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di Ilaria Ceragioli “Sono un figlio del Nord, e tutto ciò che sono è una parte del suo popolo e della sua natura selvaggia. Ovunque mi trovi, il Nord sarà sempre la mia patria. Amo la natura aspra e malinconica del Nord, e quei vividi lampi di luce che gli artisti nordici sanno esprimere.” È con queste parole che il pittore Konrad Mägi si descrive nel dicembre del 1907 a Parigi, durante un soggiorno piuttosto infelice. La sua permanenza presso la capitale francese fu infatti aspramente segnata dalla povertà e dall’incapacità di inserirsi all’interno dell’ambiente artistico della metropoli, troppo distante dalle sue radici e dalla sua indole. Konrad Mägi è attualmente considerato il capostipite della pittura estone moderna ed è maggiormente noto per la sua straordinaria dedizione alla pittura di paesaggio. Nelle sue tele Mägi riproduce il fascino sublime della natura del Nord, nonché della sua terra d’origine, incontaminata e imprevedibile. E così, la natura diviene uno spazio onirico e sacro in cui emergono la stessa irrequietezza e la stessa inquietudine del pittore. In un primo momento, durante la sua permanenza a Parigi, Konrad Mägi subisce l’influenza dell’Impressionismo e del Fauvismo: i colori e gli effetti luminosi dominano lo spazio pittorico. Ne è un chiaro esempio Paesaggio norvegese con pino un olio su tela databile al 1908-1909 e conservato presso il Museo Nazionale d’Arte dell’Estonia.  Qui immortala il tipico paesaggio della Norvegia, paese in cui visse per un paio di anni, dal 1908 al 1910. La natura vergine e selvaggia di quella terra è qui resa dalla sola presenza di alcuni arbusti in primo piano e da qualche specchio d’acqua che timidamente si fonde con l’ambiente circostante. I toni caldi prevalgono su quelli freddi dando concretezza a quella sensazione di surreale e di infinito che caratterizza il tipico paesaggio norvegese. Smarrimento e solitudine invadono l’animo dello spettatore. Nel 1918 la sensibilità e il tormento interiore dell’artista emergono in una pittura di paesaggio più vicina all’Espressionismo. Significativo in questo senso è Lago Pühajärv, un olio su tela realizzato da Mägi tra il 1918 e il 1920.  La carica emotiva del pittore è espressa in tutta la sua agitazione da pennellate spesse e nervose. La quiete delle acque del lago Pühajärv, nel sud dell’Estonia, contrasta con l’imprevedibile mutare del cielo e l’impetuoso movimento degli arbusti che sembrano essere sconvolti da un gelido vento. Un temperamento più sereno e pacato si evince, invece, nelle opere dell’ultima fase creativa di Konrad Mägi, eseguite durante un viaggio in Italia. Nel bel paese l’artista dipinse luminose e spensierate vedute di Roma, Capri e Venezia. Di seguito osserviamo così due tele, entrambe prodotte intorno al 1922-1923: a sinistra Capri, mentre a destra Venezia. Mägi trascorre sei settimane a Capri, isola della quale si innamorò perdutamente. Nell’opera conservata alla Enn Kunila's Art Collection di Tallinn (a sinistra) l’artista combina rovine antiche e natura riportando l’immaginazione a quell’antichità che tuttora incanta il visitatore. Nell’altra tela, invece, è presentato uno scorcio di Venezia con i suoi stretti e caratteristici canali. In ambedue i capolavori i protagonisti indiscussi sono i colori, ora accesi, vivaci e ricchi di vita. In Italia Konrad Mägi sembrava ormai aver trovato quella pace interiore e quella serenità che da tempo ricercava. Ben presto, però, nel 1925 l’artista tornò in patria poiché gravemente malato. Si spense così nella sua terra d’origine a soli quarantasette anni. Non svanisce però il ricordo della sua suggestiva produzione artistica che attraverso il colore seppe dare voce all’interiorità di un artista dotato di grande profondità d’animo. Immagini tratte da: Wikipedia, pubblico dominio, voce: Konrad Mägi Wikipedia, pubblico dominio, voce: Konrad Mägi www.kunilaart.ee Wikipedia, pubblico dominio, voce: Konrad Mägi
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di Andrea Samueli  Il Pantheon, a Roma, è uno dei monumenti più noti dell’epoca romana. Come dice il nome stesso, era il tempio dedicato a tutti gli dei ma, oltre alla valenza religiosa, aveva un’evidente scopo propagandistico, volto a far capire a tutti i visitatori di Roma quanto grandi fossero le abilità degli ingegneri e degli architetti romani. La prima costruzione, oggi non più visibile, risale all’epoca di Augusto: l’iscrizione che ci accoglie, sull’architrave del portico, ci ricorda che fu realizzato da Marco Vipsanio Agrippa nel 27 a.C.: M • AGRIPPA • L • F • COS • TERTIVM FECIT Marcus Agrippa, Lucii filius, consul tertium fecit Lo realizzò Marco Agrippa, figlio di Lucio, console per la terza volta  L’edificio originario rimase però coinvolto nell’80 d.C. in un violento incendio e venne restaurato dall’imperatore Domiziano anni dopo. In seguito ad un nuovo incendio nel 110 d.C., stavolta sotto Traiano, fu infine ricostruito da Adriano. Il nuovo cantiere, nonostante la mole della costruzione, fu estremamente rapido, essendo stato completato in soli sette anni (118-125 d.C.). In questa occasione fu realizzata la gigantesca cupola che ancora oggi lascia sbalorditi i turisti provenienti da tutto il mondo. Superato il portico iniziale, costituito da 16 colonne monolitiche in granito alte ben 12 metri, si entra nel corpo vero e proprio dell’antico tempio. Una particolarità: 2 delle 16 colonne si ruppero già in epoca antica e furono magistralmente riparate con l’inserimento di giunti. Se vi recate a Roma, aguzzate la vista! La cupola ha un diametro di 43,30 metri: ha mantenuto il primato di “più grande cupola al mondo” a gettata unica fino al XX secolo e all’impiego del cemento armato, quando questo record è stato superato dal CNIT al Rond-Point de la Défense a Parigi. Ma come riuscirono a realizzare una tale opera circa 2 millenni fa? I Romani utilizzarono materiali differenti, più leggeri mano a mano che ci si avvicina alla sommità della cupola. All’interno delle murature sono poi presenti archi di scarico che permettono di alleggerire ulteriormente il carico della struttura soprastante. Le fondamenta sono realizzate in opus caementicium (pietrisco e malta ricavata dalla calce) con l’aggiunta di frammenti di travertino. Segue poi uno strato, almeno fino sopra le colonne interne, nuovamente di opera cementizia con frammenti di tufo e travertino, quest’ultimo sostituito da mattoni nella parte su cui poggia la cupola. I tre anelli della cupola sono composti in opus caementicium con inclusi materiali differenti avvicinandosi alla sommità: dapprima laterizi, poi mattoni e frammenti tufacei, infine blocchetti di tufo e lava. In fase di costruzione avremmo visto una imponente centina in legno che i costruttori articolarono con una serie di cassettoni, dei quali restano le impronte a decorazione del soffitto. L’oculo, cioè l’apertura circolare che si trova al centro della struttura, permetteva l’ingresso della luce che, con un gioco degno di un grande sceneggiatore di Hollywood, il 21 aprile (il natale di Roma) illuminava la porta del tempio.  Immagini tratte da:
Pixabay di Nicola Avolio  Chi vive a Roma o chi semplicemente l’ha visitata almeno una volta nella propria vita, sicuramente si sarà imbattuto nel busto noto come Pasquino. Esso costituisce la più importante delle cinque “statue parlanti” della città di Roma ed è infatti da qui che hanno origine le celebri pasquinate, ossia i versetti satirici attaccati sul busto atti ad esprimere il malumore del popolo nei confronti dei poteri alti della città di Roma, sbeffeggiandone i rappresentanti. Il busto risulta essere, con ogni probabilità, ciò che resta di un’antica statua risalente al III secolo a.C., in stile ellenistico, e su come potesse apparire in passato, chi potesse rappresentare, sono state fatte molte ipotesi, di cui andremo a trattare, di seguito, le più accreditate.  Il Pasquino come Menelao e Patroclo della Loggia dei Lanzi, Firenze Stando ad alcuni studi, il Pasquino romano potrebbe essere ciò che resta di uno dei tanti gruppi scultorei raffiguranti Menelao e Patroclo: in questo caso prenderemo in analisi il gruppo scultoreo situato nella Loggia dei Lanzi, a Firenze. Questa versione del Menelao e Patroclo consiste nella copia romana tratta da un originale greco e che è stata frutto, negli anni, di molti restauri. Cosa accomunerebbe il Pasquino romano con il gruppo scultoreo della Loggia dei Lanzi? Innanzitutto, non sappiamo esattamente se il Pasquino romano fosse stato rappresentato in un momento di pietas o in un momento di violenza, il gruppo scultoreo della Loggia dei Lanzi raffigura Menelao che sorregge il corpo morto di Patroclo: possiamo accomunare i due “Pasquini” in base alla rotazione del busto di Menelao, la sua testa rivolta verso sinistra come per osservare se stessero arrivando dei nemici in quell’istante e la posizione del busto del soldato morente, disteso sulla gamba sinistra di Menelao.  Il Pasquino come Menelao e Patroclo di Palazzo Pitti, Firenze Il gruppo scultoreo del Menelao e Patroclo della Loggia dei Lanzi e il gruppo scultoreo del Menelao e Patroclo di Palazzo Pitti sono pressoché la stessa scultura, ma con una sostanziale differenza che le divide, ossia la presenza, sul busto di Patroclo, di una ferita, la quale “certifica” la morte di quest’ultimo e afferma il sentimento di pietas del complesso scultoreo, con Menelao che, quindi, sorregge e difende il corpo di Patroclo dagli attacchi dei nemici (l’elemento della testa di Menelao volta verso sinistra come ad osservare qualcosa).  Particolare della ferita sul corpo di Patroclo  Il Pasquino come L’Etiope in lotta con un delfino della Fontana del Moro di Piazza Navona, Roma Gianlorenzo Bernini, nella realizzazione dell’Etiope in lotta con un delfino, gruppo scultoreo facente parte della Fontana del Moro sita in Piazza Navona, si sarebbe ispirato al Pasquino di Palazzo Orsini: elementi di congiunzione tra le due statue sarebbero il volto del Moro girato verso sinistra, teso, la muscolatura possente del busto e la torsione di quest’ultimo.  Il Pasquino come il Torso del Belvedere Il celebre Torso del Belvedere, opera risalente al I secolo a.C. firmata dallo scultore attico Apollonio di Atene, a livello “romantico” può essere accomunata al Pasquino romano per l’alone di mistero che aleggia attorno ad esso (come del Pasquino non sappiamo esattamente chi raffigura né se lo scenario originario del complesso scultoreo rappresentasse un momento di pietas o di violenza, anche del Torso del Belvedere non sappiamo esattamente chi raffigura, né se si tratti di ciò che resta di una singola statua o di un gruppo scultoreo più complesso). In quanto all’elemento stilistico, invece, potremmo idealmente accomunare le due sculture per la muscolatura imponente e la torsione del busto.  Il Pasquino come il Rilievo Ciampolini Nel cosiddetto Rilievo Ciampolini, se osserviamo attentamente verso il centro del bassorilievo, notiamo quello che noi immaginiamo un soldato nell’atto di sorreggere il corpo morente di un altro soldato, immagine che ci rimanda automaticamente ai due complessi scultorei di Menelao e Patroclo di Palazzo Pitti e della Loggia dei Lanzi e, di conseguenza, al Pasquino romano. Con una sola differenza: che al soldato del Rilievo Ciampolini manca la testa, e quindi non possiamo sapere con precisione dove quest’ultima fosse rivolta, se verso l’alto ad osservare l’eventuale arrivo di nemici e quindi a protezione del cadavere, o verso il basso e quindi a protezione del suo stesso corpo. Immagini tratte da:
Pasquino, https://www.pinterest.it/pin/327425835380119218/ Fontana del Moro, da Wikipedia Italia, Di Fczarnowski - Opera propria, CC BY-SA 4.0 Meneleao e Patroclo Loggia dei Lanzi, https://www.flickr.com/photos/81918877@N00/40989680661 Particolare della ferita e Rilievo Ciampolini, file pdf Patroclo e Menelao Palazzo Pitti, https://www.tumblr.com/tagged/menelao
di Marianna Carotenuto
Ieri, all'età di 76 anni, è venuto a mancare Ulay, il grande amore di Marina Abramović. La notizia arriva dalla stampa di Lubiana, città slovena dove l’artista internazionale viveva da più di dieci anni.
