello e Leonardo che hanno segnato la storia artistica e culturale della nostra regione, ma intende favorire la costituzione e l'affermazione dell’identità del territorio anche attraverso la promozione di forme di collaborazione inter-istituzionale funzionali alla valorizzazione dei beni culturali”. Continua l’assessore Moreno Pieroni “la promozione della cultura e del turismo si rafforza con lo sviluppo policentrico del territorio, trasformando il patrimonio culturale e gli eventi espositivi in un volano per lo sviluppo turistico”. La mostra di Urbino intende ripercorrere l’attività del maestro biturgense discepolo del “divin pittore” che, pur essendo stato largamente attivo nelle Marche, necessita ad oggi di una rivalutazione storica e di una maggiore divulgazione. Per la prima volta si potranno ammirare riunite alcune delle sue opere più significative provenienti da chiese e musei di Roma, Cagli, Mercatello sul Metauro, Perugia, Piobbico, Sansepolcro, Sant’Angelo in Vado, Urbania, Urbino. Il percorso sarà introdotto da due opere di Raffaello custodite nella raccolta dell’Accademia Nazionale di San Luca a Roma: una tavoletta, pressoché inedita, con la Madonna con il Bambino e l’affresco staccato con Putto reggifestone. In estate apriranno le esposizioni a Fano, che celebra Leonardo riscoprendo il legame con Vitruvio con la mostra, a cura di Guido Beltramini, Francesca Borgo e Paolo Clini, “Leonardo e Vitruvio. Alla ricerca dell'armonia. I leggendari disegni del Codice Atlantico” al Museo Archeologico e Pinacoteca del Palazzo Malatestiano, Sala Morganti dall’11 luglio, e a Pesaro dove l’artista Agostino Iacurci sperimenterà una visione contemporanea del De Architectura di Vitruvio con un progetto originale. Dal 13 luglio, a Palazzo Mosca – Musei Civici, “Agostino Iacurci Tracing Vitruvio. Viaggio onirico tra le pagine del De architectura”, a cura di Marcello Smarrelli. Tutte le mostre saranno visitabili fino al 13 ottobre. SCHEDA TECNICA Inaugurazione giovedì 16 maggio h 15 ORARI Da maggio a settembre da martedì a domenica e festivi h 10-13 / 15-19 Ottobre da martedì a giovedì h 10-13, da venerdì a domenica e festivi h 10-13 / 15-18 Visite guidate individuali ogni sabato, domenica e festivi h 11 e 17, € 3 Visite guidate ed attività didattiche, gruppi e scuole T (+39) 329 464 4309 BIGLIETTI (fino al 12 luglio) Intero € 7 Ridotto A € 5 (gruppi min. 15 persone, studenti universitari, convenzioni) Ridotto B € 3 (da 6 a 18 anni) Ingresso libero (fino a 5 anni, soci ICOM, giornalisti accreditati, disabili e accompagnatore) INFO www.mostreleonardoraffaello.it | urbino@sistemamuseo.it | T (+39) 0721 387 541 UFFICIO STAMPA Alessandra Zanchi M 328 2128748 press.zanchi@gmail.com / info@presszanchi.com Sara Stangoni T 075 5738105 ufficiostampa@sistemamuseo.it di Nicola Avolio  Immagine raffigurante un tipico presepe napoletano “Ma a te… te piace o’presepe?” è ciò che chiede, nella famosissima commedia teatrale napoletana “Natale in casa Cupiello”, Luca Cupiello, impersonato da Eduardo De Filippo, al figlio Tommasino, per avere un parere sul presepe artigianale da lui realizzato, il quale gli risponde con un secco “No, nun me piace! Voglio ‘a zuppa e latte!”: ed è in questa domanda che è racchiusa una delle più floride e durature tradizioni napoletane, l’arte presepiale, attiva nella città partenopea dall’XI secolo e mantenutasi pressoché inalterata nel tempo. Ma cos’è, nello specifico, il presepe? Con questo termine si intende la Natività, composta da Maria, San Giuseppe e Gesù Bambino, e più nello specifico la mangiatoia (dal latino praesepium, che significa, appunto, mangiatoia) ove Gesù Bambino, come da tradizione, è collocato, e se ne fa una prima menzione nei Vangeli di Luca e Matteo: ma sarà con San Francesco d’Assisi che si arriverà ad una concezione piuttosto moderna del presepe, esso infatti, di ritorno da Betlemme, rimase talmente colpito dalle funzioni attuate per rappresentare la nascita di Gesù che chiese a Papa Onorio III di poter realizzare quelle rappresentazioni per il prossimo Natale, e fu così che, in occasione del Natale del 1223, fu messo in scena il primo presepe vivente della storia. Arrivando alla rappresentazione figurata del presepe, la prima in assoluto fu realizzata nel 1283 ad opera di Arnolfo di Cambio, con statuine in legno raffiguranti la Natività e i Re Magi, e si trova conservata tuttora nella Basilica di Santa Maria Maggiore a Roma: da quel momento in poi l’abitudine di realizzare presepi prese piede un po’ ovunque, ma in particolar modo nel Regno di Napoli, a partire dal ‘500, secolo in cui visse Gaetano di Thiene, il quale ammise all’interno del presepe anche i personaggi secondari, nel ‘600, in cui nacquero i primi “figurinai”, ossia artigiani dediti esclusivamente alla realizzazione di statue per i presepi e con una schiera di sarti al loro seguito che avevano il compito di cucire con ogni dettaglio possibile gli abiti per i vari personaggi, ma fu nel ‘700 che l’arte presepiale a Napoli registrò il picco massimo di sviluppo, più precisamente sotto il regno di Carlo di Borbone, il quale fu affiancato dal padre domenicano Gregorio Maria Rocco che sfruttò la scia di diffusione dei presepi in città per rieducare e riavvicinare il popolo alla religione, ed è per questo che da allora iniziarono a comparire, sui presepi, statuine raffiguranti popolane, venditori ambulanti, mendicanti ecc. Una leggenda popolare vuole che il re Carlo di Borbone, ogni qualvolta incontrasse il frate domenicano, era solito domandargli “Padre Rocco, commo jammo a presepi?”.  Classico esempio di statuine presepiali napoletane La realizzazione del presepe, a Napoli, è ormai una tradizione ben radicata, e costituisce un vero e proprio culto: in città è famosa, infatti, la cosiddetta “Via dei Presepi” a San Gregorio Armeno, nel cuore del centro storico, lungo la quale sono collocate le numerose botteghe impegnate, in ogni giorno dell’anno, nella produzione di numerosi presepi e statuine, i primi realizzati per lo più in sughero con aggiunta di materiale ligneo per le varie strutture, le seconde in legno o in terracotta e rappresentano, oltre che le varie figure di rito della Natività, anche personaggi del mondo dello spettacolo, del cinema, dello sport, del web ecc.  Uno scorcio di San Gregorio Armeno, la “Via dei Presepi”, sita nel cuore del centro storico di Napoli Nel Novecento, poi, la massiccia emigrazione verso Nord e altre parti del mondo fece sì che l’arte presepiale si diffondesse a macchia di leopardo oltre i confini napoletani, dove si svilupperanno poi diverse correnti: oggi la figura del presepe, a causa del consumismo imperante che lo vede sopravvivere a fatica alla pagana figura dell’albero di Natale, diffusosi e accettato nel mondo cattolico a partire dall’800, resta una tradizione che ha a Napoli le sue origini e le sue tradizioni più radicate e che non può non essere ammirato da ogni angolo del mondo. Alcune informazioni per la stesura dell’articolo le ho tratte dal seguente sito: http://www.napolitoday.it/cultura/presepe-napoletano-origini-significato-personaggi.html
Immagini tratte da: L’immagine del presepe napoletano: https://napolipiu.com/presepe-napoletano-tra-hitler-e-escobar L’immagine delle statuine: https://www.pianetadonna.it/notizie/attualita/presepe-napoletano-personaggi-come-si-chiamano-significato.html L’immagine di San Gregorio Armeno: https://www.vesuviolive.it/ultime-notizie/172484-presepe-natale-2016-comprare-san-gregorio-armeno/ di Olga Caetani Giovane illustratore e grafico, Eugenio Bucci è un artista a tutto tondo, che pone al centro della propria quotidianità il disegno e la pittura, senza mai rinunciare alla musica, che suona e soprattutto scrive. Un suo sogno? Quello di riuscire a integrare l’illustrazione con la grafica, unire la propria sfera artistica con l’ambito professionale. Per questo motivo, nel postare i suoi disegni, sempre accompagnati da didascalie in versi, sulle pagine social da lui curate riduce al minimo indispensabile l’intervento digitale. La carta, infatti, rimane il suo supporto prediletto, con la cui grana l’acquerello si sposa perfettamente. Nel suo studio, circondati dalle sue chitarre e dai suoi lavori, non tutti ancora incorniciati, Eugenio mi mostra le sue opere più recenti e una ancora in corso…  La mia fede, acquerelli su carta Da un primo sguardo ai tuoi disegni, emergono isolate figure umane, o dai tratti mostruosi e surreali, curate nei singoli dettagli, spesso tracciate in un elegante bianco e nero, e immerse poi in un groviglio inestricabile di colorati elementi naturali, vegetali e zoomorfi, estremamente realistici. Un’eco simbolista le pervade vagamente. Sì, non amo riprodurre la figura umana nella sua interezza, al di là della scelta del soggetto maschile o femminile. Preferisco soffermarmi sul singolo dettaglio, le mani, per esempio, per le quali ho quasi una mania, mi piacciono le forme che assumono, così anche per le foglie, il cui accartocciarsi ricorda molto la mano. Sono entrambe forme riducibili, trasformabili, vi si possono trovare delle combinazioni di linee che vanno anche oltre quelle di un volto umano. Oppure mi concentro sul panneggio, che può essere inteso come oggetto a sé stante di ricerca pittorica, capace di mutare di significato non appena