È una tiepida mattina dell’estate del 1944 a Roma. La Città Eterna è stata liberata dall’occupazione tedesca ai primi di giugno e tanta è la voglia di ricominciare a vivere. Dalla vetrina della sua bottega di antiquario, Sebasti vede passare in bicicletta il giovane architetto e critico d’arte Andrea Busiri Vici, a caccia di tesori e di fortuna. Lo invita a fermarsi ed entrare: deve assolutamente mostrargli una cosa. Si tratta di una  tavoletta dipinta a olio su entrambi i lati. 

Sotto gli strati di polvere e sporcizia, emergono un finto stipetto a muro, al quale sono fissate da un nastro alcune lettere ripiegate, e una scena di caccia, con arcieri impegnati a colpire uccelli acquatici a bordo di piccole imbarcazioni affusolate. L’attribuzione a Vittore Carpaccio (Venezia, c. 1460-1526) e le indagini di Busiri Vici sulla travagliata storia collezionistica dell’opera destano subito scalpore, tanto che il doppio dipinto viene venduto in Svizzera, per raggiungere poi il Getty Museum di Malibù e infine di Los Angeles, ove è conservato tuttora. Ma questo non impedisce a Carlo Ludovico Ragghianti di formulare un’interessante ipotesi a partire dal dettaglio del giglio che appare dal margine in basso a sinistra della tavoletta. Il gambo del fiore “reciso” potrebbe essere quello che si intravede nel vaso sulla balaustra raffigurata in un altro olio su tavola, pressoché delle stesse dimensioni, firmato da Carpaccio e appartenente alla collezione del Museo Correr di Venezia. 

Inoltre, Ragghianti intuisce che la balaustra si affaccia non sul cielo azzurro ma su uno specchio d’acqua, probabilmente sulla stessa laguna nella quale, poco più a largo, si sta svolgendo la battuta di caccia agli uccelli. Le due donne sedute sulla terrazza, a lungo erroneamente identificate come cortigiane, sono, secondo questa lettura, ricche e annoiate dame veneziane in attesa del rientro dei propri mariti. Definito il cantore della vita mondana del primo Rinascimento veneziano, Carpaccio fissa un momento di intima quotidianità femminile, nobilitato dai numerosi significati simbolici insiti nella flora e nella fauna del dipinto. Il giglio, innanzitutto, allude alla castità matrimoniale, come il mirto, sulla destra, è pianta cara a Venere, mentre la coppia di colombe, il pavone, i cani sono simboli di fedeltà coniugale. Anche il fazzoletto bianco e la collana di perle indossata dalla più giovane concorrono a sottolineare le stesse virtù, oltre a impreziosire la puntuale descrizione degli abiti e delle acconciature alla moda del tempo. Le indagini radiografiche a cui sono state sottoposte le due tavolette negli anni ’90 sembrano confermare la brillante intuizione di Ragghianti. Combaciando perfettamente, anche dal punto di vista prospettico, esse costituivano un unico dipinto, diviso in due parti probabilmente già in epoca rinascimentale. 

Per di più, il lato sinistro mostra le tracce della presenza di cardini o cerniere, come se in origine l’opera fosse composta da un secondo pannello, oggi perduto, con l’aggiunta del quale, tra gli altri elementi, anche la figura del levriero in primo piano sarebbe risultata intera. Per quanto riguarda la funzione del dittico, non ancora del tutto chiara, i cardini esistenti lungo lo spessore destro e la dimensione complessiva in altezza fanno pensare alle ante di una porta che si apriva e chiudeva “a libro” su un piccolo vano, utilizzato come studiolo e ricavato, forse, all’interno della camera della sposa, per la quale era stato commissionato come dono di nozze, dato il tema allegorico che informa il dipinto dello stipite rimasto. 

Nelle opere d’arte spesso sono nascosti grandi o piccoli segreti; una storia, un’immagine nascosta, un doppio significato o addirittura un pettegolezzo.
Ecco alcuni dei segreti che conservano i più celebri dipinti.
 
Danae

Una radiografia del ‘Danae’, fatta negli anni 60, ha rivelato un importante segreto. Nella versione originale del dipinto, la musa Danae di Rembrandt aveva proprio il volto di sua moglie Saskia. Dopo la morte della donna, avvenuta nel 1642, le sembianze della musa ricordano invece Geertje Dircx, la sua amante. Inoltre, Danae era famosa per la sua relazione con Zeus; quindi è possibile che l’artista abbia riversato sul dipinto la sua vicenda sentimentale.

Old Fisherman

Tivadar Csontváry Kosztka (1853-1919) è stato uno dei primi pittori ungheresi a essere conosciuto e apprezzato in ambito Europeo, anche dallo stesso Picasso. In questo ritratto di un vecchio pescatore è nascosto un segreto, svelato solo dopo la morte del pittore. Mettendo uno specchio in mezzo al dipinto e riflettendo soltanto una metà del volto, il personaggio si trasforma in due ritratti: una persona che prega e il diavolo

La camera gialla di Vincent van Gogh

Nel 1888, van Gogh ha acquistato un piccolo studio ad Arles, nel sud della Francia, dove si nascondeva da artisti parigini e critici. Nel mese di ottobre, iniziò a dipingere la “Camera da letto ad Arles”. La scelta dei colori e l’intimità generale, aspetti importanti del quadro, fanno intendere la volontà dell’autore di simboleggiare il comfort e la sicurezza. 
Per alcuni studiosi specialisti di Van Gogh, invece, le scelte cromatiche insolite hanno una spiegazione diversa: rappresentare cioè il desiderio mancato di sonno e riposo. Inoltre sappiamo che Vincent stava curando l’epilessia e per l’effetto collaterale dei farmaci, Van Gogh aveva una diversa percezione del colore, prediligendo il giallo e il verde. Forse il pittore vedeva il mondo proprio come lo dipingeva nei suoi quadri.

Autoritratto con orecchio bendato e pipa

In “Autoritratto con orecchio bendato e pipa”, Van Gogh si mostra con l’orecchio destro fasciato. In realtà l’orecchio ferito era il sinistro. Ciò è spiegato dal fatto che van Gogh usò uno specchio per creare l’immagine di se stesso.

Il quadrato nero

Al contrario di quanto si possa pensare, il ‘quadrato nero’ non è né nero né è un quadrato. Nessuno dei suoi lati sono paralleli tra loro, né i bordi della cornice. Inoltre, il ‘colore’ ‘nero’ è il risultato di una miscela di diversi colori, non è stata infatti usata una vernice propriamente nera.  Il quadro è stato dipinto così, piuttosto che per negligenza dell’artista, per sua volontà di creare una forma mobile dinamica. 

Immagini tratte da:
www.studiarapido.it
www.analisidellopera.it
www.doppiozero.com
Wikipedia pubblico dominio : Danae Rembrandt

Si intitola “Dipingere con l'emisfero destro del cervello” il workshop dedicato alle arti visive che il maestro Francesco Musante terrà a Lucca dal 9 al 15 settembre 2019.
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Il percorso formativo, nato dalla sinergia tra il Lu.C.C.A. – Lucca Center of Contemporary Art e LEA - Lucca Experientia Artis con il coordinamento di Omina, è una full immersion nel mondo della pittura, della grafica e dell’illustrazione attraverso l’immaginario fantasioso del maestro Francesco Musante. Destinato a pittori, grafici, illustratori e appassionati d’arte, il workshop si propone di approfondire la tecnica pittorica, gli strumenti e i legami con le emozioni, con i pensieri, con gli stati d’animo e con l’emisfero destro del nostro cervello, oggi indispensabili per risalire alla genesi di ogni lavoro artistico.

Sarà una settimana di studio e laboratorio intensivo per disegnare e dipingere insieme al maestro Musante, per approfondire tematiche della critica d’arte e della museologia con Maurizio Vanni, direttore del Lu.C.C.A. – Lu.C.C.A. Center of Contemporary Art, per confrontarsi con Domenico Raimondi, art director di LEA, su allestimenti e comunicazione 4.0 e per interagire con gli artisti e i professionisti del mondo delle arti visive che per l’occasione faranno delle incursioni al CONvictUS, un ex convento convertito in residenza per artisti.

Per informazioni e iscrizioni http://www.luccaexperientia.it/workshop/pittura/ oppure  telefonare allo  0583 467380 o il 338 9081960. 

Grazie al Lu.C.C.A. Museum PROMOZIONE -20% sulla quota di partecipazione con il CODICE SCONTO LEA03LM da utilizzare al momento dell’iscrizione online. Promozione valida fino al 31 agosto 2019.

Le composizioni di arte digitale dell’artista fiorentina invadono
il Lu.C.C.A. Lounge&Underground dal 6 al 25 agosto 2019 
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​Può l’evoluzione tecnologica cambiare il modo in cui percepiamo l’arte? È la domanda da cui muove “Sogni digitali” dell’artista fiorentina Daniela Corsini, in mostra nel Lu.C.C.A Lounge & Underground dal 6 al 25 agosto 2019 con ingresso libero. La definitiva transizione dall’homo sapiens all’homo tecnologicus segna una svolta profonda nel modo di interpretare le forme espressive, ribaltando posizioni consolidate ed invitandoci a rivedere i nostri capisaldi. Daniela Corsini parlerà di questi temi con il curatore della mostra Maurizio Vanni giovedì 8 agosto alle ore 18,30 all’inaugurazione ufficiale della sua personale.
 
Attraverso la rielaborazione di immagini, l’arte digitale ha cambiato profondamente l’approccio all’opera d’arte. Daniela Corsini ha compreso come questo nuovo modo di produzione artistica abbia abbattuto i confini tra forme espressive differenti, tra volumi e spazi, tra luce e ombra, tra finito e infinito, tra rappresentazione definitiva e suggerimento provvisorio. “Una vera e propria rivoluzione iconografica – spiega Maurizio Vanni – che entra nelle reali immagini del quotidiano alterandole, manipolandole e rielaborandole, offrendo così processi percettivi inediti. Ne scaturiscono composizioni quasi surreali laddove le forme, pur rimanendo riconoscibili, assumono ruoli e priorità visive del tutto nuove. Ciò che dovrebbe essere protagonista principale di un racconto visivo si trasforma in uno scenario periferico e, al contrario, tutto quello che siamo abituati a considerare comprimario o decorativo può evolvere nell’elemento più rilevante della composizione”.
 

Il codice comunicativo utilizzato dalla Corsini è prepotentemente attuale e costituisce un tema critico perché richiede una riflessione sul modificarsi del senso dell’arte in un’epoca che impone un continuo confronto tra l’uomo e i mondi digitali, ma anche sulle metodologie di analisi e interpretazione di opere che hanno come riferimento un inedito immaginario tecnologico. Le opere della Corsini vanno a rileggere i miti dell’arte antica o scene dell’oggi attraverso un linguaggio del tutto contemporaneo. “Con l’arte digitale – sottolinea Vanni – la scultura classica torna a colloquiare con il qui e ora, le ‘Maternità’ perdono i riferimenti spazio-temporali, le forme-feticcio modificano il loro significato perché ricontestualizzate o rese seriali, un paesaggio acquista connotazioni eterne dialogando visivamente con l’universo ed i sensi si ‘umanizzano’ prendendo sembianze di volumi fortemente evocativi che, pur non essendo del tutto identificabili, alludono a mondi familiari”.
 
La proposta artistica di Daniela Corsini si concentra sull’oggetto: parte dalla realtà tale e quale, dalla fotografia di qualcosa di definito che, senza perdere la connotazione di partenza, viene contaminato e riproposto in dimensioni potenzialmente infinite. Ne nascono immagini straordinarie che sembrano uscite dai libri di Philiph K. Dick. Visioni implausibili, ma credibili di sogni digitali.
 

