Dal 16 dicembre 2018 al 17 marzo 2019, Palazzo Farnese di Piacenza ospita una mostra che ripercorre l’epopea del grande condottiero cartaginese.
L’esposizione ANNIBALE UN MITO MEDITERRANEO, curata dal professor Giovanni Brizzi, accademico italiano e massimo esperto di Annibale, è un viaggio nella storia del Mediterraneo all’epoca delle Guerre Puniche, attraverso la vicenda dell’uomo che osò sfidare Roma.
ANNIBALE UN MITO MEDITERRANEO offre una lettura innovativa delle vicende del condottiero cartaginese. Affianca all’esposizione dei reperti (ceramiche, armi, dipinti) provenienti da collezioni italiane e straniere, un apparato tecnologico che arricchisce e rende dinamico e coinvolgente il racconto, orienta le modalità di comunicazione e movimenta l’allestimento. Pensato come esperienza immersiva, con installazioni audiovisive, animazioni grafiche, teche olografiche interattive e videoinstallazioni, il percorso della mostra si snoda negli spazi sotterranei di Palazzo Farnese con varie sezioni tematiche che raccontano l’avventura del protagonista, con la sua voce a far da guida nei passaggi nodali del racconto.
Nelle prime sezioni due diverse linee del tempo introducono allo scenario storico del III secolo a.C., accanto ad una teca olografica con cui il pubblico potrà interagire, mentre una videoproiezione immersiva consente di affacciarsi sul Mediterraneo. La famiglia di Annibale, la sua città d’origine, la formazione culturale, la sua ascesa politica e militare sono raccontati attraverso schermi e pannelli grafici mentre una spettacolare ambientazione scenografica immersiva è dedicata all’episodio della traversata delle Alpi, con effetti speciali di suoni e di immagini in movimento.
Un focus particolare è riservato all’arrivo del condottiero a Piacenza e una sala intera ospita il racconto delle sue più famose battaglie: grandi schermi a parete mostrano gli schieramenti dei due eserciti, gli armamenti, le caratteristiche tattiche, mentre un grande tavolo circolare con videoproiezione consente di rivivere su una mappa virtuale i combattimenti.
La mostra prevede anche una sala cinema lungo il percorso, con proiezione di film storici ed esposizione di rari costumi scenici ispirati alla storia del condottiero. Molte le iniziative collaterali in programma: cicli di incontri e conferenze con giornalisti, storici, divulgatori; visite guidate, laboratori didattici per le scuole di primo e secondo grado, eventi teatrali e pubblicazioni.


PIACENZA – PALAZZO FARNESE 16 DICEMBRE 2018 – 17 MARZO 2019
#annibaleapiacenza
Curatore: GIOVANNI BRIZZI

Una delle rarità presenti nella città di Napoli è certamente costituita dalla collezione di manufatti cinesi e giapponesi presente nel Museo Nazionale delle Ceramiche “Duca di Martina”, sito nel quartiere Vomero della città partenopea: essa fa parte dell’immensa collezione appartenuta a Placido de’ Sangro, ossia il Duca di Martina, il quale viaggiò in lungo e in largo per l’Europa e acquistò numerosi manufatti sia di manifattura occidentale che di manifattura orientale. Dopo la sua morte, avvenuta nel 1891, la collezione passò nelle mani dell’omonimo nipote e, dopo la morte di quest’ultimo, avvenuta nel 1911, la collezione fu donata dalla moglie di quest’ultimo, la principessa Maria Spinelli di Scalea, in eredità al Comune di Napoli e, affinché se ne evitasse la dispersione, come luogo deputato alla conservazione di questa collezione fu scelta, appunto, la Villa Floridiana, nella quale fu istituito, nel 1931, il Museo Duca di Martina. 

Nel corso del primo allestimento museale, effettuato nel 1927 da Carlo Giovene duca di Girasole, la collezione orientale fu collocata al piano nobile della villa, precisamente dalla sala 17 alla 22, in concomitanza con le porcellane di manifattura napoletana ed europea; il secondo allestimento fu effettuato nell’immediato dopoguerra, precisamente nel 1945, dal sovrintendente Bruno Molajoli e dall’allora direttrice del Museo Elena Romano, nel corso del quale fu restaurato e riaperto al pubblico il piano seminterrato della villa, nel quale fu poi collocata la collezione orientale; essa però chiuse al pubblico negli anni ’70 a causa della mancanza di fondi e fu riaperta solo nel 1986 sfruttando i fondi F.I.O. (Fondi per l’Investimento e per l’Occupazione). La collezione, che conta più di 3000 manufatti, risulta essere una delle più importanti sia a livello nazionale che internazionale, e si compone di numerosi manufatti provenienti dalla Cina e dal Giappone: per quanto riguarda i manufatti cinesi, sono presenti numerosi oggetti in giada, lacca, bronzo e avorio, numerosi vasi, statuette votive e teiere risalenti ai periodi Ming e Qing e appartenenti allo stile “bianco-blu”, alla “famiglia Rosa” (ovvero con il colore rosa che predomina nel manufatto), alla “famiglia Verde” (con il verde che predomina), numerosi monocromi e il preziosissimo Tamburino Tang, un piccolo manufatto in terracotta risalente al VIII secolo circa e raffigurante un cavaliere a cavallo. 

​In quanto ai manufatti giapponesi, abbiamo, anche qui, numerosi vasi, piatti, teiere e statuette votive appartenenti allo stile Kakiemon, che trae il nome dal famoso ceramico giapponese vissuto nel IV secolo, e Imari, dal nome del porto giapponese dal quale questi manufatti venivano imbarcati alla volta dell’Europa tramite la Compagnia delle Indie Orientali. 

Immagini tratte da:
​La foto della facciata della Villa Floridiana è stata scattata da me personalmente, la foto del duca Placido de’ Sangro è tratta dal sito “http://www.nontistavocercando.it/2011/02/21/la-giacca-del-duca/” e tutte le foto dei manufatti cinesi e giapponesi sono tratte dal sito del Polo Museale della Campania (http://www.polomusealecampania.beniculturali.it/index.php/le-collezionidm)

Il 26 Febbraio del 1808, a Marsiglia, nasceva Honoré Daumier: pittore, scultore, litografo e caricaturista francese.
Vogliamo ricordarlo con il suo dipinto realista “Il vagone di terza classe”, senza dubbio una delle sue opere più note.
 
Daumier era un acuto osservatore degli effetti che l'industrializzazione causava sulle classi lavoratrici di Parigi. Cominciò a raffigurare scene di trasporti pubblici già nel 1839. La sua attenzione si focalizzava non sui mezzi stessi, bensì sulle reazioni delle persone che si adattavano a condizioni che erano spesso scomode, nonché drammatiche.
Soprattutto Il vagone di terza classe del 1862, segna l’apice del prolungato impegno di Daumier con il tema del viaggio in treno, simbolo di denuncia delle condizioni delle classi più disagiate, dimenticate dallo Stato.

Il pittore ritrae un vagone ferroviario di terza classe molto affollato, i finestrini lasciano appena intravedere un cielo livido e i viaggiatori, ammassati su dure panche di legno, hanno un’espressione che suggerisce evidentemente la rassegnazione al loro destino di povertà e sofferenza.
In primo piano sono raffigurati due viaggiatori seduti, probabilmente una famiglia. Una giovane madre allatta un neonato al seno e accanto a lei una donna anziana, con il capo coperto da un cappuccio e un mantello, sembra avere lo sguardo fisso nel vuoto. Sulle gambe ha un cesto sul quale poggia le mani. Affianco a loro, sulla destra, dorme un ragazzino adolescente, completamente in ombra, persino su di lui sembra pesare l’infelicità della sua giovane vita.
In netta contrapposizione con la classe povera, sui cui volti si intravede la fatica, si individuano i borghesi, che con la loro arroganza e indifferenza danno le spalle ai poveri lavoratori, non curandosi di loro.
 I ricchi borghesi sono posti in secondo piano e sembrano occupare spazi migliori. Inoltre, anche il clima emotivo è decisamente diverso.
In primo piano sembra aleggiare un senso di impotenza e di tristezza senza speranza. Nello spazio posteriore, invece, i passeggeri conversano animatamente e sembrano vivere una dimensione sociale appagante. Si delinea così il netto divario tra le due classi sociali, un concetto metaforico e reale che l’artista vuole sottolineare.
Daumier, nei suoi dipinti realisti, adattò il suo talento di caricaturista per rendere i suoi personaggi molto espressivi. I volti e le figure de Il Vagone di terza classe sono ripassati da una linea nera di contorno molto scura. Il chiaroscuro utilizzato per dare volume alle forme è costruito con ombre molto profonde. Il colore è steso in maniera poco uniforme: Il vagone di terza classe è un olio su tela, ma presenta allo stesso tempo un tratto veloce, che lascia le figure quasi incompiute.
È così che Daumier, percependo la tristezza della povera gente costretta a vivere in ristrettezze economiche e condizioni drammatiche, dà voce ad una denuncia sociale a favore delle classi più disagiate.
 
Se sei giunto fin qua: al termine dei prossimi articoli di arte e archeologia inseriremo una parola non legata all'articolo. Potrete ricopiarla e inserirla nei commenti su FB senza spiegare il perché: una sorta di gioco mensile al termine del quale riporteremo i nomi dei "lettori più attenti" in un post a loro dedicato. La parola di oggi è: dizionario

Immagine tratta da:
Wikipedia pubblico dominio “Il vagone di terza classe”

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di Ilaria Ceragioli

È nota come digital art o computer art quella tipologia di arte elaborata in forma digitale mediante un computer, una tavoletta grafica, una scansione fotografica e via dicendo.
La nascita dell’arte digitale si colloca nel 1950 per merito di due matematici e programmatori appassionati di grafica: lo statunitense Ben Laposky e il tedesco Manfred Frank.
L’evoluzione di quest’arte è sostanzialmente legata a 3 fasi: una fase pioneristica che giunge fino alla metà degli anni ’70 del secolo scorso; una seconda fase che si colloca negli anni ’80; e una terza ed ultima fase a partire dagli anni ’90.
La prima fase è caratterizzata da esperimenti di visualizzazione di immagini al computer. Tra i maggiori digital artist di questo periodo ricordiamo Charles A. Csuri e Vera Molnar.
Charles A. Csuri fu tra i primi a cimentarsi nell’utilizzo del computer, specializzandosi nella creazione di immagini bidimensionali e nell’animazione. Attualmente è professore presso l’Ohio State Advanced Computing Center for Art and Design (ACCAD), da lui ideato.
Nel 1967 crea Sine-Curve Man, un uomo barbuto la cui immagine viene alterata adoperando la funzione di curva sinusoidale.

Vera Molnar, invece, è un’artista di origini ungheresi, tra le fondatrici del movimento di Arte Cinetica GRAV (groupe de recherches d’Art Visuel) che sancisce l’unione tra l’arte e l’informatica.
Celebre è la sua Computer rosace-series, opera del 1974 in cui Vera Molnar traduce, con un’evidente sensibilità minimalista, immagini elaborate tramite un computer che ripetono ossessivamente motivi geometrici.

