Un soggetto che piace, quello di A Star is Born che è oggi al suo terzo remake. La prima versione risale addirittura al 1937. Si tratta in effetti di un classico di Hollywood, il racconto di una stella nata dal nulla.

Jackson Maine (Bradley Cooper) è un musicista di successo ma sempre più divorato dall’abuso di alcol e droghe. Una sera, fermandosi in un locale di drag queens in cerca dell’ennesima bevuta, scopre Ally (Lady Gaga), una ragazza di enorme talento che è però prigioniera di una vita anonima.

Due esistenze apparentemente agli antipodi ma con molto in comune, in primis il bisogno e la voglia di raccontarsi. Perché “Tanta gente ha talento, la differenza la fa se hai qualcosa da dire”. Tra i due nasce un grande amore, mentre la carriera di lui è in declino e quella di lei decolla, come se avvenisse una sorta di passaggio di testimone.
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Presentato in anteprima mondiale alla Mostra del Cinema di Venezia come pellicola fuori concorso, è definito da molti come il “film dell’anno”; l’entusiasmo è forse un po’ fuori misura, ma sicuramente A Star is Born ha molto di buono. É un film di prime volte, di collaborazione e fiducia. Di passione e di voglia di sperimentare. 

Prima volta alla regia per Bradley Cooper, prima volta da attrice protagonista per la cantante Lady Gaga, al secolo Stefani Germanotta. Il film, al di là del canovaccio classico, nasce dalla passione di Cooper per la musica e da quella di Gaga per la recitazione. Ed è così che i due protagonisti si sono affidati l’uno all’altra. Lui si è lasciato guidare nell’ambito musicale, ha accettato che le performances fossero tutte registrate dal vivo, insieme a Lady Gaga ha scritto I testi, facendo un ottimo lavoro. Una colonna sonora che verrà cantata a lungo. Lei, come dichiarato in conferenza stampa al Lido, ha finalmente trovato qualcuno che le desse fiducia, ha accettato di essere messa a nudo nella sua fragilità, sotto la lente di ingrandimento dalla regia indagatoria e amante dei primi piani di Cooper, senza trucco, senza filtri, così come lui la voleva.

Una grande ricerca di autenticità da parte di entrambe le star, che si respira per tutto il film e che è uno dei suoi punti forti.
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Lady Gaga prende il testimone da niente di meno che Barbra Streisand, protagonista nell’edizione del 1974, presta alla sua Ally il proprio carisma, e merita la fiducia del suo regista e co – protagonista. Non si è però improvvisata; facendo un po’ di ricerche si scopre che ha alle sue spalle anni di studio di recitazione, che non si è svegliata una mattina con la presunzione di essere un’attrice. Sulla sua voce, non credo ci fossero dubbi. Anche ne fosse rimasta qualche traccia, vengono spazzati via con l’avvio della prima canzone. Bradley Cooper, direttore di se stesso, ci regala una delle sue performance migliori ma soprattutto, si rivela un inaspettato eccezionale cantante che mai sfigura accanto alla potente vocalità della partner. 

Più che la storia, raccontata ormai in diversi modi e quindi sempre un po’ diversa ma comunque conosciuta, sono i due protagonisti, con la loro alchimia e umanità a rendere A Star is Born un film assolutamente da vedere. A ciò si aggiunge un forte intento del regista di lanciare messaggi che facciano riflettere, sull’importanza di mostrarsi per chi si è prima di tutto, evidenti nelle inquadrature che cercano continuamente gli occhi dei protagonisti, da sempre specchio dell’anima, quanto anche più direttamente nel testo dei dialoghi.

Nel doppiaggio, la voce di Christian Iansante è ormai parte imprescindibile del fascino di Bradley Cooper, qui accompagnato dall’ex allieva Benedetta Degli Innocenti, più acerba, per forza di cose, nel variare più sfumature di pensiero ma brava a seguire ogni respiro del suo personaggio.

Un film che ha un’anima forte, che pulsa di una passione vera, umana. 

Una inaspettata sorpresa.