Note biografiche Daniela Corsini
Daniela Corsini è l’iniziatrice e la figura più influente del Filtrismo®, movimento di fotografia pittorica sviluppato a Firenze alla fine del ‘900. Tra le personali nel suo percorso artistico si ricordano quelle presso: Librerie Feltrinelli di Firenze e Perugia (2005, 2007, 2008), “Caffè Giubbe Rosse” di Firenze (2006), Università Tiradentes e MUHSE-Museo Antropologico di Aracaju in  Brasile (2006), Düsseldorf (2009), Digione (2010, 2015, 2018), Museo Archeologico Nazionale di Firenze (2010), Palazzo Medici Riccardi di Firenze (2011), Istituto Italiano di Cultura di Bruxelles (2013), Gallo-Romeins Museum di Tongeren in Belgio (2013), Berlino (2014).
Le immagini di Daniela esplorano nuove dimensioni nei suoi particolari video, con accompagnamento musicale anche di autori contemporanei. Ad oggi, sono sette i video mostrati al pubblico (con uno inedito “nel cassetto”).
Tra gli incontri con la partecipazione attiva del pubblico si ricordano, in particolare, il dibattito “Luce, colore, sogno” presso l’Universidade Tiradentes e MUHSE-Museo Antropologico di Aracaju (2006), il laboratorio “Tra tecnica e percezione” presso la Scuola Media di Lastra a Signa (FI) per la Festa della Toscana 2008 ed il recente laboratorio-concorso per bambini “Artisti in Erba”. È in progetto con l’associazione A.I.S.D.O. un ciclo di incontri di arte-terapia.
Molteplici le collaborazioni con altri soggetti del mondo artistico, tra cui la video-installazione per un concerto del pianista Giovanni Pontoni e l’accompagnamento scenico per concerti del M° Giuliana Spalletti e del Quartetto Fo(u)r Woods. Per Fo(u)r Woods, Daniela ha realizzato la copertina del loro primo CD.
Sue opere sono presenti in collezioni pubbliche e private in Italia, Belgio, Brasile, Francia, Stati Uniti.
 
 
MOSTRA “DANIELA CORSINI. SOGNI DIGITALI”
a cura di Maurizio Vanni
Lu.C.C.A. Lounge&Underground
Dal 6 al 25 agosto 2019
orario mostra: da martedì a domenica 10-19, chiuso lunedì
Ingresso libero
 
Incontro con l’artista giovedì 8 agosto 2019 ore 18,30

​Nel '62 fu colpita da un terremoto, e Tito Flavio Vespasiano curò personalmente la sua ristrutturazione: il 25 agosto del 79, invece, in quella fatidica data che da quel momento in poi resterà per sempre scolpita negli annali della storia, si abbatté su di essa e sui centri vicini la furia del Vesuvio, anche se c’è da dire che, rispetto ai centri di Pompei, Stabia e Oplonti che furono quasi completamente distrutti dall’eruzione, Herculaneum fu relativamente fortunata in quanto, in un primo momento, si riversò su di essa soltanto una leggera nube di cenere e lapilli, e in un secondo momento, la colonna piroclastica si staccò dal vulcano e si riversò tutta sulla città, ricoprendola quasi completamente: successivamente, con l’eruzione del 1631, il manto vulcanico arrivò a toccare i 25 metri di altezza e si trasformò, col tempo, in “pappamonte”, un materiale simile al tufo ma molto più leggero che consentì la quasi totale conservazione degli edifici, degli utensili e degli alimenti.

La sua riscoperta avvenne per puro caso: nel 1709, un contadino che si accingeva a scavare per costruire un pozzo, si imbatté in alcuni pezzi di marmo appartenenti all’antico teatro: da lì in poi ebbero inizio gli scavi atti a riportare alla luce l’antico nucleo di Herculaneum, una prima campagna fu voluta dal principe Emanuele Maurizio D’Elboeuf, ma fu interrotta subito dopo per scongiurare i crolli degli edifici sovrastanti, una seconda campagna di scavi fu invece inaugurata nel 1738, durante i quali fu riportata alla luce l’antica Pompei, e si interruppe definitivamente nel 1780; altre due campagne furono avviate nel 1828, per opera di Francesco I delle Due Sicilie, e nel 1869, da parte di Giuseppe Fiorelli, ma anche queste ottennero scarsi risultati. Per riportare alla luce l’antica città così come la possiamo visitare oggi, bisognerà aspettare il 1927, in occasione di una campagna di scavo ventennale diretta da Amedeo Maiuri e Antonio de Franciscis, grazie alla quale furono riportati alla luce 4 ettari di 20 dell’antica città e oltre non si poté proseguire, in quanto gli altri terreni sotto i quali sono situate le rovine erano stati, nel frattempo, espropriati.

Altre campagne di scavo si sono poi succedute nel corso degli anni ’90 del novecento e nel corso dei primi anni 2000, grazie ai quali furono riportate alla luce le rovine della cosiddetta Casa di Aristide e alcune parti della Villa dei Papiri, già esplorata anni addietro grazie alla realizzazione di tunnel sotterranei: nel 1997, nel frattempo, gli scavi di Pompei, Ercolano, Stabia e Oplonti erano stati dichiarati Patrimonio dell’UNESCO.
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Passeggiando tra le rovine dell’antica Herculaneum possiamo imbatterci in alcune delle sue più belle ville, ancora oggi intrise delle decorazioni originarie del periodo, come la Casa del Genio, la Casa del Salone Nero, la Casa di Argo, una delle più belle e ricche in assoluto di tutta la città, la Casa di Nettuno e Anfitrite, con le sue decorazioni in pasta vitrea, e infine il Teatro, situato a 26 metri di profondità e capace di accogliere, all’epoca, circa 3000 spettatori seduti.
Con i suoi circa 300.000 visitatori annui, Herculaneum si impone come uno dei siti archeologici più visitati della Campania, nonché dell’intero Meridione, un luogo intriso di storia e cultura in gran parte ancora inesplorato, ricoperto ancora da un manto di lava e dall’ombra del Vesuvio, minacciosi ma al contempo rassicuranti e protettivi.

isa, 22 luglio 2019 – Quattro aperture serali straordinarie a prezzo scontato in programma da luglio a settembre: è “Notti d’Estate”, il ciclo di iniziative a cura del Museo delle Navi Antiche di Pisa con Cooperativa Archeologia e con la collaborazione della Soprintendenza Archeologia Belle Arti e Paesaggio di Livorno e Pisa che il 23 e il 31 luglio, il 28 agosto e il 4 settembre consentirà ai visitatori di esplorare l’esposizione agli Arsenali Medicei dalle 19 alle 22. Per l’occasione, il prezzo di ingresso promozionale è di 5 euro.
 
Il Museo delle Navi Antiche di Pisa, il più grande museo di imbarcazioni antiche esistente, con i suoi 4700 metri quadri di superficie espositiva, raccoglie 800 reperti, esposti in 47 sezioni divise in 8 aree tematiche consette imbarcazioni di epoca romana, databili tra il III secolo a.C. e il VII secolo d.C., di cui quattro sostanzialmente integre. Inaugurata lo scorso 16 giugno dal ministro per i Beni culturali Alberto Bonisoli dopo più di vent’anni di ricerca e restauro, l’area degli Arsenali Medicei accompagna i visitatori in un vero e proprio viaggio attraverso più di mille anni di commerci e marinai, rotte e naufragi, navigazioni, vita di bordo e della storia della città di Pisa.
 
La concessione del museo è affidata a Cooperativa Archeologia, che ha seguito negli ultimi anni lo scavo archeologico e il restauro delle navi e dei reperti, sotto la direzione scientifica di Andrea Camilli, responsabile di progetto per la Soprintendenza Archeologia, belle arti e paesaggio di Pisa e Livorno. L’esposizione è aperta al pubblico il mercoledì dalle 14.30 alle 18.30; il venerdì dalle 10.30 alle 18.30, il sabato e la domenica, dei mesi di luglio e agosto, dalle 10.30 alle 20.30 (info e contatti: info@navidipisa.it e tel. 050 8057880. Per gruppi e scuole: prenotazioni@navidipisa.it e tel. 050 47029. Tutte le informazioni su www.navidipisa.it). Il museo è dotato, inoltre, di un bookshop e uno spazio caffetteria, una sezione didattica al piano superiore che potrà essere utilizzata anche per incontri e conferenze, oltre ovviamente alla biglietteria e punto informazioni. Nelle prossime settimane sarà disponibile il catalogo dedicato all’esposizione.
 
Il progetto di scavo e restauro delle antiche navi di Pisa rappresenta uno dei più interessanti e ricchi cantieri di scavo e ricerca degli ultimi anni. La particolare condizione di conservazione dei reperti racchiusi in strati di argilla e sabbie ha richiesto un considerevole sforzo economico, organizzativo e tecnologico, mettendo a disposizione della ricerca laboratori, depositi, strumentazioni all’avanguardia e logistica devoluti al recupero degli oltre trenta relitti individuati e dei materiali ad essi associati. Il cantiere delle Navi Antiche è quindi diventato un centro dotato di laboratori, depositi e strumentazione che ha visto la collaborazione di decine di istituzioni universitarie e di ricerca italiane e straniere.
 
Per ulteriori informazioni www.navidipisa.it.
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L’opposizione al Romanticismo italiano, alla cultura risorgimentale e al buonsenso borghese caratterizzarono un gruppo eterogeneo, composto da letterati, pittori e scultori provenienti dall’Italia settentrionale, che passò alla storia come “Scapigliatura”. Un nome piuttosto insolito e bizzarro che deriva dal titolo di un romanzo di Cletto Arrighi, “La scapigliatura e il 6 febbraio” (1862). Si trattava, infatti, di un romanzo che descriveva la vita sregolata degli artisti parigini dell’epoca.
L’attività del gruppo va, approssimativamente, dal 1860 al 1880 e fu stimolata dalla presenza di sapienti pittori quali, Tranquillo Cremona e Daniele Ranzoni e dallo scultore Giuseppe Grandi.
La tecnica pittorica di Cremona e Ranzoni si fonda sulla sfocatura dei contorni, su pennellate discontinue e luminose e su un’attenta e precisa caratterizzazione psicologica dei soggetti prescelti. I generi preferiti, invece, sono il ritratto e il paesaggio.
Tranquillo Cremona nasce da una famiglia di origine ebraiche ed è colui che merita di essere considerato come l’iniziatore della Scapigliatura (in ambito pittorico).
Uno stile antiaccademico e un’atmosfera vaga e nebulosa contraddistinguono la celebre opera L’Edera (1878), conservata attualmente alla Galleria d’Arte Moderna di Torino.

Il dipinto immortala due giovani innamorati; il musicista Alfredo Catalani e Lisetta Cagnoli, la cognata del pittore. L’uomo stringe a sé la donna la quale, però, non sembra contraccambiare con lo stesso entusiasmo quel tenero abbraccio. Tuttavia, il volto della fanciulla lascia trasparire un forte desiderio. Le due figure si fondono così con lo spazio circostante. L’ambientazione risulta piuttosto confusa, mentre facilmente riconoscibile è il ramo di edera che compare alla destra dello spettatore.
Un maggior senso plastico dato dalle pennellate cromatiche si coglie, invece, nella tela di Daniele Ranzoni intitolata I figli del principe Troubetzkoy (1873) e custodita a Milano presso la Galleria Civica dell’Arte Moderna.

Il dipinto fu commissionato dal principe Pietro Troubetzkoy, mecenate di Ranzoni e raffigura i suoi tre figli assieme al loro adorato cane. Qui, le figure prendono forma grazie a chiazze di colore generate da pastose pennellate. Interessante, inoltre, è l’emergere di un’accurata caratterizzazione psicologica dei personaggi ritratti.
All’interno del gruppo è Giuseppe Grandi ad unire e a far dialogare tra loro scultura, letteratura e  musica. Vibrante e viva è la modellazione scultorea che si riscontra nel Monumento alle Cinque Giornate di Milano (1894) situato nell’omonima piazza del capoluogo lombardo.