Ulay, esponente della performing art, è noto per il legame con l'artista serba, Marina Abramovic, al cui fianco ha vissuto per dodici anni e lavorato insieme dalla seconda metà degli anni Settanta. Così la donna scrive su Facebook "È con grande tristezza che ho saputo della morte del mio amico ed ex partner Ulay. Era un artista e un essere umano eccezionale, ci mancherà profondamente. In questo giorno, è di conforto sapere che la sua arte e la sua eredità continueranno a vivere per sempre". I due si erano conosciuti il 30 novembre del 1976, giorno del compleanno di entrambi, durante una performance di Ulay: tra i due nasce subito un'intesa artistica che si trasforma in una intensa storia d’amore. Per anni vivono e lavorano insieme viaggiando su un furgoncino e iniziano la serie Relation Works, una forma estrema di body art. Dopo 12 anni decidono di lasciarsi con un'ultima performance, The Lovers: The Wall Walk in China; in novanta giorni percorrono a piedi la muraglia cinese partendo dai capi opposti per incontrarsi al centro e dirsi addio. Nel 2010 si rincontrano. A sorpresa, Ulay si presenta al MoMa dove è in corso lo spettacolo The Artist is Present, in cui i visitatori vengono invitati a sedersi di fronte all'artista serba. Poi arriva il suo momento, Ulay si siede di fronte a Marina e la guarda negli occhi aprendo un confronto silenzioso e intenso. Ecco il video del loro emozionante incontro.
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Corriere.it Comunicato stampa Sui lungarni, il primo museo dedicato alla navigazione antica in Italia e uno dei maggiori al mondo Museo delle Navi di Pisa, 21.000 visitatori nei primi sei mesi Nel 2020 ampliamento degli orari e tanti eventi in programma Tra le novità, una nuova sala conferenze da 250 posti, un’area mostre, la riapertura del parco che ospitava l’Orto Botanico medievale e l’inizio dei lavori per la realizzazione della nuova sede del Centro di Restauro del Legno Bagnato che diventerà un polo per università e istituti di formazione  Pisa, 25 febbraio 2020 – Più di 21.000 visitatori, con medie che oltrepassano i 400 accessi durante i weekend; oltre 2.500 tra studenti, insegnanti e under-18; più di 1.600 residenti a Pisa e 1.400 stranieri di cui quasi la metà provenienti da Francia, Germania, Spagna e Olanda, un quinto dal Regno Unito e un quinto da Stati Uniti, Russia e Australia: questo il bilancio, in numeri, dei primi sei mesi dall’apertura del Museo delle Navi Antiche di Pisa. Con più di 800 reperti, 47 sezioni, 8 aree tematiche e 7 imbarcazioni di epoca romana in quasi 5000 metri quadri di superficie espositiva agli Arsenali Medicei, si tratta del primo museo dedicato alla navigazione antica in Italia e uno dei maggiori al mondo. La concessione del museo è affidata a Cooperativa Archeologia, che ha seguito negli ultimi anni lo scavo archeologico e il restauro delle navi e dei reperti, sotto la direzione scientifica di Andrea Camilli, responsabile di progetto per la Soprintendenza Archeologia, Belle Arti e Paesaggio di Pisa e Livorno. Un trend in costante crescita, quello delle visite, che ha registrato un vero e proprio boom, pur osservando un orario di apertura di soli tre giorni a settimana, orario che nei prossimi mesi verrà esteso a sei giorni su sette. Il museo, grazie ai finanziamenti statali, verrà ulteriormente potenziato, completando gli apparati didattici e il restauro dei materiali esposti, verrà dotato di una sala conferenze da 250 posti e un’area mostre. Sarà inoltre riaperto al pubblico il parco retrostante il museo, originaria sede dell’Orto Botanico medievale, negli orari di apertura della struttura. “Un’amplissima risposta di pubblico, che ci riempie di soddisfazione – dichiara il soprintendente Andrea Muzzi – . anche con la collaborazione del Comune di Pisa sarà possibile, nei prossimi mesi, estendere l’orario di apertura, consentendoci di rafforzare un polo, quello degli Arsenali Repubblicani e Medicei, che contribuirà alla valorizzazione di un’area a lungo rimasta fuori dall’asse turistico convenzionale della città. Quello delle Antiche Navi pisane è, per di più, un museo archeologico ‘vivo’: oltre a raccontare millenni di storia di Pisa attraverso gli scavi e i processi di restauro dei reperti, gli Arsenali mettono a disposizione aree, come quella del corridoio centrale, per opere ed esposizioni contemporanee, rendendolo un ulteriore e irrinunciabile traino per lo sviluppo del tessuto culturale cittadino”. “21.000 visitatori in sei mesi sono un numero importante e positivo che dà il senso dell’interesse verso questo museo e chi ci fa ben sperare per il futuro – aggiunge il sindaco Michele Conti – . Certo dobbiamo lavorare insieme per una valorizzazione ancora più efficace. Il Comune è al fianco della Soprintendenza e della direzione del Museo per organizzare iniziative di visibilità in favore dell’istituzione Museale e di conseguenza alla città. Penso, per fare un esempio, al recente sostegno che abbiamo dato per la partecipazione del Museo delle Navi Antiche di Pisa alla Borsa Internazionale del Turismo Archeologico di Paestum e ad altre iniziative che concorderemo per i prossimi mesi. Questo Museo è una svolta per il turismo pisano, soprattutto per far conoscere ai visitatori i tesori del circuito dei Lungarni, aumentando l’offerta culturale anche al di fuori della Piazza dei Miracoli. Ringrazio il dottor Muzzi e il dottor Camilli per il lavoro svolto fino ad oggi e per le iniziative già programmate nei prossimi mesi”. Le novità non finiscono qui: “Con piacere annunciamo ufficialmente l’inizio dei lavori per la sede definitiva del Centro di Restauro del Legno Bagnato – dice il direttore del museo, Andrea Camilli – attualmente ospitato nei capannoni industriali di San Rossore. Si tratta di una realtà riconosciuta a livello internazionale nell’ambito del restauro del legno archeologico. Grazie ai finanziamenti del MiBACT, si è avviata la ristrutturazione dei locali dell’ex convento di San Vito adiacenti al Museo delle Navi Antiche, che ospiterà il complesso dei laboratori. Sarà un innovativo hub di formazione che fornirà sede, attrezzature e know how ad enti di formazione terzi, sia nell’ambito dell’istruzione di livello universitario (Università, Istituti d’arte) per la qualifica di restauratore, sia nell’ambito della formazione professionale (Regione, Istituti di formazione) per la qualifica di assistente restauratore”. Numerosi gli eventi in calendario nei prossimi mesi, tra convegni, attività didattiche, esposizioni e presentazioni di libri. A partire dal 28 febbraio si avvierà Non solo tutela: attività di ricerca nelle province di Pisa e Livorno, ciclo di conferenze a cura della Soprintendenza, in programma tutti i venerdì. Da domenica 1° marzo e per tutte le domeniche fino alla fine di maggio, dalle 15 alle 18, il Museo ospiterà, invece, le prove della stagione cameristica 2020 dell’Orchestra Giovanile Toscana. L’Orchestra suonerà al Museo anche nell’ambito dei festeggiamenti del Giugno Pisano. Tra le collaborazioni più significative, quella con la Escuela Espanola de Historia Y Arquelogia de Roma, con due appuntamenti, il primo a Roma e il secondo a Pisa in settembre, in ricordo di Emilio Rodriguez Almeida, insigne studioso della topografia romana e della epigrafia anforaria, al quale il Museo delle Navi intitolerà la sala VI nel corso di una cerimonia in programma il 24 marzo. Spazio anche all’arte moderna. Nei prossimi mesi gli Arsenali ospiteranno, infatti, la mostra dello scultore Fabio Viale e tante iniziative con gli istituti scolastici, come quella in corso con l’Istituto d’Arte Pisano. Gli alunni presenteranno i propri progetti di pitture murali sulle strutture che, dopo l’approvazione da parte di una apposita commissione, verranno realizzati dagli stessi studenti. L’esposizione è aperta al pubblico il venerdì, sabato e domenica dalle 10.30 alle 18.30 e il mercoledì dalle 14.30 alle 18.30 (info e contatti: info@navidipisa.it e tel. 050 8057880. Per gruppi e scuole: prenotazioni@navidipisa.it e tel. 050 47029. Tutte le informazioni su www.navidipisa.it). COMUNICATO STAMPA  Roma, 11 febbraio. La scorsa notte a Roma in via Salaria, sul muro che circonda Villa Ada, a pochi passi dell'Ambasciata d'Egitto, è apparsa l’ultima opera della Street Artist Laika che ritrae Giulio Regeni che abbraccia lo studente arrestato in Egitto Zaki, con indosso una divisa da carcerato. Davanti alle due figure campeggia la parola "Libertà" scritta in lingua araba. Nell’opera, Regeni rassicura Zaki, dicendogli: “Stavolta andrà tutto bene”. Il giovane dottorando dell'università di Cambridge, ucciso all'inizio del 2016, si rivolge con queste parole a Patrick George Zaki, ricercatore dell'Alma Mater di Bologna, noto per il suo impegno nel campo dei diritti umani e LGBT, arrestato venerdì scorso mentre si trovava in Egitto e, stando a quanto riferito dal suo avvocato, sottoposto a torture da parte della polizia egiziana. NOTE DELL’ARTISTA “Questa frase ha un doppio significato, serve a rassicurare Patrick, ma soprattutto a mettere davanti alle proprie responsabilità il governo egiziano e la comunità internazionale. Non si può permettere che quanto accaduto a Giulio Regeni e a troppi altri, avvenga di nuovo. Stavolta DEVE andare tutto bene. Mi auguro che questa vicenda vada a finire bene e che Zaki venga liberato il prima possibile. Spero anche che, pur non essendo un cittadino italiano, il nostro paese possa vigilare su quanto sta accadendo. Vorrei che questo mio piccolo gesto fosse da stimolo ai media per accendere ancora di più i riflettori sulla vicenda di Zaki".  Giorno della Memoria 2020: per non dimenticare La canzone simbolo di Guccini incontra la straordinaria mano di Serena Viola e diventa un albo illustrato  Serena Viola dipinge per Lapis una delle più famose canzoni di Francesco Guccini, un testo dall'indiscusso valore letterario che occupa un posto di primo piano nel panorama della canzone d’autore.