Voto: 7/8 su 10

​Immagini tratte da:
www.rollingstone.it
www.cinematografo.it
www.gagadaily.com
 www.ilpopoloveneto.it  

di Fabrizio Matarese

​Titolo: Rimetti a noi i nostri debiti                                        
Paese di produzione: Italia
Anno: 2018
Durata: 104’
Genere: drammatico
Regia:  Antonio Morabito
Sceneggiatura:  Antonio Morabito, Amedeo Pagani
Produttore:  Marco Belardi, Alessandro Leone, Amedeo Pagani, Elena Pedrazzoli
Distribuzione:  Netflix
Fotografia:  Duccio Cimatti
Montaggio:  Francesca Bracci
Colonna sonora:  Andrea Guerra
Casa di produzione:  Lotus Production, La Luna srl, Rai Cinema, Netflix
Cast: Claudio Santamaria, Marco Giallini, Jerzy Stuhr, Flonja Kodheli, Agnieszka Zulewska

​In un momento storico in cui la parola “debito” è utilizzata con una frequenza impressionante nel dibattito televisivo e politico, il primo film italiano distribuito da Netflix non poteva essere maggiormente ancorato alla realtà sociale dei nostri giorni.

​Rimetti a noi i nostri debiti, diretto da Antonio Morabito, può vantare una coppia di attori d’eccezione: Claudio Santamaria che interpreta Guido, un ex tecnico informatico ora disoccupato e sommerso dai debiti, e Marco Giallini che invece è Franco, un professionista del recupero crediti, talentuoso nel suo mestiere e avulso da ogni dilemma morale.
Quando Guido viene licenziato anche da un lavoro come magazziniere si ritrova in una situazione disperata, senza soldi per pagare lo squallido appartamento in cui vive e dunque incapace di saldare il debito che ha contratto.
La sua vita è grigia e rassegnata, le sue uniche frequentazioni sono un bar dove annega i dispiaceri nell’alcool e dove conosce Rina (la bella sorella del suo barista di fiducia) e un ex professore in pensione che si è ritirato a vita privata e trascorre le giornate imbastendo strane analisi di sociopolitica connesse alle palle del biliardo.
Dopo aver subito un’aggressione da parte di un agente dei creditori, a Guido viene un’idea che potrebbe cambiargli la vita: “se non posso pagare il debito, posso almeno lavorare gratis per loro finché questo non si estingue”.
Così Guido viene assunto dall’agenzia di recupero crediti e a insegnargli il mestiere è proprio Franco, il lupo travestito da pecora, “uno dei più bravi sulla piazza”. Il rapporto che si instaura in questa strana copia di colleghi è uno dei punti di forza del film.
Mentre Guido è un bravo ragazzo, abbattuto e amareggiato dalla sua situazione finanziaria, Franco è un abile e compiaciuto esattore, abituato a fronteggiare sofferenza e disperazione senza alcun contraccolpo psicologico.

​Il primo giorno di lavoro, o meglio il primo training day, seduti a un tavolino di un ristorante, Franco spiega a Guido le tre fasi del lavoro:
La prima consiste nel rintracciare i debitori e dargli il tormento; la seconda nel farli vergognare; infine, la terza nel farli pagare con altri metodi, se il tormento psicologico e la vergogna non funzionano.
Così Franco e Guido iniziano a lavorare insieme andando a molestare i vari debitori in giro per Roma. Dopo un momento iniziale di indecisione Guido si riscopre competente nello svolgimento di questo “lavoro” e quasi senza accorgersene sveste i panni della vittima per indossare quelli lindi e profumati del carnefice. I due continuano a tormentare “le anime morte”, così Franco chiama i debitori, fino a che il debito di Guido si estingue ed egli può finalmente andarsene da uomo libero o accettare la proposta del suo collega: continuare a lavorare per loro in cambio di un lauto stipendio. Nel frattempo, tra i due si è creato un certo affetto e un singolare rapporto di amicizia e Guido decide di accettare.
Ma la resa dei conti avviene quando Guido ritrova nella parte di debitore insolvente il vecchio professore suo amico…

Rimetti a noi i nostri debiti, è un film che racconta invece di giudicare, che mostra senza voler dimostrare, un film in cui i buoni e i cattivi sono difficili da distinguere e gli stessi protagonisti condividono molti più elementi di quanti si potrebbe immaginare a prima vista. La realtà sociale dei nostri giorni è tristemente connessa al debito (in Italia siamo “esperti” anche di debito pubblico, purtroppo) in molte forme. Ma oltre all’aspetto economico questa pellicola ci mostra anche l’aspetto morale del debito svelando come quest’ultimo provochi, nelle persone che lo contraggono, sentimenti di colpa e vergogna. Sentimenti ereditati dalla cultura cattolica (non a caso evocata fin dal titolo) che ancora nutre e modella il sistema economico-sociale dell’Europa. Ma se per un credente basta recitare qualche Padre nostro o Ave Maria, per i debitori economici scontare questo “peccato” è faccenda ben più ardua. ​