Il monumento richiama alla memoria l’insurrezione popolare del 1848 che portò alla cacciata dell’esercito austriaco dalla città. Le cinque figure femminili, di fatto, rimembrano allegoricamente quei giorni in cui la città fu orgogliosamente e faticosamente difesa dai propri cittadini.
Dunque, questa è stata grossomodo la lodevole attività pittorica e scultorea di quegli artisti “scapigliati” che, sapientemente, sono riusciti a dare vita ad un’arte anticonformista, lontana dalla cultura tradizionale, ma destinata ad essere ricordata per l’eternità.

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“L’arte sa nuotare”: BLUB approda al MANN
Dal 30 maggio al 31 agosto, lo street artist espone le sue creazioni dedicate al Museo
Verso la mostra “Thalassa”, con un’originale riflessione sul mare

30 maggio. La sua arte gentile colora le strade delle città, cercando angoli dimenticati per ritrarre icone di tutti i tempi, riproposte con la maschera da sub: dalla Venere di Botticelli ad Andy Warhol, da Giuseppe Verdi a David Bowie, da Leonardo da Vinci a Marcello Mastroianni, sono tanti i personaggi che, tra realtà e finzione, sono stati rappresentati dallo street artist  Blub.
 
Deciso a non rivelare al pubblico la propria identità, Blub ha fatto incursione nel centro storico di Napoli e la sua inconfondibile impronta creativa non è passata inosservata agli occhi del Direttore del MANN, Paolo Giulierini: “Verso Thalassa non potevamo che incontrare Blub: progettando la nostra grande mostra sull’archeologia subacquea abbiamo incrociato per le strade di Napoli il segno distintivo di questo artista misterioso,  celebre per i bellissimi ritratti di personaggi illustri  in maschera da sub. E’ successo lo scorso aprile quando, in una notte, Blub ha voluto disseminare i suoi dipinti anche nella nostra città, sempre con rispetto e attenzione, puntando alla riqualificazione degli angoli degradati e dando, ad esempio, nuova vita a vecchi sportelli di metallo. Il suo messaggio ci ha conquistato per spontaneità e semplicità: #Lartesanuotare recita l’hashtag che ha scelto, e noi aggiungiamo che ‘per l’arte si nuota’, ad esempio, verso la scoperta e la valorizzazione dei reperti del Mediteranneo riemersi dall’antichità, quelli che racconteremo nella nostra mostra Thalassa nel prossimo autunno. E così, dopo essere stati conquistati da uno straordinario Carlo Di Borbone marino, abbiamo chiesto a Blub una produzione ‘speciale’ sulle opere iconiche del  MANN. A tutti il divertimento della scoperta nella sala del Plastico di Pompei”.
 
Da qui nasce l’esposizione “L’arte sa nuotare”, a cura dell’artista Carla Bru e della giornalista Maria Paternostro, in programma al Museo Archeologico Nazionale di Napoli dal 29 maggio (vernissage ore 12) al prossimo 31 agosto: Blub crea alcune opere originali, che dialogano con i reperti del MANN, accompagnando il visitatore in una dimensione subacquea dai colori sfocati; trait d’union dei lavori è l’elemento primordiale dell’acqua, che definisce le suggestioni di un’inedita Saffo, gioca con una versione sottomarina di Terentius Neo e sua moglie, rende contemporanei alcuni capolavori della statuaria antica (tra questi, Apollo in bronzo della Casa del Citarista; Efebo in bronzo di Via dell’abbondanza; Busto di Artemide in bronzo dal tempio di Apollo di Pompei;  Busto di Giove Ammone in marmo; Venere Marina e Venere Lovatelli da Pompei in marmo).
La Sala del Plastico di Pompei diviene, in questo modo, un vero e proprio scenario immersivo, in cui l’allestimento site specific ed il video dell’artista, con un particolare effetto sonoro realizzato grazie al regista Riccardo Sansone, permettono al visitatore di tuffarsi, letteralmente, in una dimensione evocativa in equilibrio tra passato e presente.
 
“Nonostante ci si possa trovare in un mare di difficoltà, nella vita abbiamo sempre le risorse per imparare a nuotare. L’arte è una di queste risorse”, commenta Blub, “L’acqua è il mio elemento. Dall’acqua nasce la vita, è il lato nascosto della materia. Quando sei immerso, l’istante si ferma e non c’è peso, mentre i pensieri fluiscono in una dimensione sospesa. Per questo, ripropongo i personaggi che hanno trasmesso un esempio di grandezza in grado di sopravvivere ancora oggi, proprio sotto l’acqua, senza  tempo”
 
Blub ha iniziato la sua attività nell’estate del 2013 a Cadaqués, in Catalogna, nel paesino di pescatori particolarmente amato anche da Salvador Dalì; nel novembre dello stesso anno, ha omaggiato il quartiere fiorentino di San Niccolò in occasione dell’anniversario dell’alluvione.

Venezia, Roma, Ravenna, Lucca, Pisa, Mantova, ma anche Barcellona, Amsterdam, Stoccolma, Lisbona e persino Rio de Janeiro sono state le tappe del suo viaggio creativo, che ha avuto un’eco internazionale testimoniata dalla copertina dedicata, da Vanity Fair nel 2017, a questa particolare esperienza di street art.

Ma Blub ha anche una predilezione per i piccoli centri storici italiani: da Monteriggioni ad Alghero, da Cremona a San Gimignano, da Lecce a Livorno.
 
Mostre
 
Personali 
Parla con i muri – Le Murate – Firenze (2017)

Blub – Galleria Uovo alla Pop – Livorno (2018)

Blub a Pistoia – Lo Spazio di via dello Spizio – Pistoia (2018)

L’arte sa nuotare – Museo Archeologico Nazionale di Napoli (2019)
 
Collettive
Clet & Friends – The Cappeleschi Gallery – Knokke Heist Belgio  (2014)

Me & Sea – Messina (2015)

Fuori dalle macerie – Santa Verdiana – Firenze (2016)

Parla con i muri #queer – Cinema La Compagnia – Firenze (2016)

Unity Wanted – Street Levels Gallery-  Firenze (2016)

Street Art – Villa San Michele – Fiesole (2017)

Geniale! Gli invasori dell’arte – MOCA – Montecatini (2018)

Into the Water – Casalbuttano  (2018)

Urban City Art – Pinacoteca Civica – Follonica  (2019)

Leonardo Vive – Museo Ideale Leonardo da Vinci – Vinci  (2019)

Leonardo & Monnalisa – Ex Convento Leopoldine – Firenze
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Leonardo 500  – Villa La Versiliana – Marina di Pietrasanta
 
 
Per la realizzazione dell’evento Blub ringrazia il Direttore Paolo Giulierini, lo staff del MANN e i suoi collaboratori personali: Marco Matteucci, Silvana Della Nebbia e Giuseppe Di Bella.

Info  www.museoarcheologiconapoli.it
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La goliardia dei futuristi, che nel 1909 organizzarono a Torino la prima “Serata futurista” come spettacolo provocatorio e irriverente per diffondere le idee futuriste, rivive centodieci anni dopo con le “Serate futuriste” lanciate dal Lu.C.C.A. - Lucca Center of Contemporary Art in occasione della mostra “Fortunato Depero. Dal sogno futurista al segno pubblicitario”. ​
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Nove gli appuntamenti che da fine giugno a fine agosto 2019 porteranno una ventata frizzante nelle serate del museo lucchese. Si parte giovedì 27 giugno 2019 con l’apertura straordinaria serale dalle ore 19 alle 21,30 con biglietto ridotto alla mostra di Depero. Sulla terrazza, dalle ore 20 alle 22, prenderanno avvio le BalcoNote: improvvisazioni musicali con il violino elettrico di Itzhak Bhaum e a seguire, dalle ore 22 alle 23, ForDepero ovvero una speciale visita guidata alla mostra condotta dal co-curatore e direttore del Lu.C.C.A. Maurizio Vanni con performance teatrale.


“In perfetto stile futurista – spiega Vanni – abbiamo voluto proporre momenti di intrattenimento non convenzionali durante i quali la mostra di Fortunato Depero diventa pretesto per stimolare artisti interdisciplinari a interpretare pensieri ancora incredibilmente attuali. L'arte entra nella quotidianità e il museo si apre al tempo libero delle persone. Un grande investimento emotivo”.


Le “Serate Futuriste” ci accompagneranno per tutta la durata della mostra di Fortunato Depero (fino al 25 agosto 2019) e si terranno tutti i giovedì di luglio e di agosto (ad eccezione di Ferragosto) con una serata finale proposta in occasione della Notte Bianca di Lucca, sabato 24 agosto 2019, che ci catapulterà futuristicamente nel terzo millennio. Da luglio, oltre alle BalcoNote e alle variegate proposte artistico-culturali ForDepero, sarà possibile intrattenersi al museo con i FuturApe, percorsi enogastronomici che faranno scoprire i prodotti del territorio lucchese e toscano, realizzati in collaborazione con Est – Event Service Tuscany.

Per gli spettacoli ForDepero si consiglia la prenotazione allo 0583.492180. Posti limitati.
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IL PROGRAMMA IN DETTAGLIO

Apertura serale straordinaria con biglietto ridotto alla mostra dalle ore 19 alle ore 21,30 e FuturApe: degustazioni enogastronomiche in collaborazione con Est – Event Service Tuscany; BalcoNote: musica dal vivo sulla terrazza dalle ore 20,30 alle ore 22; ForDepero: dalle ore 22 performance teatrali e musicali a tema all’interno della mostra “Fortunato Depero. Dal sogno futurista al segno pubblicitario”.


Giovedì 27 giugno
H 19 - 21:30 Apertura serale straordinaria con biglietto ridotto alla mostra
H 20:30 – 22:00 BALCONOTE | Improvvisazioni musicali con il violino elettrico di Itzhak Bhaum
H 22:00 - 23:00 FORDEPERO | Visita guidata della mostra con performance teatrale a cura di Maurizio Vanni


Giovedì 4 luglio
H 19 – 21:30 Apertura serale straordinaria con biglietto ridotto alla mostra
FUTURAPE | percorsi di degustazione enogastronomica con prodotti del territorio
Vini della Cantina Le Palaie, Peccioli (PI)
Salumi del Salumificio Artigianale Triglia, Camaiore (LU)
Formaggi Caseificio Marovelli, Vibbiana (LU)
H 20:30 – 22:00 BALCONOTE | Improvvisazioni musicali con la chitarra classica di Meme Lucarelli
H 22:00 – 23:00 FORDEPERO | Visita alla mostra e letture futuriste con Antonio Petrocelli


Giovedì 11 luglio
H 19 – 21:30 Apertura serale straordinaria con biglietto ridotto alla mostra
FUTURAPE | percorsi di degustazione enogastronomica con prodotti del territorio
Vini della Cantina Inserrata Biologica, La Serra (PI)
Salumi del Salumificio Artigianale Triglia, Camaiore (LU)
Formaggi Caseificio Marovelli, Vibbiana (LU)
H 20:30 – 22:00 BALCONOTE | Improvvisazioni musicali con il violino elettrico di Ignazio Rossi
H 22:00 – 23:00 FORDEPERO | Visita alla mostra e performance teatrale con Antonella Lucii e Francesco Bargi, suoni di Edoardo Clermont, consulente Angela Avitto


Giovedì 18 luglio
H 19:00 – 21:30 Apertura serale straordinaria con biglietto ridotto alla mostra
FUTURAPE | Percorsi di degustazione enogastronomica con prodotti del territorio
Vini della Cantina La Regola, Riparbella (PI)
Salumi del Salumificio Artigianale Triglia, Camaiore (LU)
Formaggi Caseificio Marovelli, Vibbiana (LU)
H 20:30 – 22:00 BALCONOTE | Improvvisazioni musicali con il violino elettrico di Sasha Oleg
H 20:30 – 22:00 FORDEPERO | Visita alla mostra e performance teatrale a cura di Marianna Perilli