"Auschwitz" è la storia simbolo di sei milioni di vittime dell’orrore dei campi di sterminio, l'esempio di come una canzone sia in grado di suscitare forti emozioni e riflessioni profonde sulla folle brutalità che può essere generata dall'odio. Un albo illustrato pieno di suggestioni, da conservare, leggere o rileggere, per riflettere e ricordare. Un omaggio alla penna e alle note di Francesco Guccini, che nel 2020 compirà 80 anni. L'AUTORE Francesco Guccini Cantautore mito di più di una generazione, è uno degli esponenti di spicco della scuola dei cantautori italiani. I testi dei suoi brani vengono spesso assimilati a componimenti poetici, denotando una familiarità con l’uso del verso tale da costituire materia di insegnamento nelle scuole come esempio di poeta contemporaneo. L'ILLUSTRATRICE Serena Viola Illustratrice e visual designer, vive e lavora a Milano. Ha vinto un Award dell’Illustrazione Italiana e collabora con numerosi editori e marchi internazionali. Per Lapis ha illustrato "I fili invisibili della natura", "Haiku, poesie per quattro stagioni più una" e "La regina delle nevi". Comunicato stampa ROMA, SCUDERIE DEL QUIRINALE 5 MARZO– 2 GIUGNO 2020 DUECENTO CAPOLAVORI PER CELEBRARE RAFFAELLO NEL CINQUECENTENARIO DALLA SUA MORTE  Maxi-mostra a Roma dal 5 marzo alle Scuderie del Quirinale a Roma, così culmineranno le celebrazioni per l'artista a livello mondiale: protagoniste ne saranno oltre cento opere di mano dell'Urbinate mai riunite tutte insieme prima d’ora.
Una grande mostra monografica, con oltre duecento capolavori tra dipinti, disegni ed opere di confronto, dedicata a Raffaello Sanzio, superstar del Rinascimento, nel cinquecentenario della sua morte, avvenuta a Roma il 6 aprile 1520 all'età di appena 37 anni. L'esposizione, intitolata semplicemente RAFFAELLO, costituisce l'apice delle celebrazioni mondiali per i 500 anni dalla scomparsa dell'Urbinate e rappresenta l’evento di punta del programma approvato dal Comitato Nazionale appositamente istituito dal Ministro Dario Franceschini e presieduto da Antonio Paolucci. Realizzata dalle Scuderie del Quirinale (appartenenti alla Presidenza della Repubblica e gestite dal Mibact attraverso la società in-house ALES), in collaborazione con le Gallerie degli Uffizi, la mostra è curata da Marzia Faietti e Matteo Lafranconi con il contributo di Vincenzo Farinella e Francesco Paolo Di Teodoro. Un autorevole comitato scientifico presieduto da Sylvia Ferino ha affiancato e approfondito il lavoro del team curatoriale, stimolando un dialogo fruttuoso tra gli specialisti del settore più accreditati al mondo, come Nicholas Penny (già direttore National Gallery di Londra), Barbara Jatta (direttore Musei Vaticani), Dominique Cordellier (Musée du Louvre), Achim Gnann (Albertina, Vienna), Alessandro Nova (Kunsthistorisches Institut, Firenze). In occasione della mostra, è stato raccolto un vastissimo corpus di opere di mano di Raffaello: oltre 100, tra dipinti e disegni, per una raccolta di creazioni dell'urbinate mai viste al mondo in così gran numero tutte insieme. Anche in termini di capolavori in prestito (oltre che di lavoro scientifico svolto), è stato determinante il contributo delle Gallerie degli Uffizi, con circa 50 opere delle quali oltre 40 dello stesso Raffaello. Ma anche tanti altri musei di importanza internazionale hanno contribuito ad arricchire la rassegna con capolavori dalle loro collezioni: tra questi, in Italia, le Gallerie Nazionali d’Arte Antica, la Pinacoteca Nazionale di Bologna, il Museo e Real Bosco di Capodimonte, il Museo Archeologico Nazionale di Napoli, la Fondazione Brescia Musei, e all’estero, oltre ai Musei Vaticani, il Louvre, la National Gallery di Londra, il Museo del Prado, la National Gallery of Art di Washington, , l’Albertina di Vienna, il British Museum, la Royal Collection, l’Ashmolean Museum di Oxford, il Musée des Beaux-Arts di Lille. Complessivamente saranno più di 200 le opere in mostra. L'esposizione, che trova ispirazione particolarmente nel fondamentale periodo romano di Raffaello e che lo consacrò quale artista di grandezza ineguagliabile e leggendaria, racconta con ricchezza di dettagli tutto il complesso e articolato percorso creativo. Ne faranno parte creazioni amatissime e celebri in tutto il mondo, quali, solo per fare alcuni esempi, la Madonna del Granduca delle Gallerie degli Uffizi, la Santa Cecilia dalla Pinacoteca di Bologna, la Madonna Alba dalla National Gallery di Washington, il Ritratto di Baldassarre Castiglione e l’Autoritratto con amico dal Louvre, la Madonna della Rosa dal Prado, la celebre Velata di nuovo dagli Uffizi. La mostra verrà inaugurata il 3 marzo 2020 alla presenza delle più alte cariche dello Stato e dei rappresentanti ufficiali dei principali paesi prestatori. Dal 5 marzo la mostra aprirà al pubblico e sarà visitabile fino al 2 giugno. Dichiarazioni: Ministro Mibact Dario Franceschini: “La mostra su Raffaello è una grande mostra europea che raccoglie capolavori mai riuniti finora. Il giusto modo per celebrare la grandezza e la fama di un artista universale a 500 anni dalla sua morte. La prestigiosa esposizione alle Scuderie del Quirinale, che come quella dedicata a Leonardo al Louvre vede la collaborazione dei più grandi musei italiani e internazionali, permetterà al pubblico di ammirare un corpus considerevole di opere di Raffaello”. Presidente e ad Ales- Scuderie del Quirinale Mario Di Simoni: “La mostra di Raffaello, realizzata in collaborazione scientifica e di prestiti con gli Uffizi, è la dimostrazione di quanto sia corretta la collocazione delle Scuderie del Quirinale in stretto collegamento con il grande sistema dei musei statali. È il coronamento ideale dei vent’anni di apertura al pubblico delle Scuderie del Quirinale”. Direttore Gallerie degli Uffizi Schmidt: “Le Gallerie degli Uffizi, dove si concentra il più grande numero di dipinti e disegni di Raffaello al mondo, partecipano con entusiasmo all’organizzazione di questa ricorrenza epocale, per offrire una nuova, approfondita visione di Raffaello, specialmente per il periodo in cui l’artista visse a Roma. La mostra, frutto di una collaborazione senza precedenti tra le Gallerie degli Uffizi e le Scuderie del Quirinale, si svolge non a caso nella capitale: Roma non è solo una tappa biografica dell’artista, ma il simbolo della dimensione nazionale della sua arte e del suo pensiero” di Enrico Esposito  Image 1 - Nude, Zurich, Switzerland, 1942 Si è chiusa oggi al Lu.C.C.A. (Lucca Center of Contemporary Art) "Werner Bischof, Classics", mostra che ha raccolto oltre cento scatti realizzati dal celebre fotoreporter svizzero. A cura di Maurizio Vanni e Alessandro Luigi Perna, l'esposizione rende omaggio alla brillante carriera di Bischof attraverso una precisa divisione in sezioni che ne mettono in luce le diverse fasi artistiche. Werner Bischof nasce nel 1916 a Zurigo, città che lo vede già in età precoce (soli sedici anni) studiare presso la Scuola di arti applicate alla "corte" del fotografo Hans Finsler, appartenente alla corrente artistica della Nuova Oggettività, movimento nato in Germania alla fine della Grande Guerra che ricercava una rappresentazione della realtà senza trucchi (in contrasto dunque con le ideologie dell'Espressionismo, delle Avanguardie, del Surrealismo). Fu dunque nel quadriennio di frequentazione della Scuola dal 1932 al 1936 che Bischof ricevette una formazione negli ambiti della fotografia realistica e di moda che lo indirizzò infatti ad "esordire" nelle vesti di collaboratore fisso della rivista svizzera "Du" per la quale svolgeva principalmente lavori negli ambienti del pret-a-porter. In questa fase embrionale, corrispondente alla I sezione dell'esposizione (Zurigo 1934 - 1945) sono le modelle e i nudi femminili i soggetti preferiti dall'artista, fotogrammi che mostrano sin da subito una caratteristica essenziale all'interno del suo metodo di lavoro: l'importanza assoluta alla composizione. Bischof cura in maniera impeccabile i dettagli tecnici dell'immagine, rifinendo gli effetti provocati dalla luce e riuscendo a conservare perennemente durante la sua carriera un atteggiamento distaccato nei confronti di soggetti più complessi che sceglierà per i lavori successivi. Image 2 - Courtyard of the Meiji shrine, Tokyo, Japan, 1951; Image 3 - Employees of the Tata Iron and Steel Company on their way to work, Jamshedpur, India, 1951; Image 4 Returning from the market, Indochina, 1952 Il 1945 segna una svolta di grande valore nello sviluppo dell'attività di Werner Bischof. Egli intraprende un viaggio attraverso i diversi Paesi europei sconvolti dalla Seconda Guerra Mondiale, esperienza che lo porta (II sezione – L’Europa e le conseguenze della guerra 1945-1950) a "destinare" gli scatti a protagonisti contrapposti del terribile conflitto. Seppur stia indossando ufficialmente i panni del fotoreporter, i militari, le strade, i bambini ritratti non assolvono al compito di testimoniare la drammaticità della fame, della violenza, della morte. Bischof, come Zola e Cartier - Bresson realizza bozzetti molteplici, tratti da scene quotidiane che rendono pubblici i momenti personali vissuti da uomini, donne, bambini. In questa fase si ritrovano i primi scatti che ritraggono i bambini per l'appunto, il soggetto prediletto dal nostro. Bambini piccoli, non ancora fanciulli, che nella loro solennità sembrano in realtà adulti, depositari di conoscenze universali riconducibili alla loro semplicità. Quando nel 1949 la Magnum Photos, una delle maggiori agenzie fotografiche del mondo nata appena due anni prima, lo ingaggia e tre anni dopo la rivista americana "Vogue" gli affida il compito di allargare il suo raggio d'indagine all'India e al Sud Est Asiatico, Bischof coglie in pieno l'opportunità ricevuta per poter consegnare ai lettori del tempo ma soprattutto