si pone sotto una luce diversa. L’umanità mi interessa poco, in realtà. La componente animale è sempre quella molto più presente e più forte: l’umano rientra nelle composizioni, ma appare isolato, relegato e sconfitto. Sembra di rileggervi delle mitologiche metamorfosi, come quelle del poeta latino Ovidio… Si tratta di una mia reinterpretazione di “Leda e il cigno”: una loro fusione. Le ali del cigno sembrano appartenere alla donna, mentre l’animale si nasconde dietro di lei. Entrambi i corpi sono avvolti da un prezioso panneggio ondoso che allude all’ambientazione di uno stagno. Mi piaceva semplicemente riprendere gli elementi di quel celebre mito, per trasporli in una composizione che fosse lontana dall’iconografia classica. Da dove trai ispirazione per i soggetti delle tue opere? Innanzitutto, rifuggo temi e immagini in linea con tutto ciò che abbia intenzione di fare critica sociale. Non amo i riferimenti alla nostra contemporaneità, troppo frenetica e in continua evoluzione. Preferisco un linguaggio che sia universale e rinnovabile nel tempo, che non invecchi mai. I paesaggi che ho incontrato nei miei viaggi in Europa mi hanno spinto a dipingere, tra l’altro in circostanze meno comode di quelle a cui sono abituato in studio. Sono acquerelli dipinti al volo, su di una panchina di fronte al fiume di Francoforte o dalla finestra del mio ostello a Siviglia, sottostando alla rapidità con la quale mutano le condizioni di luce all’aperto, e con loro i colori. Poi, c’è stato un periodo in cui ho cominciato a fare una serie di sogni che ho tradotto visivamente attraverso la pittura. Così è nata “La marea della notte”, in cui a dominare doveva essere la composizione - che è l’elemento che mi interessa di più - in modo che catturasse a colpo d’occhio. Da un sogno dipinto è nata anche una canzone. Musica e arte: quale rapporto? Chi influenza l’altra? Prima cercavo di trasformare i testi delle canzoni che scrivo in immagini, ma poi ho capito che non era una via adeguata. Disegno ascoltando la musica che amo, perché per farlo ho bisogno di un’atmosfera. La musica comunque è qualcosa di molto più meccanico, è diverso il rapporto che si ha con lo strumento da quello con il pennello. Lo strumento musicale è più personale, ogni chitarra ha la sua voce e l’approccio è più “animalesco”. Per disegnare, invece, occorre tempo, la musica dà un risultato immediato, che può piacere o non piacere ma segue una pista già tracciata sulla quale muoversi. Al contrario, ho provato a tradurre un mio disegno in musica, ma il risultato è stato forse difficile da condividere e da far comprendere al pubblico. Sono molto autocritico e selettivo nel mio lavoro, perché sento come voglio che venga una cosa, se non la ottengo in quel modo, capisco che c’è qualcosa che non va. La modestia è una delle prime caratteristiche che colpiscono di te! Ma, tornando un passo indietro, quando hai “scoperto” il tuo innato talento artistico e come lo hai coltivato? Oltre alla laurea in Scienze della Comunicazione, conseguita all’Università di Pisa, hai frequentato studi e corsi d’arte? La mia è una formazione essenzialmente da autodidatta, empirica. Ho sempre disegnato, fin da bambino, vedendo che gli altri apprezzavano quello che facevo. A scuola disegnavo per passare il tempo. Ho fatto tanta pratica, che mi ha portato a ottenere i risultati di oggi, di cui posso dirmi abbastanza soddisfatto. Quando sento di aver raggiunto un obiettivo lo abbandono per passare a sperimentare altro. Ho studiato l’opera di tantissimi pittori e illustratori, per cercare ciò che maggiormente si avvicinava alla mia idea, ma senza mai copiarne lo stile, tentando piuttosto di fonderlo con il mio. Mi piacerebbe integrare tutte le mie passioni: arte visiva, musica e letteratura, creare qualcosa che racconti una storia sotto varie forme. Il mio lavoro di grafico ha molto a che fare con i miei studi, ma il mio stile personale rimane – per ora – qualcosa di nicchia nelle commissioni che ricevo. Il settore editoriale è quello che più si avvicina a questo mio sogno. Recentemente, ho realizzato l’illustrazione della copertina di un e-book, edito da Maggioli Editore. Vi sono alcuni modelli o artisti del passato ai quali fai riferimento in particolare? Mi hanno influenzato molto Alfons Mucha e la cartellonistica, nel contornare e rilevare sul foglio elementi isolati. Amo moltissimo la pittura di Velázquez e di Goya, mentre odio Dalí. Con Picasso ho un rapporto un po’ controverso. Mi piace Kandinskij e il suo approdare all’astrattismo, ma non necessariamente lo stile di queste grandi personalità è vicino ai miei lavori. E per quanto riguarda il contemporaneo, rispetto ai tuoi colleghi? Rimango sempre aggiornato. Conosco diversi pittori, grazie soprattutto ai numerosi eventi ai quali ho partecipato, ai live painting, alle mostre collettive e personali. E’ però soprattutto durante le performance, dove pesa molto anche la dimensione fisica oltre a quella mentale, che si riesce a entrare nel vivo del rapporto tra pittori, altrimenti piuttosto “isolazionisti”, poco accoglienti: è difficile entrare nella sfera artistica altrui, anche solo per un confronto, per uno scambio di opinioni sulla propria opera. A questo proposito, da un punto di vista più tecnico, qual è il processo creativo di una tua illustrazione? Di solito non faccio schizzi preparatori, creo una base a matita, un disegno che di per sé è già molto preciso, che poi ripasso con penne a china di 0,5 mm per i vari piani, fino al dettaglio, per il quale ho molta cura, sfociando spesso nel puntinismo o nel tratteggio, ottenendo un effetto più sfumato. Ottenuta la traccia, inizio a dipingere ad acquerello oppure mescolando l’acquerello all’acrilico, che ha quel qualcosa di pastoso e materico che preferisco, tangibile e denso sul supporto cartaceo. La tela la utilizzo di rado, è stata uno strumento per trovare una via che fosse mia, magari ci tornerò in seguito. La mia tavolozza esclude quasi completamente il bianco, che trovo troppo innaturale, preferisco mescolarlo all’avorio, molto più dolce, come ho fatto di recente per “Famiglia”.  Famiglia, acrilici e acquerelli su carta Se dovessi definire le tue opere in una parola? Esperienziali. Oggi non voglio più soffermarmi su lavori che sono puri vezzi stilistici, come facevo in passato, né produrre necessariamente grandi numeri di opere, perché non sono le quantità a fare la qualità di un artista. Voglio dipingere qualcosa di più personale, che abbia una motivazione, una riflessione o un evento scatenante alle spalle. Attraverso la pittura sto capendo come sono fatto, ha contribuito a darmi una linea. La pittura riesce a dare un ordine alle cose, a conciliare aspetti, colori e forme, senza lasciare niente al caso. Farmi domande e darmi delle risposte mi ha dato consapevolezza, mi ha reso autocritico, riesco a capire quali sono le cose che vanno o no, sia in pittura che per me stesso. Nel tempo, scoprendo qualcos’altro di me, cambierà di conseguenza il mio stile. La mia pittura è un percorso soprattutto interiore. Eugenio Bucci nel web: Immagini gentilmente concesse dall’artista di Andrea Samueli Il nostro viaggio per Pompei continua; siamo nei pressi dell’Anfiteatro (abbiamo già visto una struttura simile, sebbene di dimensioni nettamente superiori a Roma, con il Colosseo) e ci spingiamo a curiosare in un grande edificio protetto sui quattro lati da un alto muro di cinta. Sbirciando da una delle tre porte monumentali che si affacciano sull’anfiteatro scorgiamo un vasto cortile con ragazzi intenti a tenersi in forma. Si tratta dalle Palestra Grande, voluta da Augusto in persona (27 a.C. – 14 d.C.) con spesa pubblica: qui la gioventù equestre e senatoria della città trova un posto dove incontrarsi, allenarsi e, ovviamente, venerare Augusto nell’area sacra che si apre sul lato ovest.  La palestra appare come un grande rettangolo (141x107 metri), dotato di ben dieci porte, con porticato interno su tre lati: le colonne ad una prima occhiata sembrano di marmo, decorate con scanalature, ma avvicinandoci notiamo che in realtà si tratta di malta, un vecchio trucco molto diffuso in questo periodo; i capitelli presentano invece foglie d’acanto e volute sugli angoli. Il quarto lato del rettangolo è occupato da grandi platani che offrono un po’ di ombra agli atleti. Al centro di tutta la struttura alcuni giovani si divertono in piscina: una piscina (34x22 metri) molto simile alle nostre, con il fondo in pendenza in modo da raggiungere una profondità massima di 2,60 metri. Non manca neppure la latrina, che si trova però all’esterno dell’edificio, addossata al muro meridionale.  Prima di uscire vediamo un ragazzo intento a fissare una colonna: che il troppo sole gli abbia dato alla testa? No, sta leggendo una serie di parole inscritte in un quadrato, quello che oggi definiamo “quadrato magico”, la cui particolarità risiede nel fatto che la medesima frase si ripete diverse volte a seconda del punto da cui si inizia a leggere. L’ipotesi più suggestiva suggerisce una lettura in chiave cristiana, ma forse si tratta solo di un gioco di parole volto a divertire i lettori. Il terremoto del 62 d.C. danneggerà la struttura, per la quale partiranno lavori di restauro che non vedranno però termine a causa della terribile eruzione del 79 d.C..
