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11 ottobre > 06 gennaio 2020
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Pochi avvenimenti hanno marcato la storia del pensiero moderno più della riscoperta di Pompei nel 1748: quasi 1700 anni prima la pioggia di cenere e lapilli provocata dall’eruzione del vulcano conservò l’antico centro urbano e la complessità della sua vita quotidiana. Mai come prima di allora è stato possibile leggere la vita degli antichi, rapportandola agli spazi urbani, al rito, alla vita domestica, analizzando i complessi intrecci sociali di una città così antica. Una nuova visione del passato, composta dallo stupore per la riscoperta e dallo sgomento per la catastrofe eruttiva, ha contribuito a fare di Pompei il sito archeologico più importante al mondo. La vita della città vesuviana è rimasta sospesa nelle rovine, nelle sale delle domus e delle terme, nelle suppellettili e nei reperti organici, nei calchi dei corpi che raccontano un mondo lontano, eppure vicinissimo. Come tanta arte e letteratura ci hanno raccontato, a Pompei il presente e il passato si uniscono nell’evocazione di una vita drammaticamente interrotta dalla tragedia del 79 dopo Cristo, eppure, ancora, velatamente presente. La moderna archeologia è nata e prospera nel sito vesuviano, dove il mondo antico ha cominciato a raccontarsi, come un “immenso edificio del ricordo”.

​In questo nuovo articolo ci dedicheremo ad un’attenta analisi ai due dipinti di Vincent Van Gogh ritrovati a Napoli, precisamente a Castellammare di Stabia, nel 2017 dopo essere stati trafugati nel 2002 dal Museo di Amsterdam a lui dedicato. 

​Il primo dei due dipinti ritrovati che andremo ad analizzare è “La spiaggia di Scheveningen prima di un temporale”: si tratta di uno dei due soli dipinti a tema marino che Van Gogh dipinse durante il suo soggiorno all’Aia, in Olanda, e dalla lettera scritta al fratello Theo datata 26 agosto 1882 apprendiamo che l’artista, quasi quotidianamente, si recava sulla spiaggia di Scheveningen ad osservare il tramonto e dipingere la tempesta che consisteva non solo nel mare agitato, ma anche nel vento che alzava banchi di sabbia e non permetteva di stare in piedi. Di fatto, la presenza di granelli di sabbia attaccati alla pittura utilizzata sulla tela sono la prova che Van Gogh abbia davvero dipinto all’aperto sebbene le condizioni atmosferiche di quei giorni non lo permettessero. La tela rappresenta, con tratto semplice figure su piani sovrapposti che osservano il mare in tempesta. Gli unici oggetti che si notano sono una barca ormeggiata alla riva con la prua rivolta verso la spiaggia e un carretto trainato, forse da due cavalli bianco e nero. Ciò che colpisce sono le pennellate decise che mostrano come Van Gogh abbia iniziato ad acquisire uno stile marcatamente individuale rispetto alle nature morte realizzate negli anni precedenti. Le nuvole spinte dal vento sono ben riuscite e le onde del mare sono suggerite dal colore spremuto direttamente dal tubetto e modellato delicatamente col pennello sulla tela. Il dipinto, sebbene Van Gogh lo considerò mediocre e pieno di errori, lo portò con sé quando partì dall’Aia alla volta di Nuenen e quando poi partì per Anversa nel 1885, lo abbondò insieme ad altri lavori. Ricomparso nel 1905 in una vendita all’asta, venne acquistato dal collezionista olandese Peletier ed ereditato dalla figlia di questi Elizabeth che lo donò, prima della sua morte, allo stato olandese perché confluisse nel Museo Van Gogh di Amsterdam.

Il secondo dei due dipinti che analizzeremo sarà, invece, “Una congregazione lascia la Chiesa riformata di Nuenen”, realizzato nel 1884 nel periodo in cui Van Gogh si trasferì dai genitori a Nuenen, un piccolo villaggio contornato da magnifiche foreste e praterie nel Brabante (una provincia dei Paesi Bassi), per prendersi cura della madre che si ruppe il femore. Rappresenta la Chiesa della congregazione locale riformata, dove il padre di Van Gogh amministrava il culto dal 1882. È importante, perché oltre ad essere uno dei primi quadri realizzati con una minuziosa accuratezza, è anche l’unico a conservare il telaio originale, sul quale si notano alcune tracce di colore, a dimostrazione del fatto che l’artista lo usava per pulire i pennelli. Stando sempre alla lettera scritta al fratello Theo, il dipinto era un regalo alla madre durante la convalescenza, per questo è considerata un’opera biografica dell’artista e ciò che colpisce è che oltre la descrizione nella lettera, Van Gogh fece anche un piccolo schizzo del soggetto, dove si nota un piccolo ripensamento che nel dipinto finale manca. Si tratta di un contadino con vanga in primo piano, che venne sostituito da un gruppo di otto fedeli in primo piano e un altro gruppo in uscita dalla Chiesa. Dalle analisi emerge, che gli alberi intorno e le siepi invernali divennero autunnali con tonalità meno cupe e tendenti al verde chiaro, arancione, rosa e ocra attraverso pennellate più rapide e sciolte. Il dipinto rimase alla madre fino alla sua morte, passò alla figlia Anna che lo lasciò in eredità a sua figlia Sara de Jong-van Houten e successivamente acquistato nel 1958 dalla Vincent Van Gogh Foundation.
 
Nel dicembre 2002, entrambi i dipinti furono sfortunatamente rubati da due ladri nel museo Van Gogh di Amsterdam, calandosi con una fune dalla finestra della sala dov’erano esposti. Scovati, non collaborarono per il ritrovamento. Dopo ben 14 anni di ricerche, a settembre 2016 sono stati ritrovati dalle Fiamme Gialle del Nucleo di Polizia Tributaria di Napoli in un casolare di Castellammare nel corso d’indagini sulla camorra. I dipinti sono stati, infine restituiti al museo Van Gogh e temporaneamente esposti, prima del loro rientro ad Amsterdam, al Museo Nazionale di Capodimonte a Napoli.
 
Per la stesura dell’articolo è stata presa come riferimento la seguente fonte: https://restaurars.altervista.org/vincent-van-gogh-i-dipinti-ritrovati-a-napoli/

L’immagine de “Una congregazione lascia la Chiesa riformata di Nuenen” è stata tratta da: https://it.wikipedia.org/wiki/Una_congregazione_lascia_la_chiesa_riformata_di_Nuenen
 
L’immagine de “La spiaggia di Scheveningen prima di un temporale” è stata tratta da: https://it.wikipedia.org/wiki/La_spiaggia_di_Scheveningen_prima_di_una_tempesta​

Il Natale è ormai alle porte! Ma in epoca romana si festeggiava qualcosa in questo periodo?
Dal 17 al 23 dicembre il calendario segnava i Saturnalia, una festa, come dice il nome stesso, dedicata al dio Saturno. Cacciato da Giove dall’Olimpo, si era rifugiato nel Lazio, dove aveva insegnato agli uomini le tecniche della coltivazione e regnato durante un periodo di pace e serenità, senza guerre e distinzioni sociali (età dell’oro).
La festività era un modo per ricordare quest’epoca felice. Le città venivano addobbate con ghirlande, nastri e fiaccole e per sette giorni la popolazione si deliziava con banchetti, divertimenti e scambi di doni. Gli schiavi diventavano uomini liberi e mangiavano alla stessa mensa dei loro padroni che, a loro volta, potevano servire i commensali. In questo ribaltamento dell’ordine sociale veniva eletto un princeps, forse una sorta di caricatura del potere imperiale, il quale aveva pieni poteri durante il banchetto. Era in genere vestito con colori accesi, soprattutto il rosso, e indossava una buffa maschera.
Anche il gioco d’azzardo, normalmente vietato, tornava legale per pochi giorni vedendo tra i giocatori anche gli schiavi con poste costituite da monete o frutta secca.
Altro elemento fondamentale dei Saturnalia era lo scambio degli auguri e dei doni: per i primi la formula di rito prevedeva un semplice “ego Saturnalia” (Io Saturnalia) forse ad indicare l’espressione completa “Ego tibi optimis Saturnalia auspico” (Io ti auguro ottimi Saturnalia”. I doni, come avviene ancora oggi, erano tra i più disparati: alcuni regalavano oggetti costosi o animali esotici ma per i più il regalo consisteva in piccoli oggetti, statuine in terracotta o cera, pettini, tavolette per scrivere, cucchiai. Insomma anche allora l’importante era il pensiero!

Immagini tratte da:
Saturno, da Wikipedia Italia, Di Xinstalker di Wikipedia in italiano, CC BY-SA 4.0, voce "Saturno"
Roma, doni e decorazioni: Photoshop dell'autore

​Antonella Abbatiello

CASE NEI LIBRI
CASE FRA I LIBRI
Un libro, una mostra, laboratori e letture
30 novembre 2019 – 16 febbraio 2020


Bookstore - Palazzo delle Esposizioni – via Milano, 15/17
ingresso libero 
martedì, mercoledì, giovedì e domenica dalle 10.00 alle 20.00
venerdì e sabato dalle 10.00 alle 22.30

Una sequenza ritmica di case ironiche, buffe, strane, paradossali, divertenti, sorprendenti esce dalle pagine di un libro, Case così, e diventa una mostra. Antonella Abbatiello, una delle più note autrici italiane per l'infanzia, accompagna grandi e piccoli in un viaggio tra case vere e immaginarie sul filo delle emozioni e della fantasia. Case fra i libri, Case nei libri è il titolo della mostra che prende vita tra gli scaffali della libreria. Insieme alle tavole originali create per il suo album Case così, Antonella Abbatiello espone in questa mostra una installazione appositamente realizzata e propone ai visitatori una personale selezione di libri che raccontano di case.
CASE COSÌ è un libro scritto e illustrato da Antonella Abbatiello per Donzelli editore.