agli amanti della sua arte memorie uniche in virtù di un' opinione molto chiara e riconoscibile. Oggi ne viene considerato uno dei maestri, ma a Bischof il fotogiornalismo in realtà non piaceva per niente. La caccia alla notizia, la pressione nel catturare quell'istante preciso prima degli altri erano diventate a un certo punto insopportabili per lui, al punto da fargli smarrire il piacere di lavorare. Era arrivato a non scovare più dentro di se stesso "la gioia della scoperta" e ad affermare che per lui il mestiere di foto-reporter si era tramutato in un prostituirsi. Due anni soltanto che accolgono al loro interno tempi e luoghi quasi interminabili per la storia alle loro spalle. Millenni di tradizioni raffigurati nella bellezza intatta di un paesaggio in fiore nipponico, di una cerimonia tibetana, o di un bambino cencioso che si copre su un marciapiede con un sacco di tela per proteggersi dal freddo campeggiano negli scatti che Bischof considerava il più bello e si vedeva scartare senza tanti complimenti. Lui, Werner Bischof non si era dimenticato di sentirsi ancora e per sempre "un artista", uno spirito libero nell'elaborazione dei suoi lavori. E quando, nel 1953, partì in direzione continente americano, riuscì a rimettersi nelle condizioni di poter esprimere il suo talento cristallino in serenità. Nordamerica, Messico, e soprattutto Perù, Cile, ancora luoghi in cui la natura non è stata violentata dall'uomo e i secoli non trascorrono. La vita fiorisce genuina, secondo le dinamiche naturali alle quali non sfuggono le strisce della morte, di fronte agli occhi di un fotografo innamorato irrefrenabile dell'uomo pur collocando in piani geometrici e prospettive ben studiate. "Il bambino che suona il flauto nella strada per Cuzco" corrisponde alla sua fotografia più famosa, il manifesto puntuale di una poetica esercitata con pazienza e passione. Werner Bischof morì in un incidente stradale a Trujillo, nelle Ande peruviane mentre stava raggiungendo una miniera per rendere omaggio ancora una volta all'arte.  Image 5 - On the road to Cuzco, near Pisac, Peru, May 1954
Immagini gentilmente fornite dall'Ufficio Stampa del L.U.C.C.A (Copyright: Caption © Werner Bischof / Magnum Photos) Comunicato stampa Dal 08 Novembre 2019 al 01 Marzo 2020 In collaborazione con il Museo del Louvre ROMA Accademia di Francia a Roma - Villa Medici ORARI: da martedì alla domenica, chiuso il lunedì, dalle 12 alle 19 (ultimo ingresso alle 18.30) COSTO DEL BIGLIETTO: 6 €; accesso gratuito per persone sotto i 18 anni PER INFORMAZIONI: +39 06 67611 SITO UFFICIALE: http://www.villamedici.it  Il Direttore ad interim dell’Accademia di Francia a Roma – Villa Medici, Stéphane Gaillard, è lieto di presentare la mostra un’Antichità Moderna, realizzata in collaborazione con il Museo del Louvre e con la curatela di Jean-Luc Martinez – il Presidente e Direttore del Louvre - ed Elisabeth Le Breton – Conservatrice del Patrimonio. La mostra s’inaugura al pubblico l’8 novembre 2019 è rimarrà in allestimento sino al 1° marzo 2020.
L’Accademia di Francia a Roma fondata nel 1666, sotto la tutela dell’Accademia Reale di Pittura e Scultura a Parigi, ha avuto sempre nella sua missione lo studio e la diffusione del “modello antico” in Francia. La collezione conservata nella Gipsoteca di Villa Medici ne è testimone. Un’Antichità Moderna presenta ben 87 opere provenienti per la maggior parte dalla collezione dell’Accademia di Francia a Roma e dal Museo del Louvre, ma anche dagli Ateliers d’Art della Réunion des Monuments Nationaux del Grand Palais, dalla Cité de la Céramique Sèvres et Limoges, dalla Biblioteca Nazionale di Francia, dal Museo dell’Arte Classica del Polo Museale dell’Università della Sapienza e altri ancora. La mostra espone le più importanti opere della Grecia Classica ed Ellenistica, oggi scomparse e riesumate dalla Roma Imperiale e successivamente riscoperte durante i grandi lavori effettuati nella Roma del Rinascimento. Affascinati dalla importante riscoperta delle centinaia di statue marmoree ritrovate, a cui era impedita l’uscita dal territorio per le leggi pontificie, la Francia durante le Grand siècle, nel XVII secolo, decise di replicare le statue realizzando calchi in gesso. I lavori di ricerca del Museo del Louvre sui materiali e sulle tecniche utilizzate hanno permesso di rintracciare datazione e storia di questo importante patrimonio diventato parte delle grandi collezioni reali e nazionali francesi, che sono presentate nella mostra Un’Antichità Moderna in un percorso cronologico che va dal XVI al XXI secolo. La prima sala, dedicata alla tecnica del gesso attraverso i secoli, espone l’importante commercio di copie in marmo sviluppatosi nel II secolo d.C. grazie alla realizzazione di modelli in gesso. Questo primo corpus, importato dalla Grecia a Roma, ha imposto una visione dell’ “antiquité blanche” che ha permesso la realizzazione di numerose copie in gesso tratte dagli originali in marmo. Durante i grandi lavori di urbanizzazione nella Roma del Rinascimento, il recupero di centinaia di sculture romane – copie degli originali greci scomparsi – fece rinascere in Italia e in Francia il fascino suscitato da questa particolare Arte. La rarezza di questi marmi condusse Luigi XIV a moltiplicare a Roma la produzione di calchi in gesso di questi prestigiosi modelli. Diverse centinaia di gessi e le loro matrici (rilievi e statue) sono quindi state riunite al Louvre durante il regno del Re Sole. Presentate nella sala degli Antiques du Roi e a l’Académie royale de peinture et de sculpture fondata a Parigi nel 1648, come all’Accademia di Francia a Roma a partire dal 1666, diventarono una nuova ricchezza di studio per gli artisti. Queste opere imposero quindi un modello e un’idea di una Antiquité blanche. Il percorso della mostra prosegue nel XVIII secolo, con opere che erano conservate a Palazzo Mancini, allora sede dell’Accademia di Francia. All’epoca infatti svolgevano una doppia missione: erano un importante punto di riferimento per gli studiosi e insieme espressione della potenza della Francia. Alla metà de XVIII secolo, inoltre, la scoperta dei maggiori siti di Pompei ed Ercolano rafforza l’interesse non solo degli studiosi e dunque la collezione si trova arricchita di nuovi modelli subito riprodotti. Nel XVIII secolo l’attenzione sui modelli antichi non nasconde l’interesse dei francesi anche per la scultura che in quegli anni si produceva in Italia. Un esempio ne sono i modelli in gesso di Michelangelo e del Bernini richiesti da Luigi XIV che sono stati riprodotti e inviati in Francia dove, ancora oggi, sono stati fonte di ispirazione per diverse generazioni di artisti. Nel XIX secolo l’Accademia di Francia a Roma conosce l’ultima grande campagna di presa di impronte. Il museo degli Studi alla Scuola di Belle Arti di Parigi, in corso di costituzione, affida a Jean-Auguste-DominiqueIngres, Direttore dell’Accademia di Francia, il compito di inviare da Roma i modelli antichi più prestigiosi. In questo periodo inoltre grazie ai lavori degli archeologi aumenta considerevolmente la conoscenza dell’antica Grecia, proprio in virtù di ciò, nel 1845, l’Accademia dona ai suoi borsisti la possibilità di recarsi sui luoghi di scavo per studiare i nuovi modelli. La Scuola Francese di Atene nasce infatti l’anno seguente, nel 1846. I modelli greci arrivano dunque a Roma dove gli studi del filellenista Jean Gaspard Félix Ravaisson-Mollien cercano di ritrovare la Grecia in Italia. Nel XX secolo si assiste ad un progressivo disinteresse per l’attività di riprodurre modelli di gesso. Nonostante ciò, nel 1919, sono esposti a Roma particolari modelli che descrivono un Medioevo francese sconosciuto – l’Arte Gotica – danneggiata durante la guerra, per sensibilizzare i contemporanei alla protezione del patrimonio in tempo di conflitto. Sempre alla metà del XX secolo, una profonda crisi iconoclasta mette in disparte le collezioni di gessi sia a Roma che a Parigi. In entrambi i casi, i modelli vengono messi nei depositi e non sono più accessibili né visibili. L’Accademia di Francia a Roma – Villa Medici e il Museo del Louvre, parenti per natura, forti delle loro collezioni rispettive e delle vaste campagne di restauro che sono state condotte durante gli ultimi vent’anni, sono oggi in grado attraverso questa importante esposizione, Un’antichità moderna, di riproporre la memoria di queste opere e di riscriverne la storia che va dal XVII al XXI secolo. Jean-Luc Martinez Presidente e Direttore del Museo del Louvre Presidente e Direttore del Museo del Louvre sin dal 2013. Storico dell’arte e archeologo francese, ha ricevuto l’Agrégation di Storia, è laureato alla Scuola del Louvre ed è stato membro della Scuola Francese di Atene dal 1993 al 1996. I suoi lavori scientifici e le sue pubblicazioni riguardano la scultura greca e romana e lo studio che l’epoca moderna fa dell’arte antica. Inizia il suo percorso al Louvre nel 1997 come Conservatore in capo delle collezioni di scultura greca. Nel 2007, diventa Direttore del Dipartimento delle Antichità greche, etrusche e romane, funzione che svolge fino alla nomina come Direttore del Museo. È Cavaliere dell’Ordine Nazionale del Merito e Cavaliere della Légion d’honneur. Elisabeth Le Breton Conservatrice del Patrimonio del Dipartimento delle Antichità greche, etrusche e romane al Museo del Louvre. Conservatrice del Patrimonio del Dipartimento delle Antichità greche, etrusche e romane al Museo del Louvre. Inizia il suo percorso al Museo del Louvre nel 1988 come Responsabile della collezione di calchi di antichi conservati nella Gipsoteca del Museo che si trova nella Petite Écurie du Roi a Versailles. Nell’ambito di un partenariato scientifico in vigore da più di 10 anni, ha lavorato sulle collezioni di gessi presso l’Accademia di Francia a Roma – Villa Medici. La