Giovedì 25 luglio
H 19:00 – 21:30 Apertura serale straordinaria con biglietto ridotto alla mostra
FUTURAPE | Percorsi di degustazione enogastronomica con prodotti del territorio
Vini della Cantina Moris Farms, Massa Marittima (GR)
Salumi del Salumificio Artigianale Triglia, Camaiore (LU)
Formaggi Caseificio Marovelli, Vibbiana (LU)
H 20:30 – 22:00 BALCONOTE | Improvvisazioni musicali con il violino elettrico di Vittorio Krayer
H 22:00 – 23:00 FORDEPERO | Visita alla mostra e performance teatrale a cura di Cataldo Russo


Giovedì 1 agosto
H 19:00 – 21:30 Apertura serale straordinaria con biglietto ridotto alla mostra
FUTURAPE | Percorsi di degustazione enogastronomica con prodotti del territorio
Vini della Tenuta Le Ripalte, Capoliveri (LI)
Salumi del Salumificio Artigianale Triglia, Camaiore (LU)
Formaggi Caseificio Marovelli, Vibbiana (LU)
H 20:30 – 22:00 BALCONOTE | Improvvisazioni musicali con la chitarra classica di Meme Lucarelli
H 22:00 – 23:00 FORDEPERO | Visita alla mostra e performance a cura di Girolamo Deraco


Giovedì 8 agosto
H 19:00 – 21:30 Apertura serale straordinaria con biglietto ridotto alla mostra
FUTURAPE | Percorsi di degustazione enogastronomica con prodotti del territorio
Vini della Tenuta Marsiliana, Grosseto (GR)
Salumi del Salumificio Artigianale Triglia, Camaiore (LU)
Formaggi Caseificio Marovelli, Vibbiana (LU)
H 20:30 – 22:00 BALCONOTE | Improvvisazioni musicali con il violino elettrico di Taddeus Jensen
H 22:00 – 23:00 FORDEPERO | Visita alla mostra e performance sonora con Sonia Ciani e Sara Bianchi


Giovedì 22 agosto
H 19:00 – 21:30 Apertura serale straordinaria con biglietto ridotto alla mostra
FUTURAPE | Percorsi di degustazione enogastronomica con prodotti del territorio
Vini della Cantina Usiglian del Vescovo, Palaia (PI)
Salumi del Salumificio Artigianale Triglia, Camaiore (LU)
Formaggi Caseificio Marovelli, Vibbiana (LU)
H 20:30 – 22:00 BALCONOTE | Improvvisazioni musicali con il violino elettrico di Vladimiro Tosi
H 22:00 – 23:00 FORDEPERO | Visita alla mostra e performance teatrale a cura di Elisa D’Agostino e Filippo Battaglia




sabato 24 agosto – speciale notte bianca
H 19:00 – 21:30 Apertura serale straordinaria con biglietto ridotto alla mostra
H 20:30 – 22:00 BALCONOTE | Improvvisazioni musicali con il violino elettrico di Giorgio Lami
FUTURAPE | Percorsi di degustazione enogastronomica di prodotti del territorio
Vini della Cantina Val delle Rose, Grosseto (GR)
Salumi del Salumificio Artigianale Triglia, Camaiore (LU)
Formaggi Caseificio Marovelli, Vibbiana (LU)
H 22:00 – 23:00 FORDEPERO | Improvvisazioni di musica sperimentale elettroacustica con Alberto Gatti e video mapping con Massimo D’Amato
PREZZI
H 19 – 21:30 Biglietto ridotto mostra € 8,00
Gratuito per bambini fino a 6 anni.


FUTURAPE
Percorsi enogastronomici: BIANCO - ROSA - ROSSO
Ogni percorso prevede un calice di vino e un tagliere di salumi e formaggi
1 Percorso € 10,00
2 Percorsi € 18,00
3 Percorsi € 25,00


H 20:30 – 22:00 BALCONOTE
Performance gratuita. Terrazza del museo.


H 22:00 – 23:00 FORDEPERO
Biglietto mostra + performance teatrale o musicale:
INTERO € 15,00
RIDOTTO € 8,00 dai 10 ai 17 anni e convenzioni Hotel Partner
GRATUITO per bambini fino ai 10 anni

Per info:
Lu.C.C.A. – Lucca Center of Contemporary Art
Via della Fratta, 36 – 55100 Lucca tel. +39 0583 492180
www.luccamuseum.com info@luccamuseum.com
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di Antonio Monticolo

Tra il 2004 e il 2005 un team di archeologi scoprì a York, cittadina del nord dell’Inghilterra una necropoli molto particolare divisa in due parti: 3 Driffield Terrace e 6 Driffeld Terrace. York è il nome moderno di Eboracum, fondata da Roma nel 71 d.C. Il numero totale di individui analizzati comprendeva 82 scheletri e 14 cremazioni.
La maggior parte delle sepolture erano singole inumazioni, con l’eccezione di 4 sepolture doppie a 3 Driffield Terrace e una sepoltura doppia, una tripla e una quadrupla a 6 Driffield Terrace. Gli individui erano spesso supini (sulla schiena), ma a volte flessi (sui fianchi con le ginocchia leggermente tirate su) e un caso di sepoltura a faccia in giù.

Nessun defunto superava i 45 anni di età. Tre dei sette individui giovanili erano adolescenti tra i 15 e i 19 anni, mentre gli altri quattro sono stati identificati come un feto, un neonato, e due bambini di 1-2 e 6-7 anni
Le analisi isotopiche e del DNA effettuate hanno rivelato un mix di origini che include individui originari della zona di Eboracum, di varie parti dell’Inghilterra meridionale, dell’Europa meridionale e centro-orientale, e un individuo proveniente dal vicino oriente (Siria, Giordania o Palestina).
Ma le due caratteristiche importanti di tale necropoli sono: la totalità di sepolutre maschili (solo una è femminile) e il fatto che la prcentuale di decapitazioni si aggira intorno al 71%. Quest’ultimo è un fatto particolare perché nelle altre necropoli dell’Inghilterra la percentuale di decapitazione si aggira intorno al 5%.
I crani decapitati dei defunti sono stati rinvenuti in varie posizioni, alcuni nella loro posizione anatomica, altri fra le gambe dell’individuo o lungo il fianco.
Gran parte degli individui adulti e adolescenti avevano riportato in vita numerose contusioni e fratture poi guarite. Queste si concentrano soprattutto sul cranio e nella zona del viso; numerose erano anche le fratture dentali, delle ossa del polso e del primo metacarpo (pollice).

Fratture e contusioni indicano casi di violenza interpersonale e suggeriscono che la popolazione di questa necropoli avesse avuto una vita fisica particolarmente attiva e violenta.
Casi di cribra orbitalia (porosità nei tetti dell'orbita) e ipoplasia dello smalto dentale (formazione di smalto difettoso) indicavano inoltre episodi di stress infantile, forse dovuti a cattiva alimentazione, parassiti e malattie infettive.
Numerose erano anche le ferite da arma da taglio, in particolar modo nella zona delle vertebre cervicali forse tagli peri-mortem.  Queste ferite suggeriscono che almeno una parte degli inumati sia stata decapitata subito dopo la morte, o che la decapitazione stessa sia stata la causa del decesso.
In 25 dei 40 individui la decapitazione è stata effettuata con un singolo taglio netto, mentre nei restanti casi sono stati individuati fino a 17 tagli alla zona del collo.
In molti casi la posizione delle incisioni ha permesso di stabilire che l’aggressore si trovava dietro la vittima, e che i colpi erano quasi sempre inflitti dall’alto verso il basso.
Quali sono le ipotesi?
Alcuni sostengono che i decapitati potrebbero essere  stati vittima di una congiura voluta da Caracalla, altri ritengono che siano soldati stranier catturati oppure condannati a morte. Forse, come sostengono alcuni, si doveva trattare di una necropoli di gladiatori. In questo senso, uno scheletro presenta perforazioni su entrambe le ossa del bacino compatibili con i morsi di un carnivoro. I bordi delle perforazioni sono netti e freschi, senza tracce di osso neoformato a dimostrazione che sono state inflitte subito prima (o subito dopo) la morte dell’individuo. Ma a York non è ancora stato trovato nessun anfiteatro.  

Roma, 5 aprile 2019. Dal 6 aprile al 27 ottobre 2019 il Museo dell’Ara Pacis ospita la grande mostra "Claudio Imperatore. Messalina, Agrippina e le ombre di una dinastia" promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Crescita culturale - Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali e da Ville de Lyon, curata da Claudio Parisi Presicce e Lucia  Spagnuolo,  con  la  collaborazione  di  Orietta  Rossini,  ideata  dal  Musée  des Beaux-Arts  de  Lyon,  che  ha  ospitato  la  sede  francese  dell’esposizione  terminata lo scorso 4 marzo, su progetto curatoriale di Geneviève Galliano e Francois Chausson.

Organizzazione di Zètema Progetto Cultura.
 
La mostra guiderà i visitatori alla scoperta della vita e il regno del discusso imperatore romano, dalla nascita a Lione nel 10 a.C. fino alla morte a Roma nel 54 d.C., mettendone in luce la personalità, l’operato politico e amministrativo, il legame con la figura di Augusto e con il celebre fratello Germanico, il tragico rapporto con le mogli Messalina e Agrippina, sullo sfondo della corte imperiale romana e delle controverse vicende della dinastia giulio- claudia.
 
L'esistenza di Claudio è segnata da un destino singolare, che lo pone di fronte ad avvenimenti eccezionali, fatti di sangue, intrighi di corte, scelte politiche ardite. Primo imperatore a nascere fuori dal territorio italico, a Lugdunum, odierna Lione, il 1 agosto del 10 a.C., era un candidato improbabile al comando dell’impero. Augusto, che
dubitava  delle  sue  attitudini  politiche,  gli  avrebbe  preferito  di  gran  lunga  il  fratello Germanico, che tuttavia morì prematuramente in circostanze sospette. Come successore, il popolo e l'esercito avevano poi scelto Caligola, che di Germanico era il figlio, erede della fama del padre. Ma l'assassinio di Caligola, accoltellato nel suo stesso palazzo, metteva necessariamente Claudio al centro della crisi politica successiva. Tiberio Claudio Cesare Augusto Germanico diventava così, alla notevole età di cinquant'anni, il primo imperatore acclamato, dopo una lunga trattativa politico-economica, da un corpo militare, i pretoriani.
 
Anche i rapporti di Claudio con le sue quattro mogli sono segnati da congiure e vicende tragiche. La sua terza moglie, Messalina, più giovane di Claudio di 35 anni, rimane nota per i suoi molti vizi, veri o presunti, sebbene fosse la madre di Britannico, il primo erede maschio della dinastia giulio-claudia nato ad un imperatore regnante. Uccisa Messalina, con il consenso di Claudio, anche il destino di Britannico fu segnato: non conseguì mai il potere, vittima adolescente del fratellastro Nerone.
L'ultimo matrimonio di Claudio, quello con sua nipote Agrippina, gli sarà fatale. Agrippina, figlia di Germanico e sorella di Caligola, viene considerata l'artefice della sua morte, forse per avvelenamento. Alla morte di Claudio seguì la sua divinizzazione, la realizzazione di un tempio a lui dedicato sul Celio e la successione nell’impero del figlio di Agrippina, Nerone.

Il percorso espositivo al Museo dell’Ara Pacis, supportato dal lavoro aggiornato di storici e archeologi, traccia un’immagine di Claudio un po’ diversa da quella cupa e poco lusinghiera trasmessa dagli autori antichi. Ne emerge la figura rivisitata di un imperatore capace di prendersi cura del suo popolo, di promuovere utili riforme economiche e grandi lavori pubblici, contribuendo con la sua legislazione allo sviluppo amministrativo dell'Impero.
 
Il racconto della vita e delle opere di Claudio, reso attraverso un allestimento originale fatto di immagini e suggestioni visive e sonore, costituisce la caratteristica saliente del percorso espositivo e i personaggi della narrazione - presentati attraverso opere d’arte di assoluto valore - saranno anche protagonisti di istallazioni che contribuiranno a rendere coinvolgente l’esperienza di visita.
 