LABORATORI E LETTURE
8 dicembre 2019 • ore 11.30
Case Così a Più libri più liberi
lettura e laboratorio
Un laboratorio per scoprire le infinite case 
possibili e realizzare la propria, lasciandosi ispirare
dal libro di Antonella Abbatiello.
per bambini dai 4 anni agli 8 anni
partecipazione libera fino a esaurimento posti
con biglietto d’ingresso alla Fiera
Spazio Ragazzi (stand M31)
La Nuvola-EUR, viale Asia 40


29 dicembre 2019 • ore 16.00
Forum di Palazzo delle Esposizioni  
Da casa nasce casa, laboratorio con Antonella Abbatiello
Un'occasione speciale per incontrare una grande
illustratrice e costruire insieme una colorata
installazione collettiva, casa dopo casa.
per bambini e ragazzi dai 5 anni
attività € 8,00 per partecipante;
info e prenotazione tel. 06 39967500
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Antonella Abbatiello ha illustrato novantuno libri per bambini, molti dei quali ha anche progettato e scritto. Ha pubblicato per i maggiori editori italiani e i suoi libri sono stati tradotti e pubblicati in diciannove Paesi. Per otto anni assistente unica di Emanuele Luzzati e Giulio Gianini, ha collaborato alla realizzazione dei loro film d’animazione. Ha realizzato l’intera parte grafica dei tre film di Leo Lionni Cornelius, È mio! e Un pesce è un pesce. Assistente di Giulio Gianini, ha insegnato Cinema d'animazione per quattro anni al Centro Sperimentale di Cinematografia di Roma. Questo è il suo primo libro pubblicato da Donzelli editore.


Per saperne di più www.palazzoesposizioni.it

Appuntamento speciale quello di sabato 14 dicembre 2019 dalle ore 16 alle 17,30 con l’ultimo laboratorio di “Scatto al museo” dedicato alla mostra fotografica “Werner Bischof. Classics” in corso al Lu.C.C.A. – Lucca Center of Contemporary Art fino al 7 gennaio 2020.
La lunga carrellata di workshop tematici del Lu.C.C.A. Lab4Kids, che hanno permesso di vivere un viaggio indimenticabile nel mondo della fotografia, si concluderà con “Caccia alla traccia!” ideato per i più piccoli dai 3 ai 5 anni. Dopo una breve visita alla mostra, dove le fotografie di Bischof si trasformeranno in personaggi e luoghi fantastici, i bambini sperimenteranno l’idea di fotografia come traccia attraverso alcune attività in negativo e in positivo.
Le iscrizioni per il laboratorio possono essere fatte allo 0583.492180 o scrivendo a info@luccamuseum.com. Costo 10 euro.
 
Per info e iscrizioni:
Lu.C.C.A. – Lucca Center of Contemporary Art Via della Fratta, 36 – 55100 Lucca      
tel. +39 0583 492180   www.luccamuseum.com  info@luccamuseum.com

Sono bastate 270 ore affinché una delle opere scultoree più famose al mondo venisse riprodotta da un robot.
L’opera in oggetto è la celebre Amore e Psiche.
Canova, il maestro del Neoclassicismo, aveva dedicato al gruppo scultoreo cinque anni di intenso lavoro, portandolo a compimento nel 1793.
Un braccio robotico, invece, partendo da una scansione 3D di un gesso dell'opera esposta al Louvre di Parigi, in poco più di dieci giorni ne ha realizzato la copia perfetta lavorando senza sosta su un blocco di marmo bianco di Carrara del peso di 10 tonnellate.
Il lavoro di Robotor è visibile a Roma, nel cortile di Palazzo Braschi, in occasione della mostra sull'arte di Canova: Eterna bellezza (fino al 15 marzo 2020), dove sono esposte oltre 170 opere provenienti, fra gli altri, dall'Ermitage di San Pietroburgo, dai Musei Vaticani, dal Museo Canova di Possagno, dal Musèe des Augustuns di Tolosa e dal Museo archeologico di Napoli.
 
Canova. Eterna bellezza :  http://www.museodiroma.it/it/mostra-evento/canova-eterna-bellezza​​​

L’installazione realizzata in collaborazione con Robotor,  è stata ideata da Magister (format espositivo di Cose Belle d’Italia Media Entertainment) e vuole proporsi come possibile soluzione per mostrare al grande pubblico capolavori complessi da trasferire da un museo all'altro, o impossibili da esporre.
 Ad accompagnare l’installazione, un documentario sulla realizzazione dell’opera e un racconto video della fiaba di Amore e Psiche di Apuleio, in un percorso tra spettacolo e approfondimento, un racconto sui testi di Giuliano Pisani, con la voce di Adriano Gianni e la musica originale del violoncellista Giovanni Sollima.
 
Magister: https://www.magister.art/it/mostre_magister/

Immagini tratte da:
Repubblica.it 
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​La mostra “Joan Mirò. Il Linguaggio dei Segni” sarà al Pan di Napoli dal 25 settembre 2019 al 23 febbraio 2020 per creare una tra le raccolte d’arte di questo artista tra le più importanti di sempre. In 80 opere verrà raccontata una vita dedicata all’arte, dal 1927 fino al  1986, decisamente produttiva per un artista che ha spaziato dalla pittura alla scultura, senza naturalmente dimenticarsi dei collage e degli arazzi.
“Joan Mirò. Il Linguaggio dei Segni” è un lungo viaggio che da Porto, in Portogallo, arriva a Napoli con ottanta opere d’arte di un grandissimo valore artistico comprendenti quadri, sculture, collage, arazzi e disegni che vanno a creare un vivido spaccato della sua anima. La sua vena artistica lo ha reso un artista unico nel suo genere creando universi onirici e dallo spirito estremamente creativo. Napoli ed i suoi cittadini possono godere di questa eccezionale mostra grazie al grande lavoro della Fondazione Serralves di Porto e la COR, Costruire Organizzare Realizzare. La mostra inoltre è stata curata da Robert Lubar Messeri del Institute of Fine Arts di New York sotto la guida di Francesca Villanti.



Le sezioni della mostra

La mostra è divisa in 9 sezioni che ci guidano nei punti più importanti della carriera di Mirò.


Il linguaggio dei segni

In questa sezione si mostra l’uso che Mirò fa della linea di contorno, come scrittura, e dell’orizzonte come indicatore di spazio. Si parte dal quadro Ballerina del 1924.



La figura nella rappresentazione

A partire dall’inizio degli anni ’20, la figura è il soggetto preferito della ricera di Mirò che ne ha minato la logica stessa. Per attaccare l’illusionismo occidentale sceglie La Fornarina di Raffaello.



La figura nello sfondo

Sulla superficie della sua tela prendono forma uccelli, corpi astrali, creature fantastiche. Le figura è evocata da segni e macchie sulla tela grezza.



Collage e l’oggetto

Mirò è uno dei grandi rappresentanti del collage del XX secolo e già nel 1919 ce ne dà prova includendo un pezzo del quotidiano La Publicidad, di Barcellona, in uno suo quadro.



I dipinti selvaggi

Sono l’espressione della sua rabbia verso una società in cui predominano follia e odio, che portano alla guerra. I Dipinti su Masonite, del 1936, ne sono un esempio.



L’elasticità del segno

Il segno e il gesto grafico, ormai, hanno la precedenza anche sul significato.



Calligrafia e astrazione gestuale

La calligrafia giapponese e l’affermarsi dell’Action Painting in Europa e in America influenzano Mirò nel suo nuovo modo di dipingere.



La materialità del segno

Nella primavera del 1973 collabora con il tessitore Josep Royo e crea opere che si collocano a metà tra pittura e scultura. Mirò incorpora oggetti comuni in trame di cotone, juta, canapa e lana.



Le tele bruciate e la morte del segno

Sempre con il tessitore Royo, nel dicembre 1973, realizza cinque tele bruciate. ne taglia prima la superficie, poi applica delle masse di pigmento su varie aree e allarga la superficie con una torcia. In questo modo, rende visibile la struttura del telaio carbonizzata e aggiunge altra vernice, ricominciando il processo.



Informazioni Mirò al Pan di Napoli

Dove: PAN Via dei Mille 60, 80121 Napoli
Quando: dal 25 settembre 2019 al 23 febbraio 2020, chiuso il martedì
Orario: dalle 9,30 alle 19:30


Le informazioni per la stesura di questo articolo sono state tratte dal sito https://www.napolike.it/miro-al-pan-di-napoli


Immagini tratte da:

Immagine 1 da https://www.napolitan.it/2019/09/25/91674/dal-25-settembre-al-23-febbraio-al-pan-joan-miro-linguaggio-dei-segni-la-volta-napoli-grande-mostra-dedicata-allartista-spagnolo/

Guillaume Legros più noto sul web come Saype, è un artista svizzero classe 1989 divenuto famoso per la sua strabiliante abilità nel dipingere sull’erba. La sua volontà di rivoluzionare e rinnovare la tradizionale della Street Art, ha fatto sì che oggi si possa parlare di un  nuovo tipo di arte “From Street to Land” , a metà tra graffitismo e Land Art. 
Ma non solo, la sua vuole essere anche una forma artistica del tutto ecologica; i colori, infatti, sono ricavati da una miscela di olio di lino, acqua, farina e pigmenti naturali.
La sua attività artistica ha inizio nel 2013 quando comincia a sperimentare varie tecniche 
su plexiglass prima di trasporle all’esterno.
Attraverso la sua mano, è la natura stessa a divenire una sorta di tela sulla quale Saype riesce a dare vita ai suoi soggetti; montagne, colline e prati situati principalmente tra Francia e Svizzera divengono così delle vere e proprie opere d’arte.
Interessanti, risultano le varie fasi con le quali l’artista da origine alle sue creazioni; innanzitutto, fotografa il soggetto, poi passa al taglio dell’erba dell’area precedentemente scelta e, successivamente, comincia a cospargere la vernice attraverso una bomboletta. Infine, per prendere visione del lavoro in corso, si serve di un drone permettendogli così un’esaustiva visione dall’alto.
Per prendere coscienza di quanto siano suggestive e affascinanti le sue opere non resta che ammirare la selezione riportata di seguito.
Sulla montagna di Rocher-de-Naye, a 2000 metri sopra il livello del mare, Saype da vita all’opera intitolata A story of the future (2017), in cui protagonista è una dolcissima bambina dedita a sfogliare le pagine di un libro.