Galleria tattile Nell’ambito della mostra Une antiquité moderne, realizzata all’Accademia di Francia – Villa Medici, curata di Jean-Luc Martinez ed Elisabeth Le Breton e realizzata in collaborazione con il Museo del Louvre, a partire dal 20 novembre 2019 sarà disponibile per la prima volta una galleria tattile destinata a tutto il pubblico portatore di handicap e non solo. Infatti, attraverso percorsi specifici sul tema della sensibilizzazione alla disabilità, la Galleria sarà aperta anche ai gruppi scolastici e alle famiglie. All’interno del celebre Atelier Balthus, nel cuore dei giardini della Villa, saranno a disposizione una serie di sette opere tattili tra bassorilievi, teste e statue a figura intera, gentilmente prestate da l’Atelier d’Art della Réunion des Musées Nationaux del Grand Palais. L’accesso alla galleria tattile è gratuito e su prenotazione, scrivendo alla mail didattica@villamedici.it Il catalogo bilingue (francese e italiano) viene pubblicato da Officina Libraria e contiene testi di Jean-Luc Martinez, Elisabeth Le Breton, Philippe Jockey, Karolina Kaderka, Aude Gobet, Emiliano Ricchi, Geneviève Bresc-Bautier, Jean Délivré, Pascale Martinez, Emmanuel Schwartz, Jean-Marc Hofman, Jean-Marc Hofman e Anne Marie Garcia. Ultimi giorni 11 ottobre > 06 gennaio 2020 Pochi avvenimenti hanno marcato la storia del pensiero moderno più della riscoperta di Pompei nel 1748: quasi 1700 anni prima la pioggia di cenere e lapilli provocata dall’eruzione del vulcano conservò l’antico centro urbano e la complessità della sua vita quotidiana. Mai come prima di allora è stato possibile leggere la vita degli antichi, rapportandola agli spazi urbani, al rito, alla vita domestica, analizzando i complessi intrecci sociali di una città così antica. Una nuova visione del passato, composta dallo stupore per la riscoperta e dallo sgomento per la catastrofe eruttiva, ha contribuito a fare di Pompei il sito archeologico più importante al mondo. La vita della città vesuviana è rimasta sospesa nelle rovine, nelle sale delle domus e delle terme, nelle suppellettili e nei reperti organici, nei calchi dei corpi che raccontano un mondo lontano, eppure vicinissimo. Come tanta arte e letteratura ci hanno raccontato, a Pompei il presente e il passato si uniscono nell’evocazione di una vita drammaticamente interrotta dalla tragedia del 79 dopo Cristo, eppure, ancora, velatamente presente. La moderna archeologia è nata e prospera nel sito vesuviano, dove il mondo antico ha cominciato a raccontarsi, come un “immenso edificio del ricordo”.  In un clima culturale radicalmente diverso, immerso nel pensiero scientifico del XX secolo, la riscoperta dell’insediamento di Akrotiri a Santorini nel 1967 ha riaperto il ragionamento sul tema della catastrofe naturale e della scoperta. Circa un decimo del sito è stato scavato. L’antico centro minoico, distrutto da una spaventosa eruzione a metà del II millennio avanti Cristo – eruzione che segnò profondamente gli equilibri sociali e politici del Mediterraneo - ha restituito, sepolti sotto la cenere vulcanica, edifici, affreschi, ceramiche e forniture perfettamente conservate. Da quasi 2000 anni. Come a Pompei, i preziosissimi reperti permettono di resuscitare una civiltà ricca e complessa, evocando allo stesso modo la catastrofe che ha messo fine alla sua storia. L’eruzione non causò solo il crollo delle case, ma di un'intera epoca, seppellendola letteralmente sotto svariati metri di materia vulcanica. La mostra propone un confronto straordinario e inedito fra i due siti antichi, accumunati da un’identica fine. Due interi insediamenti umani furono seppelliti dalle eruzioni, con i loro ideali, il loro credo, le loro culture. Il tema della catastrofe e della rinascita accompagnerà i visitatori in un sorprendente percorso a ritroso nel tempo che li immergerà nella Storia, nella Sorpresa e nel Buio, nella Bellezza. Pur con modalità diverse, le due antiche città rivelano sotto un mantello di cenere l’istante della fine che diventa elemento d’ispirazione per l’arte. In mostra numerose sono le suggestioni provenienti da un percorso, quasi parallelo, di opere d'arte moderna e contemporanea: da Turner a Damien Hirst, passando per Valenciennes, Warhol, Burri e Giuseppe Penone. 31/12/2019 Carthago. Il mito immortale - Dal 27 settembre al 29 marzo 2020 negli spazi del Colosseo, tempio di Romolo e Rampa imperialeRead NowMostra 27 Settembre 2019 - 29 Marzo 2020 Colosseo, Rampa imperiale, tempio di Romolo Al via dal 27 settembre 2019 Carthago. Il mito immortale, la prima grande mostra interamente dedicata alla storia e alla civiltà di una delle città più potenti e affascinanti del mondo antico curata da Alfonsina Russo, Direttore del Parco archeologico del Colosseo, Francesca Guarneri, Paolo Xella e José Ángel Zamora López, con Martina Almonte e Federica Rinaldi. L’esposizione, promossa dal Parco archeologico del Colosseo, con l’organizzazione di Electa, sarà allestita fino al 29 marzo 2020 nei monumentali spazi del Colosseo e del Foro Romano, all’interno del tempio di Romolo e della Rampa imperiale, con oltre quattrocento reperti, provenienti dalle più prestigiose istituzioni museali italiane e straniere, grazie a prestiti straordinari, frutto di un lavoro assiduo di cooperazione internazionale. La mostra si caratterizza per l’ampiezza cronologica e la ricchezza documentaria ed è ulteriormente valorizzata anche dall’ausilio di inedite ricostruzioni e installazioni multimediali. Alla mostra si accompagnano due pubblicazioni edite da Electa. Il volume di studi, dai numerosi contributi, e l’agile guida, bilingue italiano e inglese, che accompagna il visitatore attraverso le varie sezioni della rassegna e nel percorso espositivo al Foro Romano.  di Nicola Avolio I Van Gogh ritrovati a Castellammare di Stabia: “la Chiesa di Nuenen” e “La spiaggia di Scheveningen prima di un temporale” In questo nuovo articolo ci dedicheremo ad un’attenta analisi ai due dipinti di Vincent Van Gogh ritrovati a Napoli, precisamente a Castellammare di Stabia, nel 2017 dopo essere stati trafugati nel 2002 dal Museo di Amsterdam a lui dedicato.  Vincent Van Gogh, “La spiaggia di Scheveningen prima di un temporale” Il primo dei due dipinti ritrovati che andremo ad analizzare è “La spiaggia di Scheveningen prima di un temporale”: si tratta di uno dei due soli dipinti a tema marino che Van Gogh dipinse durante il suo soggiorno all’Aia, in Olanda, e dalla lettera scritta al fratello Theo datata 26 agosto 1882 apprendiamo che l’artista, quasi quotidianamente, si recava sulla spiaggia di Scheveningen ad osservare il tramonto e dipingere la tempesta che consisteva non solo nel mare agitato, ma anche nel vento che alzava banchi di sabbia e non permetteva di stare in piedi. Di fatto, la presenza di granelli di sabbia attaccati alla pittura utilizzata sulla tela sono la prova che Van Gogh abbia davvero dipinto all’aperto sebbene le condizioni atmosferiche di quei giorni non lo permettessero. La tela rappresenta, con tratto semplice figure su piani sovrapposti che osservano il mare in tempesta. Gli unici oggetti che si notano sono una barca ormeggiata alla riva con la prua rivolta verso la spiaggia e un carretto trainato, forse da due cavalli bianco e nero. Ciò che colpisce sono le pennellate decise che mostrano come Van Gogh abbia iniziato ad acquisire uno stile marcatamente individuale rispetto alle nature morte realizzate negli anni precedenti. Le nuvole spinte dal vento sono ben riuscite e le onde del mare sono suggerite dal colore spremuto direttamente dal tubetto e modellato delicatamente col pennello sulla tela. Il dipinto, sebbene Van Gogh lo considerò mediocre e pieno di errori, lo portò con sé quando partì dall’Aia alla volta di Nuenen e quando poi partì per Anversa nel 1885, lo abbondò insieme ad altri lavori. Ricomparso nel 1905 in una vendita all’asta, venne acquistato dal collezionista olandese Peletier ed ereditato dalla figlia di questi Elizabeth che lo donò, prima della sua morte, allo stato olandese perché confluisse nel Museo Van Gogh di Amsterdam.  Vincent Van Gogh, “Una congregazione lascia la Chiesa riformata di Nuenen” Il secondo dei due dipinti che analizzeremo sarà, invece, “Una congregazione lascia la Chiesa riformata di Nuenen”, realizzato nel 1884 nel periodo in cui Van Gogh si trasferì dai genitori a Nuenen, un piccolo villaggio contornato da magnifiche foreste e praterie nel Brabante (una provincia dei Paesi Bassi), per prendersi cura della madre che si ruppe il femore. Rappresenta la Chiesa della congregazione locale riformata, dove il padre di Van Gogh amministrava il culto dal 1882. È importante, perché oltre ad essere uno dei primi quadri realizzati con una minuziosa accuratezza, è anche l’unico a conservare il telaio originale, sul quale si notano alcune tracce di colore, a dimostrazione del fatto che l’artista lo usava per pulire i pennelli. Stando sempre alla lettera scritta al fratello Theo, il dipinto era un regalo alla madre durante la convalescenza, per questo è considerata un’opera biografica dell’artista e ciò che colpisce è che oltre la descrizione nella lettera, Van Gogh fece anche un piccolo schizzo del soggetto, dove si nota un piccolo ripensamento che nel dipinto finale manca. Si tratta di un contadino con vanga in primo piano, che venne sostituito da un gruppo di otto fedeli in primo piano e un altro gruppo in uscita dalla Chiesa. Dalle analisi emerge, che gli alberi intorno e le siepi invernali divennero autunnali con tonalità meno cupe e tendenti al verde chiaro, arancione, rosa e ocra attraverso pennellate più rapide e sciolte. Il dipinto rimase alla madre fino alla sua morte, passò alla figlia Anna che lo lasciò in eredità a sua figlia Sara de Jong-van Houten e successivamente acquistato nel 1958 dalla Vincent Van Gogh Foundation.