In mostra alcune opere di straordinario interesse storico e archeologico: dalla Tabula Claudiana, su cui è impresso il famoso discorso tenuto da Claudio in Senato nel 48 d.C. sull’apertura ai notabili galli del consesso senatorio, al prezioso cameo con ritratto di Claudio Imperatore dal Kunsthistorisches Museum, fino al piccolo ma suggestivo ritratto in bronzo dorato di Agrippina Minore, proveniente da Alba Fucens e concesso in prestito dalla Soprintendenza Archeologia, Belle Arti e Paesaggio dell’Abruzzo, che testimonia l’interesse di Claudio per il territorio dell’allora Regio IV, dove realizzò l’impresa del Fucino. Una delle novità della mostra è l’esposizione, per la prima volta, del ritratto di Germanico della Fondazione Sorgente Group, opera importante che celebra il giovane e amato principe colpito da un destino avverso.
 
La mostra allestita al Museo dell’Ara Pacis vanta importanti prestiti internazionali (Musée du Louvre, Lugdunum Musée et Théâtres Romains, Musée des Beaux-Arts di Lione, Musei Vaticani, Ecole nationale Supérieure des Beaux-Arts di Parigi, Kunsthistorisches Museum di Vienna, The British Museum, Colchester & Ipswich Museums) e nazionali (Museo Archeologico Nazionale di Napoli, Gallerie degli Uffizi di Firenze, Museo Nazionale Romano,  Museo  Archeologico  e  d’Arte  della  Maremma,  Soprintendenza  Archeologia, Belle   Arti  e   Paesaggio   dell’Abruzzo,   Museo   civico   archeologico   ‘Antonio di  Nino’, Fondazione Sorgente Group e  Galleria  Vincent)    avvalendosi al contempo di opere provenienti       dal   Sistema    Musei   Civici   (Musei   Capitolini,   Centrale   Montemartini, Antiquarium Celio, Museo della Civiltà Romana, Museo di Roma) in qualche caso restaurate o riesposte per l’occasione.
 
Ufficio stampa
Zetema Progetto Cultura Patrizia Morici p.morici@zetema.it Gabriella Gnetti g.gnetti@zetema.it

Le Scuderie del Quirinale in occasione del cinquecentenario  della morte di Leonardo da Vinci con il Museo Nazionale della Scienza e della Tecnologia di Milano e insieme alla Veneranda Biblioteca Ambrosiana  dedicano una mostra al celebre umanista indagando la sua opera secondo le più aggiornate linee  guida museologiche e museografiche, nelle declinazioni legate alla storia dell’ingegneria,  del pensiero, della cultura scientifico-tecnologica. 

Dalla formazione toscana, al soggiorno milanese, fino al tardo periodo romano, la mostra ripercorre l’opera di Leonardo sul fronte tecnologico e scientifico e traccerà le connessioni culturali con i suoi contemporanei, per offrire una visione finalmente ampia di questa grande figura, spesso presentata come genio isolato.

Le sezioni della mostra esploreranno i grandi temi affrontati da Leonardo sul versante del pensiero tecnico e umanistico, al centro del dibattito degli artisti e tecnologi rinascimentali: lo sviluppo di macchine per i grandi cantieri di costruzione, l’utilizzo del disegno e della prospettiva come strumenti di conoscenza e rappresentazione, l’arte della guerra tra tradizione e innovazione, il vagheggiamento di macchine fantastiche come quelle per il volo, la passione per la rappresentazione dell’elemento macchina in quanto tale, l’ideazione di soluzioni negli ambiti del lavoro e della produzione, la riflessione sulla città ideale e lo studio delle vie d’acqua, la riscoperta del mondo classico e una riflessione su come, nel tempo, sia nato e si sia sviluppato il mito di Leonardo.

A Napoli, precisamente nella Basilica della Pietrasanta, è in corso la mostra dedicata al grande artista russo Marc Chagall (1887-1985), inaugurata il 15 febbraio 2019 e aperta al pubblico fino al prossimo 30 giugno: la mostra, tenutasi per la prima volta nella città partenopea, racconta l’amore e il sentimento dell’artista/poeta per la sua amatissima moglie Bella ed è suddivisa in 150 opere, la maggior parte di esse facenti parte di collezioni private sparse un po’ in tutto il mondo e quindi di difficile accesso al pubblico, a loro volta divise in cinque sezioni, Infanzia e tradizione russa, Sogni e fiabe, Il mondo sacro e la Bibbia, Un pittore con le ali da poeta e L’amore sfida la forza di gravità.
 
Nelle opere coesistono ricordi d’infanzia, fiabe, poesie, religione e guerra, un universo di sogni dai colori vivaci, di sfumature intense che danno vita a paesaggi popolati da personaggi, reali o immaginari, che si affollano nella fantasia dell’artista.
Opere che riproducono un immaginario onirico in cui è difficile discernere il confine tra realtà e sogno, avvicinandosi, in un certo senso, a quelle del periodo surrealista di Dalì.
 
Curata da Dolores Duràn Ucar, la mostra è stata organizzata dal Gruppo Arthemisia che, dopo il successo ottenuto con la mostra dedicata ad Escher al PAN, ha deciso di riconfermare la sua fiducia nella città partenopea allestendo una nuova grande mostra, questa volta, nello straordinario scenario della Basilica della Pietrasanta.
 
Una mostra da non perdere, che lascia tutti con il fiato sospeso e, ora che manca circa un mese al suo termine, come direbbero alcune testate pubblicitarie in periodo di saldi… Affrettatevi gente, affrettatevi! 

Immagini tratte da: 
Alcune informazioni per la stesura di questo articolo, nonché l’immagine di apertura, sono state tratte dal seguente sito: http://www.arte.it/calendario-arte/napoli/mostra-chagall-sogno-d-amore-57373

di Marianna Carotenuto

Il Leone Alato, conosciuto anche come Leone di San Marco o Leone Marciano è il secolare simbolo di Venezia, nonché della regione Veneto e di numerosi enti ed amministrazioni. Il leone è la rappresentazione simbolica di San Marco Evangelista, ed è generalmente rappresentato con un libro tra le zampe.
Il libro, erroneamente associato al Vangelo, generalmente aperto, reca la scritta «PAX TIBI MARCE EVANGELISTA MEVS», parole che secondo un’antichissima tradizione veneziana, un angelo con le sembianze di un leone avrebbe rivolto a San Marco, naufrago nelle lagune veneziane. «Pax tibi Marce, evangelista meus. Hic requiescet corpus tuum» (Pace a te, Marco, mio evangelista. Qui riposerà il tuo corpo), gli avrebbe detto, preannunciandogli che il suo corpo avrebbe trovato riposo e venerazione in quelle terre.
La figura del Leone compare anche nell’iconografia cristiana. Si fa riferimento al carro di Dio descritto dal profeta Ezechiele (Ez 1, 4-10), che viene trasportato da quattro misteriosi esseri tetramorfi. San Giovanni, nel libro dell’Apocalisse, riprende questa visione del profeta. Il leone è infatti uno dei quattro esseri viventi descritti nel libro come posti attorno al trono dell'Onnipotente, intenti a cantarne le lodi, scelti come simboli dei quattro evangelisti. 
Questo animale simboleggia la forza della parola dell'Evangelista, le ali raffigurano l'elevazione spirituale, mentre l'aureola è il tradizionale simbolo cristiano della santità.
Esso inoltre esprime anche il significato di maestà e potenza; il libro esprime i concetti di sapienza e di pace e l'aureola conferisce un'immagine di pietà religiosa. Alla spada, con cui a volte viene rappresentato il leone, oltre al significato di forza, è affidato anche il simbolo di giustizia; caratteri con cui Venezia amava pensare e descrivere sé stessa: maestà, pace, forza militare, potenza, saggezza, giustizia e pietà religiosa.
 
Il Leone di San Marco è stato raffigurato da tantissimi artisti e in altrettanti diversi modi e posizioni, classificabili in 3 macro categorie:
Leone andante : è possibile vedere per intero il corpo del leone di profilo, appoggiato su tre zampe mentre l'anteriore destra è poggiata sul libro: tipica raffigurazione presentata nelle bandiere e nelle grandi statue, dove vi era abbondanza di spazio per riportare la rappresentazione completa.

Leone rampante : Di profilo e dritto sulle zampe posteriori e con le zampe anteriori regge il libro e la spada.

Leone in moléca : Il leone è accovacciato e posizionato frontalmente con le ali spiegate a ventaglio assumendo un aspetto simile al granchio con le chele aperte (e in veneziano moléca è il nome dei piccoli granchi in periodo di muta). È una versione molto usata su spazi ridotti, per la semplicità e la compattezza grafica, soprattutto su monete, sigilli, stemmi e bassorilievi stiacciati. 

​Passeggiando per Venezia dove è possibile ammirare le sculture leonine?
Senza dubbio recandosi in Piazza San Marco, volgendo lo sguardo verso l’alto della Basilica di San Marco, è possibile ammirare la bellissima rappresentazione del leone dorato sulla sommità del frontone, proprio sotto la statua del Santo.

​Spostandosi verso il molo,  svetta dal lato di Palazzo Ducale una colonna che regge la scultura bronzea del Leone Alato più famoso di Venezia.
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​Tra la Basilica di San Marco ed il Palazzo Ducale c'è uno dei due ingressi del Palazzo stesso, una maestosa Porta di accesso, Porta della Carta,  al cui centro c’è  il Leone di San Marco con, inginocchiato davanti a lui, il Doge Foscari.

Numerose sono anche le rappresentazioni del Leon in Moeca come si vede nel Bando del Pane, nel quale vengono enunciati i posti nei quali non era possibile fare commercio di pane se non dopo aver pagato i dovuti dazi allo stato. Questa rappresentazione in tondo, con la faccia del Leone ben in primo piano e le ali aperte dietro a completamento della forma circolare, veniva adoperata su ogni forma di proprietà dello Stato Veneziano durante le sua millenaria esistenza, e ancora oggi è adoperato sulla carta da lettere del Comune di Venezia e sulle divise dei Vigili Urbani.

Tante altre rappresentazioni leonine ti aspettano a Venezia. Tu le hai già viste tutte? Faccelo sapere!
 

  Immagini tratte da:
- Wikipedia
- dipoco.altervista.org
- www.arte2000.it

​Il Comune di Urbino, con il contributo della Regione Marche e del Comitato nazionale per la celebrazione dei 500 anni dalla morte di Raffaello Sanzio, dedica una importante mostra monografica a Raffaellino del Colle, pittore colto, che elaborò una delle più originali ed autentiche espressioni del manierismo fuori Firenze.
 
L’esposizione “Da Raffaello. Raffaellino del Colle”, a cura di Vittorio Sgarbi, ospitata dal 17 maggio al 13 ottobre a Palazzo Ducale - Sale del Castellare, fa da apripista alle celebrazioni urbinati del 2020 per il quinto centenario della morte di Raffaello Sanzio (1483 - 1520), del quale Raffaellino (1494/97 - 1566) fu uno dei più fedeli e intelligenti seguaci.
Sarà questo l’evento di apertura del nuovo ciclo di mostre diffuse tra Urbino, Fano e Pesaro in programma tra primavera ed estate, dal titolo “Mostre per Leonardo e per Raffaello”, nell’ambito delle celebrazioni promosse dal MIBAC per i 500 anni dalla morte di Leonardo da Vinci nel 2019 e di Raffaello Sanzio nel 2020.
 
“Il sostegno della Regione Marche a questo importante progetto - spiega il presidente Luca Ceriscioli - si lega non solo alle celebrazioni di artisti di straordinario valore come Raffaello e Leonardo che hanno segnato la storia artistica e culturale della nostra regione, ma intende favorire la costituzione e l'affermazione dell’identità del territorio anche attraverso la promozione di forme di collaborazione inter-istituzionale funzionali alla valorizzazione dei beni culturali”. Continua l’assessore Moreno Pieroni “la promozione della cultura e del turismo si rafforza con lo sviluppo policentrico del territorio, trasformando il patrimonio culturale e gli eventi espositivi in un volano per lo sviluppo turistico”.
 