Passiamo adesso alla seconda fase evoluzionistica dell’arte digitale. Essa vede la diffusione di personal computer e di varie forme d’arte basate sulla tecnologia digitale.
Eccellente e significativo interprete di questa fase fu l’inglese William Latham, oggigiorno professore presso la University of London. Latham, fu tra i primi artisti a creare forme evolutive ed organiche attraverso un programma chiamato “mutator”, sviluppato in collaborazione con il matematico Stephen Todd. Da qui la realizzazione del cortometraggio The Evolution of form (1989).

Per concludere il nostro breve excursus sulle varie tappe di sviluppo dell’arte digitale ci avventuriamo adesso nell’analisi dell’ultima fase, segnata dallo sviluppo della realtà virtuale, dell’interattività e dalla nascita della Net Art.
Una figura di spicco nell’ambito dell’arte interattiva è Jeffrey Shaw, uno dei digital artist più acclamati dal pubblico e dalla critica attuale. Era il 1991 quando Shaw presentò The Legible City.

Siamo dinanzi ad una installazione interattiva che connette spazi reali e virtuali; il visitatore, infatti, può esplorare una città virtuale in cui gli edifici sono sostituiti da lettere dell’alfabeto semplicemente guidando una bicicletta. Tutto ciò è possibile grazie al collegamento dei pedali e del manubrio con un computer che genera immagini proiettate su un grande schermo.
Infine, per quanto riguarda la Net Art (quella disciplina artistica che crea opere d’arte servendosi della rete internet) degna di nota è la creazione “Riot” (1999) dello statunitense Mark Napier.

In questo progetto Napier unisce diversi siti web portando così al collasso dei domini e dei confini territoriali.
Dunque, con l’avvento dell’era elettronica l’arte ha ampliato ulteriormente i suoi orizzonti, i suoi spazi di esecuzione, coinvolgendo attivamente lo spettatore e manifestandosi in forme e modalità un tempo impensabili.
 
Immagini tratte da:
www.siggraph.org
www.dada.compart-bremen.de
www.marknapier.com
 

Dal 6 ottobre 2018 al 27 gennaio 2019, il Museo della Permanente a Milano ha ospitato la mostra “Caravaggio. Oltre la tela. La mostra immersiva”, a cura di MondoMostreSkira.
Dopo il successo di precedenti mostre sul pittore cinquecentesco che si sono susseguite nel corso degli anni e in varie città d'Italia, questa mostra, per l'appunto "immersiva", intendeva raccontare le tappe fondamentali della vita di Caravaggio, in un modo ancora più coinvolgente ed affascinante: sotto forma di una narrazione teatrale, l’esposizione era divisa in quattro atti, come i periodi di vita dell’artista, accompagnati ed illustrati da oltre cinquanta opere. Per superare l’ostacolo oggettivo dell’impossibilità di vedere dal vivo alcune di queste opere inamovibili, si è voluto riportarle ugualmente di fronte agli occhi meravigliati del pubblico con l’ausilio di strumenti multimediali.​

La mostra, prodotta da NSPRD, ha coinvolto un team di giovani sceneggiatori, cineasti, video artisti, scenografi, doppiatori che, con la consulenza della storica dell’arte Rossella Vodret, hanno elaborato un nuovo formato di mostra, che non si limitava alla semplice presentazione delle opere in alta risoluzione e dei loro dettagli, ma mirava a sfruttare al massimo le tecnologie per una divulgazione scientifica di ultima generazione.

​Ciononostante alcune esposizioni, meglio di altre, hanno cercato di svelare i misteri del Caravaggio o di raccontare un nuovo punto di vista sulla sua vita. È il caso di questa mostra in cui, come in un vero e proprio spettacolo, cinematografico o teatrale, il racconto è stato avvincente ed è risultata quindi, per chi l’ha vista, più memorabile ed utile delle famose ma superficiali esposizioni multimediali, note come “experience”, dedicate ai grandi artisti.​

Il titolo “Oltre la tela. La mostra immersiva” è stato coerente con il contenuto, esemplificativo e chiarificatore rispetto alle vicende storiche. L’analisi delle opere, seppur sommaria, aiutava l’occhio degli spettatori a scoprire i dettagli principali, e le aspettative del pubblico sono state rispettate: tutti elementi non da poco nel mondo dell’arte e delle mostre, attualmente.

Foto tratte da: Foto dell’autore.

La maggior parte dei manuali di letteratura, accanto alla biografia dell’autore de “I Promessi Sposi” riporta questo ritratto: Alessandro Manzoni seduto su di una elegante poltroncina, con un’espressione molto intensa e profonda.

Sebbene sia la sua immagine più conosciuta, pochi studenti sanno chi sia stato a dipingerlo. Se sfugge anche a te, rimediamo subito.
Alessandro Manzoni era già stato ritratto nel 1831 da Giuseppe Molteni: in questo dipinto lo scrittore è in piedi e regge nella mano sinistra proprio una copia della sua opera principale. Sullo sfondo si vedono Lecco e il Lago di Como, località dove hanno avuto luogo le vicende di Renzo e Lucia, protagonisti del romanzo.

Nel 1841 la seconda moglie di Manzoni, la contessa Teresa Borri Stampa e suo figlio, Stefano Stampa, grande appassionato d’arte e mecenate, commissionarono il suo secondo ritratto.
Il desiderio di Teresa era quello di tramandare l’aspetto quotidiano del marito, allontanandosi dall’immagine di letterato ispirato che caratterizzava il ritratto precedente. A tal scopo si rivolse a Francesco Hayez, l’autore del celebre dipinto “Il Bacio”.
Il pittore romantico si impegnò molto nella realizzazione del ritratto, tanto che vi dedicò ben quindici sedute di posa, prima di portarlo a compimento il 26 giugno 1841.
Hayez volle esprimere in una sola immagine le qualità personali, morali e professionali dello scrittore, utilizzando uno stile estremamente realistico. Manzoni è seduto e rivolto verso sinistra, con il volto inclinato, labbra sottili che accennano un sorriso, il viso incorniciato da due lunghe basette. Indossa una giacca scura sopra ad una camicia chiara ed ha un fazzoletto stretto intorno al collo. La mano destra è posata sul bracciolo della poltrona, mentre nella mano sinistra non regge I Promessi Sposi, come nel precedente dipinto, ma una tabacchiera. La gamba destra è accavallata sulla sinistra in una posizione naturale e disinvolta.
L’artista spogliò il ritratto di tutti gli elementi decorativi, facendo apparire lo sfondo plumbeo, con un alone luminoso in corrispondenza del busto dello scrittore. Il tessuto dei pantaloni è di color ocra scuro e richiama il colore del fondo illuminato. L’incarnato è caldo e lo spazio è reso attraverso la luce che crea una limitata profondità. Con quest'espediente pittorico, Manzoni sembra esser circondato da una sorta di aura che lo colloca in una dimensione senza tempo.
Il quadro ebbe enorme successo tanto che venne apprezzato sia dalla famiglia del Manzoni che dall’opinione pubblica.
Fu lo stesso Hayez a vantarsi del suo ottimo lavoro, accompagnando personaggi famosi del tempo a visitare il ritratto dello scrittore. Tra i tanti ammiratori, Gaetano Cattaneo lodò la scelta dell’artista di collocare il Manzoni «in una posizione naturale e sua abituale». Il critico d'arte Fernando Mazzocca lo ha ritenuto il «vertice più alto dell'iconografia manzoniana» per aver saputo interpretare il «carattere, insieme pacato e inquieto, dell'effigiato, una pittura essenziale, raffinatissima, funzionale a esprimere le più intime e sfuggenti variazioni dei moti dell'animo».
 
Se sei giunto fin qua: al termine dei prossimi articoli di arte e archeologia inseriremo una parola non legata all'articolo. Potrete ricopiarla e inserirla nei commenti su FB senza spiegare il perché: una sorta di gioco mensile al termine del quale riporteremo i nomi dei "lettori più attenti" in un post a loro dedicato. La parola di oggi è: lampada. 
 
Immagini tratte da:
Wikipedia pubblico dominio: Alessandro Manzoni
Wikipedia pubblico dominio: Molteni Giuseppe, Alessandro Manzoni

di Nicola Avolio

Tra i tanti musei e le tante bellezze di cui la città di Napoli è stracolma, ci terrei ad approfondire la figura di un museo che, in occasione di mie numerose visite e sopralluoghi, mi ha colpito particolarmente e che nel corso degli anni è sempre rimasto un passo indietro rispetto alle principali mete artistiche solitamente frequentate da turisti e cittadini: il Museo Civico Gaetano Filangieri.
Situato sull'arteria di Via Duomo, nel cuore del centro storico di Napoli e a pochi passi dal Duomo, il Museo fu progettato e realizzato a partire dal 1883 da Gaetano Filangieri, principe di Satriano: egli trovò nel rinascimentale Palazzo Como il luogo ideale in cui poter ospitare la sua collezione privata e, per scongiurarne l'abbattimento a causa dei lavori del Risanamento, lo arretrò di 20 metri allineandolo, quindi, lungo Via Duomo.
Il Museo fu inaugurato nel novembre del 1888 e risulta essere diviso nel seguente modo: al pianterreno vi è la sala dedicata a Carlo Filangieri, padre di Gaetano, contenente, oltre a un busto in marmo raffigurante lo stesso Carlo, una rarissima e stupenda collezione di armi orientali (databili tra il XVII e il XIX secolo) di provenienza cinese e giapponese a quest'ultimo appartenuta; salendo lungo una scala a chiocciola si accede a quello che costituisce il cuore del Museo, ovvero la Sala Agata, divisa in due settori, quello inferiore e quello superiore, nel primo settore troviamo raccolte di dipinti del '600 napoletano, di artisti del calibro di Jusepe Ribera, Luca Giordano, Andrea Vaccaro, Battistello Caracciolo e Andrea Preti, mentre nel secondo settore troviamo una raccolta di porcellane giapponesi in stile Kakiemon e Imari databile al XVIII secolo, pastori presepiali del XVIII e del XIX secolo e porcellane napoletane della fabbrica di Capodimonte, ma anche di manifattura tedesca, francese, inglese e olandese.
Dal livello superiore della Sala Agata si accede, tramite una piccola scalinata, ad una biblioteca contenente, oltre a più di 30.000 volumi, un archivio storico con documenti compresi tra il XIII e il XIX secolo.