Immagini tratte da:
Planimetria, da Nappo, S. C., Pompei - Guida alla città sepolta, Edizioni White Star, Vercelli, 1998 Veduta piscina e anfiteatro, da Wikimedia Commons, By Cavaliere Nero - Own work, CC BY-SA 4.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=73102530 Veduta dal porticato, da Wikimedia Commons, By User:Yoruno (self) - http://it.wikipedia.org/wiki/Immagine:Pompei.PalestraGrande.jpg (self), CC BY-SA 2.5, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=1616812 Sator, da https://www.archart.it/ di Ilaria Ceragioli Jessie Boswell, Luigi Chessa, Nicola Galante, Carlo Levi, Francesco Menzio ed Enrico Paulucci sono i sei pittori che costituirono quel sodalizio artistico che passò alla storia col nome “I sei di Torino”. La formazione del gruppo si colloca intorno al 1928, a Torino, presso la scuola privata di Felice Casorati; favorita da critici d’arte come Edoardo Persico e Lionello Venturi, fu sostenuta economicamente dal collezionista Riccardo Gualino. La loro è una pittura che si oppone a quella falsa classicità e monumentalità caratterizzanti la produzione artistica legata al regime fascista, più precisamente, a Novecento. Novecento fu un movimento artistico messo a punto nel 1922 a Milano da Margherita Sarfatti, critica d’arte e amante di Mussolini. Si trattava di un’arte che mirava alla precisione e alla decisione del segno, alla plasticità di cose e figure e che allontanava dalla pittura tutto ciò che fosse oscuro, eccessivo e “straniero”. Le opere create dal gruppo I sei di Torino, invece, guardavano alla pittura di Cézanne, Matisse, i Macchiaioli, Manet. Personalità diverse tra loro, ma con un obiettivo comune, dunque, elaborarono una pittura incentrata esclusivamente sul colore, non più sul disegno e sul volume. Una pittura che attraverso la forza del colore intendeva rifiutare e denunciare gli aspetti propri dell’arte fascista. Figura di spicco del gruppo fu Carlo Levi, celebre pittore e scrittore (scrisse il celebre romanzo Cristo si è fermato a Eboli). Noto fu anche il suo impegno politico antifascista. Di Carlo Levi ricordiamo l’opera Aria del 1929.  Si tratta di un olio su tela conservato al GAM di Torino che venne esposto per la prima volta in occasione della “III Mostra dei Sei” presso la Galleria Bardi a Milano. Nella tela centrali sono la luminosità cromatica e la pittura en plein air che, chiaramente, rimandano alla lezione appresa dalle opere di Seurat. Una pittura raffinata che, al contempo, rivela inquietudini e malinconie è quella di Francesco Menzio. In essa, forte fu l’influenza di Matisse e, successivamente, di Modigliani. Celebre è il Ritratto d’uomo del 1929, oggi appartenente alla Collezione Iannaccone.  La collezione dell’avvocato Iannaccone, tra l’altro, ospita anche Marina (1929), un olio su cartone elaborato dall’unica donna del gruppo, ossia la pittrice inglese Jessie Boswell.  Reduce da un viaggio a Parigi nel 1928, anche Enrico Paulucci si appassionò ben presto all’arte impressionista. L’assenza di un disegno preparatorio e della precisione del segno, ad esempio, caratterizzano il Paesaggio con alberi e casa (1929).  Il medesimo tema, un paesaggio alberato, si ritrova anche nell’opera Paese per la casetta (1929) di Nicola Galante. Qui, però, il soggetto è la sua città natale, Vasto, un paesino in provincia di Chieti.  Tuttavia, il gruppo non diventò un movimento in quanto non fu mai dotato di una propria autocoscienza; si sciolse definitivamente nel 1935, anno in cui si ricorda anche la morte di Luigi Chessa.
Dopo l’osservazione di alcuni dei più noti capolavori di questi artisti e intellettuali, dunque, risulta limpida ed inequivocabile la loro volontà di aprirsi alle esperienze artistiche internazionali rinnegando l’arte di stampo fascista che, invece, rifiutava aspramente ogni influenza straniera. I Sei di Torino crearono così una pittura antieroica fondata sul colore e, soprattutto, sulla libertà. Immagini tratte da: www.gamtorino.it www.collezionegiuseppeiannaccone.it www.collezionegiuseppeiannaccone.it www.bing.com www.collezionegiuseppeiannaccone.it di Nicola Avolio  Caravaggio, “Il martirio di Sant’Orsola”, olio su tela, 1610, Napoli, Palazzo Zevallos-Stigliano. In questo nuovo articolo voglio rivolgere le mie attenzioni ad un dipinto, in particolare l’ultimo, di Michelangelo Merisi detto il Caravaggio, ossia “Il martirio di Sant’Orsola”: commissionato a Napoli dal banchiere genovese Marcantonio Doria (la cui famiglia aveva come protettrice proprio Sant’Orsola) e oggi conservato presso il palazzo Zevallos-Stigliano sempre a Napoli, fu realizzato dall’artista lombardo nel 1610, poco prima di morire. Questo è un dipinto molto particolare, in cui il Caravaggio, che era solito rappresentare nelle sue opere la scena principale avvolta da fasci di luce (la luce divina), si discosta dalla tradizione rendendo lo scenario estremamente buio, crudo e realistico, il che potrebbe fungere da specchio del travagliato periodo che stava attraversando l’artista nell’ultima fase della sua vita. La scena è ambientata nella tenda del tiranno Attila, raffigurato in primo piano sulla sinistra e con abiti secenteschi, il quale, vedendosi più volte rifiutato dalla santa, la trafigge con una freccia, anche se, a giudicare dall’espressione del viso, sembra essersi già pentito del gesto appena compiuto, come a dire “ Cos’ho fatto?”; in primo piano, sul centro-destra, Sant’Orsola, raffigurata pallida in viso ad indicare la morte imminente e nel gesto di ritrarre indietro il petto, come se volesse osservare l’oggetto che l’aveva appena trafitta, rendersi conto del gesto appena compiuto dal tiranno; dietro di lei, a sorreggerla, tre cavalieri, anch’essi rappresentati in abiti moderni e con lo sguardo stupito, quasi come se non volessero credere a ciò che il loro capo aveva appena compiuto (tra essi è presente lo stesso Caravaggio, che si è autoritratto in una smorfia di dolore). Ma ciò che maggiormente colpisce di quest’opera è un cosiddetto “pentimento”, venuto fuori a seguito di un restauro eseguito nel 2005 e che raffigura una mano, collocata tra le figure di Attila e Sant’Orsola quasi come se si fosse intromessa nella scena per provare a fermare il gesto del tiranno: ma a chi appartiene questa mano? Tante sono le ipotesi messe in ballo dagli studiosi, c’è chi pensa appartenga allo stesso Caravaggio, il quale avrebbe voluto personalmente sventare l’esecuzione, c’è chi invece pensa si tratti dell’intervento divino, giunto ormai troppo tardi per impedire che la freccia trafiggesse la santa, e c’è invece chi semplicemente pensa si sia trattato di un errore di raffigurazione da parte dell’artista, un ripensamento o comunque un qualcosa privo di un significato reale, e che l’artista ha accuratamente pensato di “rimuovere” proprio perché non utile, nella sua mente, ai fini della realizzazione dell’opera e allo svolgimento dell’azione.  Il particolare della mano. Immagini tratte da:
L’immagine del particolare della mano è stata tratta dal seguente sito: http://senzadedica.blogspot.com/2013/02/il-martirio-di-santorsola-di-caravaggio_8.html Tutte le altre immagini sono state tratte dal seguente sito: https://www.arteworld.it/martirio-di-sant-orsola-caravaggio-analisi/
di Andrea Samueli
Oh no! Proprio all’ultimo morso, il boccone di pane con il garum è caduto sulla nostra tunica…ed ora? Bhe, niente di cui preoccuparsi: basta fare un salto in una delle numerose fullonicae (lavanderie) sparse per la città. Un salto a casa per cambiarci e si parte.