Nel dicembre 2002, entrambi i dipinti furono sfortunatamente rubati da due ladri nel museo Van Gogh di Amsterdam, calandosi con una fune dalla finestra della sala dov’erano esposti. Scovati, non collaborarono per il ritrovamento. Dopo ben 14 anni di ricerche, a settembre 2016 sono stati ritrovati dalle Fiamme Gialle del Nucleo di Polizia Tributaria di Napoli in un casolare di Castellammare nel corso d’indagini sulla camorra. I dipinti sono stati, infine restituiti al museo Van Gogh e temporaneamente esposti, prima del loro rientro ad Amsterdam, al Museo Nazionale di Capodimonte a Napoli. Per la stesura dell’articolo è stata presa come riferimento la seguente fonte: https://restaurars.altervista.org/vincent-van-gogh-i-dipinti-ritrovati-a-napoli/ L’immagine de “Una congregazione lascia la Chiesa riformata di Nuenen” è stata tratta da: https://it.wikipedia.org/wiki/Una_congregazione_lascia_la_chiesa_riformata_di_Nuenen L’immagine de “La spiaggia di Scheveningen prima di un temporale” è stata tratta da: https://it.wikipedia.org/wiki/La_spiaggia_di_Scheveningen_prima_di_una_tempesta di Andrea Samueli  Il Natale è ormai alle porte! Ma in epoca romana si festeggiava qualcosa in questo periodo? Dal 17 al 23 dicembre il calendario segnava i Saturnalia, una festa, come dice il nome stesso, dedicata al dio Saturno. Cacciato da Giove dall’Olimpo, si era rifugiato nel Lazio, dove aveva insegnato agli uomini le tecniche della coltivazione e regnato durante un periodo di pace e serenità, senza guerre e distinzioni sociali (età dell’oro). La festività era un modo per ricordare quest’epoca felice. Le città venivano addobbate con ghirlande, nastri e fiaccole e per sette giorni la popolazione si deliziava con banchetti, divertimenti e scambi di doni. Gli schiavi diventavano uomini liberi e mangiavano alla stessa mensa dei loro padroni che, a loro volta, potevano servire i commensali. In questo ribaltamento dell’ordine sociale veniva eletto un princeps, forse una sorta di caricatura del potere imperiale, il quale aveva pieni poteri durante il banchetto. Era in genere vestito con colori accesi, soprattutto il rosso, e indossava una buffa maschera. Anche il gioco d’azzardo, normalmente vietato, tornava legale per pochi giorni vedendo tra i giocatori anche gli schiavi con poste costituite da monete o frutta secca. Altro elemento fondamentale dei Saturnalia era lo scambio degli auguri e dei doni: per i primi la formula di rito prevedeva un semplice “ego Saturnalia” (Io Saturnalia) forse ad indicare l’espressione completa “Ego tibi optimis Saturnalia auspico” (Io ti auguro ottimi Saturnalia”. I doni, come avviene ancora oggi, erano tra i più disparati: alcuni regalavano oggetti costosi o animali esotici ma per i più il regalo consisteva in piccoli oggetti, statuine in terracotta o cera, pettini, tavolette per scrivere, cucchiai. Insomma anche allora l’importante era il pensiero!  Potrebbe interessarti anche:  Immagini tratte da:
Saturno, da Wikipedia Italia, Di Xinstalker di Wikipedia in italiano, CC BY-SA 4.0, voce "Saturno" Roma, doni e decorazioni: Photoshop dell'autore Antonella Abbatiello CASE NEI LIBRI CASE FRA I LIBRI Un libro, una mostra, laboratori e letture 30 novembre 2019 – 16 febbraio 2020 Bookstore - Palazzo delle Esposizioni – via Milano, 15/17 ingresso libero martedì, mercoledì, giovedì e domenica dalle 10.00 alle 20.00 venerdì e sabato dalle 10.00 alle 22.30  Una sequenza ritmica di case ironiche, buffe, strane, paradossali, divertenti, sorprendenti esce dalle pagine di un libro, Case così, e diventa una mostra. Antonella Abbatiello, una delle più note autrici italiane per l'infanzia, accompagna grandi e piccoli in un viaggio tra case vere e immaginarie sul filo delle emozioni e della fantasia. Case fra i libri, Case nei libri è il titolo della mostra che prende vita tra gli scaffali della libreria. Insieme alle tavole originali create per il suo album Case così, Antonella Abbatiello espone in questa mostra una installazione appositamente realizzata e propone ai visitatori una personale selezione di libri che raccontano di case. CASE COSÌ è un libro scritto e illustrato da Antonella Abbatiello per Donzelli editore. LABORATORI E LETTURE 8 dicembre 2019 • ore 11.30 Case Così a Più libri più liberi lettura e laboratorio Un laboratorio per scoprire le infinite case possibili e realizzare la propria, lasciandosi ispirare dal libro di Antonella Abbatiello. per bambini dai 4 anni agli 8 anni partecipazione libera fino a esaurimento posti con biglietto d’ingresso alla Fiera Spazio Ragazzi (stand M31) La Nuvola-EUR, viale Asia 40 29 dicembre 2019 • ore 16.00 Forum di Palazzo delle Esposizioni Da casa nasce casa, laboratorio con Antonella Abbatiello Un'occasione speciale per incontrare una grande illustratrice e costruire insieme una colorata installazione collettiva, casa dopo casa. per bambini e ragazzi dai 5 anni attività € 8,00 per partecipante; info e prenotazione tel. 06 39967500 Antonella Abbatiello ha illustrato novantuno libri per bambini, molti dei quali ha anche progettato e scritto. Ha pubblicato per i maggiori editori italiani e i suoi libri sono stati tradotti e pubblicati in diciannove Paesi. Per otto anni assistente unica di Emanuele Luzzati e Giulio Gianini, ha collaborato alla realizzazione dei loro film d’animazione. Ha realizzato l’intera parte grafica dei tre film di Leo Lionni Cornelius, È mio! e Un pesce è un pesce. Assistente di Giulio Gianini, ha insegnato Cinema d'animazione per quattro anni al Centro Sperimentale di Cinematografia di Roma. Questo è il suo primo libro pubblicato da Donzelli editore. Per saperne di più www.palazzoesposizioni.it Comunicato stampa Ultimo appuntamento con i workshop creativi dedicati alla mostra di Werner Bischof  Appuntamento speciale quello di sabato 14 dicembre 2019 dalle ore 16 alle 17,30 con l’ultimo laboratorio di “Scatto al museo” dedicato alla mostra fotografica “Werner Bischof. Classics” in corso al Lu.C.C.A. – Lucca Center of Contemporary Art fino al 7 gennaio 2020.
La lunga carrellata di workshop tematici del Lu.C.C.A. Lab4Kids, che hanno permesso di vivere un viaggio indimenticabile nel mondo della fotografia, si concluderà con “Caccia alla traccia!” ideato per i più piccoli dai 3 ai 5 anni. Dopo una breve visita alla mostra, dove le fotografie di Bischof si trasformeranno in personaggi e luoghi fantastici, i bambini sperimenteranno l’idea di fotografia come traccia attraverso alcune attività in negativo e in positivo. Le iscrizioni per il laboratorio possono essere fatte allo 0583.492180 o scrivendo a info@luccamuseum.com. Costo 10 euro. Per info e iscrizioni: Lu.C.C.A. – Lucca Center of Contemporary Art Via della Fratta, 36 – 55100 Lucca tel. +39 0583 492180 www.luccamuseum.com info@luccamuseum.com di Marianna Carotenuto  Sono bastate 270 ore affinché una delle opere scultoree più famose al mondo venisse riprodotta da un robot. L’opera in oggetto è la celebre Amore e Psiche. Canova, il maestro del Neoclassicismo, aveva dedicato al gruppo scultoreo cinque anni di intenso lavoro, portandolo a compimento nel 1793. Un braccio robotico, invece, partendo da una scansione 3D di un gesso dell'opera esposta al Louvre di Parigi, in poco più di dieci giorni ne ha realizzato la copia perfetta lavorando senza sosta su un blocco di marmo bianco di Carrara del peso di 10 tonnellate. Il lavoro di Robotor è visibile a Roma, nel cortile di Palazzo Braschi, in occasione della mostra sull'arte di Canova: Eterna bellezza (fino al 15 marzo 2020), dove sono esposte oltre 170 opere provenienti, fra gli altri, dall'Ermitage di San Pietroburgo, dai Musei Vaticani, dal Museo Canova di Possagno, dal Musèe des Augustuns di Tolosa e dal Museo archeologico di Napoli. Canova. Eterna bellezza : http://www.museodiroma.it/it/mostra-evento/canova-eterna-bellezza  L’installazione realizzata in collaborazione con Robotor, è stata ideata da Magister (format espositivo di Cose Belle d’Italia Media Entertainment) e vuole proporsi come possibile soluzione per mostrare al grande pubblico capolavori complessi da trasferire da un museo all'altro, o impossibili da esporre. Ad accompagnare l’installazione, un documentario sulla realizzazione dell’opera e un racconto video della fiaba di Amore e Psiche di Apuleio, in un percorso tra spettacolo e approfondimento, un racconto sui testi di Giuliano Pisani, con la voce di Adriano Gianni e la musica originale del violoncellista Giovanni Sollima. Magister: https://www.magister.art/it/mostre_magister/ Immagini tratte da: Repubblica.it Potrebbe interessarti anche :  1/10/2019 "Il linguaggio dei segni" : la mostra di Joan Mirò al Pan che raccontala vita dell'artista in 80 opereRead Nowdi Nicola Avolio  La mostra “Joan Mirò. Il Linguaggio dei Segni” sarà al Pan di Napoli dal 25 settembre 2019 al 23 febbraio 2020 per creare una tra le raccolte d’arte di questo artista tra le più importanti di sempre. In 80 opere verrà raccontata una vita dedicata all’arte, dal 1927 fino al 1986, decisamente produttiva per un artista che ha spaziato dalla pittura alla scultura, senza naturalmente dimenticarsi dei collage e degli arazzi. “Joan Mirò. Il Linguaggio dei Segni” è un lungo viaggio che da Porto, in Portogallo, arriva a Napoli con ottanta opere d’arte di un grandissimo valore artistico comprendenti quadri, sculture, collage, arazzi e disegni che vanno a creare un vivido spaccato della sua anima. La sua vena artistica lo ha reso un artista unico nel suo genere creando universi onirici e dallo spirito estremamente creativo. Napoli ed i suoi cittadini possono godere di questa eccezionale mostra grazie al grande lavoro della Fondazione Serralves di Porto e la COR, Costruire Organizzare Realizzare. La mostra inoltre è stata curata da Robert Lubar Messeri del Institute of Fine Arts di New York sotto la guida di Francesca Villanti. Le sezioni della mostra La mostra è divisa in 9 sezioni che ci guidano nei punti più importanti della carriera di Mirò. Il linguaggio dei segni In questa sezione si mostra l’uso che Mirò fa della linea di contorno, come scrittura, e dell’orizzonte come indicatore di spazio. Si parte dal quadro Ballerina del 1924. La figura nella rappresentazione A partire dall’inizio degli anni ’20, la