​Nello stesso anno, il giovane artista realizza anche Un grand homme et l’avenir?, opera d’arte creata in un campo di Lussemburgo in cui la figura di un bambino, che raccoglie illusoriamente un fiore, è accompagnata dalla presenza del premuroso e saggio nonno.

​Nel mese di giugno di questo anno, invece, Saype elabora a Parigi, sul celeberrimo Champs de Mars (lungo ben 15000 metri quadrati!) di fronte alla Tour  Eiffel, la Beyond Walls, una vera e propria catena umana lunga ben 600 metri e larga circa 25 metri. Qui, numerose mani si uniscono e si stringono l’una con l’altra oltrepassando qualsiasi confine, qualsiasi spazio mentale, qualsiasi barriera.

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La pittura sull’erba di Saype, dunque, diventa sinonimo di solidarietà, umanità e rispetto tra uomo e natura. 
In aggiunta, la sua originale personalità e la sua straordinaria attività artistica gli hanno permesso di essere riconosciuto da Forbes come uno dei trentenni più influenti all’interno dell’attuale panorama artistico europeo. 


Immagini tratte da:
www.inasherahart.altervista.org
www.inasherahart.altervista.org
www.graffitistreet.com 

Mosaici, terme, palazzi frequentati da creature marine. Antiche reminiscenze archeologiche di epoca romana protette dalle acque che parlano di un luogo di villeggiatura per ricchi patrizi, amato anche da Cicerone, Domiziano, Cesare e Nerone.
Conosciuto come “la Pompei sommersa”, il Sito archeologico di Baia custodisce al di sotto del mare un tesoro di profonda bellezza e inestimabile valore: situato nel più vasto contesto del Parco dei Campi Flegrei e, assieme al Parco Sommerso di Gaiola, tutelato dalla Soprintendenza dei Beni Archeologici di Napoli nonché area marina protetta, costituisce un tassello di splendore della Campania Felix ed è incastonato nell’area nord del Golfo di Napoli, tra Bacoli e la frazione di Baia.
La ragione per la quale questi reperti archeologici si trovano oggi al di sotto del livello del mare è dovuta al fenomeno vulcanico dell’intera zona flegrea, il bradisismo, che da sempre ha interessato l’intera zona costiera a nord di Napoli: tale fenomeno ha causato movimenti verticali dell'area con escursioni in positivo ed in negativo di molti metri provocando negli ultimi 2000 anni l'inabissamento della linea di costa romana di circa 6/8 metri. Intorno al primo secolo a.C. infatti l'intera zona costiera a nord di Napoli era una fiorentissima stazione climatica, resa alla moda anche dalla presenza di una villa imperiale, il Pausilypon appunto che dette il nome al promontorio di Posillipo, costruita dal ricco liberto Publio Vedio Pollione. Costui alla sua morte, nel 15 a.C., nominò Augusto erede di tutti i suoi beni, Pausilypon compreso. In seguito ingrandita ed abbellita come proprietà imperiale, tale luogo pare abbia visto il tragico concludersi della congiura contro l'imperatore Nerone.

Fra gli ambienti di maggiore pregio, che oggi si trovano inabissati, meritano una menzione il Ninfeo di Punta Epitaffio, triclinium con funzione di sala per banchetti risalente all'epoca dell'imperatore Claudio, le cui statue sono state trasferite all'interno del Museo archeologico dei Campi Flegrei dove l'ambiente è stato ricostruito, Capo Miseno, sede storica della flotta imperiale romana, l’antico percorso stradale, oggi percorribile tramite esperienze subacquee oppure tramite barche dal fondale trasparente che permettono di vedere al di sotto, e il Portus Julius, un sobborgo dell’antica Puteoli (oggi Pozzuoli) costruito da Marco Vipsanio Agrippa su volere di Ottaviano  (da cui il nome) nel 37 a.C. e che costituiva un immenso complesso portuale che collegava il lago Lucrino con il lago d’Averno, sommerso anch’esso dal fenomeno del bradisismo e riscoperto soltanto nel 1956.
 
Un luogo straordinariamente suggestivo, ricco di storia e di archeologia, che ne fanno di questo tratto di fondali una piccola Atlantide romano/napoletana.

Alcune informazioni per la stesura di questo articolo sono state tratte dai seguenti siti:
https://it.wikipedia.org/wiki/Parco_sommerso_di_Baia
https://it.wikipedia.org/wiki/Portus_Iulius
https://initalia.virgilio.it/parco-sommerso-di-baia-una-piccola-atlantide-napoletana-15135

Immagini tratte da:
http://insolitaitalia.databenc.it/turismo/capo-miseno-le-origini-del-nome-nel-mito-delleneide/
https://it.wikipedia.org/wiki/Ninfeo_di_Punta_Epitaffio
http://www.archeoflegrei.it/la-citta-sommersa/strutture_sommerse_del_portus_iulius_-_archivio_soprintendenza_speciale_per_i_beni_archeologici_di_napoli_e_pompei/

È una tiepida mattina dell’estate del 1944 a Roma. La Città Eterna è stata liberata dall’occupazione tedesca ai primi di giugno e tanta è la voglia di ricominciare a vivere. Dalla vetrina della sua bottega di antiquario, Sebasti vede passare in bicicletta il giovane architetto e critico d’arte Andrea Busiri Vici, a caccia di tesori e di fortuna. Lo invita a fermarsi ed entrare: deve assolutamente mostrargli una cosa. Si tratta di una  tavoletta dipinta a olio su entrambi i lati. 

Sotto gli strati di polvere e sporcizia, emergono un finto stipetto a muro, al quale sono fissate da un nastro alcune lettere ripiegate, e una scena di caccia, con arcieri impegnati a colpire uccelli acquatici a bordo di piccole imbarcazioni affusolate. L’attribuzione a Vittore Carpaccio (Venezia, c. 1460-1526) e le indagini di Busiri Vici sulla travagliata storia collezionistica dell’opera destano subito scalpore, tanto che il doppio dipinto viene venduto in Svizzera, per raggiungere poi il Getty Museum di Malibù e infine di Los Angeles, ove è conservato tuttora. Ma questo non impedisce a Carlo Ludovico Ragghianti di formulare un’interessante ipotesi a partire dal dettaglio del giglio che appare dal margine in basso a sinistra della tavoletta. Il gambo del fiore “reciso” potrebbe essere quello che si intravede nel vaso sulla balaustra raffigurata in un altro olio su tavola, pressoché delle stesse dimensioni, firmato da Carpaccio e appartenente alla collezione del Museo Correr di Venezia. 

Inoltre, Ragghianti intuisce che la balaustra si affaccia non sul cielo azzurro ma su uno specchio d’acqua, probabilmente sulla stessa laguna nella quale, poco più a largo, si sta svolgendo la battuta di caccia agli uccelli. Le due donne sedute sulla terrazza, a lungo erroneamente identificate come cortigiane, sono, secondo questa lettura, ricche e annoiate dame veneziane in attesa del rientro dei propri mariti. Definito il cantore della vita mondana del primo Rinascimento veneziano, Carpaccio fissa un momento di intima quotidianità femminile, nobilitato dai numerosi significati simbolici insiti nella flora e nella fauna del dipinto. Il giglio, innanzitutto, allude alla castità matrimoniale, come il mirto, sulla destra, è pianta cara a Venere, mentre la coppia di colombe, il pavone, i cani sono simboli di fedeltà coniugale. Anche il fazzoletto bianco e la collana di perle indossata dalla più giovane concorrono a sottolineare le stesse virtù, oltre a impreziosire la puntuale descrizione degli abiti e delle acconciature alla moda del tempo. Le indagini radiografiche a cui sono state sottoposte le due tavolette negli anni ’90 sembrano confermare la brillante intuizione di Ragghianti. Combaciando perfettamente, anche dal punto di vista prospettico, esse costituivano un unico dipinto, diviso in due parti probabilmente già in epoca rinascimentale. 

Per di più, il lato sinistro mostra le tracce della presenza di cardini o cerniere, come se in origine l’opera fosse composta da un secondo pannello, oggi perduto, con l’aggiunta del quale, tra gli altri elementi, anche la figura del levriero in primo piano sarebbe risultata intera. Per quanto riguarda la funzione del dittico, non ancora del tutto chiara, i cardini esistenti lungo lo spessore destro e la dimensione complessiva in altezza fanno pensare alle ante di una porta che si apriva e chiudeva “a libro” su un piccolo vano, utilizzato come studiolo e ricavato, forse, all’interno della camera della sposa, per la quale era stato commissionato come dono di nozze, dato il tema allegorico che informa il dipinto dello stipite rimasto. 