Immagini tratte da:

Immagini museo: https://www.tvdaily.it/arte-cultura/napoli-arte-contemporanea-per-salvare-il-museo-filangieri.php

Armi in asta e porcellane: fotografie dell'autore

Sala Agata: http://www.arte.it/guida-arte/napoli/da-vedere/museo/museo-civico-gaetano-filangieri-2840/immagini/il-museo-gaetano-filangieri-foto-copy-lorenzo-cabib-courtesy-of-museo-civico-gaetano-filangieri-napoli-br-63749

Biblioteca:https://www.artribune.com/attualita/2012/05/filangieri-se-riaprire-un-museo-diventa-provocazione/attachment/museo-filangieri-biblioteca-2/

Letizia Battaglia nasce a Palermo nel 1935. Fotografa, artista, regista, ambientalista, politica, editrice, è tra le prime donne fotoreporter in Italia. Nel 1974 inizia la sua carriera di fotografa per il quotidiano L’ORA di Palermo e con il collega e compagno Franco Zecchin fonda l’agenzia “Informazione Fotografica”. Cronista di frontiera, documenta la Palermo in cui la mafia fronteggia lo Stato e regola i propri conti amministrando con il sangue la legge del territorio. Immortala poliziotti, giudici e uomini delle istituzioni in prima fila nella lotta contro Cosa Nostra. Consegna alla storia fotografie di Giorgio Boris Giuliano, del presidente della Regione Siciliana Piersanti Mattarella (ritratto, appena ucciso, tra le braccia del fratello Sergio, l’attuale presidente della Repubblica), del generale Dalla Chiesa, dei magistrati Falcone e Borsellino. Ritrae intellettuali come Pier Paolo Pasolini ed Ezra Pound, diventa amica di grandi fotografi come Diane Arbus, Sebastião Salgado, Josef Koudelka. Letizia Battaglia passa in rassegna quarant’anni di vita e società italiana. Il suo obiettivo si trova sempre là dove è necessario raccontare: dagli scontri di piazza agli omicidi di mafia, dalle carceri agli ospedali psichiatrici. Ma i suoi soggetti preferiti, dichiara, restano sempre le donne e i bambini. E’ la prima europea a ricevere nel 1985 a New York il Premio Eugene Smith per il fotogiornalismo (riconoscimento internazionale istituito per ricordare il fotografo di Life, assegnato annualmente a chi si è distinto in ambito sociale, economico, politico o ambientale). Nel 1991 fonda la rivista bimestrale realizzata da sole donne ” Mezzocielo”. Nel 1999 vince The Mother Johnson Achievement for Life San Francisco. Nel 2007 l’Associazione Tedesca per la Fotografia (DGPh) le assegna The Erich Salomon Prize. Nel 2009 viene premiata con il Cornell Capa Infinity Award. Peace Women Across the Globe la segnala tra le 1000 donne per il Nobel per la pace. Nel 2017 il New York Times la inserisce (unica italiana) fra le undici donne più influenti del mondo e il MAXXI di Roma le rende omaggio dedicandole un’antologica che raccoglie più di duecento scatti, provini, vintage e documenti inediti. Oltre che in Italia Letizia Battaglia ha esposto nei Paesi dell’Est, Francia (Centre Pompidou, Parigi), Gran Bretagna, America, Brasile, Svizzera, Canada. Tiene lecture e workshop per musei e istituzioni in Italia e all’estero. Dal 2017 dirige e cura la selezione di mostre e incontri dedicati alla fotografia storica e contemporanea del Centro Internazionale di Fotografia, presso i Cantieri Culturali alla Zisa di Palermo.

La Fondazione Carlo Laviosa da sempre reputa il mondo del lavoro un campo di analisi di fondamentale importanza per la comprensione delle dinamiche sociali e delle disparità di condizione tra paese e paese. Parlare di lavoro significa riflettere sull’energia primaria della quale l’umanità dispone e sul concetto di democrazia e per farlo la Fondazione ha scelto un linguaggio che da circa 150 anni è testimone ed archivio delle azioni dell’uomo e delle trasformazioni del pianeta: la fotografia. Questa scelta ha generato un progetto, “Fotografia e Mondo del Lavoro”, condiviso dall’Amministrazione Comunale, che si articola in momenti espositivi, momenti produttivi e didattici e in un concorso. Il progetto non poteva non concedere spazio al lavoro del fotografo in quanto giornalista: “Letizia Battaglia rappresenta un esempio per le nuove generazioni e i principi che hanno mosso e governato la sua vita dovrebbero essere applicati in qualsiasi ambito lavorativo: l’onestà intellettuale, il rispetto degli altri, l’assenza di prosopopea e di superficialità senza dubbio rappresentano il viatico per una società più giusta”, afferma Giovanni Laviosa Presidente della Fondazione.


INFORMAZIONI / SCHEDA TECNICA
Titolo della mostra: “Letizia Battaglia”
Un progetto della Fondazione Carlo Laviosa in collaborazione con il Comune di Livorno
A cura di Serafino Fasulo
Date: dal 19 gennaio al 15 marzo 2019
Sede espositiva: Museo Fattori, Granai di Villa Mimbelli, via San Jacopo in Acquaviva 65 – Livorno, venerdì-domenica ore 10.00/13.00 e 16.00/19.00, ingresso Euro 5.00, gratuito per i ragazzi sotto i 14 anni, visite guidate su prenotazione: www.museofattori.livorno.it
Catalogo: “Letizia Battaglia”, AA VV, Pacini Editore
Ufficio stampa: Silvia Pichini, silviapichini@ngi.it, mob. +39 3474536136
Ufficio Comunicazione e Marketing – Comune di Livorno tel. 0586 820268-266-504web. www.comune.livorno.itfacebook. www.facebook.com/comunedilivorno/instagram. ComunediLivorno twitter. @ComunediLivorno
 
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di Antonio Monticolo

Al momento della scoperta la statua era sostanzialmente completa come dimostrano il disegno di Giovanni Antonio da Brescia e l'incisione di Marco Dente, ma che allo stesso tempo ci mostrano anche le mancanze principali: il braccio destro del figlio minore, il destro del Laocoonte e le dita della mano destra del figlio maggiore, mentre era presente la testa del serpente che morde il fianco di Laocoonte, la quale sparirà dalle immagini successive.

Siamo a conoscenza del primo intervento di restauro attraverso due elementi: la descrizione che della statua danno gli ambasciatori veneti durante la loro visita nel 1523 in cui menzionano la mancanza del solo braccio di Laocoonte, e dall'altro il disegno di van Heemskerck del 1532 -33 dove le braccia del figli sono già presenti. Poiché il cardinale Giulio de' Medici, futuro papa Clemente VII, aveva commissionato nel 1520 a Baccio Bandinelli una copia al naturale del Laocoonte da offrire a Francesco I re di Francia, quella che oggi si trova nella Galleria degli Uffizi, è possibile ipotizzare che lo stesso scultore avesse restaurato le braccia dei figli nel corso degli studi per la realizzazione della sua replica.

Il braccio del padre sarebbe stato integrato solo più tardi tra il 1532 e il 1533 da un allievo di Michelangelo, fra' Giovanni Agnolo Montorsoli, ma in realtà questi non terminò il lavoro, visto che dovette tornare a Firenze e venne messo in opera solo il modello in terracotta che Montorsoli non aveva avuto tempo di trasferire in marmo. La posizione era protesa verso l'alto e nel complesso assai più teatrale di quanto non fosse l'antica.
Ci fu anche un altro braccio realizzato per il restauro ma mai messo in opera che una vulgata attribuiva a Michelangelo a partire dalla prima menzione che se ne ha risalente al 1720. Esso ha una posizione completamente diversa, ripiegata e assai vicina a quella del braccio originale. Sulla data e paternità di questo intervento ci sono due posizioni: da un lato gli studiosi pensano di attribuirlo ad Agostino Cornacchini, che all'inizio del `700 lavorò effettivamente sul Laocoonte; dall'altro si sono esplorate almeno un paio di possibilità nell'ambito del `500.  Il problema e risolvibile in via definitiva solo se verrà trovata documentazione archivistica chiarificatrice. A causa della Controriforma si sviluppò un vero e proprio disinteresse pontificio per la collezione conservata nel Cortile delle Statue. Tutto questo terminò con Clemente XI Albani (1700- 1721), papa colto e amante delle arti, il quale intervenne con un vasto programma di risistemazione del Cortile. È in questo contesto che rientra l'intervento del Cornacchini, che restaura nuovamente il braccio destro a entrambi i figli e la testa del serpente sul fianco dí Laocoonte, tutte parti che nel frattempo si erano o perdute o danneggiate. Il braccio Montorsoli, in ogni caso, non sopravvisse al XVIII secolo. Perché troviamo montato sulla spalla del sacerdote troiano un altro braccio, di posizione simile a quella voluta dal Montorsoli, ma con una disposizione delle spire chiaramente diversa. Molto probabilmente si era voluto rimediare senza troppa pubblicità alla perdita del precedente, che poteva essere dovuta a diversi motivi, da un tentativo d'integrazione mal riuscito a un danneggiamento casuale. Anche il figlio minore ottenne in quest'occasione un nuovo braccio poco felice.

Ma tutto cambiò nuovamente quando con l'arrivo dei commissari francesi incaricati delle requisizioni delle opere d'arte che lo Stato Pontificio, in base al trattato di Tolentino del 1797, doveva consegnare alla Francia, il Laocoonte venne imballato, dopo essere stato privato delle sue braccia, e portato a Parigi.
Ma la storia non finisce qui!
Nel 1906 Ludwig Pollak studioso e mercante d'arte, aveva donato al museo un braccio piegato e parzialmente avvolto nelle spire di un serpente. L'aveva riconosciuto nella bottega di uno scalpellino il quale l'avrebbe ritrovato in uno scavo lungo il tratto urbano della via Labicana, dunque non troppo distante dal luogo del rinvenimento cinquecentesco del gruppo scultoreo.  Infine eccoci arrivare all’ intervento del 1957: il restauro del Magi.

Il Magi smontò completamente il gruppo, realizzando un prezioso calco di ciascuna delle parti separate, modificando leggermente la posizione del figlio maggiore rispetto al padre e togliendo le braccia del precedente restauro, quello del periodo canoviano. Sul sacerdote troiano venne infine montato il braccio Pollak.

La parola del nostro gioco è: cuscino

Per saperne di più: Ludovico Rebaudo, I restauri del Laocoonte, in Laocoonte: fama e stile a cura di Salvatore Settis, 2006.