Torna sul grande schermo il predatore alieno e stavolta alla regia troviamo la leggenda degli action movie Shane Black. Avrà trovato la formula perfetta per riportare agli antichi fasti il franchise?
di Salvatore Amoroso

​Titolo: The Predator                                
Paese di produzione: USA, Canada
Anno: 2018
Durata: 107’
Genere: fantascienza, azione
Regia: Shane Black
Sceneggiatura: Fred Dekker, Shane Black
Produttore: John Davis
Distribuzione: 20th Century Fox
Fotografia: Larry Fong
Montaggio: Harry B. Miller III
Musiche: Henry Jackman
Cast: Boyd Holbrook (Quinn McKenna), Trevante Rhodes (Nebraska Williams), Jacob Tremblay (Rory McKenna), Olivia Munn (Casey Bracket), Sterling K. Brown (Will Traeger), Keegan-Michael Key (Coyle), Thomas Jane (Baxter), Alfie Allen (Lynch). 

​L'enfant prodige del cinema action anni ’80 Shane Black è tornato a farci respirare quella sana aria scanzonata che si può avvertire solo nei suoi film. Basti pensare alle sue più note sceneggiature come Arma Letale, L’ultimo boy Scout o Last Actiorn Hero per ritornare piacevolmente indietro nel tempo e assaporare quelle sequenze folli, quei dialoghi divertenti e spacconi, quell’azione dal ritmo incalzante che non ti fa staccare gli occhi dallo schermo, insomma il cinema di Shane, quello che lo ha reso celebre e ci ha fatto tanto emozionare. Stavolta il nostro amato beniamino però si è davvero giocato male le sue carte. Nel suo The Predator (reboot o sequel, non è affatto facile definire quest’ennesimo film sul rasta alieno che caccia per sport) non riusciamo a scorgere quella scintilla magica che contraddistingue le sue pellicole.

​Siamo lontani anni luce da quella giungla impervia dove il  Magg. Dutch Schaefer dovette scontrasi con l’alieno e per sconfiggerlo dovette regredire al livello primitivo, in un duello primordiale battezzato dall’indimenticabile urlo di guerra di Swarzi. Quello era il lontano 1987, alla regia John McTiernan e quel film rimane inarrivabile per bellezza, suspense e contenuti. Quello che non ha il The Predator 2018 di Black. I dialoghi sono i suoi, non c’è dubbio. La satira pungente e sfacciata, suo marchio di fabbrica la si può trovare con facilità ma il mordente no, quello manca. Non basta rimettere insieme un manipolo di soldati, diverso da quello del primo film. Se nell’87 Arnold Schwarzenegger era al comando di un gruppo di militari forti e dannatamente bad ass, qui ci ritroviamo con un gruppo di reietti della peggior specie: psicopatici, matti ma sempre ben addestrati sotto il comando di Quinn McKenna interpretato dal volenteroso Boyd Holbrook, che ce la mette tutta per essere credibile come eroe scaccia alieni, ma purtroppo non ci riesce e questa è una delle grandi pecche del film. 

Va senza dubbio premiato il tentativo coraggioso del regista che ci ha voluto donare un cinema d’azione ormai dimenticato oggi, ovvero ll cinema action vecchio stampo, che non ha bisogno di dialoghi o intrecci narrativi complicati. Budella in bella vista, esplosioni, effetti speciali, armi gigantesche che appaiono dal nulla, segugi predator (avete capito bene), un manipolo di uomini simile all’A-Team che spara piombo e battute irriverenti a raffica. Tutto il coinvolgente ritmo dei meravigliosi anni ’80 non riesce a salvare The Predator. Potremmo stare ore a ore a discutere della totale assenza di trama e logica nel film ma non è affatto questo il problema.

​Semplicemente, l’ultimo capitolo di un franchise che già da anni faticava a carburare non riesce a fare breccia nei nostri cuori. Shane cerca disperatamente di aggrapparsi alla sua ironia, mettendo in discussione addirittura l’epiteto del nostro mostro alieno: “Non è un predatore, caccia le sue vittime per il solo piacere di farlo”, battuta alquanto stonata che purtroppo sentiremo spesso durante il proseguio del film. Tenta di inserire il maldestro personaggio interpretato dalla bella Olivia Munn, che risulta assai goffo e fuori contesto, ma purtroppo bisognava strizzare l’occhio pure al movimento MeToo. Zero carisma, zero appeal, nessuna traccia del talento di Shane Black, che avevamo visto recentemente con The Nice Guys, buddy movie irresistibile che purtroppo la critica ha bocciato. Consigliato agli amanti del cinema d’azione ma non agli appassionati della saga, quelli potrebbero rischiare di avere un grande infarto. Con il cuore gonfio di rabbia noi lo bocciamo ma provaci ancora Shane, noi siamo qui ad aspettarti. 