Nelle opere d’arte spesso sono nascosti grandi o piccoli segreti; una storia, un’immagine nascosta, un doppio significato o addirittura un pettegolezzo.
Ecco alcuni dei segreti che conservano i più celebri dipinti.
 
Danae

Una radiografia del ‘Danae’, fatta negli anni 60, ha rivelato un importante segreto. Nella versione originale del dipinto, la musa Danae di Rembrandt aveva proprio il volto di sua moglie Saskia. Dopo la morte della donna, avvenuta nel 1642, le sembianze della musa ricordano invece Geertje Dircx, la sua amante. Inoltre, Danae era famosa per la sua relazione con Zeus; quindi è possibile che l’artista abbia riversato sul dipinto la sua vicenda sentimentale.

Old Fisherman

Tivadar Csontváry Kosztka (1853-1919) è stato uno dei primi pittori ungheresi a essere conosciuto e apprezzato in ambito Europeo, anche dallo stesso Picasso. In questo ritratto di un vecchio pescatore è nascosto un segreto, svelato solo dopo la morte del pittore. Mettendo uno specchio in mezzo al dipinto e riflettendo soltanto una metà del volto, il personaggio si trasforma in due ritratti: una persona che prega e il diavolo

La camera gialla di Vincent van Gogh

Nel 1888, van Gogh ha acquistato un piccolo studio ad Arles, nel sud della Francia, dove si nascondeva da artisti parigini e critici. Nel mese di ottobre, iniziò a dipingere la “Camera da letto ad Arles”. La scelta dei colori e l’intimità generale, aspetti importanti del quadro, fanno intendere la volontà dell’autore di simboleggiare il comfort e la sicurezza. 
Per alcuni studiosi specialisti di Van Gogh, invece, le scelte cromatiche insolite hanno una spiegazione diversa: rappresentare cioè il desiderio mancato di sonno e riposo. Inoltre sappiamo che Vincent stava curando l’epilessia e per l’effetto collaterale dei farmaci, Van Gogh aveva una diversa percezione del colore, prediligendo il giallo e il verde. Forse il pittore vedeva il mondo proprio come lo dipingeva nei suoi quadri.

Autoritratto con orecchio bendato e pipa

In “Autoritratto con orecchio bendato e pipa”, Van Gogh si mostra con l’orecchio destro fasciato. In realtà l’orecchio ferito era il sinistro. Ciò è spiegato dal fatto che van Gogh usò uno specchio per creare l’immagine di se stesso.

Il quadrato nero

Al contrario di quanto si possa pensare, il ‘quadrato nero’ non è né nero né è un quadrato. Nessuno dei suoi lati sono paralleli tra loro, né i bordi della cornice. Inoltre, il ‘colore’ ‘nero’ è il risultato di una miscela di diversi colori, non è stata infatti usata una vernice propriamente nera.  Il quadro è stato dipinto così, piuttosto che per negligenza dell’artista, per sua volontà di creare una forma mobile dinamica. 

Immagini tratte da:
www.studiarapido.it
www.analisidellopera.it
www.doppiozero.com
Wikipedia pubblico dominio : Danae Rembrandt

Si intitola “Dipingere con l'emisfero destro del cervello” il workshop dedicato alle arti visive che il maestro Francesco Musante terrà a Lucca dal 9 al 15 settembre 2019.
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Il percorso formativo, nato dalla sinergia tra il Lu.C.C.A. – Lucca Center of Contemporary Art e LEA - Lucca Experientia Artis con il coordinamento di Omina, è una full immersion nel mondo della pittura, della grafica e dell’illustrazione attraverso l’immaginario fantasioso del maestro Francesco Musante. Destinato a pittori, grafici, illustratori e appassionati d’arte, il workshop si propone di approfondire la tecnica pittorica, gli strumenti e i legami con le emozioni, con i pensieri, con gli stati d’animo e con l’emisfero destro del nostro cervello, oggi indispensabili per risalire alla genesi di ogni lavoro artistico.

Sarà una settimana di studio e laboratorio intensivo per disegnare e dipingere insieme al maestro Musante, per approfondire tematiche della critica d’arte e della museologia con Maurizio Vanni, direttore del Lu.C.C.A. – Lu.C.C.A. Center of Contemporary Art, per confrontarsi con Domenico Raimondi, art director di LEA, su allestimenti e comunicazione 4.0 e per interagire con gli artisti e i professionisti del mondo delle arti visive che per l’occasione faranno delle incursioni al CONvictUS, un ex convento convertito in residenza per artisti.

Per informazioni e iscrizioni http://www.luccaexperientia.it/workshop/pittura/ oppure  telefonare allo  0583 467380 o il 338 9081960. 

Grazie al Lu.C.C.A. Museum PROMOZIONE -20% sulla quota di partecipazione con il CODICE SCONTO LEA03LM da utilizzare al momento dell’iscrizione online. Promozione valida fino al 31 agosto 2019.

Le composizioni di arte digitale dell’artista fiorentina invadono
il Lu.C.C.A. Lounge&Underground dal 6 al 25 agosto 2019 
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​Può l’evoluzione tecnologica cambiare il modo in cui percepiamo l’arte? È la domanda da cui muove “Sogni digitali” dell’artista fiorentina Daniela Corsini, in mostra nel Lu.C.C.A Lounge & Underground dal 6 al 25 agosto 2019 con ingresso libero. La definitiva transizione dall’homo sapiens all’homo tecnologicus segna una svolta profonda nel modo di interpretare le forme espressive, ribaltando posizioni consolidate ed invitandoci a rivedere i nostri capisaldi. Daniela Corsini parlerà di questi temi con il curatore della mostra Maurizio Vanni giovedì 8 agosto alle ore 18,30 all’inaugurazione ufficiale della sua personale.
 
Attraverso la rielaborazione di immagini, l’arte digitale ha cambiato profondamente l’approccio all’opera d’arte. Daniela Corsini ha compreso come questo nuovo modo di produzione artistica abbia abbattuto i confini tra forme espressive differenti, tra volumi e spazi, tra luce e ombra, tra finito e infinito, tra rappresentazione definitiva e suggerimento provvisorio. “Una vera e propria rivoluzione iconografica – spiega Maurizio Vanni – che entra nelle reali immagini del quotidiano alterandole, manipolandole e rielaborandole, offrendo così processi percettivi inediti. Ne scaturiscono composizioni quasi surreali laddove le forme, pur rimanendo riconoscibili, assumono ruoli e priorità visive del tutto nuove. Ciò che dovrebbe essere protagonista principale di un racconto visivo si trasforma in uno scenario periferico e, al contrario, tutto quello che siamo abituati a considerare comprimario o decorativo può evolvere nell’elemento più rilevante della composizione”.
 

Il codice comunicativo utilizzato dalla Corsini è prepotentemente attuale e costituisce un tema critico perché richiede una riflessione sul modificarsi del senso dell’arte in un’epoca che impone un continuo confronto tra l’uomo e i mondi digitali, ma anche sulle metodologie di analisi e interpretazione di opere che hanno come riferimento un inedito immaginario tecnologico. Le opere della Corsini vanno a rileggere i miti dell’arte antica o scene dell’oggi attraverso un linguaggio del tutto contemporaneo. “Con l’arte digitale – sottolinea Vanni – la scultura classica torna a colloquiare con il qui e ora, le ‘Maternità’ perdono i riferimenti spazio-temporali, le forme-feticcio modificano il loro significato perché ricontestualizzate o rese seriali, un paesaggio acquista connotazioni eterne dialogando visivamente con l’universo ed i sensi si ‘umanizzano’ prendendo sembianze di volumi fortemente evocativi che, pur non essendo del tutto identificabili, alludono a mondi familiari”.
 
La proposta artistica di Daniela Corsini si concentra sull’oggetto: parte dalla realtà tale e quale, dalla fotografia di qualcosa di definito che, senza perdere la connotazione di partenza, viene contaminato e riproposto in dimensioni potenzialmente infinite. Ne nascono immagini straordinarie che sembrano uscite dai libri di Philiph K. Dick. Visioni implausibili, ma credibili di sogni digitali.
 

Note biografiche Daniela Corsini
Daniela Corsini è l’iniziatrice e la figura più influente del Filtrismo®, movimento di fotografia pittorica sviluppato a Firenze alla fine del ‘900. Tra le personali nel suo percorso artistico si ricordano quelle presso: Librerie Feltrinelli di Firenze e Perugia (2005, 2007, 2008), “Caffè Giubbe Rosse” di Firenze (2006), Università Tiradentes e MUHSE-Museo Antropologico di Aracaju in  Brasile (2006), Düsseldorf (2009), Digione (2010, 2015, 2018), Museo Archeologico Nazionale di Firenze (2010), Palazzo Medici Riccardi di Firenze (2011), Istituto Italiano di Cultura di Bruxelles (2013), Gallo-Romeins Museum di Tongeren in Belgio (2013), Berlino (2014).
Le immagini di Daniela esplorano nuove dimensioni nei suoi particolari video, con accompagnamento musicale anche di autori contemporanei. Ad oggi, sono sette i video mostrati al pubblico (con uno inedito “nel cassetto”).
Tra gli incontri con la partecipazione attiva del pubblico si ricordano, in particolare, il dibattito “Luce, colore, sogno” presso l’Universidade Tiradentes e MUHSE-Museo Antropologico di Aracaju (2006), il laboratorio “Tra tecnica e percezione” presso la Scuola Media di Lastra a Signa (FI) per la Festa della Toscana 2008 ed il recente laboratorio-concorso per bambini “Artisti in Erba”. È in progetto con l’associazione A.I.S.D.O. un ciclo di incontri di arte-terapia.
Molteplici le collaborazioni con altri soggetti del mondo artistico, tra cui la video-installazione per un concerto del pianista Giovanni Pontoni e l’accompagnamento scenico per concerti del M° Giuliana Spalletti e del Quartetto Fo(u)r Woods. Per Fo(u)r Woods, Daniela ha realizzato la copertina del loro primo CD.
Sue opere sono presenti in collezioni pubbliche e private in Italia, Belgio, Brasile, Francia, Stati Uniti.
 