Immagini tratte da:
- The Digital Sculpture Project
- Repubblica.it
- engramma - la tradizione classica nella memoria occidentale n.161
- Wikipedia, CC BY-SA 3.0, Gentil Hibou voce: Ludwig Pollack
- Homolaicus

AL Palazzo della Ragione a Mantova fino al 3 febbraio 2018 sono esposte le opere di Marc Chagall, pittore bielorusso di origine ebraica celebre per aver coniugato pittura e poesia creando mondi fiabeschi ed onirici. La mostra intitolata "Marc Chagall - Come nella pittura così nella poesia" é a cura di Gabriella Di Milia, in collaborazione con la Galleria Statale Tret’juakov di Mosca e promossa dal comune di Mantova e organizzata e prodotta con la casa editrice Electa. Espone oltre 130 opere e culmina con il ciclo completo dei 7 teleri dipinti da Chagall nel 1920 per il Teatro ebraico da camera di Mosca (284 x 787 cm), una rarità in Italia.
La mostra si apre in una tensostruttura dove sono esposte delle acqueforti in bianco e nero: illustrazioni dedicate al ciclo delle anime morte di Gogol e alla Bibbia che furono commissionate all’artista dal gallerista francese Ambroise Vollard. ​

Ma il pezzo forte della mostra é il ciclo completo dei 7 teleri dipinti da Chagall nel 1920 per il Teatro ebraico da camera di Mosca, dove l'artista dipinse come una festa la Rivoluzione d'ottobre. Uno spazio per cui aveva realizzato, oltre ai dipinti parietali, le decorazioni per il soffitto, il sipario, insieme a costumi e scenografie per tre opere teatrali. ​

Dal 15 Dicembre 2018 al 10 Marzo 2019
ROMA
LUOGO: Fondazione Alda Fendi - Esperimenti
INDIRIZZO: via dei Cerchi 21
ORARI: tutti i giorni dalle 10:00 alle 19:00. Dal 15 al 23 dicembre le visite saranno organizzate su prenotazione
COSTO DEL BIGLIETTO: ingresso gratuito
TELEFONO PER INFORMAZIONI: +39 340.6430435
E-MAIL INFO: info@fondazionealdafendi-esperimenti.it

Il 14 dicembre nel nuovo rhinoceros, sede della Fondazione Alda Fendi - Esperimenti, verrà esposto in via straordinaria L’Adolescente di Michelangelo, proveniente dal Museo Statale Ermitage di San Pietroburgo.
L’esposizione, che si terrà dal 14 dicembre 2018 al 10 marzo 2019, sancisce l’inizio della collaborazione triennale tra la Fondazione Alda Fendi - Esperimenti e il celeberrimo museo russo. Questo prestigioso accordo nasce dal desiderio di incrementare i rapporti culturali tra la Russia e l’Italia, tramite l’assegnazione di borse e soggiorni di studio, riservati a un numero selezionato di ricercatori russi, attività scientifiche e culturali congiunte e l’esposizione di capolavori provenienti dall’Ermitage di San Pietroburgo a Roma presso rhinoceros, prospiciente l’Arco di Giano.
L’area del Foro Romano è stata recentemente restaurata e riqualificata grazie alla Fondazione Alda Fendi – Esperimenti che ha incaricato Vittorio e Francesca Storaro per l’illuminazione dell’Arco di Giano e Jean Nouvel per il restauro del palazzo.

La prima delle opere che arriveranno nella Capitale, con cadenza annuale, è L’Adolescente di Michelangelo, capolavoro ormai definitivamente assegnato al geniale scultore, esposto per la prima volta a Roma.
Probabilmente realizzato nei mesi più travagliati della vita di Michelangelo intorno al 1530, il prezioso marmo è uno dei pochissimi lavori del grande scultore conservati all’estero, giunto in Russia per iniziativa della zarina Caterina II la Grande, che lo acquistò da un banchiere inglese nel 1787. A Roma, per l’occasione, questo enigmatico e incompiuto giovane accovacciato così vibrante e intenso, verrà sapientemente illuminato da Vittorio e Francesca Storaro, a evidenziare la potenza creativa del grande artista.
Promossa dalla Fondazione Alda Fendi - Esperimenti e dal Museo Statale Ermitage con la collaborazione di Ermitage Italia, l’esposizione, curata dal professor Sergej Androsov, capo Dipartimento dell’Arte dell’Europa Occidentale all’Ermitage, è stata organizzata da Il Cigno GG Edizioni in collaborazione con Villaggio Globale International.

La mancanza di documentazione relativa all’opera, la particolarità dell’utilizzo di un marmo di seconda mano, non usuale in Michelangelo ma probabilmente compatibile con l’impossibilità di procurarsi altro materiale nella situazione di pericolo in cui egli si trovò all’indomani della caduta della Repubblica di Firenze, la sua incompiutezza e la mancanza di attributi rendono la scultura proveniente dall’Ermitage ancora più affascinante, aperta a tante e diverse interpretazioni sul significato assegnatole dal Maestro.
Si discute ancora sulle motivazioni che avrebbero spinto Michelangelo a lasciare molte statue incompiute: fattori contingenti o la scelta convinta di interrompere l’opera in un determinato momento per conseguire un effetto migliore? Quest’ultimo è probabilmente il punto di vista più vicino alla verità, considerata la modernità della concezione dell’arte di Michelangelo, soprattutto negli anni della vecchiaia. Resta la tragicità rappresentata dal giovane, schiacciato da una forza superiore, accovacciato su se stesso, alla ricerca di una compiutezza non solo materiale ma soprattutto spirituale, espressione forse di un momento di grande sconforto vissuto dall’artista.

Nell’attesa di vedere L’Adolescente di Michelangelo, una installazione di Raffaele Curi ispirata alla letteratura di Nikolaj Gogol’, dal titolo Voda (voda in russo significa acqua).

rhinoceros
Palazzo storico del 1600, sei piani, 3.500 metri quadrati, è il nuovo spazio per la cultura voluto da Alda Fendi e progettato dall’architetto francese Jean Nouvel nel quartiere del Velabro, tra Circo Massimo e Bocca della Verità. È stato inaugurato lo scorso 11 ottobre.

Alda Fendi
Doposuccessiericonoscimentiinternazionali,AldaFendinel2001realizzailsogno: occuparsi di arte e crea una Fondazione da lei sostenuta interamente, insieme alle figlie Giovanna e Alessia Caruso Fendi, regalando ogni anno alla città di Roma performance ed esperimenti culturali. La sua attività di mecenatismo inizia nel 2001 quando finanzia completamente il lavoro di scavo, restauro e valorizzazione dell’abside orientale della Basilica Ulpia, presso la Galleria Foro Traiano 1.
Oggi Alda Fendi promuove, con un atto di mecenatismo, la valorizzazione dell’area del Foro Boario che comprende anche la costruzione di una cabina elettrica per tutta la zona, regalata alla città di Roma, il rifacimento e la manutenzione del tratto di strada Via dei Cerchi - Via del Velabro e la valorizzazione dell’area all’interno della cancellata dell’Arco di Giano.

Fondazione Alda Fendi - Esperimenti
Creata da Alda Fendi con le sue figlie Giovanna e Alessia Caruso Fendi, la Fondazione ha nel suo nome la sperimentazione: gli Esperimenti sono la sua anima, una continua sfida ad andare oltre i confini canonici tra le discipline, arte, teatro, letteratura, musica, performance, con la scelta di rendere l’accesso libero e gratuito. Al primo Esperimento, lo scavo dell’abside della Basilica Ulpia, si sono susseguiti undici anni di performance, con la partecipazione, tra gli altri, di Vincent Gallo, Roberto Bolle, Dominique Sanda, Angélique Kidjo e Cecilia Bartoli. Dall’antichità al contemporaneo, con incursioni alla Festa del Cinema di Roma, alla Peggy Guggenheim Collection e alla Biennale di Venezia con il Laboratorio Internazionale di Teatro e la partecipazione alla 54. Esposizione Internazionale d’Arte.