figura è il soggetto preferito della ricera di Mirò che ne ha minato la logica stessa. Per attaccare l’illusionismo occidentale sceglie La Fornarina di Raffaello. La figura nello sfondo Sulla superficie della sua tela prendono forma uccelli, corpi astrali, creature fantastiche. Le figura è evocata da segni e macchie sulla tela grezza. Collage e l’oggetto Mirò è uno dei grandi rappresentanti del collage del XX secolo e già nel 1919 ce ne dà prova includendo un pezzo del quotidiano La Publicidad, di Barcellona, in uno suo quadro. I dipinti selvaggi Sono l’espressione della sua rabbia verso una società in cui predominano follia e odio, che portano alla guerra. I Dipinti su Masonite, del 1936, ne sono un esempio. L’elasticità del segno Il segno e il gesto grafico, ormai, hanno la precedenza anche sul significato. Calligrafia e astrazione gestuale La calligrafia giapponese e l’affermarsi dell’Action Painting in Europa e in America influenzano Mirò nel suo nuovo modo di dipingere. La materialità del segno Nella primavera del 1973 collabora con il tessitore Josep Royo e crea opere che si collocano a metà tra pittura e scultura. Mirò incorpora oggetti comuni in trame di cotone, juta, canapa e lana. Le tele bruciate e la morte del segno Sempre con il tessitore Royo, nel dicembre 1973, realizza cinque tele bruciate. ne taglia prima la superficie, poi applica delle masse di pigmento su varie aree e allarga la superficie con una torcia. In questo modo, rende visibile la struttura del telaio carbonizzata e aggiunge altra vernice, ricominciando il processo. Informazioni Mirò al Pan di Napoli Dove: PAN Via dei Mille 60, 80121 Napoli Quando: dal 25 settembre 2019 al 23 febbraio 2020, chiuso il martedì Orario: dalle 9,30 alle 19:30 Le informazioni per la stesura di questo articolo sono state tratte dal sito https://www.napolike.it/miro-al-pan-di-napoli Immagini tratte da: Immagine 1 da https://www.napolitan.it/2019/09/25/91674/dal-25-settembre-al-23-febbraio-al-pan-joan-miro-linguaggio-dei-segni-la-volta-napoli-grande-mostra-dedicata-allartista-spagnolo/ di Andrea Samueli  Il noto adagio “Se bella vuoi apparire…” è ben conosciuto. Ma come si truccavano le donne nel mondo antico? La lotta contro i peli era pratica comune per Egizie, Greche e Romane (giusto per citarne alcune). Il poeta Ovidio ricorda “…non siano le gambe irte di duri peli…”: esistevano infatti apposite creme depilatorie a base di cera d'api, o contenenti miele e olio o ancora resine e sostanze caustiche unite ad olio. Sappiano di un particolare metodo, praticato anche da Cesare, per eliminare i peli dalle gambe: frizionare sulla pelle gusci di noce arroventati. Originale! Il volto poi richiedeva grande cura e le matrone romane dedicavano molto tempo al trucco: il latte di asina era considerato un ottimo emolliente, nonché un antirughe, mentre pigmenti a base vegetale o minerale costituivano la base per i cosmetici. Il fondotinta, non proprio salutare, era ottenuto mescolando biacca, polvere tossica derivata dal piombo e nota per la sua proprietà coprente, con miele: in tal modo si otteneva una carnagione chiara molto apprezzata nel mondo antico. Il fard era invece ottenuto con ematite (rossa) o altri pigmenti terrosi. Tralasciando le acconciature (ne parleremo in un prossimo articolo), parte fondamentale era riservata al trucco degli occhi: l’eye-liner aveva diverse origini, passando dal nero di seppia al nerofumo (polvere di carbone), alle formiche abbrustolite e unite a grasso animale o vegetale. L’ombretto variava la sua composizione in base al colore scelto: con la cenere impastata con l’acqua si otteneva una tonalità scura, mentre con le polveri di malachite e azzurrite rispettivamente un verde o un azzurro. Anche le sopracciglia erano truccate, allungate con un bastoncino intinto nel carbone. Nel mondo egizio uomini e donne facevano largo impiego di una polvere a base di antimonio (stibio) unito a grasso animale per allungare il contorno occhi e mettere in risalto le palpebre. Lo stibio, così come il carbone, erano poi impiegati anche per un vezzo molto apprezzato nel mondo romano: disegnare nei finti sul volto. Ultima, ma non per importanza, la cura delle labbra: i rossetti, spesso di un rosso molto acceso, erano ottenuti dall’ematite o dai ben più tossici minio e cinabro (minerali legati al piombo e al mercurio). Senza dubbio, un bacio difficile da dimenticare!  Immagini tratte da:
Ritratto1, da Wikicommons, File:Fayum StrasbourgMBA.JPG, By Edelseider - Own work, CC BY-SA 3.0 Ritratto2, da Wikipedia Francese, voce "Portraits du Fayoum", Par {{creator: }} — Scanned and edited by Eloquence, Domaine public Guillaume Legros più noto sul web come Saype, è un artista svizzero classe 1989 divenuto famoso per la sua strabiliante abilità nel dipingere sull’erba. La sua volontà di rivoluzionare e rinnovare la tradizionale della Street Art, ha fatto sì che oggi si possa parlare di un nuovo tipo di arte “From Street to Land” , a metà tra graffitismo e Land Art. Ma non solo, la sua vuole essere anche una forma artistica del tutto ecologica; i colori, infatti, sono ricavati da una miscela di olio di lino, acqua, farina e pigmenti naturali. La sua attività artistica ha inizio nel 2013 quando comincia a sperimentare varie tecniche su plexiglass prima di trasporle all’esterno. Attraverso la sua mano, è la natura stessa a divenire una sorta di tela sulla quale Saype riesce a dare vita ai suoi soggetti; montagne, colline e prati situati principalmente tra Francia e Svizzera divengono così delle vere e proprie opere d’arte. Interessanti, risultano le varie fasi con le quali l’artista da origine alle sue creazioni; innanzitutto, fotografa il soggetto, poi passa al taglio dell’erba dell’area precedentemente scelta e, successivamente, comincia a cospargere la vernice attraverso una bomboletta. Infine, per prendere visione del lavoro in corso, si serve di un drone permettendogli così un’esaustiva visione dall’alto. Per prendere coscienza di quanto siano suggestive e affascinanti le sue opere non resta che ammirare la selezione riportata di seguito. Sulla montagna di Rocher-de-Naye, a 2000 metri sopra il livello del mare, Saype da vita all’opera intitolata A story of the future (2017), in cui protagonista è una dolcissima bambina dedita a sfogliare le pagine di un libro.  Nello stesso anno, il giovane artista realizza anche Un grand homme et l’avenir?, opera d’arte creata in un campo di Lussemburgo in cui la figura di un bambino, che raccoglie illusoriamente un fiore, è accompagnata dalla presenza del premuroso e saggio nonno.  Nel mese di giugno di questo anno, invece, Saype elabora a Parigi, sul celeberrimo Champs de Mars (lungo ben 15000 metri quadrati!) di fronte alla Tour Eiffel, la Beyond Walls, una vera e propria catena umana lunga ben 600 metri e larga circa 25 metri. Qui, numerose mani si uniscono e si stringono l’una con l’altra oltrepassando qualsiasi confine, qualsiasi spazio mentale, qualsiasi barriera.  La pittura sull’erba di Saype, dunque, diventa sinonimo di solidarietà, umanità e rispetto tra uomo e natura. In aggiunta, la sua originale personalità e la sua straordinaria attività artistica gli hanno permesso di essere riconosciuto da Forbes come uno dei trentenni più influenti all’interno dell’attuale panorama artistico europeo. Immagini tratte da: www.inasherahart.altervista.org www.inasherahart.altervista.org www.graffitistreet.com di Nicola Avolio  Veduta dei resti sommersi del Portus Julius Mosaici, terme, palazzi frequentati da creature marine. Antiche reminiscenze archeologiche di epoca romana protette dalle acque che parlano di un luogo di villeggiatura per ricchi patrizi, amato anche da Cicerone, Domiziano, Cesare e Nerone. Conosciuto come “la Pompei sommersa”, il Sito archeologico di Baia custodisce al di sotto del mare un tesoro di profonda bellezza e inestimabile valore: situato nel più vasto contesto del Parco dei Campi Flegrei e, assieme al Parco Sommerso di Gaiola, tutelato dalla Soprintendenza dei Beni Archeologici di Napoli nonché area marina protetta, costituisce un tassello di splendore della Campania Felix ed è incastonato nell’area nord del Golfo di Napoli, tra Bacoli e la frazione di Baia. La ragione per la quale questi reperti archeologici si trovano oggi al di sotto del livello del mare è dovuta al fenomeno vulcanico dell’intera zona flegrea, il bradisismo, che da sempre ha interessato l’intera zona costiera a nord di Napoli: tale fenomeno ha causato movimenti verticali dell'area con escursioni in positivo ed in negativo di molti metri provocando negli ultimi 2000 anni l'inabissamento della linea di costa romana di circa 6/8 metri. Intorno al primo secolo a.C. infatti l'intera zona costiera a nord di Napoli era una fiorentissima stazione climatica, resa alla moda anche dalla presenza di una villa imperiale, il Pausilypon appunto che dette il nome al promontorio di Posillipo, costruita dal ricco liberto Publio Vedio Pollione. Costui alla sua morte, nel 15 a.C., nominò Augusto erede di tutti i suoi beni, Pausilypon compreso. In seguito ingrandita ed abbellita come proprietà imperiale, tale luogo pare abbia visto il tragico concludersi della congiura contro l'imperatore Nerone.  Dioniso - Ninfeo di Punta Epitaffio  Capo Miseno, il cui porto (anch’esso sommerso) era sede storica della flotta imperiale romana Fra gli ambienti di maggiore pregio, che oggi si trovano inabissati, meritano una menzione il Ninfeo di Punta Epitaffio, triclinium con funzione di sala per banchetti risalente all'epoca dell'imperatore Claudio, le cui statue sono state trasferite all'interno del Museo archeologico dei Campi Flegrei dove l'ambiente è stato ricostruito, Capo Miseno, sede storica della flotta imperiale romana, l’antico percorso stradale, oggi percorribile tramite esperienze subacquee oppure tramite barche dal fondale trasparente che permettono di vedere al di sotto, e il Portus Julius, un sobborgo dell’antica Puteoli (oggi Pozzuoli) costruito da Marco Vipsanio Agrippa su volere di Ottaviano (da cui il nome) nel 37 a.C. e che costituiva un immenso complesso portuale che collegava il lago Lucrino con il lago d’Averno, sommerso anch’esso dal fenomeno del bradisismo e riscoperto soltanto nel 1956.