 
MOSTRA “DANIELA CORSINI. SOGNI DIGITALI”
a cura di Maurizio Vanni
Lu.C.C.A. Lounge&Underground
Dal 6 al 25 agosto 2019
orario mostra: da martedì a domenica 10-19, chiuso lunedì
Ingresso libero
 
Incontro con l’artista giovedì 8 agosto 2019 ore 18,30

​Nel '62 fu colpita da un terremoto, e Tito Flavio Vespasiano curò personalmente la sua ristrutturazione: il 25 agosto del 79, invece, in quella fatidica data che da quel momento in poi resterà per sempre scolpita negli annali della storia, si abbatté su di essa e sui centri vicini la furia del Vesuvio, anche se c’è da dire che, rispetto ai centri di Pompei, Stabia e Oplonti che furono quasi completamente distrutti dall’eruzione, Herculaneum fu relativamente fortunata in quanto, in un primo momento, si riversò su di essa soltanto una leggera nube di cenere e lapilli, e in un secondo momento, la colonna piroclastica si staccò dal vulcano e si riversò tutta sulla città, ricoprendola quasi completamente: successivamente, con l’eruzione del 1631, il manto vulcanico arrivò a toccare i 25 metri di altezza e si trasformò, col tempo, in “pappamonte”, un materiale simile al tufo ma molto più leggero che consentì la quasi totale conservazione degli edifici, degli utensili e degli alimenti.

La sua riscoperta avvenne per puro caso: nel 1709, un contadino che si accingeva a scavare per costruire un pozzo, si imbatté in alcuni pezzi di marmo appartenenti all’antico teatro: da lì in poi ebbero inizio gli scavi atti a riportare alla luce l’antico nucleo di Herculaneum, una prima campagna fu voluta dal principe Emanuele Maurizio D’Elboeuf, ma fu interrotta subito dopo per scongiurare i crolli degli edifici sovrastanti, una seconda campagna di scavi fu invece inaugurata nel 1738, durante i quali fu riportata alla luce l’antica Pompei, e si interruppe definitivamente nel 1780; altre due campagne furono avviate nel 1828, per opera di Francesco I delle Due Sicilie, e nel 1869, da parte di Giuseppe Fiorelli, ma anche queste ottennero scarsi risultati. Per riportare alla luce l’antica città così come la possiamo visitare oggi, bisognerà aspettare il 1927, in occasione di una campagna di scavo ventennale diretta da Amedeo Maiuri e Antonio de Franciscis, grazie alla quale furono riportati alla luce 4 ettari di 20 dell’antica città e oltre non si poté proseguire, in quanto gli altri terreni sotto i quali sono situate le rovine erano stati, nel frattempo, espropriati.

Altre campagne di scavo si sono poi succedute nel corso degli anni ’90 del novecento e nel corso dei primi anni 2000, grazie ai quali furono riportate alla luce le rovine della cosiddetta Casa di Aristide e alcune parti della Villa dei Papiri, già esplorata anni addietro grazie alla realizzazione di tunnel sotterranei: nel 1997, nel frattempo, gli scavi di Pompei, Ercolano, Stabia e Oplonti erano stati dichiarati Patrimonio dell’UNESCO.
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Passeggiando tra le rovine dell’antica Herculaneum possiamo imbatterci in alcune delle sue più belle ville, ancora oggi intrise delle decorazioni originarie del periodo, come la Casa del Genio, la Casa del Salone Nero, la Casa di Argo, una delle più belle e ricche in assoluto di tutta la città, la Casa di Nettuno e Anfitrite, con le sue decorazioni in pasta vitrea, e infine il Teatro, situato a 26 metri di profondità e capace di accogliere, all’epoca, circa 3000 spettatori seduti.
Con i suoi circa 300.000 visitatori annui, Herculaneum si impone come uno dei siti archeologici più visitati della Campania, nonché dell’intero Meridione, un luogo intriso di storia e cultura in gran parte ancora inesplorato, ricoperto ancora da un manto di lava e dall’ombra del Vesuvio, minacciosi ma al contempo rassicuranti e protettivi.

isa, 22 luglio 2019 – Quattro aperture serali straordinarie a prezzo scontato in programma da luglio a settembre: è “Notti d’Estate”, il ciclo di iniziative a cura del Museo delle Navi Antiche di Pisa con Cooperativa Archeologia e con la collaborazione della Soprintendenza Archeologia Belle Arti e Paesaggio di Livorno e Pisa che il 23 e il 31 luglio, il 28 agosto e il 4 settembre consentirà ai visitatori di esplorare l’esposizione agli Arsenali Medicei dalle 19 alle 22. Per l’occasione, il prezzo di ingresso promozionale è di 5 euro.
 
Il Museo delle Navi Antiche di Pisa, il più grande museo di imbarcazioni antiche esistente, con i suoi 4700 metri quadri di superficie espositiva, raccoglie 800 reperti, esposti in 47 sezioni divise in 8 aree tematiche consette imbarcazioni di epoca romana, databili tra il III secolo a.C. e il VII secolo d.C., di cui quattro sostanzialmente integre. Inaugurata lo scorso 16 giugno dal ministro per i Beni culturali Alberto Bonisoli dopo più di vent’anni di ricerca e restauro, l’area degli Arsenali Medicei accompagna i visitatori in un vero e proprio viaggio attraverso più di mille anni di commerci e marinai, rotte e naufragi, navigazioni, vita di bordo e della storia della città di Pisa.
 
La concessione del museo è affidata a Cooperativa Archeologia, che ha seguito negli ultimi anni lo scavo archeologico e il restauro delle navi e dei reperti, sotto la direzione scientifica di Andrea Camilli, responsabile di progetto per la Soprintendenza Archeologia, belle arti e paesaggio di Pisa e Livorno. L’esposizione è aperta al pubblico il mercoledì dalle 14.30 alle 18.30; il venerdì dalle 10.30 alle 18.30, il sabato e la domenica, dei mesi di luglio e agosto, dalle 10.30 alle 20.30 (info e contatti: info@navidipisa.it e tel. 050 8057880. Per gruppi e scuole: prenotazioni@navidipisa.it e tel. 050 47029. Tutte le informazioni su www.navidipisa.it). Il museo è dotato, inoltre, di un bookshop e uno spazio caffetteria, una sezione didattica al piano superiore che potrà essere utilizzata anche per incontri e conferenze, oltre ovviamente alla biglietteria e punto informazioni. Nelle prossime settimane sarà disponibile il catalogo dedicato all’esposizione.
 
Il progetto di scavo e restauro delle antiche navi di Pisa rappresenta uno dei più interessanti e ricchi cantieri di scavo e ricerca degli ultimi anni. La particolare condizione di conservazione dei reperti racchiusi in strati di argilla e sabbie ha richiesto un considerevole sforzo economico, organizzativo e tecnologico, mettendo a disposizione della ricerca laboratori, depositi, strumentazioni all’avanguardia e logistica devoluti al recupero degli oltre trenta relitti individuati e dei materiali ad essi associati. Il cantiere delle Navi Antiche è quindi diventato un centro dotato di laboratori, depositi e strumentazione che ha visto la collaborazione di decine di istituzioni universitarie e di ricerca italiane e straniere.
 
Per ulteriori informazioni www.navidipisa.it.
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L’opposizione al Romanticismo italiano, alla cultura risorgimentale e al buonsenso borghese caratterizzarono un gruppo eterogeneo, composto da letterati, pittori e scultori provenienti dall’Italia settentrionale, che passò alla storia come “Scapigliatura”. Un nome piuttosto insolito e bizzarro che deriva dal titolo di un romanzo di Cletto Arrighi, “La scapigliatura e il 6 febbraio” (1862). Si trattava, infatti, di un romanzo che descriveva la vita sregolata degli artisti parigini dell’epoca.
L’attività del gruppo va, approssimativamente, dal 1860 al 1880 e fu stimolata dalla presenza di sapienti pittori quali, Tranquillo Cremona e Daniele Ranzoni e dallo scultore Giuseppe Grandi.
La tecnica pittorica di Cremona e Ranzoni si fonda sulla sfocatura dei contorni, su pennellate discontinue e luminose e su un’attenta e precisa caratterizzazione psicologica dei soggetti prescelti. I generi preferiti, invece, sono il ritratto e il paesaggio.
Tranquillo Cremona nasce da una famiglia di origine ebraiche ed è colui che merita di essere considerato come l’iniziatore della Scapigliatura (in ambito pittorico).
Uno stile antiaccademico e un’atmosfera vaga e nebulosa contraddistinguono la celebre opera L’Edera (1878), conservata attualmente alla Galleria d’Arte Moderna di Torino.

Il dipinto immortala due giovani innamorati; il musicista Alfredo Catalani e Lisetta Cagnoli, la cognata del pittore. L’uomo stringe a sé la donna la quale, però, non sembra contraccambiare con lo stesso entusiasmo quel tenero abbraccio. Tuttavia, il volto della fanciulla lascia trasparire un forte desiderio. Le due figure si fondono così con lo spazio circostante. L’ambientazione risulta piuttosto confusa, mentre facilmente riconoscibile è il ramo di edera che compare alla destra dello spettatore.
Un maggior senso plastico dato dalle pennellate cromatiche si coglie, invece, nella tela di Daniele Ranzoni intitolata I figli del principe Troubetzkoy (1873) e custodita a Milano presso la Galleria Civica dell’Arte Moderna.