La mostra di Urbino intende ripercorrere l’attività del maestro biturgense discepolo del “divin pittore” che, pur essendo stato largamente attivo nelle Marche, necessita ad oggi di una rivalutazione storica e di una maggiore divulgazione. Per la prima volta si potranno ammirare riunite alcune delle sue opere più significative provenienti da chiese e musei di Roma, Cagli, Mercatello sul Metauro, Perugia, Piobbico, Sansepolcro, Sant’Angelo in Vado, Urbania, Urbino.
Il percorso sarà introdotto da due opere di Raffaello custodite nella raccolta dell’Accademia Nazionale di San Luca a Roma: una tavoletta, pressoché inedita, con la Madonna con il Bambino e l’affresco staccato con Putto reggifestone.
 
In estate apriranno le esposizioni a Fano, che celebra Leonardo riscoprendo il legame con Vitruvio con la mostra, a cura di Guido Beltramini, Francesca Borgo e Paolo Clini, “Leonardo e Vitruvio. Alla ricerca dell'armonia. I leggendari disegni del Codice Atlantico” al Museo Archeologico e Pinacoteca del Palazzo Malatestiano, Sala Morganti dall’11 luglio, e a Pesaro dove l’artista Agostino Iacurci sperimenterà una visione contemporanea del De Architectura di Vitruvio con un progetto originale. Dal 13 luglio, a Palazzo Mosca – Musei Civici, “Agostino Iacurci Tracing Vitruvio. Viaggio onirico tra le pagine del De architectura”, a cura di Marcello Smarrelli. Tutte le mostre saranno visitabili fino al 13 ottobre.

SCHEDA TECNICA
 
Inaugurazione giovedì 16 maggio h 15
 
ORARI
Da maggio a settembre da martedì a domenica e festivi h 10-13 / 15-19
Ottobre da martedì a giovedì h 10-13, da venerdì a domenica e festivi h 10-13 / 15-18
Visite guidate individuali ogni sabato, domenica e festivi h 11 e 17, € 3
Visite guidate ed attività didattiche, gruppi e scuole T (+39) 329 464 4309
 
BIGLIETTI (fino al 12 luglio)
Intero € 7
Ridotto A € 5 (gruppi min. 15 persone, studenti universitari, convenzioni)
Ridotto B € 3 (da 6 a 18 anni)
Ingresso libero (fino a 5 anni, soci ICOM, giornalisti accreditati, disabili e accompagnatore)
 
INFO
www.mostreleonardoraffaello.it | urbino@sistemamuseo.it | T (+39) 0721 387 541
 
UFFICIO STAMPA
Alessandra Zanchi M 328 2128748 press.zanchi@gmail.com / info@presszanchi.com
Sara Stangoni T 075 5738105 ufficiostampa@sistemamuseo.it
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“Ma a te… te piace o’presepe?” è ciò che chiede, nella famosissima commedia teatrale napoletana “Natale in casa Cupiello”, Luca Cupiello, impersonato da Eduardo De Filippo, al figlio Tommasino, per avere un parere sul presepe artigianale da lui realizzato, il quale gli risponde con un secco “No, nun me piace! Voglio ‘a zuppa e latte!”: ed è in questa domanda che è racchiusa una delle più floride e durature tradizioni napoletane, l’arte presepiale, attiva nella città partenopea dall’XI secolo e mantenutasi pressoché inalterata nel tempo.
 
Ma cos’è, nello specifico, il presepe? Con questo termine si intende la Natività, composta da Maria, San Giuseppe e Gesù Bambino, e più nello specifico la mangiatoia (dal latino praesepium, che significa, appunto, mangiatoia) ove Gesù Bambino, come da tradizione, è collocato, e se ne fa una prima menzione nei Vangeli di Luca e Matteo: ma sarà con San Francesco d’Assisi che si arriverà ad una concezione piuttosto moderna del presepe, esso infatti, di ritorno da Betlemme, rimase talmente colpito dalle funzioni attuate per rappresentare la nascita di Gesù che chiese a Papa Onorio III di poter realizzare quelle rappresentazioni per il prossimo Natale, e fu così che, in occasione del Natale del 1223, fu messo in scena il primo presepe vivente della storia.
Arrivando alla rappresentazione figurata del presepe, la prima in assoluto fu realizzata nel 1283 ad opera di Arnolfo di Cambio, con statuine in legno raffiguranti la Natività e i Re Magi, e si trova conservata tuttora nella Basilica di Santa Maria Maggiore a Roma: da quel momento in poi l’abitudine di realizzare presepi prese piede un po’ ovunque, ma in particolar modo nel Regno di Napoli, a partire dal ‘500, secolo in cui visse Gaetano di Thiene, il quale ammise all’interno del presepe anche i personaggi secondari, nel ‘600, in cui nacquero i primi “figurinai”, ossia artigiani dediti esclusivamente alla realizzazione di statue per i presepi e con una schiera di sarti al loro seguito che avevano il compito di cucire con ogni dettaglio possibile gli abiti per i vari personaggi, ma fu nel ‘700 che l’arte presepiale a Napoli registrò il picco massimo di sviluppo, più precisamente sotto il regno di Carlo di Borbone, il quale fu affiancato dal padre domenicano Gregorio Maria Rocco che sfruttò la scia di diffusione dei presepi in città per rieducare e riavvicinare il popolo alla religione, ed è per questo che da allora iniziarono a comparire, sui presepi, statuine raffiguranti popolane, venditori ambulanti, mendicanti ecc.
Una leggenda popolare vuole che il re Carlo di Borbone, ogni qualvolta incontrasse il frate domenicano, era solito domandargli “Padre Rocco, commo jammo a presepi?”.

La realizzazione del presepe, a Napoli, è ormai una tradizione ben radicata, e costituisce un vero e proprio culto: in città è famosa, infatti, la cosiddetta “Via dei Presepi” a San Gregorio Armeno, nel cuore del centro storico, lungo la quale sono collocate le numerose botteghe impegnate, in ogni giorno dell’anno, nella produzione di numerosi presepi e statuine, i primi realizzati per lo più in sughero con aggiunta di materiale ligneo per le varie strutture, le seconde in legno o in terracotta e rappresentano, oltre che le varie figure di rito della Natività, anche personaggi del mondo dello spettacolo, del cinema, dello sport, del web ecc.

Nel Novecento, poi, la massiccia emigrazione verso Nord e altre parti del mondo fece sì che l’arte presepiale si diffondesse a macchia di leopardo oltre i confini napoletani, dove si svilupperanno poi diverse correnti: oggi la figura del presepe, a causa del consumismo imperante che lo vede sopravvivere a fatica alla pagana figura dell’albero di Natale, diffusosi e accettato nel mondo cattolico a partire dall’800, resta una tradizione che ha a Napoli le sue origini e le sue tradizioni più radicate e che non può non essere ammirato da ogni angolo del mondo. 

Alcune informazioni per la stesura dell’articolo le ho tratte dal seguente sito: http://www.napolitoday.it/cultura/presepe-napoletano-origini-significato-personaggi.html

Immagini tratte da:                      
L’immagine del presepe napoletano: https://napolipiu.com/presepe-napoletano-tra-hitler-e-escobar
L’immagine delle statuine: https://www.pianetadonna.it/notizie/attualita/presepe-napoletano-personaggi-come-si-chiamano-significato.html
L’immagine di San Gregorio Armeno: https://www.vesuviolive.it/ultime-notizie/172484-presepe-natale-2016-comprare-san-gregorio-armeno/

Giovane illustratore e grafico, Eugenio Bucci è un artista a tutto tondo, che pone al centro della propria quotidianità il disegno e la pittura, senza mai rinunciare alla musica, che suona e soprattutto scrive. Un suo sogno? Quello di riuscire a integrare l’illustrazione con la grafica, unire la propria sfera artistica con l’ambito professionale. Per questo motivo, nel postare i suoi disegni, sempre accompagnati da didascalie in versi, sulle pagine social da lui curate riduce al minimo indispensabile l’intervento digitale.  La carta, infatti, rimane il suo supporto prediletto, con la cui grana l’acquerello si sposa perfettamente. Nel suo studio, circondati dalle sue chitarre e dai suoi lavori, non tutti ancora incorniciati, Eugenio mi mostra le sue opere più recenti e una ancora in corso…

Da un primo sguardo ai tuoi disegni, emergono isolate figure umane, o dai tratti mostruosi e surreali, curate nei singoli dettagli, spesso tracciate in un elegante bianco e nero, e immerse poi in un groviglio inestricabile di colorati elementi naturali, vegetali e zoomorfi, estremamente realistici. Un’eco simbolista le pervade vagamente.
Sì, non amo riprodurre la figura umana nella sua interezza, al di là della scelta del soggetto maschile o femminile. Preferisco soffermarmi sul singolo dettaglio, le mani, per esempio, per le quali ho quasi una mania, mi piacciono le forme che assumono, così anche per le foglie, il cui accartocciarsi ricorda molto la mano. Sono entrambe forme riducibili, trasformabili, vi si possono trovare delle combinazioni di linee che vanno anche oltre quelle di un volto umano. Oppure mi concentro sul panneggio, che può essere inteso come oggetto a sé stante di ricerca pittorica, capace di mutare di significato non appena si pone sotto una luce diversa. L’umanità mi interessa poco, in realtà. La componente animale è sempre quella molto più presente e più forte: l’umano rientra nelle composizioni, ma appare isolato, relegato e sconfitto. 

Sembra di rileggervi delle mitologiche metamorfosi, come quelle del poeta latino Ovidio…
Si tratta di una mia reinterpretazione di “Leda e il cigno”: una loro fusione. Le ali del cigno sembrano appartenere alla donna, mentre l’animale si nasconde dietro di lei. Entrambi i corpi sono avvolti da un prezioso panneggio ondoso che allude all’ambientazione di uno stagno. Mi piaceva semplicemente riprendere gli elementi di quel celebre mito, per trasporli in una composizione che fosse lontana dall’iconografia classica.
Da dove trai ispirazione per i soggetti delle tue opere?
Innanzitutto, rifuggo temi e immagini in linea con tutto ciò che abbia intenzione di fare critica sociale. Non amo i riferimenti alla nostra contemporaneità, troppo frenetica e in continua evoluzione. Preferisco un linguaggio che sia universale e rinnovabile nel tempo, che non invecchi mai. I paesaggi che ho incontrato nei miei viaggi in Europa mi hanno spinto a dipingere, tra l’altro in circostanze meno comode di quelle a cui sono abituato in studio. Sono acquerelli dipinti al volo, su di una panchina di fronte al fiume di Francoforte o dalla finestra del mio ostello a Siviglia, sottostando alla rapidità con la quale mutano le condizioni di luce all’aperto, e con loro i colori. Poi, c’è stato un periodo in cui ho cominciato a fare una serie di sogni che ho tradotto visivamente attraverso la pittura. Così è nata “La marea della notte”, in cui a dominare doveva essere la composizione - che è l’elemento che mi interessa di più - in modo che catturasse a colpo d’occhio. Da un sogno dipinto è nata anche una canzone.  