All’ingresso, dalla stanza in cui sono riposti gli abiti puliti, il proprietario è intento a discutere con alcuni clienti. Noi ne approfittiamo per vedere come funziona questa attività: la lavanderia è ricavata da una domus, lo capiamo dalla disposizione degli ambienti e dal largo atrio con apertura sul tetto (compluvium) per far entrare luce e acqua piovana. Al centro, al posto della solita piscina (impluvium), vi è però una vasca, utilizzata per il lavaggio dei capi. Proseguendo, nella zona del peristilio, giungiamo nel cuore dell’edificio: un ambiente con tre grandi vasche comunicanti su livelli differenti. Qui gli schiavi stanno lavando e risciacquando dal sapone gli indumenti e man mano che ci avviciniamo alla fontana l’acqua diventa più pulita; ma ciò che ci colpisce è un odore acre provenire dai lati della stanza, dove altri schiavi premono con i piedi in piccole vasche (cinque per l’esattezza) ricolme di acqua e urina (o altre sostanze alcaline, come la soda): si tratta del primo passaggio di lavaggio, per eliminare le sostanze grasse dai tessuti; al termine dei risciacqui i panni saranno puliti e profumati. 
Gli schiavi ci hanno a malapena guardati, intenti come sono nel loro lavoro: deve essere un lavoro sfiancante, soprattutto se pensiamo che viene ripetuto per molte ore al giorno. Una stretta scala porta al tetto ed è così che ci accorgiamo che l’edificio ha, sopra l’atrio e il peristilio, coperture piatte (in genere sono a falde) per stendere i vestiti appena lavati; alcuni sono addirittura affumicati con lo zolfo per candeggiarli.
E per stirare? Vicino all’ingresso c’è uno schiavo alle prese con una grande pressa nella quale ripone gli indumenti una volta piegati. Il proprietario non si è accorto del nostro girovagare e nel frattempo si è liberato. Prende in consegna la nostra tunica e ci invita a tornare in serata apostrofandoci con la sua pubblicità “Da Stephanus, la miglior lavanderia di Pompei”. Immagini tratte da: Affresco fullonica, da Wikipedia Italia, Di WolfgangRieger - Filippo Coarelli (ed.): Pompeji. Hirmer, München 2002, ISBN 3-7774-9530-1, p. 136, Pubblico dominio, voce "Fullo" Vasca nell'atrio, da http://pompeiisites.org/sito_archeologico/fullonica-di-stephanus/#&gid=1&pid=1 Vasche, da Wikimedia Commons, By Miguel Hermoso Cuesta - Own work, CC BY-SA 4.0, File:Fullonica Stephanus Pompeya 09.jpg Pressa a vite per i panni, da Wikipedia Italia, Di WolfgangRieger - Filippo Coarelli (ed.): Pompeji. Hirmer, München 2002, ISBN 3-7774-9530-1, p. 136, Pubblico dominio, voce "Fullo" di Ilaria Ceragioli Era il 1941 quando il celebre pittore siciliano Renato Guttuso ultimò l’elaborazione della sua opera più nota: La Crocifissione.  La tela oggi conservata a Roma presso la Galleria Nazionale d’Arte moderna si configura come un vero e proprio grido popolare di opposizione ai regimi totalitari e alle atrocità che ne conseguono. Nel pieno dello svolgimento del secondo conflitto mondiale, dunque, vedremo come Guttuso decise rappresentare il suo disgusto e la sua disapprovazione agli orrori generati della guerra. Attraverso l’analisi dell’opera e della sua creazione noteremo come ogni singolo elemento trova la sua ragion d’essere, una sua giustificata presenza all’interno del quadro. Innanzitutto, l’artista si avvalse di un tema sacro: la crocifissione di Cristo per l’appunto. L’intento di Guttuso non fu quello di raffigurare Cristo che muore per i peccati di ogni giorno, bensì simboleggiare tutti gli uomini che ogni giorno soffrono e vengono puniti per le loro idee. Ci troviamo così dinanzi ad un’opera che vuole essere una tragedia corale, un dramma che coinvolge e sconvolge ciascun individuo. In un primo momento Guttuso pensò di inserire la scena in un interno, in una stanza, come farà Francis Bacon per la sua Crocifissione (1965).  In seguito, però, decise di collocarla all’aperto come nella tradizione biblica. Il paesaggio aspro e montuoso ricorda Bagheria, la sua città natale e sullo sfondo compaiono delle rovine. In primo piano, alla nostra destra, Guttuso ha inserito su un tavolo una natura morta piuttosto insolita, ma non casuale: oltre a qualche bottiglia ed una ciotola, infatti, compaiono forbici, chiodi ed un martello che, inevitabilmente, ci riconducono a quei corpi appena massacrati e torturati. Osservando la tela, non si può fare a meno di notare un dettaglio inedito che va a caratterizzare la figura di Cristo: il suo volto nascosto dal corpo di uno dei due ladroni.  Il pittore siciliano affermò di averlo celato perché ciò che per lui era importante non era raffigurare Cristo, ma un comune uomo torturato. Un altro particolare interessante riguarda ancora Cristo e i due ladroni: i pugni chiusi.  Si tratta, infatti, di un espediente che Guttuso utilizzò per manifestare il suo dissenso culturale e politico. Ancora in primo piano, ma alla nostra sinistra, vi è un cavallo bianco dal collo torto che, immediatamente, rimanda a quello presente nella celeberrima Guernica di Picasso.
Affianco allo stesso cavallo si scorge un uomo che mostra dei dadi e che nell’immaginario dell’artista avrebbe rappresentato proprio Adolf Hitler.  Guttuso, di fatto, rivelò ad alcuni amici di aver aggiunto e tolto più volte dei baffi neri e di aver scelto di eliminarli definitivamente per evitare terribili ripercussioni personali. L’angoscia e l’esasperazione dell’artista si manifestano in questo affollarsi di figure, nei colori impetuosi e violenti e nei movimenti diagonali e divergenti. La scena è così travolta da una forte carica espressiva. Come possiamo intuire, però, l’opera suscitò feroci e avverse reazioni presso la critica. I giudizi più aspri furono mossi dalla stampa cattolica e dalla censura ecclesiastica che considerarono il quadro fortemente scandaloso data la nudità dei personaggi, in particolar modo della Maddalena.  Un attacco a cui l’artista palermitano si difese affermando che il corpo spoglio di quest’ultima fosse tutt’altro che sensuale e che, per quanto riguardava gli altri, si trattava di uomini che non erano né antichi, né moderni, perciò, vestirli li avrebbe resi banali o volgari. Guttuso trovò così opportuno sottrarli da ogni collocazione temporale.