Il dipinto fu commissionato dal principe Pietro Troubetzkoy, mecenate di Ranzoni e raffigura i suoi tre figli assieme al loro adorato cane. Qui, le figure prendono forma grazie a chiazze di colore generate da pastose pennellate. Interessante, inoltre, è l’emergere di un’accurata caratterizzazione psicologica dei personaggi ritratti.
All’interno del gruppo è Giuseppe Grandi ad unire e a far dialogare tra loro scultura, letteratura e  musica. Vibrante e viva è la modellazione scultorea che si riscontra nel Monumento alle Cinque Giornate di Milano (1894) situato nell’omonima piazza del capoluogo lombardo.

Il monumento richiama alla memoria l’insurrezione popolare del 1848 che portò alla cacciata dell’esercito austriaco dalla città. Le cinque figure femminili, di fatto, rimembrano allegoricamente quei giorni in cui la città fu orgogliosamente e faticosamente difesa dai propri cittadini.
Dunque, questa è stata grossomodo la lodevole attività pittorica e scultorea di quegli artisti “scapigliati” che, sapientemente, sono riusciti a dare vita ad un’arte anticonformista, lontana dalla cultura tradizionale, ma destinata ad essere ricordata per l’eternità.

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“L’arte sa nuotare”: BLUB approda al MANN
Dal 30 maggio al 31 agosto, lo street artist espone le sue creazioni dedicate al Museo
Verso la mostra “Thalassa”, con un’originale riflessione sul mare

30 maggio. La sua arte gentile colora le strade delle città, cercando angoli dimenticati per ritrarre icone di tutti i tempi, riproposte con la maschera da sub: dalla Venere di Botticelli ad Andy Warhol, da Giuseppe Verdi a David Bowie, da Leonardo da Vinci a Marcello Mastroianni, sono tanti i personaggi che, tra realtà e finzione, sono stati rappresentati dallo street artist  Blub.
 
Deciso a non rivelare al pubblico la propria identità, Blub ha fatto incursione nel centro storico di Napoli e la sua inconfondibile impronta creativa non è passata inosservata agli occhi del Direttore del MANN, Paolo Giulierini: “Verso Thalassa non potevamo che incontrare Blub: progettando la nostra grande mostra sull’archeologia subacquea abbiamo incrociato per le strade di Napoli il segno distintivo di questo artista misterioso,  celebre per i bellissimi ritratti di personaggi illustri  in maschera da sub. E’ successo lo scorso aprile quando, in una notte, Blub ha voluto disseminare i suoi dipinti anche nella nostra città, sempre con rispetto e attenzione, puntando alla riqualificazione degli angoli degradati e dando, ad esempio, nuova vita a vecchi sportelli di metallo. Il suo messaggio ci ha conquistato per spontaneità e semplicità: #Lartesanuotare recita l’hashtag che ha scelto, e noi aggiungiamo che ‘per l’arte si nuota’, ad esempio, verso la scoperta e la valorizzazione dei reperti del Mediteranneo riemersi dall’antichità, quelli che racconteremo nella nostra mostra Thalassa nel prossimo autunno. E così, dopo essere stati conquistati da uno straordinario Carlo Di Borbone marino, abbiamo chiesto a Blub una produzione ‘speciale’ sulle opere iconiche del  MANN. A tutti il divertimento della scoperta nella sala del Plastico di Pompei”.
 
Da qui nasce l’esposizione “L’arte sa nuotare”, a cura dell’artista Carla Bru e della giornalista Maria Paternostro, in programma al Museo Archeologico Nazionale di Napoli dal 29 maggio (vernissage ore 12) al prossimo 31 agosto: Blub crea alcune opere originali, che dialogano con i reperti del MANN, accompagnando il visitatore in una dimensione subacquea dai colori sfocati; trait d’union dei lavori è l’elemento primordiale dell’acqua, che definisce le suggestioni di un’inedita Saffo, gioca con una versione sottomarina di Terentius Neo e sua moglie, rende contemporanei alcuni capolavori della statuaria antica (tra questi, Apollo in bronzo della Casa del Citarista; Efebo in bronzo di Via dell’abbondanza; Busto di Artemide in bronzo dal tempio di Apollo di Pompei;  Busto di Giove Ammone in marmo; Venere Marina e Venere Lovatelli da Pompei in marmo).
La Sala del Plastico di Pompei diviene, in questo modo, un vero e proprio scenario immersivo, in cui l’allestimento site specific ed il video dell’artista, con un particolare effetto sonoro realizzato grazie al regista Riccardo Sansone, permettono al visitatore di tuffarsi, letteralmente, in una dimensione evocativa in equilibrio tra passato e presente.
 
“Nonostante ci si possa trovare in un mare di difficoltà, nella vita abbiamo sempre le risorse per imparare a nuotare. L’arte è una di queste risorse”, commenta Blub, “L’acqua è il mio elemento. Dall’acqua nasce la vita, è il lato nascosto della materia. Quando sei immerso, l’istante si ferma e non c’è peso, mentre i pensieri fluiscono in una dimensione sospesa. Per questo, ripropongo i personaggi che hanno trasmesso un esempio di grandezza in grado di sopravvivere ancora oggi, proprio sotto l’acqua, senza  tempo”
 
Blub ha iniziato la sua attività nell’estate del 2013 a Cadaqués, in Catalogna, nel paesino di pescatori particolarmente amato anche da Salvador Dalì; nel novembre dello stesso anno, ha omaggiato il quartiere fiorentino di San Niccolò in occasione dell’anniversario dell’alluvione.

Venezia, Roma, Ravenna, Lucca, Pisa, Mantova, ma anche Barcellona, Amsterdam, Stoccolma, Lisbona e persino Rio de Janeiro sono state le tappe del suo viaggio creativo, che ha avuto un’eco internazionale testimoniata dalla copertina dedicata, da Vanity Fair nel 2017, a questa particolare esperienza di street art.

Ma Blub ha anche una predilezione per i piccoli centri storici italiani: da Monteriggioni ad Alghero, da Cremona a San Gimignano, da Lecce a Livorno.
 
Mostre
 
Personali 
Parla con i muri – Le Murate – Firenze (2017)

Blub – Galleria Uovo alla Pop – Livorno (2018)

Blub a Pistoia – Lo Spazio di via dello Spizio – Pistoia (2018)

L’arte sa nuotare – Museo Archeologico Nazionale di Napoli (2019)
 
Collettive
Clet & Friends – The Cappeleschi Gallery – Knokke Heist Belgio  (2014)

Me & Sea – Messina (2015)

Fuori dalle macerie – Santa Verdiana – Firenze (2016)

Parla con i muri #queer – Cinema La Compagnia – Firenze (2016)

Unity Wanted – Street Levels Gallery-  Firenze (2016)

Street Art – Villa San Michele – Fiesole (2017)

Geniale! Gli invasori dell’arte – MOCA – Montecatini (2018)

Into the Water – Casalbuttano  (2018)

Urban City Art – Pinacoteca Civica – Follonica  (2019)

Leonardo Vive – Museo Ideale Leonardo da Vinci – Vinci  (2019)

Leonardo & Monnalisa – Ex Convento Leopoldine – Firenze
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Leonardo 500  – Villa La Versiliana – Marina di Pietrasanta
 
 
Per la realizzazione dell’evento Blub ringrazia il Direttore Paolo Giulierini, lo staff del MANN e i suoi collaboratori personali: Marco Matteucci, Silvana Della Nebbia e Giuseppe Di Bella.

Info  www.museoarcheologiconapoli.it
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La goliardia dei futuristi, che nel 1909 organizzarono a Torino la prima “Serata futurista” come spettacolo provocatorio e irriverente per diffondere le idee futuriste, rivive centodieci anni dopo con le “Serate futuriste” lanciate dal Lu.C.C.A. - Lucca Center of Contemporary Art in occasione della mostra “Fortunato Depero. Dal sogno futurista al segno pubblicitario”. ​
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Nove gli appuntamenti che da fine giugno a fine agosto 2019 porteranno una ventata frizzante nelle serate del museo lucchese. Si parte giovedì 27 giugno 2019 con l’apertura straordinaria serale dalle ore 19 alle 21,30 con biglietto ridotto alla mostra di Depero. Sulla terrazza, dalle ore 20 alle 22, prenderanno avvio le BalcoNote: improvvisazioni musicali con il violino elettrico di Itzhak Bhaum e a seguire, dalle ore 22 alle 23, ForDepero ovvero una speciale visita guidata alla mostra condotta dal co-curatore e direttore del Lu.C.C.A. Maurizio Vanni con performance teatrale.


“In perfetto stile futurista – spiega Vanni – abbiamo voluto proporre momenti di intrattenimento non convenzionali durante i quali la mostra di Fortunato Depero diventa pretesto per stimolare artisti interdisciplinari a interpretare pensieri ancora incredibilmente attuali. L'arte entra nella quotidianità e il museo si apre al tempo libero delle persone. Un grande investimento emotivo”.