​Musica e arte: quale rapporto? Chi influenza l’altra?
Prima cercavo di trasformare i testi delle canzoni che scrivo in immagini, ma poi ho capito che non era una via adeguata. Disegno ascoltando la musica che amo, perché per farlo ho bisogno di un’atmosfera. La musica comunque è qualcosa di molto più meccanico, è diverso il rapporto che si ha con lo strumento da quello con il pennello. Lo strumento musicale è più personale, ogni chitarra ha la sua voce e l’approccio è più “animalesco”. Per disegnare, invece, occorre tempo, la musica dà un risultato immediato, che può piacere o non piacere ma segue una pista già tracciata sulla quale muoversi. Al contrario, ho provato a tradurre un mio disegno in musica, ma il risultato è stato forse difficile da condividere e da far comprendere al pubblico. Sono molto autocritico e selettivo nel mio lavoro, perché sento come voglio che venga una cosa, se non la ottengo in quel modo, capisco che c’è qualcosa che non va.
La modestia è una delle prime caratteristiche che colpiscono di te! Ma, tornando un passo indietro, quando hai “scoperto” il tuo innato talento artistico e come lo hai coltivato? Oltre alla laurea in Scienze della Comunicazione, conseguita all’Università di Pisa, hai frequentato studi e corsi d’arte?
La mia è una formazione essenzialmente da autodidatta, empirica. Ho sempre disegnato, fin da bambino, vedendo che gli altri apprezzavano quello che facevo. A scuola disegnavo per passare il tempo. Ho fatto tanta pratica, che mi ha portato a ottenere i risultati di oggi, di cui posso dirmi abbastanza soddisfatto. Quando sento di aver raggiunto un obiettivo lo abbandono per passare a sperimentare altro. Ho studiato l’opera di tantissimi pittori e illustratori, per cercare ciò che maggiormente si avvicinava alla mia idea, ma senza mai copiarne lo stile, tentando piuttosto di fonderlo con il mio. Mi piacerebbe integrare tutte le mie passioni: arte visiva, musica e letteratura, creare qualcosa che racconti una storia sotto varie forme. Il mio lavoro di grafico ha molto a che fare con i miei studi, ma il mio stile personale rimane – per ora – qualcosa di nicchia nelle commissioni che ricevo. Il settore editoriale è quello che più si avvicina a questo mio sogno. Recentemente, ho realizzato l’illustrazione della copertina di un e-book, edito da Maggioli Editore. 
Vi sono alcuni modelli o artisti del passato ai quali fai riferimento in particolare?
Mi hanno influenzato molto Alfons Mucha e la cartellonistica, nel contornare e rilevare sul foglio elementi isolati. Amo moltissimo la pittura di Velázquez e di Goya, mentre odio Dalí. Con Picasso ho un rapporto un po’ controverso. Mi piace Kandinskij e il suo approdare all’astrattismo, ma non necessariamente lo stile di queste grandi personalità è vicino ai miei lavori.
E per quanto riguarda il contemporaneo, rispetto ai tuoi colleghi?
Rimango sempre aggiornato. Conosco diversi pittori, grazie soprattutto ai numerosi eventi ai quali ho partecipato, ai live painting, alle mostre collettive e personali. E’ però soprattutto durante le performance, dove pesa molto anche la dimensione fisica oltre a quella mentale, che si riesce a entrare nel vivo del rapporto tra pittori, altrimenti piuttosto “isolazionisti”, poco accoglienti: è difficile entrare nella sfera artistica altrui, anche solo per un confronto, per uno scambio di opinioni sulla propria opera.
A questo proposito, da un punto di vista più tecnico, qual è il processo creativo di una tua illustrazione?
Di solito non faccio schizzi preparatori, creo una base a matita, un disegno che di per sé è già molto preciso, che poi ripasso con penne a china di 0,5 mm per i vari piani, fino al dettaglio, per il quale ho molta cura, sfociando spesso nel puntinismo o nel tratteggio, ottenendo un effetto più sfumato. Ottenuta la traccia, inizio a dipingere ad acquerello oppure mescolando l’acquerello all’acrilico, che ha quel qualcosa di pastoso e materico che preferisco, tangibile e denso sul supporto cartaceo. La tela la utilizzo di rado, è stata uno strumento per trovare una via che fosse mia, magari ci tornerò in seguito. La mia tavolozza esclude quasi completamente il bianco, che trovo troppo innaturale, preferisco mescolarlo all’avorio, molto più dolce, come ho fatto di recente per “Famiglia”. 

Se dovessi definire le tue opere in una parola?
Esperienziali. Oggi non voglio più soffermarmi su lavori che sono puri vezzi stilistici, come facevo in passato, né produrre necessariamente grandi numeri di opere, perché non sono le quantità a fare la qualità di un artista. Voglio dipingere qualcosa di più personale, che abbia una motivazione, una riflessione o un evento scatenante alle spalle. Attraverso la pittura sto capendo come sono fatto, ha contribuito a darmi una linea. La pittura riesce a dare un ordine alle cose, a conciliare aspetti, colori e forme, senza lasciare niente al caso. Farmi domande e darmi delle risposte mi ha dato consapevolezza, mi ha reso autocritico, riesco a capire quali sono le cose che vanno o no, sia in pittura che per me stesso. Nel tempo, scoprendo qualcos’altro di me, cambierà di conseguenza il mio stile. La mia pittura è un percorso soprattutto interiore. 

​Eugenio Bucci nel web:

• https://eubucci89.wixsite.com
• https://www.facebook.com/eugeniobu/ 

  
Immagini gentilmente concesse dall’artista

Il nostro viaggio per Pompei continua; siamo nei pressi dell’Anfiteatro (abbiamo già visto una struttura simile, sebbene di dimensioni nettamente superiori a Roma, con il Colosseo) e ci spingiamo a curiosare in un grande edificio protetto sui quattro lati da un alto muro di cinta. Sbirciando da una delle tre porte monumentali che si affacciano sull’anfiteatro scorgiamo un vasto cortile con ragazzi intenti a tenersi in forma. Si tratta dalle Palestra Grande, voluta da Augusto in persona (27 a.C. – 14 d.C.) con spesa pubblica: qui la gioventù equestre e senatoria della città trova un posto dove incontrarsi, allenarsi e, ovviamente, venerare Augusto nell’area sacra che si apre sul lato ovest. 

La palestra appare come un grande rettangolo (141x107 metri), dotato di ben dieci porte, con porticato interno su tre lati: le colonne ad una prima occhiata sembrano di marmo, decorate con scanalature, ma avvicinandoci notiamo che in realtà si tratta di malta, un vecchio trucco molto diffuso in questo periodo; i capitelli presentano invece foglie d’acanto e volute sugli angoli.
Il quarto lato del rettangolo è occupato da grandi platani che offrono un po’ di ombra agli atleti. Al centro di tutta la struttura alcuni giovani si divertono in piscina: una piscina (34x22 metri) molto simile alle nostre, con il fondo in pendenza in modo da raggiungere una profondità massima di 2,60 metri.
Non manca neppure la latrina, che si trova però all’esterno dell’edificio, addossata al muro meridionale. 

Prima di uscire vediamo un ragazzo intento a fissare una colonna: che il troppo sole gli abbia dato alla testa? No, sta leggendo una serie di parole inscritte in un quadrato, quello che oggi definiamo “quadrato magico”, la cui particolarità risiede nel fatto che la medesima frase si ripete diverse volte a seconda del punto da cui si inizia a leggere. L’ipotesi più suggestiva suggerisce una lettura in chiave cristiana, ma forse si tratta solo di un gioco di parole volto a divertire i lettori.
Il terremoto del 62 d.C. danneggerà la struttura, per la quale partiranno lavori di restauro che non vedranno però termine a causa della terribile eruzione del 79 d.C.​.

Immagini tratte da: 
Planimetria, da Nappo, S. C., Pompei - Guida alla città sepolta, Edizioni White Star, Vercelli, 1998 
Veduta piscina e anfiteatro, da Wikimedia Commons, By Cavaliere Nero - Own work, CC BY-SA 4.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=73102530
Veduta dal porticato, da Wikimedia Commons, By User:Yoruno (self) - http://it.wikipedia.org/wiki/Immagine:Pompei.PalestraGrande.jpg (self), CC BY-SA 2.5, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=1616812
Sator, da https://www.archart.it/

di Ilaria Ceragioli

Jessie Boswell, Luigi Chessa, Nicola Galante, Carlo Levi, Francesco Menzio ed Enrico Paulucci sono i sei pittori che costituirono quel sodalizio artistico che passò alla storia col nome  “I sei di Torino”.
La formazione del gruppo si colloca intorno al 1928, a Torino, presso la scuola privata di Felice Casorati; favorita da critici d’arte come Edoardo Persico e Lionello Venturi, fu sostenuta economicamente dal collezionista Riccardo Gualino.
La loro è una pittura che si oppone a quella falsa classicità e monumentalità caratterizzanti la produzione artistica legata al regime fascista, più precisamente, a Novecento. Novecento fu un movimento artistico messo a punto nel 1922 a Milano da Margherita Sarfatti, critica d’arte e amante di Mussolini. Si trattava di un’arte che mirava alla precisione e alla decisione del segno, alla plasticità di cose e figure e che allontanava dalla pittura tutto ciò che fosse oscuro, eccessivo e “straniero”.
Le opere create dal gruppo I sei di Torino, invece, guardavano alla pittura di Cézanne, Matisse, i Macchiaioli, Manet. Personalità diverse tra loro, ma con un obiettivo comune, dunque, elaborarono una pittura incentrata esclusivamente sul colore, non più sul disegno e sul volume. Una pittura che attraverso la forza del colore intendeva rifiutare e denunciare gli aspetti propri dell’arte fascista.
Figura di spicco del gruppo fu Carlo Levi, celebre pittore e scrittore (scrisse il celebre romanzo Cristo si è fermato a Eboli). Noto fu anche il suo impegno politico antifascista.
Di Carlo Levi ricordiamo l’opera Aria del 1929.

Si tratta di un olio su tela conservato al GAM di Torino che venne esposto per la prima volta in occasione della “III Mostra dei Sei” presso la Galleria Bardi a Milano. Nella tela centrali sono la luminosità cromatica e la pittura en plein air che, chiaramente, rimandano alla lezione appresa dalle opere di Seurat.
Una pittura raffinata che, al contempo, rivela inquietudini e malinconie è quella di Francesco Menzio. In essa, forte fu l’influenza di Matisse e, successivamente, di Modigliani.
Celebre è il Ritratto d’uomo del 1929, oggi appartenente alla Collezione Iannaccone.

Reduce da un viaggio a Parigi nel 1928, anche Enrico Paulucci si appassionò ben presto all’arte impressionista.
L’assenza di un disegno preparatorio e della precisione del segno, ad esempio, caratterizzano il Paesaggio con alberi e casa (1929).

Il medesimo tema, un paesaggio alberato, si ritrova anche nell’opera Paese per la casetta (1929) di Nicola Galante. Qui, però, il soggetto è la sua città natale, Vasto, un paesino in provincia di Chieti.

Tuttavia, il gruppo non diventò un movimento in quanto non fu mai dotato di una propria autocoscienza; si sciolse definitivamente nel 1935, anno in cui si ricorda anche la morte di Luigi Chessa.
Dopo l’osservazione di alcuni dei più noti capolavori di questi artisti e intellettuali, dunque, risulta limpida ed inequivocabile la loro volontà di aprirsi alle esperienze artistiche internazionali rinnegando l’arte di stampo fascista che, invece, rifiutava aspramente ogni influenza straniera. I Sei di Torino crearono così una pittura antieroica fondata sul colore e, soprattutto, sulla libertà.
 