Per il Regime Fascista si trattò di una bislacca crocifissione e Marziano Bernardi su La Stampa la definì “monstrum”, un’opera in cui in cui tutto stride, dalla forma e dal colore. Una tela in cui l’artista aveva commesso un grave errore, ossia capovolgere il tema passando dal divino all’umano. Tuttavia, nonostante le contestazioni iniziali, l’opera godette ben presto di una meritata approvazione. Immensa, dunque, è l’ ammirazione che si nutre osservando il coraggio di Renato Guttuso che con sapienza, audacia e profondità d’animo decise di mettere al bando quella violenza e quelle atrocità che tutt’oggi ricordiamo con forte turbamento. Immagini tratte da: www.news-art.it Wikipedia, pubblico dominio, voce: Francis Bacon www.artemagazine.it  05/12/2018 - 05/05/2019 Al Museo Ebraico di Roma e al Museo di Scultura Antica Giovanni Barracco la mostra sull’archeologo e mercante d’arte Ludwig Pollak (Praga 1868 – Auschwitz 1943). Le opere in mostra ripercorrono la storia professionale e personale del grande collezionista: dalle sue origini nel ghetto di Praga, agli anni d'oro del collezionismo internazionale, alla tragica fine nel campo di sterminio di Auschwitz-Birkenau. Mostra dedicata alla vita e all’attività scientifica dell’archeologo Ludwig Pollak in occasione dei 150 anni dalla nascita e a 80 anni dalla promulgazione delle Leggi razziali in Italia. Archeologo, grande connoisseur, tra i più importanti mercanti d'arte dell'epoca, Ludwig Pollak è ricordato anche per importanti scoperte, tra cui il ritrovamento del braccio originale del Laocoonte e dell'Atena di Mirone. La sua appartenenza al mondo culturale e religioso ebraico ha inoltre favorito i suoi legami di amicizia e collaborazione con eminenti personalità della cultura viennese di fine secolo, in particolare con Sigmund Freud. Purtroppo l’origine ebraica ha anche comportato il tragico epilogo della sua vita ad Auschwitz, dove è stato deportato con la moglie e due figli nel 1943. Le oltre cento opere in mostra (dipinti, sculture antiche, vasi greci, acquerelli, libri rari e fotografie d'epoca, inediti documenti d’archivio) nella sede del Museo Barracco e nella sede del Museo Ebraico di Roma ripercorrono le tante storie che accompagnarono la vita del grande collezionista. Orario Dal 5 dicembre 2018 al 5 maggio 2019 Da martedì a domenica ore 10.00 - 16.00 (ingresso consentito fino alle 15.30) di Nicola Avolio  Maurits Cornelis Escher, Relatività, 1953 " Qualche giorno fa, il 10 marzo per la precisione, sono stato in visita al PAN (Palazzo delle Arti di Napoli) in occasione della mostra dedicata al grande incisore e grafico olandese Maurits Cornelis Escher, presente all’interno della struttura museale fino al prossimo 22 aprile: una mostra che non mette in risalto solo le opere del grande artista amatissimo dal pubblico, ma anche l’influenza che esse hanno avuto nel mondo del cinema, della musica e dello spettacolo, con artisti a lui successivi che hanno preso spunto, per i loro capolavori, proprio dalle opere dell’olandese. Tra le 200 opere esposte, quella che mi ha maggiormente colpito e di cui parlerò in questo articolo è "Relatività", una litografia realizzata da Escher nel dicembre del 1953: un’opera che riassume il concetto di “paradosso”, il quale accompagna l’artista olandese a partire dalla seconda fase del suo operato, che seguì la prima fase in cui Escher si dedicò alla produzione di xilografie e litografie raffiguranti paesaggi e scorci, specie di paesaggi italiani (Roma e gli Abruzzi in particolare). Un’immagine composta da più immagini, da più scene possibili: notiamo uomini che assomigliano a delle pedine di scacchi salire alcune rampe di scale, altri che si affacciano ad un balcone, altri ancora che scendono, ed è proprio qui che sta il paradosso, un’immagine impossibile composta da tante scene possibili, tante scene quanti sono gli occhi degli osservatori che si perdono nel seguire i percorsi delle varie figure rappresentate, sfociando quindi nell'incomunicabilità, in un mondo in cui gli uomini svolgono ognuno il proprio compito e, per quanto vicini, destinati a non incontrarsi mai, uomini muti e inconsapevoli di ciò che accade intorno a loro: e per questo parliamo di un mondo relativo, un mondo senza un punto di vista ben preciso, ed è questo elemento che dà, appunto, il titolo all’opera. Ma una speranza, secondo Escher, esiste, ed è rappresentata dalla coppia che cammina abbracciata, in alto a sinistra: la speranza di ritrovarsi in una prospettiva, di muoversi sullo stesso pavimento, perché l’amore fa ritrovare le strade, è il punto d’incontro per una vista comune. E quando si cammina in due, si fa sempre prima. L’immagine della litografia, nonché l’ultima citazione dell’articolo che mi ha particolarmente colpito in ambito di chiusura articolo, le ho tratte dal seguente sito: https://piantatastorta.wordpress.com/2012/09/04/e-sempre-questione-di-punti-di-vista-relativita-di-m-c-escher/ di Andrea Samueli
Da una parte, in uno spazio esterno, notiamo alcuni animali da soma intenti a camminare intorno a strane strutture, che capiamo essere delle macine per il grano: sono composte da due parti in pietra, una fissa a forma di cono (meta) ed una superiore girevole a forma di doppio tronco di cono (metillus). Lo sfregamento delle due componenti permette al grano di essere macinato e la farina ottenuta si raccoglie in un catino di metallo posto sopra lo zoccolo in muratura. Da notare che la forma del metillus permette al proprietario di invertirlo in caso di deperimento. Vicino alle macine si trova il forno (furnus), non dissimile da quelli cui siamo abituati anche ai nostri tempi. Pensate che in uno di questi forni (il pistrinum di Modesto) sono state rinvenute ben 81 pagnotte circolari con spicchi incisi. La farina per ottenere pani e focacce viene impastata a mano o con apposite macchine, composte da recipienti dentro i quali ruotano assi di legno dotati di pale, come nelle moderne impastatrici. Il forno che stiamo osservando non presenta il bancone per la vendita poiché la sua produzione è rivolta ad altre botteghe, una vendita all'ingrosso diremmo oggi, con consegna effettuata da schiavi muniti di grandi cesti; molti hanno però annessa anche una bottega per la vendita al dettaglio: un semplice banco con i pani disposti ordinatamente e uno scaffale alle spalle del venditore con altri prodotti. Anche in questo caso ci stupisce la somiglianza con le nostre panetterie. Cosa ne dite? Ci siamo meritati una gustosa frittella?  Immagini tratte da:
 Una grande mostra evento su Antonio Canova che porta a Napoli ben sei prestiti eccezionali dal Museo di San Pietroburgo, dove sono conservati il maggior numero dei capolavori in marmo del maestro. L’evento, reso possibile grazie a una serie di collaborazioni avviate nel 2017 con il Museo Statale Ermitage, metterà in relazione, per la prima volta, l’arte sublime dello scultore con l’arte antica e con i modelli che lo seppero ispirare.
Il percorso espositivo - a cura di Giuseppe Pavanello, affiancato da autorevoli studiosi e dalla direzione dei due musei promotori - accompagnerà i visitatori tra marmi e gessi di Canova, bozzetti, disegni e tempere del grande artista, in prestito da musei internazionali, posti accanto a capolavori delle raccolte del Mann. Dove Napoli Quando da Giovedì 28 Marzo a Domenica 30 Giugno 2019 Orario 09.00 - 19.30 Tutti i giorni. Martedì chiuso.  Dal 16 dicembre 2018 al 17 marzo 2019, Palazzo Farnese di Piacenza ospita una mostra che ripercorre l’epopea del grande condottiero cartaginese.
L’esposizione ANNIBALE UN MITO MEDITERRANEO, curata dal professor Giovanni Brizzi, accademico italiano e massimo esperto di Annibale, è un viaggio nella storia del Mediterraneo all’epoca delle Guerre Puniche, attraverso la vicenda dell’uomo che osò sfidare Roma. ANNIBALE UN MITO MEDITERRANEO offre una lettura innovativa delle vicende del condottiero cartaginese. Affianca all’esposizione dei reperti (ceramiche, armi, dipinti) provenienti da collezioni italiane e straniere, un apparato tecnologico che arricchisce e rende dinamico e coinvolgente il racconto, orienta le modalità di comunicazione e movimenta l’allestimento. Pensato come esperienza immersiva, con installazioni audiovisive, animazioni grafiche, teche olografiche interattive e videoinstallazioni, il percorso della mostra si snoda negli spazi sotterranei di Palazzo Farnese con varie sezioni tematiche che raccontano l’avventura del protagonista, con la sua voce a far da guida nei passaggi nodali del racconto. Nelle prime sezioni due diverse linee del tempo introducono allo scenario storico del III secolo a.C., accanto ad una teca olografica con cui il pubblico potrà interagire, mentre una videoproiezione immersiva consente di affacciarsi sul Mediterraneo. La famiglia di Annibale, la sua città d’origine, la formazione culturale, la sua ascesa politica e militare sono raccontati attraverso schermi e pannelli grafici mentre una spettacolare ambientazione scenografica immersiva è dedicata all’episodio della traversata delle Alpi, con effetti speciali di suoni e di immagini in movimento. Un focus particolare è riservato all’arrivo del condottiero a Piacenza e una sala intera ospita il racconto delle sue più famose battaglie: grandi schermi a parete mostrano gli schieramenti dei due eserciti, gli armamenti, le caratteristiche tattiche, mentre un grande tavolo circolare con videoproiezione consente di rivivere su una mappa virtuale i combattimenti. La mostra prevede anche una sala cinema lungo il percorso, con proiezione di film storici ed esposizione di rari costumi scenici ispirati alla storia del condottiero. Molte le iniziative collaterali in programma: cicli di incontri e conferenze con giornalisti, storici, divulgatori; visite guidate, laboratori didattici per le scuole di primo e secondo grado, eventi teatrali e pubblicazioni. PIACENZA – PALAZZO FARNESE 16 DICEMBRE 2018 – 17 MARZO 2019 #annibaleapiacenza Curatore: GIOVANNI BRIZZI 5/3/2019 La collezione cinese e giapponese del Museo Nazionale delle Ceramiche "Duca di Martina" di NapoliRead Nowdi Nicola Avolio Una delle rarità presenti nella città di Napoli è certamente costituita dalla collezione di manufatti cinesi e giapponesi presente nel Museo Nazionale delle Ceramiche “Duca di Martina”, sito nel quartiere Vomero della città partenopea: essa fa parte dell’immensa collezione appartenuta a Placido de’ Sangro, ossia il Duca di Martina, il quale viaggiò in lungo e in largo per l’Europa e acquistò numerosi manufatti sia di manifattura occidentale che di manifattura orientale. Dopo la sua morte, avvenuta nel 1891, la collezione passò nelle mani dell’omonimo nipote e, dopo la morte di quest’ultimo, avvenuta nel 1911, la collezione fu donata dalla moglie di quest’ultimo, la principessa Maria Spinelli di Scalea, in eredità al Comune di Napoli e, affinché se ne evitasse la dispersione, come luogo deputato alla conservazione di questa collezione fu scelta, appunto, la Villa Floridiana, nella quale fu istituito, nel 1931, il Museo Duca di Martina.