Le “Serate Futuriste” ci accompagneranno per tutta la durata della mostra di Fortunato Depero (fino al 25 agosto 2019) e si terranno tutti i giovedì di luglio e di agosto (ad eccezione di Ferragosto) con una serata finale proposta in occasione della Notte Bianca di Lucca, sabato 24 agosto 2019, che ci catapulterà futuristicamente nel terzo millennio. Da luglio, oltre alle BalcoNote e alle variegate proposte artistico-culturali ForDepero, sarà possibile intrattenersi al museo con i FuturApe, percorsi enogastronomici che faranno scoprire i prodotti del territorio lucchese e toscano, realizzati in collaborazione con Est – Event Service Tuscany.

Per gli spettacoli ForDepero si consiglia la prenotazione allo 0583.492180. Posti limitati.
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IL PROGRAMMA IN DETTAGLIO

Apertura serale straordinaria con biglietto ridotto alla mostra dalle ore 19 alle ore 21,30 e FuturApe: degustazioni enogastronomiche in collaborazione con Est – Event Service Tuscany; BalcoNote: musica dal vivo sulla terrazza dalle ore 20,30 alle ore 22; ForDepero: dalle ore 22 performance teatrali e musicali a tema all’interno della mostra “Fortunato Depero. Dal sogno futurista al segno pubblicitario”.


Giovedì 27 giugno
H 19 - 21:30 Apertura serale straordinaria con biglietto ridotto alla mostra
H 20:30 – 22:00 BALCONOTE | Improvvisazioni musicali con il violino elettrico di Itzhak Bhaum
H 22:00 - 23:00 FORDEPERO | Visita guidata della mostra con performance teatrale a cura di Maurizio Vanni


Giovedì 4 luglio
H 19 – 21:30 Apertura serale straordinaria con biglietto ridotto alla mostra
FUTURAPE | percorsi di degustazione enogastronomica con prodotti del territorio
Vini della Cantina Le Palaie, Peccioli (PI)
Salumi del Salumificio Artigianale Triglia, Camaiore (LU)
Formaggi Caseificio Marovelli, Vibbiana (LU)
H 20:30 – 22:00 BALCONOTE | Improvvisazioni musicali con la chitarra classica di Meme Lucarelli
H 22:00 – 23:00 FORDEPERO | Visita alla mostra e letture futuriste con Antonio Petrocelli


Giovedì 11 luglio
H 19 – 21:30 Apertura serale straordinaria con biglietto ridotto alla mostra
FUTURAPE | percorsi di degustazione enogastronomica con prodotti del territorio
Vini della Cantina Inserrata Biologica, La Serra (PI)
Salumi del Salumificio Artigianale Triglia, Camaiore (LU)
Formaggi Caseificio Marovelli, Vibbiana (LU)
H 20:30 – 22:00 BALCONOTE | Improvvisazioni musicali con il violino elettrico di Ignazio Rossi
H 22:00 – 23:00 FORDEPERO | Visita alla mostra e performance teatrale con Antonella Lucii e Francesco Bargi, suoni di Edoardo Clermont, consulente Angela Avitto


Giovedì 18 luglio
H 19:00 – 21:30 Apertura serale straordinaria con biglietto ridotto alla mostra
FUTURAPE | Percorsi di degustazione enogastronomica con prodotti del territorio
Vini della Cantina La Regola, Riparbella (PI)
Salumi del Salumificio Artigianale Triglia, Camaiore (LU)
Formaggi Caseificio Marovelli, Vibbiana (LU)
H 20:30 – 22:00 BALCONOTE | Improvvisazioni musicali con il violino elettrico di Sasha Oleg
H 20:30 – 22:00 FORDEPERO | Visita alla mostra e performance teatrale a cura di Marianna Perilli


Giovedì 25 luglio
H 19:00 – 21:30 Apertura serale straordinaria con biglietto ridotto alla mostra
FUTURAPE | Percorsi di degustazione enogastronomica con prodotti del territorio
Vini della Cantina Moris Farms, Massa Marittima (GR)
Salumi del Salumificio Artigianale Triglia, Camaiore (LU)
Formaggi Caseificio Marovelli, Vibbiana (LU)
H 20:30 – 22:00 BALCONOTE | Improvvisazioni musicali con il violino elettrico di Vittorio Krayer
H 22:00 – 23:00 FORDEPERO | Visita alla mostra e performance teatrale a cura di Cataldo Russo


Giovedì 1 agosto
H 19:00 – 21:30 Apertura serale straordinaria con biglietto ridotto alla mostra
FUTURAPE | Percorsi di degustazione enogastronomica con prodotti del territorio
Vini della Tenuta Le Ripalte, Capoliveri (LI)
Salumi del Salumificio Artigianale Triglia, Camaiore (LU)
Formaggi Caseificio Marovelli, Vibbiana (LU)
H 20:30 – 22:00 BALCONOTE | Improvvisazioni musicali con la chitarra classica di Meme Lucarelli
H 22:00 – 23:00 FORDEPERO | Visita alla mostra e performance a cura di Girolamo Deraco


Giovedì 8 agosto
H 19:00 – 21:30 Apertura serale straordinaria con biglietto ridotto alla mostra
FUTURAPE | Percorsi di degustazione enogastronomica con prodotti del territorio
Vini della Tenuta Marsiliana, Grosseto (GR)
Salumi del Salumificio Artigianale Triglia, Camaiore (LU)
Formaggi Caseificio Marovelli, Vibbiana (LU)
H 20:30 – 22:00 BALCONOTE | Improvvisazioni musicali con il violino elettrico di Taddeus Jensen
H 22:00 – 23:00 FORDEPERO | Visita alla mostra e performance sonora con Sonia Ciani e Sara Bianchi


Giovedì 22 agosto
H 19:00 – 21:30 Apertura serale straordinaria con biglietto ridotto alla mostra
FUTURAPE | Percorsi di degustazione enogastronomica con prodotti del territorio
Vini della Cantina Usiglian del Vescovo, Palaia (PI)
Salumi del Salumificio Artigianale Triglia, Camaiore (LU)
Formaggi Caseificio Marovelli, Vibbiana (LU)
H 20:30 – 22:00 BALCONOTE | Improvvisazioni musicali con il violino elettrico di Vladimiro Tosi
H 22:00 – 23:00 FORDEPERO | Visita alla mostra e performance teatrale a cura di Elisa D’Agostino e Filippo Battaglia




sabato 24 agosto – speciale notte bianca
H 19:00 – 21:30 Apertura serale straordinaria con biglietto ridotto alla mostra
H 20:30 – 22:00 BALCONOTE | Improvvisazioni musicali con il violino elettrico di Giorgio Lami
FUTURAPE | Percorsi di degustazione enogastronomica di prodotti del territorio
Vini della Cantina Val delle Rose, Grosseto (GR)
Salumi del Salumificio Artigianale Triglia, Camaiore (LU)
Formaggi Caseificio Marovelli, Vibbiana (LU)
H 22:00 – 23:00 FORDEPERO | Improvvisazioni di musica sperimentale elettroacustica con Alberto Gatti e video mapping con Massimo D’Amato
PREZZI
H 19 – 21:30 Biglietto ridotto mostra € 8,00
Gratuito per bambini fino a 6 anni.


FUTURAPE
Percorsi enogastronomici: BIANCO - ROSA - ROSSO
Ogni percorso prevede un calice di vino e un tagliere di salumi e formaggi
1 Percorso € 10,00
2 Percorsi € 18,00
3 Percorsi € 25,00


H 20:30 – 22:00 BALCONOTE
Performance gratuita. Terrazza del museo.


H 22:00 – 23:00 FORDEPERO
Biglietto mostra + performance teatrale o musicale:
INTERO € 15,00
RIDOTTO € 8,00 dai 10 ai 17 anni e convenzioni Hotel Partner
GRATUITO per bambini fino ai 10 anni

Per info:
Lu.C.C.A. – Lucca Center of Contemporary Art
Via della Fratta, 36 – 55100 Lucca tel. +39 0583 492180
www.luccamuseum.com info@luccamuseum.com
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di Antonio Monticolo

Tra il 2004 e il 2005 un team di archeologi scoprì a York, cittadina del nord dell’Inghilterra una necropoli molto particolare divisa in due parti: 3 Driffield Terrace e 6 Driffeld Terrace. York è il nome moderno di Eboracum, fondata da Roma nel 71 d.C. Il numero totale di individui analizzati comprendeva 82 scheletri e 14 cremazioni.
La maggior parte delle sepolture erano singole inumazioni, con l’eccezione di 4 sepolture doppie a 3 Driffield Terrace e una sepoltura doppia, una tripla e una quadrupla a 6 Driffield Terrace. Gli individui erano spesso supini (sulla schiena), ma a volte flessi (sui fianchi con le ginocchia leggermente tirate su) e un caso di sepoltura a faccia in giù.

Nessun defunto superava i 45 anni di età. Tre dei sette individui giovanili erano adolescenti tra i 15 e i 19 anni, mentre gli altri quattro sono stati identificati come un feto, un neonato, e due bambini di 1-2 e 6-7 anni
Le analisi isotopiche e del DNA effettuate hanno rivelato un mix di origini che include individui originari della zona di Eboracum, di varie parti dell’Inghilterra meridionale, dell’Europa meridionale e centro-orientale, e un individuo proveniente dal vicino oriente (Siria, Giordania o Palestina).
Ma le due caratteristiche importanti di tale necropoli sono: la totalità di sepolutre maschili (solo una è femminile) e il fatto che la prcentuale di decapitazioni si aggira intorno al 71%. Quest’ultimo è un fatto particolare perché nelle altre necropoli dell’Inghilterra la percentuale di decapitazione si aggira intorno al 5%.
I crani decapitati dei defunti sono stati rinvenuti in varie posizioni, alcuni nella loro posizione anatomica, altri fra le gambe dell’individuo o lungo il fianco.
Gran parte degli individui adulti e adolescenti avevano riportato in vita numerose contusioni e fratture poi guarite. Queste si concentrano soprattutto sul cranio e nella zona del viso; numerose erano anche le fratture dentali, delle ossa del polso e del primo metacarpo (pollice).