MondoMostreSkira, dopo lo straordinario successo della mostra Dentro Caravaggio, presenta al Museo della Permanente a Milano, dal 6 ottobre 2018 al 27 gennaio 2019, Caravaggio. Oltre la tela: La mostra immersiva, una straordinaria esperienza multimediale originale e inedita che vuole essere una sorta di racconto complementare della grande esposizione che l’ha preceduta, ripercorrendo, con la consulenza scientifica di Rossella Vodret e il Patrocinio del Ministero dei Beni e le Attività Culturali e del Turismo, le tappe della vita e dell’opera dell’artista.
 “Due sono le direttrici che ci hanno guidato in questo nuovo progetto – afferma Rossella Vodret -  una maggiore conoscenza dell'uomo Caravaggio, e un approfondimento su alcuni suoi capolavori che non è stato possibile esporre in Dentro Caravaggio. Due aspetti indagati e mostrati al pubblico attraverso una precisa chiave di lettura: il "Caravaggio nascosto", sia attraverso episodi inediti o poco noti che appartengono alla sfera intima e privata della sua travagliata esistenza, sia grazie a una particolare visione dei capolavori del grande genio lombardo.
Il progetto Caravaggio. Oltre la tela: La mostra immersiva nasce infatti dall’oggettiva impossibilità di mostrare dal vivo capolavori inamovibili ma indispensabili per capire realmente il genio del Merisi. Opere fondamentali come i quadri della Cappella Contarelli a San Luigi dei Francesi o della Cappella Cerasi a Santa Maria del Popolo, così come le opere del Louvre, estremamente fragili, come la scandalosa Morte della Vergine - dipinta per essere posizionata sull’altare di Santa Maria della Scala a Roma e rifiutata dai committenti – e ancora il dipinto murale del Gabinetto Alchemico del casino Ludovisi o la gigantesca tela con la Decollazione del Battista conservata nella Concattedrale de La Valletta a Malta, che valse a Caravaggio la Croce di Malta, o la Medusa conservata agli Uffizi e tanti altri ancora.
 Grazie all’utilizzo del video mapping, tali opere verranno presentate nella loro integralità   architettonica dando la possibilità al visitatore di fruirle così come inizialmente concepite dall’artista. La mostra, attraverso l’utilizzo di nuove e sofisticate tecnologie, accompagna il visitatore in un percorso immersivo cinematografico che, pur basato su informazioni scientifiche, emoziona e coinvolge il visitatore rendendolo parte integrante della storia umana ed artistica nella quale è egli stesso immerso. Il percorso della durata di  45 minuti è accompagnato da una narrazione che utilizza la tecnologia binaurale – tutti i visitatori saranno dotati di cuffie speciali - ed è composto da una alternanza di immagini girate appositamente per la mostra, ispirate alla storia personale dell’artista, di effetti speciali, di capolavori. Una narrazione intensa e coinvolgente che dalla gioventù milanese - segnata dal flagello della peste - porterà Caravaggio a morire, solo, sulla spiaggia della Feniglia dopo aver attraversato la straordinaria Roma del primo Seicento, protetto da potenti nobili e porporati, ed esserne fuggito a Napoli, poi a Malta, a Palermo, nuovamente a Napoli.
 Il percorso della mostra è fedele alla cronologia e come in una narrazione teatrale è suddiviso in quattro atti e illustra oltre cinquanta opere di Caravaggio.
Nella prima parte, dedicata alla gioventù e formazione si vede il giovane Michelangelo diventare apprendista a Milano nello studio di Simone Peterzano e successivamente a Roma: una città in profonda trasformazione ma anche la capitale artistica dell’Europa con centinaia di artisti all’opera. Qui inizia faticosamente la sua carriera: dipingerà opere straordinarie quali Riposo nella fuga in Egitto, la Buona Ventura e I Bari.
Il secondo atto e è dedicato agli anni del trionfo: viene “scoperto” dal potente Cardinal del Monte che lo prende a dimora, e proiettato in un mondo di ricchezza e cultura. Nel 1600, la svolta, con la commissione della Cappella Contarelli a San Luigi dei Francesi: un enorme successo. Dipingerà poi il Gabinetto Alchemico e la Cappella Cerasi, la sua fama giunge a Firenze con la Medusa commissionata dal Cardinal del Monte per Federico I de’ Medici.
Il terzo atto  guarda però ad un’altra Roma, quella dei bassifondi di Caravaggio: continua a bazzicare le taverne, a giocare, a frequentare prostitute. Smette di vivere dai potenti Cardinali e affitta uno studio dove vive con Cecco del Caravaggio, forse il suo amante. Dipingerà capolavori come Giuditta e Oloferne, Amore Vincitore, la criticata Madonna dei Pellegrini, la Madonna dei Palafrenieri, la Morte della Vergine che viene rifiutata dai Carmelitani Scalzi. Di lì a poco ucciderà in una rissa Ranuccio Tomassoni e fugge: viene sentenziato a morte in absentia.
L’ultimo atto  è dedicato agli anni della fuga. Prima a Napoli dove dipinge la Flagellazione e le Sette Opere di Misericordia, poi a Malta con capolavori come il Ritratto del Gran Maestro Alof de Wignacourt, o la Decollazione. Ma anche da Malta, dopo una lite, deve scappare in Sicilia dove lascerà opere straordinarie come il Seppellimento di Santa Lucia o la Resurrezione di Lazzaro. Rientra a Napoli, ospite di Costanza Colonna e
spera nell’intercessione del Cardinal Borghese presso il Papa Paolo V affinché ottenga la grazia papale. Dipingerà il Martirio di Santo’Orsola, suo ultimo quadro e si imbarcherà per tornare verso Roma. Morirà il 18 luglio 1610 a Porto Ercole senza aver compiuto quarant’anni.
 Non solo grazie a un sofisticato sistema di multi-proiezione a grandissime dimensioni, Caravaggio. Oltre la tela: La mostra immersiva vuole entrare nelle opere inamovibili con analisi forensi fatte anche a seguito della campagna diagnostica della mostra milanese, per scoprire cosa si nasconde dentro le più famose opere di Caravaggio. Come nel Martirio di San Matteo della Cappella Contarelli dove scopriamo due redazioni diverse, una sopra l’altra, sulla stessa tela: Caravaggio realizza una prima versione compiuta, non solo un abbozzo, ispirandosi ai maestri del passato. Ma poi, insoddisfatto, copre l’opera e ricomincia da capo. O nella Giuditta che taglia la testa a Oloferne dove Caravaggio allontana i margini della ferita e cambia posizione a tutta la testa, in origine più attaccata al corpo: forse per fedeltà ai testi sacri che riportano come Oloferne venga colpito due volte prima di essere decapitato. Giuditta ha scagliato il primo colpo e sta per scagliare il secondo, quello decisivo necessario per il completo distacco della testa.
Caravaggio. Oltre la tela: La mostra immersiva ripercorre i capolavori di Caravaggio utilizzando un approccio contemporaneo all’opera d’arte. Un percorso coinvolgente, emozionante a tratti anche sorprendente ed onirico, che  tesse un racconto dell’uomo e dell’artista, in continua sovrapposizione, del contesto storico e sociale nel quale operava.
 La mostra, prodotta da NSPRD per Experience Exhibitions ha coinvolto un team di giovani sceneggiatori, cineasti, video artisti, scenografi, doppiatori che con la consulenza scientifica di Rossella Vodret,  hanno elaborato  un nuovo formato di mostra immersiva, che non si limita alla semplice presentazione delle opere in alta risoluzione e dei loro dettagli, ma che mira a sfruttare al massimo le ultime tecnologie per una divulgazione scientifica di ultima generazione. Con l’ausilio di sedici videoproiettori, effetti sorprendenti, immagini uniche, il visitatore potrà scoprire il Caravaggio oltre la tela.
 Una esperienza unica per conoscere il pittore che, grazie alla sua spietata rappresentazione della realtà,  ha rivoluzionato in pochi intensi anni la storia dell’arte in Italia e in Europa.

La chiesa sconsacrata di Santo Stefano al Ponte a Firenze a due passi da Ponte Vecchio si trasforma in una vera e propria "cattedrale dell'immagine" con la mostra “Van Gogh e i maledetti” vistabile fino al 31 marzo 2019.
Il racconto delle opere dura 60 minuti, è sviluppato per mezzo della multiproiezione a 360 gradi di immagini ad alta definizione accompagnate da una colonna sonora diffusa in Dolby HD. I video non interesseranno solo le pareti di Santo Stefano ma anche il pavimento e per godere a 360 gradi dell'esperienza è stato pensato un balconcino da cui potersi affacciare. Da non dimenticare nella cripta le postazioni con gli Oculus per sperimentare la realtà virtuale 3D di un viaggio sensoriale all’interno di alcuni famosi quadri.
Altra novità, un fiore all'occhiello dell'esposizione, la sala degli specchi dove sarà proiettato in loop un video di 8 minuti sulle opere di Van Gogh, dal ramo di mandorlo fiorito ai girasoli, perfetto per scattarsi foto ricordo immersi nell'arte.
Insieme a Van Gogh, gli artisti presenti nella mostra sono: Paul Cézanne (Aix-en-Provence 1839 - Aix-en-Provence 1906), Paul Gauguin (Parigi 1848 - Hiva Oa 1903), Henri de Toulouse-Lautrec (Albi 1864 - Saint-André-du-Bois 1901), Chaïm Soutine (Smiloviči 1893 - Parigi 1942) e il toscano Amedeo Modigliani (Livorno 1884 - Parigi 1920). Oltre a questi compariranno anche opere di altri artisti contemporanei che con le loro opere hanno contribuito alla rappresentazione della Parigi dell’epoca.
L'esperienza immersiva è stata realizzata da Crossmedia Group, società che sta conquistando non solo l'Italia con mostre a Roma e Milano, ma anche l'oriente.

Dal 10 dic 2018 al 31 mar 2019
Prezzo a partire da 10€

di Antonio Monticolo

Nell’antica città di Glanum (nei dintorni odierni di Saint Remy de Provence) nella Gallia Narbonense (Francia meridionale) si trova un mausoleo molto importante: il monumento dei Giulii. Questi ultimi eressero il monumento nel terzultimo decennio del I secolo a.C. Importante perché la famiglia dei Giulii ottenne da Cesare la cittadinanza romana poiché alcuni dei sui appartenenti combatterono al fianco di Cesare.
Il mausoleo sorge presso la strada principale ai limiti della necropoli. Tale monumento è formato da un basamento parallelepipedo con i lati decorati in rilievo, un arco quadrifronte e una tholos con copertura conica che contiene le statue del nonno e del padre dei tre dedicanti.
Il fondatore della famiglia, molto probabilmente, deve aver preso parte ad una spedizione militare con Cesare come si può vedere dai rilievi che mostrano scene di battaglia: guerra di Troia (in particolar modo) la lotta per il recupero del corpo di Patroclo, un combattimento fra cavalieri, lo scontro fra Greci e Amazzoni e infine, nell’ultimo rilievo, la caccia al cinghiale Calidonio.
Il mausoleo, come si può evincere dalle statue e dai rilievi ha una forte connotazione glorificante nei confronti dei personaggi rappresentati e inoltre testimonia l’importanza di questa famiglia all’interno del contesto sociale di Glanum.

iamo sempre a Glanum perché sotto Tiberio venne eretto un arco a un solo fornice che presentava una decorazione abbastanza ricca che oltre alla volta di passaggio e alle conrici ornate, comprendeva coppie di Vittorie in volo con rami d’alloro e vessilli ai lati del passaggio. Sui lati sono rappresentati a rilievo trofei a cui sono incatenati coppie di prigionieri. Si conservano quelle del lato occidentale: nel pannello sul lato sud compare una figura femminile seduta su una catasta di armi interpretabile come la Gallia vinta e nell’altro pannello a nord compare un uomo possente affiancato da una figura maschile che indossa un mantello fregiato di tipo celtico che si rivolge all’altro uomo e sembra rappresentare il Gallo romanizzato. Tale monumento si rivolgeva a quelle popolazioni galliche, abbastanza turbolenti, che mostravano segni di inquietudine nei confronti dei Romani, ma allo stesso tempo mostrava loro i rischi di una ribellione nei confronti di Roma.

Se sei giunto fin qua: al termine dei prossimi articoli di arte e archeologia inseriremo una parola non legata all'articolo. Potrete ricopiarla e inserirla nei commenti su fb senza spiegare il perché: una sorta di gioco mensile al termine del quale riporteremo i nomi dei "lettori più attenti" in un post a loro dedicato. La parola di oggi è: caravella.

La Fondazione Culturale Hermann Geiger di Cecina (LI), fino al 24 febbraio, diventa raffinata sede della mostra “Paris sans fin. Litografie originali di Alberto Giacometti”, dalla collezione di Carlos Gross, offrendo la possibilità al pubblico italiano di conoscere la massima opera grafica dell’artista svizzero, meglio conosciuto per le sue celebri sculture scarnificate e filiformi, prima che l’esposizione passi all’Austria e agli Stati Uniti. Scultore, prima di tutto, ma anche pittore e grafico, fra gli artisti di spicco del Novecento, Giacometti (1901-66) nasce in Val Bregaglia, nella Svizzera italiana, ma è a Parigi che trascorre gli anni più importanti e più densi della sua vita di uomo e artista, venendo a stretto contatto con i maggiori interpreti dell’arte del tempo, come Derain, Brancusi, Picasso e i cubisti, i surrealisti, studiando il primitivismo e l’astrattismo, e stringendo rapporti d’amicizia con personalità del calibro di Jean-Paul Sartre e Samuel Beckett. Estenuanti sono le sue ricerche plastiche sul movimento e sulla visione, che affondano le proprie radici nella tradizione classica, ma anche moderna, guardando, in particolare, a Rodin, nonché all’arte etrusca, greca ed egizia. ​

Nonostante il successo ottenuto in vita, Giacometti mantiene fino alla morte un basso profilo e uno stile di vita modesto e sregolato, che, tra l’umile atelier al numero 46 di Rue Hippolyte-Maidron, a due passi da Montparnasse, le circa ottanta sigarette al giorno e i frugali pasti consumati nei bistrot, non fa altro che peggiorare il suo precario stato di salute. Nel 1958, l’editore e amico Tériade gli commissiona un monumentale album di litografie, dal titolo Paris sans fin. Si tratta della più significativa raccolta di espressioni grafiche di Giacometti e, allo stesso tempo, del suo testamento artistico. Pochi anni dopo, infatti, subisce l’asportazione di un cancro e di gran parte dello stomaco. Muore nel ’66, lasciando incompiuto il testo che doveva accompagnare le immagini di Paris sans fin, che sarà pubblicato postumo. ​