Nel corso del primo allestimento museale, effettuato nel 1927 da Carlo Giovene duca di Girasole, la collezione orientale fu collocata al piano nobile della villa, precisamente dalla sala 17 alla 22, in concomitanza con le porcellane di manifattura napoletana ed europea; il secondo allestimento fu effettuato nell’immediato dopoguerra, precisamente nel 1945, dal sovrintendente Bruno Molajoli e dall’allora direttrice del Museo Elena Romano, nel corso del quale fu restaurato e riaperto al pubblico il piano seminterrato della villa, nel quale fu poi collocata la collezione orientale; essa però chiuse al pubblico negli anni ’70 a causa della mancanza di fondi e fu riaperta solo nel 1986 sfruttando i fondi F.I.O. (Fondi per l’Investimento e per l’Occupazione). La collezione, che conta più di 3000 manufatti, risulta essere una delle più importanti sia a livello nazionale che internazionale, e si compone di numerosi manufatti provenienti dalla Cina e dal Giappone: per quanto riguarda i manufatti cinesi, sono presenti numerosi oggetti in giada, lacca, bronzo e avorio, numerosi vasi, statuette votive e teiere risalenti ai periodi Ming e Qing e appartenenti allo stile “bianco-blu”, alla “famiglia Rosa” (ovvero con il colore rosa che predomina nel manufatto), alla “famiglia Verde” (con il verde che predomina), numerosi monocromi e il preziosissimo Tamburino Tang, un piccolo manufatto in terracotta risalente al VIII secolo circa e raffigurante un cavaliere a cavallo. In quanto ai manufatti giapponesi, abbiamo, anche qui, numerosi vasi, piatti, teiere e statuette votive appartenenti allo stile Kakiemon, che trae il nome dal famoso ceramico giapponese vissuto nel IV secolo, e Imari, dal nome del porto giapponese dal quale questi manufatti venivano imbarcati alla volta dell’Europa tramite la Compagnia delle Indie Orientali. Immagini tratte da: La foto della facciata della Villa Floridiana è stata scattata da me personalmente, la foto del duca Placido de’ Sangro è tratta dal sito “http://www.nontistavocercando.it/2011/02/21/la-giacca-del-duca/” e tutte le foto dei manufatti cinesi e giapponesi sono tratte dal sito del Polo Museale della Campania (http://www.polomusealecampania.beniculturali.it/index.php/le-collezionidm) di Marianna Carotenuto Il 26 Febbraio del 1808, a Marsiglia, nasceva Honoré Daumier: pittore, scultore, litografo e caricaturista francese. Vogliamo ricordarlo con il suo dipinto realista “Il vagone di terza classe”, senza dubbio una delle sue opere più note. Daumier era un acuto osservatore degli effetti che l'industrializzazione causava sulle classi lavoratrici di Parigi. Cominciò a raffigurare scene di trasporti pubblici già nel 1839. La sua attenzione si focalizzava non sui mezzi stessi, bensì sulle reazioni delle persone che si adattavano a condizioni che erano spesso scomode, nonché drammatiche. Soprattutto Il vagone di terza classe del 1862, segna l’apice del prolungato impegno di Daumier con il tema del viaggio in treno, simbolo di denuncia delle condizioni delle classi più disagiate, dimenticate dallo Stato.  Il pittore ritrae un vagone ferroviario di terza classe molto affollato, i finestrini lasciano appena intravedere un cielo livido e i viaggiatori, ammassati su dure panche di legno, hanno un’espressione che suggerisce evidentemente la rassegnazione al loro destino di povertà e sofferenza. In primo piano sono raffigurati due viaggiatori seduti, probabilmente una famiglia. Una giovane madre allatta un neonato al seno e accanto a lei una donna anziana, con il capo coperto da un cappuccio e un mantello, sembra avere lo sguardo fisso nel vuoto. Sulle gambe ha un cesto sul quale poggia le mani. Affianco a loro, sulla destra, dorme un ragazzino adolescente, completamente in ombra, persino su di lui sembra pesare l’infelicità della sua giovane vita. In netta contrapposizione con la classe povera, sui cui volti si intravede la fatica, si individuano i borghesi, che con la loro arroganza e indifferenza danno le spalle ai poveri lavoratori, non curandosi di loro. I ricchi borghesi sono posti in secondo piano e sembrano occupare spazi migliori. Inoltre, anche il clima emotivo è decisamente diverso. In primo piano sembra aleggiare un senso di impotenza e di tristezza senza speranza. Nello spazio posteriore, invece, i passeggeri conversano animatamente e sembrano vivere una dimensione sociale appagante. Si delinea così il netto divario tra le due classi sociali, un concetto metaforico e reale che l’artista vuole sottolineare. Daumier, nei suoi dipinti realisti, adattò il suo talento di caricaturista per rendere i suoi personaggi molto espressivi. I volti e le figure de Il Vagone di terza classe sono ripassati da una linea nera di contorno molto scura. Il chiaroscuro utilizzato per dare volume alle forme è costruito con ombre molto profonde. Il colore è steso in maniera poco uniforme: Il vagone di terza classe è un olio su tela, ma presenta allo stesso tempo un tratto veloce, che lascia le figure quasi incompiute. È così che Daumier, percependo la tristezza della povera gente costretta a vivere in ristrettezze economiche e condizioni drammatiche, dà voce ad una denuncia sociale a favore delle classi più disagiate. Se sei giunto fin qua: al termine dei prossimi articoli di arte e archeologia inseriremo una parola non legata all'articolo. Potrete ricopiarla e inserirla nei commenti su FB senza spiegare il perché: una sorta di gioco mensile al termine del quale riporteremo i nomi dei "lettori più attenti" in un post a loro dedicato. La parola di oggi è: dizionario Immagine tratta da: Wikipedia pubblico dominio “Il vagone di terza classe” Potrebbe interessarti anche: 
di Ilaria Ceragioli
È nota come digital art o computer art quella tipologia di arte elaborata in forma digitale mediante un computer, una tavoletta grafica, una scansione fotografica e via dicendo.
La nascita dell’arte digitale si colloca nel 1950 per merito di due matematici e programmatori appassionati di grafica: lo statunitense Ben Laposky e il tedesco Manfred Frank. L’evoluzione di quest’arte è sostanzialmente legata a 3 fasi: una fase pioneristica che giunge fino alla metà degli anni ’70 del secolo scorso; una seconda fase che si colloca negli anni ’80; e una terza ed ultima fase a partire dagli anni ’90. La prima fase è caratterizzata da esperimenti di visualizzazione di immagini al computer. Tra i maggiori digital artist di questo periodo ricordiamo Charles A. Csuri e Vera Molnar. Charles A. Csuri fu tra i primi a cimentarsi nell’utilizzo del computer, specializzandosi nella creazione di immagini bidimensionali e nell’animazione. Attualmente è professore presso l’Ohio State Advanced Computing Center for Art and Design (ACCAD), da lui ideato. Nel 1967 crea Sine-Curve Man, un uomo barbuto la cui immagine viene alterata adoperando la funzione di curva sinusoidale. 