Fratture e contusioni indicano casi di violenza interpersonale e suggeriscono che la popolazione di questa necropoli avesse avuto una vita fisica particolarmente attiva e violenta.
Casi di cribra orbitalia (porosità nei tetti dell'orbita) e ipoplasia dello smalto dentale (formazione di smalto difettoso) indicavano inoltre episodi di stress infantile, forse dovuti a cattiva alimentazione, parassiti e malattie infettive.
Numerose erano anche le ferite da arma da taglio, in particolar modo nella zona delle vertebre cervicali forse tagli peri-mortem.  Queste ferite suggeriscono che almeno una parte degli inumati sia stata decapitata subito dopo la morte, o che la decapitazione stessa sia stata la causa del decesso.
In 25 dei 40 individui la decapitazione è stata effettuata con un singolo taglio netto, mentre nei restanti casi sono stati individuati fino a 17 tagli alla zona del collo.
In molti casi la posizione delle incisioni ha permesso di stabilire che l’aggressore si trovava dietro la vittima, e che i colpi erano quasi sempre inflitti dall’alto verso il basso.
Quali sono le ipotesi?
Alcuni sostengono che i decapitati potrebbero essere  stati vittima di una congiura voluta da Caracalla, altri ritengono che siano soldati stranier catturati oppure condannati a morte. Forse, come sostengono alcuni, si doveva trattare di una necropoli di gladiatori. In questo senso, uno scheletro presenta perforazioni su entrambe le ossa del bacino compatibili con i morsi di un carnivoro. I bordi delle perforazioni sono netti e freschi, senza tracce di osso neoformato a dimostrazione che sono state inflitte subito prima (o subito dopo) la morte dell’individuo. Ma a York non è ancora stato trovato nessun anfiteatro.  

Roma, 5 aprile 2019. Dal 6 aprile al 27 ottobre 2019 il Museo dell’Ara Pacis ospita la grande mostra "Claudio Imperatore. Messalina, Agrippina e le ombre di una dinastia" promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Crescita culturale - Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali e da Ville de Lyon, curata da Claudio Parisi Presicce e Lucia  Spagnuolo,  con  la  collaborazione  di  Orietta  Rossini,  ideata  dal  Musée  des Beaux-Arts  de  Lyon,  che  ha  ospitato  la  sede  francese  dell’esposizione  terminata lo scorso 4 marzo, su progetto curatoriale di Geneviève Galliano e Francois Chausson.

Organizzazione di Zètema Progetto Cultura.
 
La mostra guiderà i visitatori alla scoperta della vita e il regno del discusso imperatore romano, dalla nascita a Lione nel 10 a.C. fino alla morte a Roma nel 54 d.C., mettendone in luce la personalità, l’operato politico e amministrativo, il legame con la figura di Augusto e con il celebre fratello Germanico, il tragico rapporto con le mogli Messalina e Agrippina, sullo sfondo della corte imperiale romana e delle controverse vicende della dinastia giulio- claudia.
 
L'esistenza di Claudio è segnata da un destino singolare, che lo pone di fronte ad avvenimenti eccezionali, fatti di sangue, intrighi di corte, scelte politiche ardite. Primo imperatore a nascere fuori dal territorio italico, a Lugdunum, odierna Lione, il 1 agosto del 10 a.C., era un candidato improbabile al comando dell’impero. Augusto, che
dubitava  delle  sue  attitudini  politiche,  gli  avrebbe  preferito  di  gran  lunga  il  fratello Germanico, che tuttavia morì prematuramente in circostanze sospette. Come successore, il popolo e l'esercito avevano poi scelto Caligola, che di Germanico era il figlio, erede della fama del padre. Ma l'assassinio di Caligola, accoltellato nel suo stesso palazzo, metteva necessariamente Claudio al centro della crisi politica successiva. Tiberio Claudio Cesare Augusto Germanico diventava così, alla notevole età di cinquant'anni, il primo imperatore acclamato, dopo una lunga trattativa politico-economica, da un corpo militare, i pretoriani.
 
Anche i rapporti di Claudio con le sue quattro mogli sono segnati da congiure e vicende tragiche. La sua terza moglie, Messalina, più giovane di Claudio di 35 anni, rimane nota per i suoi molti vizi, veri o presunti, sebbene fosse la madre di Britannico, il primo erede maschio della dinastia giulio-claudia nato ad un imperatore regnante. Uccisa Messalina, con il consenso di Claudio, anche il destino di Britannico fu segnato: non conseguì mai il potere, vittima adolescente del fratellastro Nerone.
L'ultimo matrimonio di Claudio, quello con sua nipote Agrippina, gli sarà fatale. Agrippina, figlia di Germanico e sorella di Caligola, viene considerata l'artefice della sua morte, forse per avvelenamento. Alla morte di Claudio seguì la sua divinizzazione, la realizzazione di un tempio a lui dedicato sul Celio e la successione nell’impero del figlio di Agrippina, Nerone.

Il percorso espositivo al Museo dell’Ara Pacis, supportato dal lavoro aggiornato di storici e archeologi, traccia un’immagine di Claudio un po’ diversa da quella cupa e poco lusinghiera trasmessa dagli autori antichi. Ne emerge la figura rivisitata di un imperatore capace di prendersi cura del suo popolo, di promuovere utili riforme economiche e grandi lavori pubblici, contribuendo con la sua legislazione allo sviluppo amministrativo dell'Impero.
 
Il racconto della vita e delle opere di Claudio, reso attraverso un allestimento originale fatto di immagini e suggestioni visive e sonore, costituisce la caratteristica saliente del percorso espositivo e i personaggi della narrazione - presentati attraverso opere d’arte di assoluto valore - saranno anche protagonisti di istallazioni che contribuiranno a rendere coinvolgente l’esperienza di visita.
 
In mostra alcune opere di straordinario interesse storico e archeologico: dalla Tabula Claudiana, su cui è impresso il famoso discorso tenuto da Claudio in Senato nel 48 d.C. sull’apertura ai notabili galli del consesso senatorio, al prezioso cameo con ritratto di Claudio Imperatore dal Kunsthistorisches Museum, fino al piccolo ma suggestivo ritratto in bronzo dorato di Agrippina Minore, proveniente da Alba Fucens e concesso in prestito dalla Soprintendenza Archeologia, Belle Arti e Paesaggio dell’Abruzzo, che testimonia l’interesse di Claudio per il territorio dell’allora Regio IV, dove realizzò l’impresa del Fucino. Una delle novità della mostra è l’esposizione, per la prima volta, del ritratto di Germanico della Fondazione Sorgente Group, opera importante che celebra il giovane e amato principe colpito da un destino avverso.
 
La mostra allestita al Museo dell’Ara Pacis vanta importanti prestiti internazionali (Musée du Louvre, Lugdunum Musée et Théâtres Romains, Musée des Beaux-Arts di Lione, Musei Vaticani, Ecole nationale Supérieure des Beaux-Arts di Parigi, Kunsthistorisches Museum di Vienna, The British Museum, Colchester & Ipswich Museums) e nazionali (Museo Archeologico Nazionale di Napoli, Gallerie degli Uffizi di Firenze, Museo Nazionale Romano,  Museo  Archeologico  e  d’Arte  della  Maremma,  Soprintendenza  Archeologia, Belle   Arti  e   Paesaggio   dell’Abruzzo,   Museo   civico   archeologico   ‘Antonio di  Nino’, Fondazione Sorgente Group e  Galleria  Vincent)    avvalendosi al contempo di opere provenienti       dal   Sistema    Musei   Civici   (Musei   Capitolini,   Centrale   Montemartini, Antiquarium Celio, Museo della Civiltà Romana, Museo di Roma) in qualche caso restaurate o riesposte per l’occasione.
 
Ufficio stampa
Zetema Progetto Cultura Patrizia Morici p.morici@zetema.it Gabriella Gnetti g.gnetti@zetema.it

Le Scuderie del Quirinale in occasione del cinquecentenario  della morte di Leonardo da Vinci con il Museo Nazionale della Scienza e della Tecnologia di Milano e insieme alla Veneranda Biblioteca Ambrosiana  dedicano una mostra al celebre umanista indagando la sua opera secondo le più aggiornate linee  guida museologiche e museografiche, nelle declinazioni legate alla storia dell’ingegneria,  del pensiero, della cultura scientifico-tecnologica. 

Dalla formazione toscana, al soggiorno milanese, fino al tardo periodo romano, la mostra ripercorre l’opera di Leonardo sul fronte tecnologico e scientifico e traccerà le connessioni culturali con i suoi contemporanei, per offrire una visione finalmente ampia di questa grande figura, spesso presentata come genio isolato.

Le sezioni della mostra esploreranno i grandi temi affrontati da Leonardo sul versante del pensiero tecnico e umanistico, al centro del dibattito degli artisti e tecnologi rinascimentali: lo sviluppo di macchine per i grandi cantieri di costruzione, l’utilizzo del disegno e della prospettiva come strumenti di conoscenza e rappresentazione, l’arte della guerra tra tradizione e innovazione, il vagheggiamento di macchine fantastiche come quelle per il volo, la passione per la rappresentazione dell’elemento macchina in quanto tale, l’ideazione di soluzioni negli ambiti del lavoro e della produzione, la riflessione sulla città ideale e lo studio delle vie d’acqua, la riscoperta del mondo classico e una riflessione su come, nel tempo, sia nato e si sia sviluppato il mito di Leonardo.