​ Immagini tratte da:
IndieWire
youtube
comingsoon.com
Cinemaniac.com
TheIndianExpress

Una 23esima edizione che mantiene le sue promesse superando le aspettative. Vincono Denmark e Second Best ma il vero trionfatore è il coraggio di Milano Film Festival.

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Il desiderio di celebrare il cinema in ogni sua forma e, soprattutto, di valorizzare lo spirito dinamico e in continua evoluzione del grande schermo ha premiato gli organizzatori dell’ultima edizione di Milano Film Festival conclusasi domenica 7. Grazie a un programma ricco di appuntamenti e opportunità d’intrattenimento, la manifestazione ha saputo coinvolgere un pubblico di diverse generazioni – con un incremento del 30% rispetto al 2017 - interagendo brillantemente con il tessuto urbano. Dieci giorni di proiezioni e incontri, dalla vocazione cittadina e allo stesso tempo fortemente internazionale, sono culminati in una cerimonia di premiazione conclusiva durante cui sono stati consegnati i riconoscimenti per le categorie lungometraggi e cortometraggi.

Gli 8 lungometraggi in gara, selezionati tra oltre 800 titoli provenienti da ogni parte del pianeta, hanno presentato al pubblico autori e interpreti di grande talento senza dimenticare il grande valore della tradizione. In una sezione agguerritissima, Denmark di Kasper Rune Larsen ha trionfato incantando la giuria con il suo stile provocatorio e il suo sguardo irriverente sull’attualità danese. Uno dei favoriti del Termopolio, Thunder Road, ha ricevuto l’Audience Award, riconoscimento assegnato dal pubblico che, evidentemente, ha apprezzato le sfumature ironiche e pungenti dell’ultimo lavoro di Jim Cummings.

Best Feature Film Award

"Denmark"

Kasper Rune Larsen

“Per il coraggio della semplicità, la scrittura invisibile, la sincerità, il racconto di un amore senza romanticismo, perché sa parlare di sentimenti senza sentimentalismi. Infine, per l’ottima realizzazione del nulla, il premio del concorso internazionale lungometraggi va a Denmark di Kasper Rune Larsen”

Best Feature Film Award

Special Mention

"The Third Wife"

Ash Mayfair

“Per la grazia e la delicatezza con cui è riuscita a parlarci di Libertà, pur avendo scelto di raccontarci il tragico destino delle spose bambine nella società rurale del Vietnam dell'800, educate a compiacere e a procreare in una condizione di ovattata , inscalfibile schiavitù la giuria conferisce una menzione speciale al film The Third Wife e alla regista Ash Mayfair”.


Aprile Award

Best Feature Film

"LUZ"

Tilman Singer

“Per l’altissima qualità della realizzazione tecnica (sorprendente in un film di diploma) unita a un’intelligente rivisitazione dei luoghi topici dell’horror. Per il carattere indipendente e non banalmente indie del film - iconoclasta ma mai pretenzioso - il premio Aprile per il miglior lungometraggio va a Luz di Tilman Singer.”


Cortometraggi

Best Short Film Award

Special Mention

"Tungrus"

Rishi Chandna

“Non basta immaginarsi una famiglia indiana alle prese con un gallo per essere divertenti. Questa è la folle idea alla base del cortometraggio, ma da premiare sono soprattutto i dialoghi, il montaggio, la scelta del mockumentary come struttura, spesso abusata ma in questo caso necessaria ed estremamente funzionale.”


Best Short Film Award

Special Mention

"Aquathlon"

Alexey Shabarov

“Per tanti motivi, per la regia, la scrittura e la direzione degli attori, sempre complicata con attori adolescenti, ma soprattutto per la capacità di raccontare senza alcuna retorica e in maniera originale, un tema inflazionato come quello del bullismo.”