Vera Molnar, invece, è un’artista di origini ungheresi, tra le fondatrici del movimento di Arte Cinetica GRAV (groupe de recherches d’Art Visuel) che sancisce l’unione tra l’arte e l’informatica.
Celebre è la sua Computer rosace-series, opera del 1974 in cui Vera Molnar traduce, con un’evidente sensibilità minimalista, immagini elaborate tramite un computer che ripetono ossessivamente motivi geometrici. 
Passiamo adesso alla seconda fase evoluzionistica dell’arte digitale. Essa vede la diffusione di personal computer e di varie forme d’arte basate sulla tecnologia digitale.
Eccellente e significativo interprete di questa fase fu l’inglese William Latham, oggigiorno professore presso la University of London. Latham, fu tra i primi artisti a creare forme evolutive ed organiche attraverso un programma chiamato “mutator”, sviluppato in collaborazione con il matematico Stephen Todd. Da qui la realizzazione del cortometraggio The Evolution of form (1989). Per concludere il nostro breve excursus sulle varie tappe di sviluppo dell’arte digitale ci avventuriamo adesso nell’analisi dell’ultima fase, segnata dallo sviluppo della realtà virtuale, dell’interattività e dalla nascita della Net Art. Una figura di spicco nell’ambito dell’arte interattiva è Jeffrey Shaw, uno dei digital artist più acclamati dal pubblico e dalla critica attuale. Era il 1991 quando Shaw presentò The Legible City. Siamo dinanzi ad una installazione interattiva che connette spazi reali e virtuali; il visitatore, infatti, può esplorare una città virtuale in cui gli edifici sono sostituiti da lettere dell’alfabeto semplicemente guidando una bicicletta. Tutto ciò è possibile grazie al collegamento dei pedali e del manubrio con un computer che genera immagini proiettate su un grande schermo. Infine, per quanto riguarda la Net Art (quella disciplina artistica che crea opere d’arte servendosi della rete internet) degna di nota è la creazione “Riot” (1999) dello statunitense Mark Napier. 
In questo progetto Napier unisce diversi siti web portando così al collasso dei domini e dei confini territoriali. Dunque, con l’avvento dell’era elettronica l’arte ha ampliato ulteriormente i suoi orizzonti, i suoi spazi di esecuzione, coinvolgendo attivamente lo spettatore e manifestandosi in forme e modalità un tempo impensabili. Immagini tratte da: www.siggraph.org www.dada.compart-bremen.de www.marknapier.com di Paola Desiderato  Dal 6 ottobre 2018 al 27 gennaio 2019, il Museo della Permanente a Milano ha ospitato la mostra “Caravaggio. Oltre la tela. La mostra immersiva”, a cura di MondoMostreSkira. Dopo il successo di precedenti mostre sul pittore cinquecentesco che si sono susseguite nel corso degli anni e in varie città d'Italia, questa mostra, per l'appunto "immersiva", intendeva raccontare le tappe fondamentali della vita di Caravaggio, in un modo ancora più coinvolgente ed affascinante: sotto forma di una narrazione teatrale, l’esposizione era divisa in quattro atti, come i periodi di vita dell’artista, accompagnati ed illustrati da oltre cinquanta opere. Per superare l’ostacolo oggettivo dell’impossibilità di vedere dal vivo alcune di queste opere inamovibili, si è voluto riportarle ugualmente di fronte agli occhi meravigliati del pubblico con l’ausilio di strumenti multimediali. La mostra, prodotta da NSPRD, ha coinvolto un team di giovani sceneggiatori, cineasti, video artisti, scenografi, doppiatori che, con la consulenza della storica dell’arte Rossella Vodret, hanno elaborato un nuovo formato di mostra, che non si limitava alla semplice presentazione delle opere in alta risoluzione e dei loro dettagli, ma mirava a sfruttare al massimo le tecnologie per una divulgazione scientifica di ultima generazione.  Il personaggio di Michelangelo Merisi è stato oggetto di una serie di esposizioni e di mostre non solo per la sua straordinaria tecnica e la sua visione artistica, ma anche per il carattere turbolento e l’alone di mistero che lo ha sempre avvolto così come le vicende riguardanti le sue fughe dal peccato e la paura di attentati alla sua vita – vicende che si riflettevano nelle sue opere e nel modo febbrile che aveva di approcciarsi alla tela. Proprio per l’ambiguità che questo artista rappresenta, le discussioni storiche ed artistiche su di lui e sulle sue opere non avranno mai fine: I Bari, Giuditta e Oloferne, Amore Vincitore, Morte della Vergine, Medusa, Martirio di San Matteo e tante altre. Che si conoscano già oppure no, questi capolavori lasciano sempre senza fiato. Ciononostante alcune esposizioni, meglio di altre, hanno cercato di svelare i misteri del Caravaggio o di raccontare un nuovo punto di vista sulla sua vita. È il caso di questa mostra in cui, come in un vero e proprio spettacolo, cinematografico o teatrale, il racconto è stato avvincente ed è risultata quindi, per chi l’ha vista, più memorabile ed utile delle famose ma superficiali esposizioni multimediali, note come “experience”, dedicate ai grandi artisti. Il titolo “Oltre la tela. La mostra immersiva” è stato coerente con il contenuto, esemplificativo e chiarificatore rispetto alle vicende storiche. L’analisi delle opere, seppur sommaria, aiutava l’occhio degli spettatori a scoprire i dettagli principali, e le aspettative del pubblico sono state rispettate: tutti elementi non da poco nel mondo dell’arte e delle mostre, attualmente. Foto tratte da: Foto dell’autore. di Marianna Carotenuto La maggior parte dei manuali di letteratura, accanto alla biografia dell’autore de “I Promessi Sposi” riporta questo ritratto: Alessandro Manzoni seduto su di una elegante poltroncina, con un’espressione molto intensa e profonda.  Sebbene sia la sua immagine più conosciuta, pochi studenti sanno chi sia stato a dipingerlo. Se sfugge anche a te, rimediamo subito. Alessandro Manzoni era già stato ritratto nel 1831 da Giuseppe Molteni: in questo dipinto lo scrittore è in piedi e regge nella mano sinistra proprio una copia della sua opera principale. Sullo sfondo si vedono Lecco e il Lago di Como, località dove hanno avuto luogo le vicende di Renzo e Lucia, protagonisti del romanzo.  Nel 1841 la seconda moglie di Manzoni, la contessa Teresa Borri Stampa e suo figlio, Stefano Stampa, grande appassionato d’arte e mecenate, commissionarono il suo secondo ritratto.