Il curatore della mostra, Klaus Littmann, letteralmente “ha tirato fuori dalla loro cartella i 150 fogli e li ha messi in scena in maniera molto efficace”, ideando un allestimento elegante ed essenziale, capace di mettere in risalto, quasi per contrasto, il tratto ingarbugliato e inconfondibile delle litografie giacomettiane. La tecnica della litografia, messa a punto negli anni venti dell’Ottocento, è, nell’ambito dell’incisione e della stampa, quanto di più vicino vi sia al disegno. Sfruttando il carattere idrorepellente dell’inchiostro grasso della matita litografica, utilizzata liberamente su una superficie di pietra porosa, si bagna con acqua la pietra, quindi si inchiostra con un rullo, in modo che l’inchiostro aderisca alla parte disegnata, mentre viene respinto da quella bagnata: la matrice è quindi pronta per la tiratura di un gran numero di copie. Dalle litografie di Paris sans fin traspare tutta la magia della “città delle città”. ​

La linea di Giacometti è dinamica e fluida, continua e senza fine appunto, sfuggente e inafferrabile, capace di rappresentare al meglio i boulevard, i caffè e le vedute di Parigi, brulicanti dei suoi personaggi. Giacometti concepì queste immagini come fotogrammi di una pellicola cinematografica, cogliendole e fissandole mentre sfrecciava per le strade parigine a bordo della MG cabrio rossa fiammante, appena regalata alla sua giovanissima e scandalosa amante, Caroline, e “montandole” poi nel suo libro secondo una sequenza straordinariamente narrativa. Perfettamente riconoscibili sono gli scorci e i luoghi della città, ma anche i volti e i corpi degli amici, delle amanti, delle prostitute frequentate assiduamente dall’artista. Un intimo e umano ritratto di Giacometti negli ultimi anni viene restituito dalle suggestive fotografie dell’amico Ernst Scheidegger (1923-2016), a corredare le opere in mostra. ​

​La mostra è aperta tutti i giorni, dalle 16 alle 20, fino al 24 febbraio 2019 – ingresso libero e copia del catalogo in omaggio.

Per ulteriori informazioni:
www.fondazionegeiger.org ​

Se sei giunto fin qua: al termine dei prossimi articoli di arte e archeologia inseriremo una parola non legata all'articolo. Potrete ricopiarla e inserirla nei commenti su Facebook senza spiegare il perché: una sorta di gioco mensile al termine del quale riporteremo i nomi dei "lettori più attenti" in un post a loro dedicato. La parola di oggi è: acquerello. 

Immagini tratte da:
www.fondazionegeiger.org

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Il Natale è ormai alle porte! Ma in epoca romana si festeggiava qualcosa in questo periodo?
Dal 17 al 23 dicembre il calendario segnava i Saturnalia, una festa, come dice il nome stesso, dedicata al dio Saturno. Cacciato da Giove dall’Olimpo, si era rifugiato nel Lazio, dove aveva insegnato agli uomini le tecniche della coltivazione e regnato durante un periodo di pace e serenità, senza guerre e distinzioni sociali (età dell’oro).
La festività era un modo per ricordare quest’epoca felice. Le città venivano addobbate con ghirlande, nastri e fiaccole e per sette giorni la popolazione si deliziava con banchetti, divertimenti e scambi di doni. Gli schiavi diventavano uomini liberi e mangiavano alla stessa mensa dei loro padroni che, a loro volta, potevano servire i commensali. In questo ribaltamento dell’ordine sociale veniva eletto un princeps, forse una sorta di caricatura del potere imperiale, il quale aveva pieni poteri durante il banchetto. Era in genere vestito con colori accesi, soprattutto il rosso, e indossava una buffa maschera.
Anche il gioco d’azzardo, normalmente vietato, tornava legale per pochi giorni vedendo tra i giocatori anche gli schiavi con poste costituite da monete o frutta secca.
Altro elemento fondamentale dei Saturnalia era lo scambio degli auguri e dei doni: per i primi la formula di rito prevedeva un semplice “ego Saturnalia” (Io Saturnalia) forse ad indicare l’espressione completa “Ego tibi optimis Saturnalia auspico” (Io ti auguro ottimi Saturnalia”. I doni, come avviene ancora oggi, erano tra i più disparati: alcuni regalavano oggetti costosi o animali esotici ma per i più il regalo consisteva in piccoli oggetti, statuine in terracotta o cera, pettini, tavolette per scrivere, cucchiai. Insomma anche allora l’importante era il pensiero!

Se sei giunto fin qua: al termine dei prossimi articoli di arte e archeologia inseriremo una parola non legata all'articolo. Potrete ricopiarla e inserirla nei commenti su fb senza spiegare il perché: una sorta di gioco mensile al termine del quale riporteremo i nomi dei "lettori più attenti" in un post a loro dedicato. La parola di oggi è: elepoli.

Immagini tratte da:
Saturno, da Wikipedia Italia, Di Xinstalker di Wikipedia in italiano, CC BY-SA 4.0, voce "Saturno"
Roma, doni e decorazioni: Photoshop dell'autore

Comunicato stampa

Mostra Temporanea | 16 dicembre 2018 – 26 maggio 2019
 
Museo del Tessuto di Prato dedica a Leonardo da Vinci una mostra che evidenzia l’interesse, la sensibilità e l’ingegno dell’artista nella messa a punto e nell’invenzione di dispositivi e macchine per una delle attività economiche preponderanti del suo tempo, l’arte tessile.
La mostra è organizzata dalla Fondazione Museo del Tessuto in collaborazione con il Museo Nazionale Scienza e Tecnologia Leonardo da Vinci di Milano e il Museo Leonardiano di Vinci e si avvale del patrocinio e del contributo del Comitato Nazionale per le celebrazioni dei 500 anni dalla morte di Leonardo da Vinci.
La mostra vuole essere un efficace strumento di comprensione e di divulgazione delle invenzioni leonardesche attraverso ricostruzioni 3d, apparati multimediali e modellini in scala, e anche un’occasione per valorizzare l’importanza dell’ingegneria meccanica applicata all’industria tessile, elemento che la collega saldamente alla storia del distretto pratese.
Main sponsor dell’iniziativa è ESTRA, la holding toscana tra i primi dieci gruppi industriali per vendita di energia in Italia. La mostra si avvale inoltre del contributo della Regione Toscana, dell’Associazione Acimit e delle imprese del Gruppo meccanotessili di Confindustria Toscana Nord.
 
Il percorso espositivo si apre con una prima sezione con le riproduzioni in grande scala di alcuni dipinti di Leonardo. I ritratti e soggetti religiosi presenti in mostra vengono letti con un taglio nuovo e inusuale per mettere in luce gli studi leonardeschi sul panneggio e le sue osservazioni per una migliore restituzione in pittura della consistenza delle stoffe e del movimento delle pieghe secondo i diversi tipi di tessuto. Dai dipinti emerge inoltre l’attenzione alla decorazione delle vesti sottolineata dai celebri “nodi” che testimoniano ulteriormente il suo approccio “universale” alla natura. Il visitatore sarà inoltre accompagnato nella visita da un’istallazione sonora creata da Giorgio Ferrero e Rodolfo Mongitore della Minus&Plus, ispirata a un immaginario spartito ideato a partire dai progetti di Leonardo degli strumenti musicali. La ciclicità della composizione è un richiamo ai motori, alle ripetizioni, ai meccanismi circolari al nodo vinciano, mentre nella concretezza del suono sordo dei legni risuona la materia prima alla base delle invenzioni.
 
Nella seconda sezione della mostra, uno scenografico allestimento evoca i meccanismi delle ruote dentate presenti nei disegni di Leonardo e introduce al tema degli studi sui dispositivi e sulle macchine.
Studi che durante il soggiorno milanese, oltre alla meccanica, ingegneria e architettura sono stati dedicati al settore tessile, industria che in ambito lombardo – grazie alla corte dei Visconti e poi degli Sforza – conosce nel corso del Quattrocento un significativo sviluppo. Rappresentativo di questo momento storico, la presenza di sala dei due celebri ritratti della Pinacoteca di Brera “Ritratto di Francesco Sforza” e “Ritratto di Bianca Maria Visconti”, ad opera di un ignoto pittore lombardo nel 1480 circa.
Il dettaglio della manica in entrambi i nobili dialoga con il frammento di tessuto del Museo del Tessuto – un velluto operato rosso a fondo bianco della fine del Quattrocento – esempio dell’eccellenza della produzione tessile italiana per l’abbigliamento delle corti.
Sempre dalle collezioni del Museo del Tessuto proviene il rarissimo frammento di veste “frappata” con motivo a code di pavone, in panno di lana garzato ricamato in oro, argento filato e seta su cui è applicato un gallone in oro filato.
In questa seconda sezione, un sistema di videoproiezioni illustra le diverse fasi del processo di trasformazione della lana e della seta, nelle quali affreschi, miniature e dipinti prendono vita illustrando le fasi produttive del tessuto nel Rinascimento.
 
Un multimediale immersivo – che affianca i disegni di Leonardo presenti nel Codice Atlantico e Codice Madrid I e i modelli dinamici 3d realizzati dal Museo Leonardiano di Vinci e dal Museo del Tessuto attraverso la gentile collaborazione di Lorenzo Barni della Lido Barni – presenta al pubblico le parti del processo produttivo laniero e serico sulle quali si concentrò Leonardo, guidando il fruitore in un viaggio emozionale attraverso la sua mente geniale, capace di anticipare i tempi con una visione ingegneristica senza eguali.
 
Grazie ai modelli storici in legno e metallo concessi in prestito dal Museo Nazionale Scienza e Tecnologia Leonardo da Vinci di Milano, il visitatore potrà apprezzare al meglio i dispositivi per la ritorcitura e binatura del filato di seta dotati di meccanismi di arresto, un maglio battiloro per la produzione di lamine da sbalzo, medaglie, monete e borchiette che trovavano applicazione nel settore del ricamo, un telaio meccanico – tra le macchine più complesse da lui concepite – sviluppato dagli esemplari manuali ma dotato di navetta lanciata in automatico, meccanismo che sarà riproposto poi solo in epoca preindustriale. Anche il processo di rifinizione del panno di lana diventa oggetto d’interesse da parte di Leonardo, con progetti per macchina garzatrice e cimatrice visibili in mostra attraverso i modellini del MUST.
 
La mostra permette quindi di comprendere come il genio e gli studi di Leonardo sono stati orientati all’ottimizzazione del lavoro poiché un processo più fluido, veloce e perfetto poteva apportare vantaggi economici conseguenti ai tempi di produzione e al personale impiegato.
 
La mostra si avvale inoltre della sponsorizzazione tecnica di Unicoop Firenze e Trenitalia. I soci coop e i possessori di un biglietto o abbonamento ferroviario regionale in corso di validità per raggiungere Prato avranno diritto all’acquisto dei biglietti a tariffa ridotta per l’ingresso al Museo e alla mostra.
Per l’occasione il Museo del Tessuto e il Museo Leonardiano di Vinci hanno stipulato una convezione che prevede – per tutta la durata della mostra – una reciprocità di riduzioni per l’ingresso nei due musei.
 