Un luogo straordinariamente suggestivo, ricco di storia e di archeologia, che ne fanno di questo tratto di fondali una piccola Atlantide romano/napoletana. Alcune informazioni per la stesura di questo articolo sono state tratte dai seguenti siti: https://it.wikipedia.org/wiki/Parco_sommerso_di_Baia https://it.wikipedia.org/wiki/Portus_Iulius https://initalia.virgilio.it/parco-sommerso-di-baia-una-piccola-atlantide-napoletana-15135 Immagini tratte da: http://insolitaitalia.databenc.it/turismo/capo-miseno-le-origini-del-nome-nel-mito-delleneide/ https://it.wikipedia.org/wiki/Ninfeo_di_Punta_Epitaffio http://www.archeoflegrei.it/la-citta-sommersa/strutture_sommerse_del_portus_iulius_-_archivio_soprintendenza_speciale_per_i_beni_archeologici_di_napoli_e_pompei/ di Olga Caetani È una tiepida mattina dell’estate del 1944 a Roma. La Città Eterna è stata liberata dall’occupazione tedesca ai primi di giugno e tanta è la voglia di ricominciare a vivere. Dalla vetrina della sua bottega di antiquario, Sebasti vede passare in bicicletta il giovane architetto e critico d’arte Andrea Busiri Vici, a caccia di tesori e di fortuna. Lo invita a fermarsi ed entrare: deve assolutamente mostrargli una cosa. Si tratta di una tavoletta dipinta a olio su entrambi i lati.  Vittore Carpaccio, Caccia in laguna, 1490-95, tempera e olio su tavola, 75.4 × 63.8 cm, Los Angeles, J. Paul Getty Museum  Vittore Carpaccio, Caccia in laguna, 1490-95, tempera e olio su tavola, 75.4 × 63.8 cm, Los Angeles, J. Paul Getty Museum, retro con lo stipo delle lettere in trompe l’oeil Sotto gli strati di polvere e sporcizia, emergono un finto stipetto a muro, al quale sono fissate da un nastro alcune lettere ripiegate, e una scena di caccia, con arcieri impegnati a colpire uccelli acquatici a bordo di piccole imbarcazioni affusolate. L’attribuzione a Vittore Carpaccio (Venezia, c. 1460-1526) e le indagini di Busiri Vici sulla travagliata storia collezionistica dell’opera destano subito scalpore, tanto che il doppio dipinto viene venduto in Svizzera, per raggiungere poi il Getty Museum di Malibù e infine di Los Angeles, ove è conservato tuttora. Ma questo non impedisce a Carlo Ludovico Ragghianti di formulare un’interessante ipotesi a partire dal dettaglio del giglio che appare dal margine in basso a sinistra della tavoletta. Il gambo del fiore “reciso” potrebbe essere quello che si intravede nel vaso sulla balaustra raffigurata in un altro olio su tavola, pressoché delle stesse dimensioni, firmato da Carpaccio e appartenente alla collezione del Museo Correr di Venezia.  Vittore Carpaccio, Due dame veneziane, 1490-95, tempera e olio su tavola, 94 × 64 cm, Venezia, Museo Correr Inoltre, Ragghianti intuisce che la balaustra si affaccia non sul cielo azzurro ma su uno specchio d’acqua, probabilmente sulla stessa laguna nella quale, poco più a largo, si sta svolgendo la battuta di caccia agli uccelli. Le due donne sedute sulla terrazza, a lungo erroneamente identificate come cortigiane, sono, secondo questa lettura, ricche e annoiate dame veneziane in attesa del rientro dei propri mariti. Definito il cantore della vita mondana del primo Rinascimento veneziano, Carpaccio fissa un momento di intima quotidianità femminile, nobilitato dai numerosi significati simbolici insiti nella flora e nella fauna del dipinto. Il giglio, innanzitutto, allude alla castità matrimoniale, come il mirto, sulla destra, è pianta cara a Venere, mentre la coppia di colombe, il pavone, i cani sono simboli di fedeltà coniugale. Anche il fazzoletto bianco e la collana di perle indossata dalla più giovane concorrono a sottolineare le stesse virtù, oltre a impreziosire la puntuale descrizione degli abiti e delle acconciature alla moda del tempo. Le indagini radiografiche a cui sono state sottoposte le due tavolette negli anni ’90 sembrano confermare la brillante intuizione di Ragghianti. Combaciando perfettamente, anche dal punto di vista prospettico, esse costituivano un unico dipinto, diviso in due parti probabilmente già in epoca rinascimentale.  I due dipinti ipoteticamente ricomposti Per di più, il lato sinistro mostra le tracce della presenza di cardini o cerniere, come se in origine l’opera fosse composta da un secondo pannello, oggi perduto, con l’aggiunta del quale, tra gli altri elementi, anche la figura del levriero in primo piano sarebbe risultata intera. Per quanto riguarda la funzione del dittico, non ancora del tutto chiara, i cardini esistenti lungo lo spessore destro e la dimensione complessiva in altezza fanno pensare alle ante di una porta che si apriva e chiudeva “a libro” su un piccolo vano, utilizzato come studiolo e ricavato, forse, all’interno della camera della sposa, per la quale era stato commissionato come dono di nozze, dato il tema allegorico che informa il dipinto dello stipite rimasto.  Vittore Carpaccio, Sant’Agostino nelle studio, 1502-07, tempera su tela, Venezia, Scuola di San Giorgio degli Schiavoni  Esempio di studiolo umanistico, particolare della porta Immagini tratte da:
Potrebbero interessarti anche: di Marianna Carotenuto Nelle opere d’arte spesso sono nascosti grandi o piccoli segreti; una storia, un’immagine nascosta, un doppio significato o addirittura un pettegolezzo. Ecco alcuni dei segreti che conservano i più celebri dipinti. Danae  Rembrandt Harmenszoon van Rijn, ‘ Danae ‘, 1636 – 1647 Una radiografia del ‘Danae’, fatta negli anni 60, ha rivelato un importante segreto. Nella versione originale del dipinto, la musa Danae di Rembrandt aveva proprio il volto di sua moglie Saskia. Dopo la morte della donna, avvenuta nel 1642, le sembianze della musa ricordano invece Geertje Dircx, la sua amante. Inoltre, Danae era famosa per la sua relazione con Zeus; quindi è possibile che l’artista abbia riversato sul dipinto la sua vicenda sentimentale. Old Fisherman  Tivadar Csontváry Kosztka (1853-1919) è stato uno dei primi pittori ungheresi a essere conosciuto e apprezzato in ambito Europeo, anche dallo stesso Picasso. In questo ritratto di un vecchio pescatore è nascosto un segreto, svelato solo dopo la morte del pittore. Mettendo uno specchio in mezzo al dipinto e riflettendo soltanto una metà del volto, il personaggio si trasforma in due ritratti: una persona che prega e il diavolo La camera gialla di Vincent van Gogh  Vincent van Gogh, ‘ Camera ad Arles ‘, 1888-1889. Nel 1888, van Gogh ha acquistato un piccolo studio ad Arles, nel sud della Francia, dove si nascondeva da artisti parigini e critici. Nel mese di ottobre, iniziò a dipingere la “Camera da letto ad Arles”. La scelta dei colori e l’intimità generale, aspetti importanti del quadro, fanno intendere la volontà dell’autore di simboleggiare il comfort e la sicurezza. Per alcuni studiosi specialisti di Van Gogh, invece, le scelte cromatiche insolite hanno una spiegazione diversa: rappresentare cioè il desiderio mancato di sonno e riposo. Inoltre sappiamo che Vincent stava curando l’epilessia e per l’effetto collaterale dei farmaci, Van Gogh aveva una diversa percezione del colore, prediligendo il giallo e il verde. Forse il pittore vedeva il mondo proprio come lo dipingeva nei suoi quadri. Autoritratto con orecchio bendato e pipa  In “Autoritratto con orecchio bendato e pipa”, Van Gogh si mostra con l’orecchio destro fasciato. In realtà l’orecchio ferito era il sinistro. Ciò è spiegato dal fatto che van Gogh usò uno specchio per creare l’immagine di se stesso. Il quadrato nero  Kazimir Malevich,” Il quadrato nero’‘ del 1915. Al contrario di quanto si possa pensare, il ‘quadrato nero’ non è né nero né è un quadrato. Nessuno dei suoi lati sono paralleli tra loro, né i bordi della cornice. Inoltre, il ‘colore’ ‘nero’ è il risultato di una miscela di diversi colori, non è stata infatti usata una vernice propriamente nera. Il quadro è stato dipinto così, piuttosto che per negligenza dell’artista, per sua volontà di creare una forma mobile dinamica.
Immagini tratte da: www.studiarapido.it www.analisidellopera.it www.doppiozero.com Wikipedia pubblico dominio : Danae Rembrandt  Si intitola “Dipingere con l'emisfero destro del cervello” il workshop dedicato alle arti visive che il maestro Francesco Musante terrà a Lucca dal 9 al 15 settembre 2019. Il percorso formativo, nato dalla sinergia tra il Lu.C.C.A. – Lucca Center of Contemporary Art e LEA - Lucca Experientia Artis con il coordinamento di Omina, è una full immersion nel mondo della pittura, della grafica e dell’illustrazione attraverso l’immaginario fantasioso del maestro Francesco Musante. Destinato a pittori, grafici, illustratori e appassionati d’arte, il workshop si propone di approfondire la tecnica pittorica, gli strumenti e i legami con le emozioni, con i pensieri, con gli stati d’animo e con l’emisfero destro del nostro cervello, oggi indispensabili per risalire alla genesi di ogni lavoro artistico. Sarà una settimana di studio e laboratorio intensivo per disegnare e dipingere insieme al maestro Musante, per approfondire tematiche della critica d’arte e della museologia con Maurizio Vanni, direttore del Lu.C.C.A. – Lu.C.C.A. Center of Contemporary Art, per confrontarsi con Domenico Raimondi, art director di LEA, su allestimenti e comunicazione 4.0 e per interagire con gli artisti e i professionisti del mondo delle arti visive che per l’occasione faranno delle incursioni al CONvictUS, un ex convento convertito in residenza per artisti. Per informazioni e iscrizioni http://www.luccaexperientia.it/workshop/pittura/ oppure telefonare allo 0583 467380 o il 338 9081960. Grazie al Lu.C.C.A. Museum PROMOZIONE -20% sulla quota di partecipazione con il CODICE SCONTO LEA03LM da utilizzare al momento dell’iscrizione online. Promozione valida fino al 31 agosto 2019. Dal 18 agosto al 27 ottobre, la Cattedrale di Siena scopre il suo magnifico pavimento a commesso marmoreo, frutto di cinquecento anni di espressione artistica, un viaggio simbolico alla ricerca dei più alti valori dello spirito umano.  COME IN CIELO, COSÌ IN TERRA. Dalla PORTA alla CITTÀ DEL CIELO al PAVIMENTO. Un percorso dalla sommità della Cattedrale e dal Facciatone del Duomo Nuovo fino alle tarsie marmoree. Dal Museo dell’Opera, con la salita alla Città del Cielo, dall’alto muro sarà possibile non solo leggere i monumenti senesi più significativi, ma anche “vedere un nuovo cielo e una nuova terra” (Apocalisse 21,1). Attraverso l’ascesa alla Porta del Cielo i visitatori sembrano muoversi lungo la scala apparsa in sogno a Giacobbe, la cui cima raggiungeva il cielo e gli angeli di Dio salivano e scendevano (Genesi 28,10-22). Nel sogno Dio promette a Giacobbe la terra sulla quale egli stava dormendo e un’immensa discendenza. Al suo risveglio Giacobbe esclama «Questa è proprio la casa di Dio, questa è la porta del cielo», verso utilizzato dalla liturgia nella messa della dedicazione delle cattedrali. Ma ‘porta del cielo’, secondo le litanie lauretane, è anche la Vergine, definizione che meglio esprime la potenza e la bontà di Maria, la quale come Madre di Cristo e dell'umanità, concorre alla nostra salvezza eterna in Cielo ove lei è ‘Regina assunta’. Il percorso “dall’alto” permette infatti di comprendere meglio la dedicazione del Duomo di Siena all’Assunzione della Madonna e il forte legame che i cittadini senesi hanno da secoli con la loro ‘patrona’: Sena vetus civitas Virginis. La Madonna si definisce anche come Sedes Sapientiae, sede di Sapienza e invita i cittadini a “visitare castamente il suo castissimo tempio”, come si legge nell’iscrizione d’ingresso al Pavimento. “Nella solarità abbagliante dei suoi marmi e cotti” (Mario Luzi), Porta e Città del Cielo si riflettono nel Pavimento del Duomo di Siena per saldarsi in unico sguardo. |
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Dicembre 2020
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