Il desiderio di Teresa era quello di tramandare l’aspetto quotidiano del marito, allontanandosi dall’immagine di letterato ispirato che caratterizzava il ritratto precedente. A tal scopo si rivolse a Francesco Hayez, l’autore del celebre dipinto “Il Bacio”. Il pittore romantico si impegnò molto nella realizzazione del ritratto, tanto che vi dedicò ben quindici sedute di posa, prima di portarlo a compimento il 26 giugno 1841. Hayez volle esprimere in una sola immagine le qualità personali, morali e professionali dello scrittore, utilizzando uno stile estremamente realistico. Manzoni è seduto e rivolto verso sinistra, con il volto inclinato, labbra sottili che accennano un sorriso, il viso incorniciato da due lunghe basette. Indossa una giacca scura sopra ad una camicia chiara ed ha un fazzoletto stretto intorno al collo. La mano destra è posata sul bracciolo della poltrona, mentre nella mano sinistra non regge I Promessi Sposi, come nel precedente dipinto, ma una tabacchiera. La gamba destra è accavallata sulla sinistra in una posizione naturale e disinvolta. L’artista spogliò il ritratto di tutti gli elementi decorativi, facendo apparire lo sfondo plumbeo, con un alone luminoso in corrispondenza del busto dello scrittore. Il tessuto dei pantaloni è di color ocra scuro e richiama il colore del fondo illuminato. L’incarnato è caldo e lo spazio è reso attraverso la luce che crea una limitata profondità. Con quest'espediente pittorico, Manzoni sembra esser circondato da una sorta di aura che lo colloca in una dimensione senza tempo. Il quadro ebbe enorme successo tanto che venne apprezzato sia dalla famiglia del Manzoni che dall’opinione pubblica. Fu lo stesso Hayez a vantarsi del suo ottimo lavoro, accompagnando personaggi famosi del tempo a visitare il ritratto dello scrittore. Tra i tanti ammiratori, Gaetano Cattaneo lodò la scelta dell’artista di collocare il Manzoni «in una posizione naturale e sua abituale». Il critico d'arte Fernando Mazzocca lo ha ritenuto il «vertice più alto dell'iconografia manzoniana» per aver saputo interpretare il «carattere, insieme pacato e inquieto, dell'effigiato, una pittura essenziale, raffinatissima, funzionale a esprimere le più intime e sfuggenti variazioni dei moti dell'animo». Se sei giunto fin qua: al termine dei prossimi articoli di arte e archeologia inseriremo una parola non legata all'articolo. Potrete ricopiarla e inserirla nei commenti su FB senza spiegare il perché: una sorta di gioco mensile al termine del quale riporteremo i nomi dei "lettori più attenti" in un post a loro dedicato. La parola di oggi è: lampada. Immagini tratte da: Wikipedia pubblico dominio: Alessandro Manzoni Wikipedia pubblico dominio: Molteni Giuseppe, Alessandro Manzoni 5/2/2019 Il Museo Civico Gaetano Filangieri: alla scoperta di uno dei tesori nascosti della città di NapoliRead Nowdi Nicola Avolio Tra i tanti musei e le tante bellezze di cui la città di Napoli è stracolma, ci terrei ad approfondire la figura di un museo che, in occasione di mie numerose visite e sopralluoghi, mi ha colpito particolarmente e che nel corso degli anni è sempre rimasto un passo indietro rispetto alle principali mete artistiche solitamente frequentate da turisti e cittadini: il Museo Civico Gaetano Filangieri. Situato sull'arteria di Via Duomo, nel cuore del centro storico di Napoli e a pochi passi dal Duomo, il Museo fu progettato e realizzato a partire dal 1883 da Gaetano Filangieri, principe di Satriano: egli trovò nel rinascimentale Palazzo Como il luogo ideale in cui poter ospitare la sua collezione privata e, per scongiurarne l'abbattimento a causa dei lavori del Risanamento, lo arretrò di 20 metri allineandolo, quindi, lungo Via Duomo. Il Museo fu inaugurato nel novembre del 1888 e risulta essere diviso nel seguente modo: al pianterreno vi è la sala dedicata a Carlo Filangieri, padre di Gaetano, contenente, oltre a un busto in marmo raffigurante lo stesso Carlo, una rarissima e stupenda collezione di armi orientali (databili tra il XVII e il XIX secolo) di provenienza cinese e giapponese a quest'ultimo appartenuta; salendo lungo una scala a chiocciola si accede a quello che costituisce il cuore del Museo, ovvero la Sala Agata, divisa in due settori, quello inferiore e quello superiore, nel primo settore troviamo raccolte di dipinti del '600 napoletano, di artisti del calibro di Jusepe Ribera, Luca Giordano, Andrea Vaccaro, Battistello Caracciolo e Andrea Preti, mentre nel secondo settore troviamo una raccolta di porcellane giapponesi in stile Kakiemon e Imari databile al XVIII secolo, pastori presepiali del XVIII e del XIX secolo e porcellane napoletane della fabbrica di Capodimonte, ma anche di manifattura tedesca, francese, inglese e olandese. Dal livello superiore della Sala Agata si accede, tramite una piccola scalinata, ad una biblioteca contenente, oltre a più di 30.000 volumi, un archivio storico con documenti compresi tra il XIII e il XIX secolo. Immagini tratte da:
Immagini museo: https://www.tvdaily.it/arte-cultura/napoli-arte-contemporanea-per-salvare-il-museo-filangieri.php Armi in asta e porcellane: fotografie dell'autore Sala Agata: http://www.arte.it/guida-arte/napoli/da-vedere/museo/museo-civico-gaetano-filangieri-2840/immagini/il-museo-gaetano-filangieri-foto-copy-lorenzo-cabib-courtesy-of-museo-civico-gaetano-filangieri-napoli-br-63749 Biblioteca:https://www.artribune.com/attualita/2012/05/filangieri-se-riaprire-un-museo-diventa-provocazione/attachment/museo-filangieri-biblioteca-2/ 29/1/2019 Letizia Battaglia, fotografie. Ai Granai di Villa Mimbelli dal 19 gennaio al 15 marzo - Comunicato stampaRead Now Letizia Battaglia nasce a Palermo nel 1935. Fotografa, artista, regista, ambientalista, politica, editrice, è tra le prime donne fotoreporter in Italia. Nel 1974 inizia la sua carriera di fotografa per il quotidiano L’ORA di Palermo e con il collega e compagno Franco Zecchin fonda l’agenzia “Informazione Fotografica”. Cronista di frontiera, documenta la Palermo in cui la mafia fronteggia lo Stato e regola i propri conti amministrando con il sangue la legge del territorio. Immortala poliziotti, giudici e uomini delle istituzioni in prima fila nella lotta contro Cosa Nostra. Consegna alla storia fotografie di Giorgio Boris Giuliano, del presidente della Regione Siciliana Piersanti Mattarella (ritratto, appena ucciso, tra le braccia del fratello Sergio, l’attuale presidente della Repubblica), del generale Dalla Chiesa, dei magistrati Falcone e Borsellino. Ritrae intellettuali come Pier Paolo Pasolini ed Ezra Pound, diventa amica di grandi fotografi come Diane Arbus, Sebastião Salgado, Josef Koudelka. Letizia Battaglia passa in rassegna quarant’anni di vita e società italiana. Il suo obiettivo si trova sempre là dove è necessario raccontare: dagli scontri di piazza agli omicidi di mafia, dalle carceri agli ospedali psichiatrici. Ma i suoi soggetti preferiti, dichiara, restano sempre le donne e i bambini. E’ la prima europea a ricevere nel 1985 a New York il Premio Eugene Smith per il fotogiornalismo (riconoscimento internazionale istituito per ricordare il fotografo di Life, assegnato annualmente a chi si è distinto in ambito sociale, economico, politico o ambientale). Nel 1991 fonda la rivista bimestrale realizzata da sole donne ” Mezzocielo”. Nel 1999 vince The Mother Johnson Achievement for Life San Francisco. Nel 2007 l’Associazione Tedesca per la Fotografia (DGPh) le assegna The Erich Salomon Prize. Nel 2009 viene premiata con il Cornell Capa Infinity Award. Peace Women Across the Globe la segnala tra le 1000 donne per il Nobel per la pace. Nel 2017 il New York Times la inserisce (unica italiana) fra le undici donne più influenti del mondo e il MAXXI di Roma le rende omaggio dedicandole un’antologica che raccoglie più di duecento scatti, provini, vintage e documenti inediti. Oltre che in Italia Letizia Battaglia ha esposto nei Paesi dell’Est, Francia (Centre Pompidou, Parigi), Gran Bretagna, America, Brasile, Svizzera, Canada. Tiene lecture e workshop per musei e istituzioni in Italia e all’estero. Dal 2017 dirige e cura la selezione di mostre e incontri dedicati alla fotografia storica e contemporanea del Centro Internazionale di Fotografia, presso i Cantieri Culturali alla Zisa di Palermo. La Fondazione Carlo Laviosa da sempre reputa il mondo del lavoro un campo di analisi di fondamentale importanza per la comprensione delle dinamiche sociali e delle disparità di condizione tra paese e paese. Parlare di lavoro significa riflettere sull’energia primaria della quale l’umanità dispone e sul concetto di democrazia e per farlo la Fondazione ha scelto un linguaggio che da circa 150 anni è testimone ed archivio delle azioni dell’uomo e delle trasformazioni del pianeta: la fotografia. Questa scelta ha generato un progetto, “Fotografia e Mondo del Lavoro”, condiviso dall’Amministrazione Comunale, che si articola in momenti espositivi, momenti produttivi e didattici e in un concorso. Il progetto non poteva non concedere spazio al lavoro del fotografo in quanto giornalista: “Letizia Battaglia rappresenta un esempio per le nuove generazioni e i principi che hanno mosso e governato la sua vita dovrebbero essere applicati in qualsiasi ambito lavorativo: l’onestà intellettuale, il rispetto degli altri, l’assenza di prosopopea e di superficialità senza dubbio rappresentano il viatico per una società più giusta”, afferma Giovanni Laviosa Presidente della Fondazione. INFORMAZIONI / SCHEDA TECNICA Titolo della mostra: “Letizia Battaglia” Un progetto della Fondazione Carlo Laviosa in collaborazione con il Comune di Livorno A cura di Serafino Fasulo Date: dal 19 gennaio al 15 marzo 2019 Sede espositiva: Museo Fattori, Granai di Villa Mimbelli, via San Jacopo in Acquaviva 65 – Livorno, venerdì-domenica ore 10.00/13.00 e 16.00/19.00, ingresso Euro 5.00, gratuito per i ragazzi sotto i 14 anni, visite guidate su prenotazione: www.museofattori.livorno.it Catalogo: “Letizia Battaglia”, AA VV, Pacini Editore Ufficio stampa: Silvia Pichini, silviapichini@ngi.it, mob. +39 3474536136 Ufficio Comunicazione e Marketing – Comune di Livorno tel. 0586 820268-266-504web. www.comune.livorno.itfacebook. www.facebook.com/comunedilivorno/instagram. ComunediLivorno twitter. @ComunediLivorno |
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