Per orari e biglietti : www.museodeltessuto.it

Dal 05 Dicembre 2018 al 07 Aprile 2019
Luogo: Napoli, Palazzo Zevallos Stigliano
Curatori: Antonio Ernesto Denunzio
Per info e costi: sito web della mostra

Dal 6 dicembre 2018 al 7 aprile 2019 la mostra Rubens, Van Dyck, Ribera. La collezione di un principe riporta eccezionalmente a Palazzo Zevallos Stigliano la prestigiosa collezione appartenuta, prima di essere dispersa, alla famiglia Vandeneynden e, successivamente, ai principi Colonna di Stigliano che abitarono nella sontuosa dimora di via Toledo dagli ultimi decenni del Seicento: capolavori provenienti da musei italiani e stranieri, grazie a prestiti eccezionali, ritornano a Napoli, per la prima volta nelle stanze dello stesso Palazzo dove a lungo in passato furono custoditi.
Originalità, ricerca, dimensione internazionale caratterizzano la mostra. Dopo lunghi studi che hanno permesso di approfondire e ricomporre “la collezione del principe”, questa inedita esposizione ha il sapore del “ritorno a casa” di opere straordinarie, nel contesto in cui oltre tre secoli fa furono raccolte e ammirate.

Stretti rapporti di parentela legavano la famiglia Vandeneynden a quelle di diversi artisti delle Fiandre attivamente impegnati anche nel mercato dell’arte. Tale fitta rete di relazioni, di cui furono partecipi anche Rubens e Van Dyck, favorì la formazione della raccolta che annoverava il meglio della produzione italiana e fiamminga del tempo, esempio dei rapporti artistici e culturali che intercorsero a lungo tra il Nord e il Sud dell’Europa.
La collezione vantava opere tuttora celebri, come il Banchetto di Erode di Rubens (ora a Edimburgo), e ancora esemplari di Anthony van Dyck, Aniello Falcone, Luca Giordano, Mattia Preti, Jusepe de’ Ribera, Salvator Rosa, Massimo Stanzione, Guercino, Annibale Carracci, Jan Brueghel, Jan Miel, Andrea Vaccaro, numerose nature morte nonché paesaggi e battaglie di altri maestri fiamminghi.
Con la presenza come consultant curator di Gabriele Finaldi, direttore della National Gallery di Londra, la mostra è curata da Antonio Ernesto Denunzio con la collaborazione di Giuseppe Porzio e Renato Ruotolo, ed è organizzata da Intesa Sanpaolo (Direzione Centrale Arte, Cultura e Beni Storici – Ufficio Iniziative Culturali, Progetti Espositivi, Patrimonio Artistico).
L’iniziativa si avvale inoltre di un prestigioso comitato scientifico che annovera, tra gli altri, Christopher Brown, Aidan Weston Lewis, Gert Jan van der Sman, Keith Sciberras, Maria Cristina Terzaghi.

“Pompei e gli Etruschi” -  la grande mostra alla Palestra Grande degli scavi di Pompei, dopo l’Egitto nel 2016 e la Grecia nel 2017, affronta la controversa e complessa questione dell’ “Etruria campana” e dei rapporti e contaminazioni tra le elite campane etrusche, greche e indigene, al cui centro vi è Pompei.
Martedì 11 dicembre alle ore 11,30 la mostra viene presentata in anteprima alla stampa dal Direttore Generale Massimo Osanna, da Stéphan Verger, Directeur d'études à l'École Pratique des Hautes Etudes, curatori della mostra. 
Intervengono Paolo Giulierini, Direttore del Mann, Anna Imponente, Direttore del Polo Museale della Campania, Marta Ragozzino, Direttore del Polo Museale Regionale della Basilicata.
La mostra a cura del Direttore generale Massimo Osanna e di Stéphan Verger, Directeur d'études à l'École Pratique des Hautes Etudes di Parigi è promossa dal Parco Archeologico di Pompei con  la collaborazione del Museo Archeologico Nazionale di Napoli, del Polo Museale della Campania e l’organizzazione di Electa. 

La mostra durerà sino al 2 maggio 2019
Info e costi: sito web della mostra

Vindolanda, un forte lungo il famoso Vallo di Adriano, ai confini più settentrionali dell’Impero. Ci vengono subito in mente il clima ostile e le probabili - forse certe - imprecazioni dei soldati costretti a fare la guardia a questa linea fortificata, le esercitazioni militari e, perché no, anche qualche scontro con le tribù provenienti da nord. Questa volta immaginiamo invece un messaggero trafelato e intirizzito per il freddo che consegna un messaggio nelle mani di una ricca matrona che vive al forte. Gli occhi della donna si illuminano non appena letto il contenuto della missiva…
Saltiamo negli anni 70’ del secolo scorso: gli archeologi hanno trovato una serie di tavolette lignee risalenti al I – II secolo d.C., conservatesi grazie alle particolari condizioni del terreno. Tra queste una colpisce in particolare, quella scritta da una signora di nome Claudia Severa.

La data è espressa con la tipica formula romana: le Idi di settembre cadono il giorno 13 e tre giorni prima (si conta anche il giorno di partenza) siamo all’11 settembre. Nonae e Idi sono giorni mobili a seconda del mese: nei mesi di marzo, maggio, luglio e ottobre corrispondono al 7 e al 15; nei restanti mesi al 5 e al 13.
Si tratta di un invito ad una festa di compleanno, la più antica testimonianza di scrittura in latino appartenente ad una donna. La tavoletta, scritta con inchiostro nero, presenta due grafie: quella di uno scriba e un’aggiunta della stessa Claudia Severa, una matrona romana, nata evidentemente l’11 settembre, in un anno imprecisato della seconda metà del I secolo d.C. (il reperto è infatti datato verso la fine del secolo e l’inizio del successivo, tra il 97 e il 103 d.C.). Come si legge è la moglie di un comandante di nome Elio Brocco di stanza, con ogni probabilità, in un altro forte lungo il Vallo. La presenza di bambini nel campo è testimoniata da altri preziosi ritrovamenti: scarpine in cuoio, anch’esse incredibilmente conservatesi.

La destinataria si chiama invece Sulpicia Lepidina: è lei che vive a Vindolanda, avendo accompagnato il marito Flavio Ceriale, prefetto della nona coorte dei Batavi qui di stanza.
Allora come oggi il compleanno era sentito come un momento speciale da festeggiare con le persone più care.

Immagini tratte da:

• Tavoletta, da Wikipedia Francese, Di Michel wal (travail personnel (own work)), CC BY-SA 3.0, voce “Tablettes de Vindolanda”
• Vallo di Adriano, da Pixabay.it
• Vista panoramica Vindolanda, da Wikimedia, By Nilfanion - Own work, CC BY-SA 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=23718223
• Scarpina, da Wikimedia, By Victuallers - Own work, CC BY 4.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=61569566
• Matrona e vallo: Photoshop dell'autore
  

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Daonatella Avanzo

"Caro Scassa, sono molto soddisfatto, torno a ripeterglielo, dell'esecuzione dell'arazzo che mi ha consegnato recentemente e quanti lo hanno visto finora lo hanno molto ammirato, compreso il Lavagnino (Sovrintendente Roma e Lazio). Dica pure alle sue artigiane che se ci metteranno tutto il loro impegnopotremo tra un anno o due portare il livello dei nostri arazzi al di sopra del livello stabilito dai francesi, compreso Lurçat. Mi dia notizie e si abbia i migliori auguri di buon lavoro dal suo Corrado Cagli".
 
Basterebbero le quindici righe scritte di pugno da Corrado Cagli il 19 aprile del 1961 a Ugo Scassa per spiegare il motivo di una grande mostra a Venezia sui celebri arazzi astigiani. Venezia si fregia di una storia dell'arte tessile lunga quasi un millennio, sarà nel XII secolo che la città di terra e acque smetterà il ruolo di semplice importatrice di stoffe dall'Oriente per divenire produttrice di favolosi tessuti. Il primo ad essere prodotto fu lo sciamito, dal greco hexamitos, un prezioso tessuto composto da sei fili che poteva essere ammirato, in epoca medievale, su paramenti e abiti sontuosi.
 
Ancora oggi Venezia vanta aziende tessili di prim'ordine come la Tessitura Luigi Bevilacqua, Rubelli Tessuti, Venezia Studium, Fortuny Tessuti.  Queste aziende manifatturiere sono tutte riconosciute quali eccellenze italiane nel mondo. Uno dei desideri che Ugo Scassa avrebbe voluto veder realizzato era quello di una importante mostra dei suoi arazzi a Venezia, desiderio che si è potuto concretizzare
a poco più di un anno dalla sua scomparsa, grazie all'accordo fra la Signora Caterina
Alcaro Scassa e il Signor Mauro Rigoni, AD di Venice Exhibition e Direttore di Palazzo Zaguri, recentemente ristrutturato per accogliere mostre di rilievo.
 
L'esposizione veneziana vede protagonisti gli arazzi dei grandi maestri del '900 del
panorama artistico italiano e internazionale, quali Basaldella, Botero, Cagli, Capogrossi, Casorati, De Chirico, Clerici, Dalì, Ernst, Gribaudo, Guttuso, Kandinsky, Klee, Mastroianni, Matisse, Miró, Muzzi, Omiccioli, Piano, Sironi, Spazzapan, Warhol.
 
I grandi arazzi tessuti dalle abili mani delle tessitrici sono esposti in un esaltante percorso arricchito dalle opere di artisti dei nostri giorni in un dialogo costante con la scultura, la pittura, il disegno, la fotografia. Inoltre alcune sale saranno allestite con una ricerca storico archeologica sulle origini della tessitura con reperti di tessuto dell'antica civiltà egizia provenienti dal Museo Archeologico ed Etnografico Fratelli Castiglioni di Varese e da collezioni private.
 
La ricostruzione, in archeologia sperimentale, di un antico telaio romano unita a quella di un telaio eritreo evidenziano le differenze delle tecniche di tessitura in culture e periodi storici totalmente distanti fra loro.
 
Tante le istituzioni pubbliche, i musei, le gallerie d'arte e i collezionisti che hanno contribuito alla realizzazione di questa mostra che non esito a definire tessuta, filo dopo filo, come in un arazzo Scassa.

di Ilaria Ceragioli

A cavallo tra ’800 e ‘900 una chiara dedica alle attitudini e alle maniere tipiche dell’universo femminile contraddistingue la pittura di Eugenio de Blaas. Belle e chiacchierone, ma anche candide e romantiche lavoratrici sono le tipologie di donne che animano le tele dell’artista italo-austriaco.
Prima di passare alla presentazione di alcune opere, però, facciamo un brevissimo excursus sulla sua formazione artistica.
Eugenio de Blaas, noto anche come Eugen Von Blaas, nacque ad Albano, non lontano da Roma, ma ben presto, nel 1856, si trasferì a Venezia. Qui, studiò presso l’Accademia di Venezia, dove divenne allievo del padre Karl e dal quale apprese la smisurata passione per l’arte, o meglio per la pittura.
Come già anticipato, le protagoniste indiscusse dei suoi dipinti sono le donne, per lo più bellezze veneziane.
Così, a volgere uno sguardo sognante, ma non eccessivamente spensierato verso la laguna veneta è il personaggio femminile di Anticipazione (1911).