Aprile Award

Best Short Film

"PALOOKAVILLE"

Sem Bucman, Pim Algoed

“Una commedia che sa affrontare a ritmo di jazz le molte fragilità nascoste del mondo maschile, che raramente vengono sottolineate e che invece dovremmo sempre tenere in considerazione, oggi più che mai. Per il ritratto ironico e pungente di una situazione quanto mai attuale, la doppia crisi della mascolinità e della figura paterna.”


Scommesse vinte e prospettive

Il Milano Film Festival, tuttavia, non sarebbe stato lo stesso senza gli eventi speciali che lo hanno segnato. Impossibile non citare l’esclusiva anteprima italiana di Climax, l’ultima pellicola del controverso Gaspar Noé: tutte le proiezioni hanno registrato significativi sold out che testimoniano che il pubblico è ancora alla ricerca di film e storie con cui mettersi in discussione, rifiutando di chiudersi nelle rassicuranti certezze. Di grande prestigio anche le proiezioni degli ultimi lavori di Gavras, Poppe e Godard, senza dimenticare le repliche di ROMA, il film di Alfonso Cuaron vincitore dell’ultimo Leone d’Oro.

Le novità introdotte da Ultra Reality, le importanti anteprime di rilievo internazionale e le divertenti e originali proiezioni di film cult sono stati senza dubbio dei valori aggiunti di questa manifestazione che, per crescere ulteriormente, dovrà giocare al meglio soprattutto queste carte che garantiscono originalità e autenticità. Il livello di qualità dei film e dei corti in gara è già molto alto e suggerisce, quindi, una nuova sfida: nel 2019 il Milano Film Festival riuscirà a superarsi?


Immagini tratte da www.milanofilmfestival.it

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Genere: azione, fantascienza, thriller, horror        
Anno: 2018
Durata: 112’
Regia: Ruben Fleischer
Cast: Tom Hardy, Michelle Williams, Riz Ahmed, Jenny Slate, Michelle Lee, Reid Scott, Scott Haze, Sam Medina, Woody Harrelson
Sceneggiatura : Jeff Pinkner, Scott Rosenberg, Kelly Marcel, Will Beall
Fotografia: Matthew Limatique
Montaggio: Alan Baumgarten, Maryann Brandon
Colonna sonora: Ludvig Goransonn
Produzione: Columbia Pictures, Marvel Enterteinment
Distribuzione: Sony Picture, Warner Bros, Enterteinment Italia
Paese: Stati Uniti

“Mi raccomando, stai fermo e non toccare nulla.”
Molti grandi disastri cominciano così. Il prezioso vaso Ming della bisnonna della zia Palmira fa un volo ad angelo sul pavimento e diventa un divertente puzzle da mille pezzi; oppure finisci inseguito da un esercito di guardie mentre porti addosso un simbionte dal brutto carattere, una fame atavica e gusti culinari discutibili, che però ti dona i superpoteri. Dipende dal contesto.
Per chi non conoscesse la trama, Venom è la storia di Eddie Brock (Tom Hardy), un giornalista investigativo che, nel tentativo di risollevare la propria vita dopo aver perso lavoro e fidanzata (Michelle Williams), indaga su degli studi clinici sospetti portati avanti dalla Life Foundation. Durante un’incursione all’interno di tale organizzazione, entra in contatto con un’entità aliena che necessita di un ospite per la propria sopravvivenza e che quindi sviluppa con lui una sorta di simbiosi.

Ultima uscita dell’universo Marvel, da anni ormai la Sony desiderava portare sul grande schermo uno spin-off su Venom, senza però che il progetto riuscisse mai ad andare in porto. Finché non ha trovato in Ruben Fleisher (Benvenuti a Zombieland) un regista e in Tom Hardy il suo protagonista.
Per la sceneggiatura, immaginiamo sia andata più o meno così: “Vogliamo un film su Venom”.
“Ah bene, allora chiamiamo anche Tom Holland.”
“No, lascia perdere, possibilmente farei senza. Basta ci siano un po’ di fondamentali: un protagonista figo, una grossa minaccia per la Terra, un cattivo che fa un gran macello, un megalomane con un sacco di soldi e nessuno scrupolo… E gli effetti speciali, ovviamente. Comprate tante macchine da distruggere. Ah, e un cammeo di Stan Lee, mi raccomando, quello è importante. Ma ricordati di essere originale.”
“Consultiamo qualcuno di esperto, visto che eliminiamo Spiderman dalla trama?”
“Naaaa, cosa vuoi che sia mettere insieme i pezzi. Vedrai che torna tutto.”
Beh. Quasi. Diciamo che avrebbe potuto.
Ironia a parte, Venom ha un grosso difetto: appare figlio di uno sceneggiatore confuso. Da una parte è evidente la voglia di creare qualcosa di nuovo, di più cupo, quasi vietato ai minori. Si parla addirittura di ispirazione cronenbergiana. Dall’altra, la voglia di restare fedeli ai canoni dei film Marvel, compresa la loro caratteristica ironia e leggerezza.
Innovazione e tradizione, commistione di molteplici generi. Il film sembra voler intraprendere molte strade senza però arrivare davvero in fondo a nessuna.