Immagini tratte da:
www.gamtorino.it
www.collezionegiuseppeiannaccone.it
www.collezionegiuseppeiannaccone.it
www.bing.com
www.collezionegiuseppeiannaccone.it

In questo nuovo articolo voglio rivolgere le mie attenzioni ad un dipinto, in particolare l’ultimo, di Michelangelo Merisi detto il Caravaggio, ossia “Il martirio di Sant’Orsola”: commissionato a Napoli dal banchiere genovese Marcantonio Doria (la cui famiglia aveva come protettrice proprio Sant’Orsola) e oggi conservato presso il palazzo Zevallos-Stigliano sempre a Napoli, fu realizzato dall’artista lombardo nel 1610, poco prima di morire.
Questo è un dipinto molto particolare, in cui il Caravaggio, che era solito rappresentare nelle sue opere la scena principale avvolta da fasci di luce (la luce divina), si discosta dalla tradizione rendendo lo scenario estremamente buio, crudo e realistico, il che potrebbe fungere da specchio del travagliato periodo che stava attraversando l’artista nell’ultima fase della sua vita.
La scena è ambientata nella tenda del tiranno Attila, raffigurato in primo piano sulla sinistra e con abiti secenteschi, il quale, vedendosi più volte rifiutato dalla santa, la trafigge con una freccia, anche se, a giudicare dall’espressione del viso, sembra essersi già pentito del gesto appena compiuto, come a dire “ Cos’ho fatto?”; in primo piano, sul centro-destra, Sant’Orsola, raffigurata pallida in viso ad indicare la morte imminente e nel gesto di ritrarre indietro il petto, come se volesse osservare l’oggetto che l’aveva appena trafitta, rendersi conto del gesto appena compiuto dal tiranno; dietro di lei, a sorreggerla, tre cavalieri, anch’essi rappresentati in abiti moderni e con lo sguardo stupito, quasi come se non volessero credere a ciò che il loro capo aveva appena compiuto (tra essi è presente lo stesso Caravaggio, che si è autoritratto in una smorfia di dolore).

Ma ciò che maggiormente colpisce di quest’opera è un cosiddetto “pentimento”, venuto fuori a seguito di un restauro eseguito nel 2005 e che raffigura una mano, collocata tra le figure di Attila e Sant’Orsola quasi come se si fosse intromessa nella scena per provare a fermare il gesto del tiranno: ma a chi appartiene questa mano?
Tante sono le ipotesi messe in ballo dagli studiosi, c’è chi pensa appartenga allo stesso Caravaggio, il quale avrebbe voluto personalmente sventare l’esecuzione, c’è chi invece pensa si tratti dell’intervento divino, giunto ormai troppo tardi per impedire che la freccia trafiggesse la santa, e c’è invece chi semplicemente pensa si sia trattato di un errore di raffigurazione da parte dell’artista, un ripensamento o comunque un qualcosa privo di un significato reale, e che l’artista ha accuratamente pensato di “rimuovere” proprio perché non utile, nella sua mente, ai fini della realizzazione dell’opera e allo svolgimento dell’azione.

Immagini tratte da:

L’immagine del particolare della mano è stata tratta dal seguente sito: http://senzadedica.blogspot.com/2013/02/il-martirio-di-santorsola-di-caravaggio_8.html
 
Tutte le altre immagini sono state tratte dal seguente sito:
​https://www.arteworld.it/martirio-di-sant-orsola-caravaggio-analisi/

di Andrea Samueli

Oh no! Proprio all’ultimo morso, il boccone di pane con il garum è caduto sulla nostra tunica…ed ora? Bhe, niente di cui preoccuparsi: basta fare un salto in una delle numerose fullonicae (lavanderie) sparse per la città. Un salto a casa per cambiarci e si parte.
All’ingresso, dalla stanza in cui sono riposti gli abiti puliti, il proprietario è intento a discutere con alcuni clienti. Noi ne approfittiamo per vedere come funziona questa attività: la lavanderia è ricavata da una domus, lo capiamo dalla disposizione degli ambienti e dal largo atrio con apertura sul tetto (compluvium) per far entrare luce e acqua piovana. Al centro, al posto della solita piscina (impluvium), vi è però una vasca, utilizzata per il lavaggio dei capi. Proseguendo, nella zona del peristilio, giungiamo nel cuore dell’edificio: un ambiente con tre grandi vasche comunicanti su livelli differenti. Qui gli schiavi stanno lavando e risciacquando dal sapone gli indumenti e man mano che ci avviciniamo alla fontana l’acqua diventa più pulita; ma ciò che ci colpisce è un odore acre provenire dai lati della stanza, dove altri schiavi premono con i piedi in piccole vasche (cinque per l’esattezza) ricolme di acqua e urina (o altre sostanze alcaline, come la soda): si tratta del primo passaggio di lavaggio, per eliminare le sostanze grasse dai tessuti; al termine dei risciacqui i panni saranno puliti e profumati.

Gli schiavi ci hanno a malapena guardati, intenti come sono nel loro lavoro: deve essere un lavoro sfiancante, soprattutto se pensiamo che viene ripetuto per molte ore al giorno. Una stretta scala porta al tetto ed è così che ci accorgiamo che l’edificio ha, sopra l’atrio e il peristilio, coperture piatte (in genere sono a falde) per stendere i vestiti appena lavati; alcuni sono addirittura affumicati con lo zolfo per candeggiarli.
E per stirare? Vicino all’ingresso c’è uno schiavo alle prese con una grande pressa nella quale ripone gli indumenti una volta piegati.
Il proprietario non si è accorto del nostro girovagare e nel frattempo si è liberato. Prende in consegna la nostra tunica e ci invita a tornare in serata apostrofandoci con la sua pubblicità “Da Stephanus, la miglior lavanderia di Pompei”. ​

​Immagini tratte da:
Affresco fullonica, da Wikipedia Italia, Di WolfgangRieger - Filippo Coarelli (ed.): Pompeji. Hirmer, München 2002, ISBN 3-7774-9530-1, p. 136, Pubblico dominio, voce "Fullo"
Vasca nell'atrio, da http://pompeiisites.org/sito_archeologico/fullonica-di-stephanus/#&gid=1&pid=1
Vasche, da Wikimedia Commons, By Miguel Hermoso Cuesta - Own work, CC BY-SA 4.0, File:Fullonica Stephanus Pompeya 09.jpg
Pressa a vite per i panni, da Wikipedia Italia, Di WolfgangRieger - Filippo Coarelli (ed.): Pompeji. Hirmer, München 2002, ISBN 3-7774-9530-1, p. 136, Pubblico dominio, voce "Fullo" 

di Ilaria Ceragioli

La tela oggi conservata a Roma presso la Galleria Nazionale d’Arte moderna si configura come un vero e proprio grido popolare di opposizione ai regimi totalitari e alle atrocità che ne conseguono.
Nel pieno dello svolgimento del secondo conflitto mondiale, dunque, vedremo come Guttuso decise rappresentare il suo disgusto e la sua disapprovazione agli orrori generati della guerra.
Attraverso l’analisi dell’opera e della sua creazione noteremo come ogni singolo elemento trova la sua ragion d’essere, una sua giustificata presenza all’interno del quadro.
Innanzitutto, l’artista si avvalse di un tema sacro: la crocifissione di Cristo per l’appunto.
L’intento di Guttuso non fu quello di raffigurare Cristo che muore per i peccati di ogni giorno, bensì simboleggiare tutti gli uomini che ogni giorno soffrono e vengono puniti per le loro idee.
Ci troviamo così dinanzi ad un’opera che vuole essere una tragedia corale, un dramma che coinvolge e sconvolge ciascun individuo.
In un primo momento Guttuso pensò di inserire la scena in un interno, in una stanza, come farà Francis Bacon per la sua Crocifissione (1965).

In seguito, però, decise di collocarla all’aperto come nella tradizione biblica.
Il paesaggio aspro e montuoso ricorda Bagheria, la sua città natale e sullo sfondo compaiono delle rovine.
In primo piano, alla nostra destra, Guttuso ha inserito su un tavolo una natura morta piuttosto insolita, ma non casuale: oltre a qualche bottiglia ed una ciotola, infatti, compaiono forbici, chiodi ed un martello che, inevitabilmente, ci riconducono a quei corpi appena massacrati e torturati.
Osservando la tela, non si può fare a meno di notare un dettaglio inedito che va a caratterizzare la figura di Cristo: il suo volto nascosto dal corpo di uno dei due ladroni.

Il pittore siciliano affermò di  averlo celato perché ciò che per lui era importante non era raffigurare Cristo, ma un comune uomo torturato.
Un altro particolare interessante riguarda ancora Cristo e i due ladroni: i pugni chiusi.

Si tratta, infatti, di un espediente che Guttuso utilizzò per manifestare il suo dissenso culturale e politico.
Ancora in primo piano, ma alla nostra sinistra, vi è un cavallo bianco dal collo torto che, immediatamente, rimanda a quello presente nella celeberrima Guernica di Picasso.

Affianco allo stesso cavallo si scorge un uomo che mostra dei dadi e che nell’immaginario dell’artista avrebbe rappresentato proprio Adolf Hitler.

Guttuso, di fatto, rivelò ad alcuni amici di aver aggiunto e tolto più volte dei baffi neri e di aver scelto di eliminarli definitivamente per evitare terribili ripercussioni personali.
L’angoscia e l’esasperazione dell’artista si manifestano in questo affollarsi di figure, nei colori impetuosi e violenti e nei movimenti diagonali e divergenti. La scena è così travolta da una forte carica espressiva.
Come possiamo intuire, però, l’opera suscitò feroci e avverse reazioni presso la critica.
I giudizi più aspri furono mossi dalla stampa cattolica e dalla censura ecclesiastica che considerarono il quadro fortemente scandaloso data la nudità dei personaggi, in particolar modo della Maddalena.

Un attacco a cui l’artista palermitano si difese affermando che  il corpo spoglio di quest’ultima fosse tutt’altro che sensuale e che, per quanto riguardava gli altri, si trattava di uomini che non erano né antichi, né moderni, perciò, vestirli li avrebbe resi banali o volgari. Guttuso trovò così opportuno sottrarli da ogni collocazione temporale.
Per il Regime Fascista si trattò di una bislacca crocifissione e Marziano Bernardi su La Stampa la definì  “monstrum”, un’opera in cui in cui tutto stride, dalla forma e dal colore. Una tela in cui l’artista aveva commesso un grave errore, ossia capovolgere il tema passando dal divino all’umano.
Tuttavia, nonostante le contestazioni iniziali, l’opera godette ben presto di una meritata approvazione.
Immensa, dunque, è l’ ammirazione che si nutre osservando il coraggio di Renato Guttuso che con sapienza, audacia e profondità d’animo decise di mettere al bando quella violenza e quelle atrocità che tutt’oggi ricordiamo con forte turbamento.
 
 
Immagini tratte da:
www.news-art.it
Wikipedia, pubblico dominio, voce: Francis Bacon
www.artemagazine.it
 

05/12/2018 - 05/05/2019

Al Museo Ebraico di Roma e al Museo di Scultura Antica Giovanni Barracco la mostra sull’archeologo e mercante d’arte Ludwig Pollak (Praga 1868 – Auschwitz 1943).
Le opere in mostra ripercorrono la storia professionale e personale del grande collezionista: dalle sue origini nel ghetto di Praga, agli anni d'oro del collezionismo internazionale, alla tragica fine nel campo di sterminio di Auschwitz-Birkenau.
Mostra dedicata alla vita e all’attività scientifica dell’archeologo Ludwig Pollak in occasione dei 150 anni dalla nascita e a 80 anni dalla promulgazione delle Leggi razziali in Italia. Archeologo, grande connoisseur, tra i più importanti mercanti d'arte dell'epoca, Ludwig Pollak è ricordato anche per importanti scoperte, tra cui il ritrovamento del braccio originale del Laocoonte e dell'Atena di Mirone. La sua appartenenza al mondo culturale e religioso ebraico ha inoltre favorito i suoi legami di amicizia e collaborazione con eminenti personalità della cultura viennese di fine secolo, in particolare con Sigmund Freud. Purtroppo l’origine ebraica ha anche comportato il tragico epilogo della sua vita ad Auschwitz, dove è stato deportato con la moglie e due figli nel 1943. Le oltre cento opere in mostra (dipinti, sculture antiche, vasi greci, acquerelli, libri rari e fotografie d'epoca, inediti documenti d’archivio) nella sede del Museo Barracco e nella sede del Museo Ebraico di Roma ripercorrono le tante storie che accompagnarono la vita del grande collezionista.

Orario Dal 5 dicembre 2018 al 5 maggio 2019
Da martedì a domenica ore 10.00 - 16.00 (ingresso consentito fino alle 15.30)