La fanciulla è  in preda a un momento di meditazione e indossa un abito tradizionale legato alla moda veneziana di fine Ottocento. La postura della donna ne risalta le forme femminili conferendo, tuttavia, l’idea di una innocente sensualità; un braccio è posto sul fianco, mentre l’altro poggia su una sorta di muretto. La bellissima fanciulla sta forse pensando ad un ipotetico amore o ad un amore legato al presente o al passato?
Il tema dell’amore compare più esplicitamente ne La lettera d’amore, una delle tele più celebri dell’artista.

Nell’opera osserviamo quattro fanciulle; una, alla nostra destra, sta leggendo a gran voce una lettera d’amore, mentre le altre la ascoltano con forte coinvolgimento. Si tratta, questo, di un momento che si colloca in uno spaccato di vita quotidiana proprio della sfera femminile.
Un esempio pressoché analogo di un episodio di condivisione “al femminile” si ritrova nella tela Sharing the news (1904).

Qui, i soggetti immortalati sono soltanto due, ma come nel quadro precedente, appare nuovamente il motivo di una fanciulla che, sorridendo, ha tra le mani una lettera d’amore. L’altra, la ascolta interessata, senza però accantonare il suo lavoro; sta, di fatto, continuando a lavare i panni sporchi.
L’imbarazzo delle donne si manifesta soprattutto a contatto con figure di sesso maschile. Ciò, si riscontra ad esempio in Flirt.

Osserviamo così, un affascinante uomo che, senza mostrare esitazione alcuna, corteggia una fanciulla seduta dinanzi a lui.
Con disinvoltura le si avvicina al viso e lei, con evidente impaccio ed imbarazzo, discosta leggermente il volto, poi sorride e abbassa leggermente lo sguardo fissando un punto. Tuttavia, seppur con estrema purezza e grazia, la donna mostra evidente entusiasmo verso le parole appena sussurratele dall’uomo. Anche questa scena, dunque, rimanda ad una situazione usuale e comune particolarmente legata al mondo femminile.
Eugenio de Blaas immortalò così, con naturalezza e semplicità, le esperienze di vita di coloro che scelse come muse ispiratrici della sua pittura: le donne.

Immagini tratte da:
- www.mutualart.com
- Wikipedia, Eugenio de Blaas, pubblico dominio
- Wikipedia, pubblico dominio
- www.tanogabo.com

 

di Antonio Monticolo

L’Afrodite Cnidia di Prassitele rappresenta il primo nudo femminile della storia dell’arte greca. Quella che oggi si può ammirare ai Musei Vaticani è una copia di un originale bronzeo di Prassitele datato al 360 a.C. (esistono anche diverse varianti in altri musei). Rappresenta Afrodite in un momento non del tutto chiaro. È sì nuda, ma non si sappiamo se si sta svestendo per fare un bagno oppure se sta per coprirsi perché si è accorta che qualcuno la sta guardando.
Plinio (N.H. XXXVI, 20) racconta che Prassitele ne aveva realizzate due: una vestita e una nuda. I Coi (gli abitanti dell’isola di Cos) avevano in diritto di scelta sull’acquisto e comprarono quella vestita perché la ritenevano pudica e austera. Gli abitanti di Cnido allora comperarono l’altra “destinata a ben' altra e incommensurabile fama”. Gli abitanti di Cnido collocarono questa statua in un tempietto aperto in modo che potesse essere vista da tutte le parti. Plinio aggiunge (XXXVI, 21): “Dicono che un tale, preso da insano amore, si nascondesse là di notte e si accoppiasse con il marmo; una macchia resta indizio della sua passione”.

Da questa prima statua di Afrodite nuda sono poi state rappresentate altre statua della stessa dea, ma in modo diverso.
Un altro esempio a tale proposito è l’Afrodite Diodalsas (accovacciata) di cui abbiamo diverse copie romane di un originale bronzeo greco del 250 a.C. Afrodite è piegata sulle ginocchia mentre aspetta l’acqua per il bagno oppure è rappresenta mentre cerca di coprirsi le nudità e gira indietro la testa perché si è accorta che qualcuno la sta osservando.

Dell' Afrodite Callipigia (ossia dalle belle natiche) non si sa molto se non che risale all’epoca dell’imperatore Adriano e che venne rinvenuta priva di testa nei pressi della Domus Aurea. Si tratta di una copia marmorea di un originale greco in bronzo del III sec.a.C.
La Afrodite Callipigia venne acquistata dalla famiglia Farnese nel 1594, venne restaurata con l’aggiunta della testa e venne collocata a Palazzo Farnese nella collezione archeologica.
Nel 1786 fu trafesrita a Napoli sotto il regno di Ferdinando IV e dal 1802 è esposta al palazzo degli Studi quello che oggi è il museo archeologico nazionale di Napoli.
Afrodite è rappresentata nell’atto dell’anasyrma (far vedere le natiche), gesto collegato a rituali, all’erotisimo e a scherzi volgari. Infatti Afrodite è colta nell’attimo in cui sta tirando in su la veste sui fianchi e si gira in un atto provocatorio e di forte sensualità.

Immagini tratte da:
- Wikipedia, pubblico dominio, voce: Afrodite Cnidia
- Wikipedia, CC-BY-3.0, voce: Afrodirte Diodalsas
- Wikipedia, CC-BY-2.0, voce: Afrodite Callipigia

La Mole Vanvitelliana accoglie una nuova grande mostra fotografica, Sebastião Salgado. Genesi. Ultimo grande lavoro del più importante fotografo documentario del nostro tempo, la mostra è sguardo appassionato, teso a sottolineare la necessità di salvaguardare il nostro pianeta, di cambiare il nostro stile di vita, di assumere nuovi comportamenti più rispettosi della natura e di quanto ci circonda, di conquistare una nuova armonia. Un viaggio alle origini del mondo per preservare il suo futuro. 

La mostra racconta la rara bellezza del patrimonio unico e prezioso di cui disponiamo: il nostro pianeta. La mostra è suddivisa in cinque sezioni che ripercorrono le terre in cui Salgado ha realizzato le fotografie: Il Pianeta Sud, I Santuari della Natura, l’Africa, Il grande Nord, l’Amazzonia e il Pantanàl. Un’attenzione particolare è riservata alle popolazioni indigene ancora vergini: gli Yanomami e i Cayapó dell’Amazzonia brasiliana; i Pigmei delle foreste equatoriali nel Congo settentrionale; i Boscimani del deserto del Kalahari in Sudafrica; le tribù Himba del deserto della Namibia e quelle più remote delle foreste della Nuova Guinea.
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Curata da Lélia Wanick Salgado su progetto di Amazonas Images e Contrasto, la mostra è promossa dal Comune di Ancona e organizzata da Civita Mostre. ​

Arte, concerti, performance, talk, workshop, teatro: lasciatevi trascinare dal flusso

Il 15 e 16 novembre l’associazione FUCO Fucina Contemporanea torna con la seconda edizione del festival Ronzii Arte in Subbuglio nella storica cornice del Cinema Lumiere in vicolo del Tidi, 6
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Anche per quest’anno un programma ricco e variegato che andrà ad esplorare il concetto del flusso, scelto e declinato nella sua ambivalenza fra il concreto ed il teorico: tramite incontri, workshop, mostre d’arte, performance e concerti si indagheranno il movimento continuo, la poliedricità delle forme e l’impulso creativo generati dal flusso.

Si parte giovedì 15 alle ore 17.00 con la presentazione del Festival e l’apertura della mostra, frutto ancora una volta di una call for artist lanciata nei mesi scorsi dall’associazione a cui pittori, videoartisti e fotografi hanno risposto con la loro interpretazione del tema. Non mancheranno momenti di riflessione nei due talk in cui protagoniste saranno l’associazione L’Altro Diritto di Pisa e il gruppo Arte Migrante che tratteranno il ruolo e il significato del flusso nelle proprie realtà associative. 

Si continua con momenti specifici dedicati alla proiezione di video arte con opere scelte dalla call for artist, aperitivo musicale in compagnia del cantautore pisano Lorenzo Pagni e performance di improvvisazione video musicale a cura di Now!, duo di avant jazz sperimentale che porterà in scena l’opera “Transizioni”. Alle ore 22.00 protagonisti saranno i Collisions con la loro commistione fra musica elettronica, tecnologia interattiva e drumming vivo e pulsante, a cui seguirà un dj set.

Venerdì 16 si parte sempre alle ore 17.00 con un momento esclusivo dedicato alla mostra e ad altre proiezioni di video arte. Alle 19.00 l’artista e performer bolognese Mona Lisa Tina proporrà la performance “Di ogni buio, di ogni luce”, una riflessione sul corpo come luogo di continui processi trasformativi psichici e fisici. L’aperiflusso del giovedì sarà accompagnato dal duo Greob che proporrà una performance di musica e luci e la realizzazione di fotografie per tutti i partecipanti con la tecnica del light painting.

Alle ore 21.00 spazio al teatro con lo spettacolo “Nonno Ulisse sogna le sirene” a cura di ADA- Arsenale Delle Apparizioni: un dramma liquido come il tempo, la pioggia e le lacrime, come l’oceano e la memoria che passando dalla commedia stempera nell’amaro e incrocia sapientemente presente e passato. 
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Il live del venerdì vede protagonisti i Cacao Mental, progetto che fonde cumbia, musica elettronica e psichedelia in canzoni che avvicinano la tradizione musicale latinoamericana ad una sonorizzazione cinematica e ballabile, a cui seguirà un dj set.

​Durante le due giornate sarà possibile partecipare a varie attività gratuite come:
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 - workshop di cianotipia a cura dell’associazione Imago: giovedì 15 dalle 17.30 alle 18.30 e venerdì 16 dalle 18.30 alle 19.30; 
- workshop di illustrazione “Vedere l’invisibile” a cura dell’artista Gianluca Palazzolo: giovedì 15 dalle 18.30 alle 20.00 e venerdì 16 dalle 17.00 alle 18.30;
- workshop “Forme e linguaggi tra corpi e identità” a cura dell’artista e performer Mona Lisa Tina: venerdì 16 dalle 14.30 alle 17.00. 

Tutte le attività saranno gratuite, occorre solo prenotarsi all’indirizzo e-mail info@fucinacontemporanea.it . 
L’iniziativa Ronzii Arte in Subbuglio si inserisce fra le attività finanziate dall’Università di Pisa in collaborazione con il DSU Toscana. ​