Ci sono due talenti enormi, quelli di Hardy (inesorabilmente un interprete eccezionale) e della Williams, i quali funzionano anche molto bene, ma camminano su di una trama vacillante, inseriti in un contesto pieno di contraddizioni e sopraccigli alzati; troppe anche per un cine-comic in cui il regno del plausibile è espanso. In poche parole, il risultato è di avere mandato sprecato un grandissimo potenziale.
Uno spreco, come il non aver sfruttato appieno ciò che rende Venom uno dei più interessanti personaggi di questo universo: la sua dualità. Il conflitto tra due poli opposti tipico della schizofrenia, qui rappresentato dalla simbiosi forzata tra Eddie Brock e l’entità aliena (che meraviglia l’arte e il suo modo di vedere le cose!), che dovrebbe rappresentare il lato oscuro del protagonista ma che finisce quasi per rivelarsi un bonaccione troppo facile alle mani. Un contrasto, quello tra i due, che si risolve troppo velocemente; troppo facilmente. Best friends forever subito. E la trama ne risente, perde di efficacia.
Poco di impatto anche il villain della situazione. Ispira uggia più che odio e ciò porta l’ottima interpretazione del protagonista a essere sbilanciata.
Sicuramente Tom Hardy in motocicletta è una delle cose più sexy che si possano vedere nella vita ma, volendo essere più obiettivi e meno ormonali, questo non basta a soddisfare le più alte aspettative. Almeno cinematograficamente parlando.
Si può vedere, ma ci auguravamo meglio.
Speriamo che in futuro si aggiusti il tiro; speriamo nella splendida chioma di riccioli rossi di Woody Harrelson. Perché nella vita non si sa mai. In fondo, dopo quasi vent’anni di film Marvel, c’è ancora chi si alza e va via quando partono i titoli di coda. Lo direste mai?

Voto: 6/10

Immagini tratte da:
www. it.ign.com
www.foxlife.it
www.wired.it
www.corrieredellosport.it

​L’obiettivo di questa ventitreesima edizione del festival era quello di trovare un punto d’incontro tra i giovani appassionati e la generazione di cinefili più maturi ed esperti. La scelta dei titoli in gara è, quindi, ricaduta su 8 film, opere prime e seconde di giovani promesse oppure di autori in cerca di conferme, che coniugano la suddetta esigenza con uno sguardo attento rivolto al panorama internazionale. Questa sera, durante la cerimonia conclusiva alle ore 19,d verranno svelati i titoli vincitori dei premi giuria e pubblico per il concorso dedicato ai lungometraggi. Il Termopolio, dopo avervi parlato in esclusiva dell’avveniristica sezione Ultra Reality, vi presenta tre dei titoli più convincenti in una selezione solida e combattuta.

Il genere d’animazione è spesso fonte delle migliori sorprese di un’intera stagione cinematografica: dietro a una confezione spensierata, leggera può nascondersi una storia e delle riflessioni di una profondità sconcertante. L’ultima fatica animata di Santiago Caicedo appartiene a questa categoria. La storia di Virus Tropical, tratto dall’omonima graphic-novel parzialmente autobiografica di PowerPaola, si snoda non solo a cavallo tra Equador e Colombia ma anche tra adolescenza ed età adulta. Difficile pensare a una realtà ricca di colori e sfumature quando la sua rappresentazione sul grande schermo è segnata da un marcato contrasto bianco-nero e un’orgogliosa bidimensionalità che, con qualche contraddizione, inganna con giochi di profondità. Tuttavia, la storia di una famiglia sudamericana, attraverso dinamiche figure femminili di diverse generazioni, riesce a donare vivacità e un pizzico di magia a un contesto storico e culturale che, all’apparenza, non sembra suggerire opportunità né prospettive. Una messa in scena piuttosto esplicita ma nel complesso giustificata incornicia una storia che trova la sua forza ricordando che anche i fatti inattesi, gli errori e un virus tropicale, in un continuo ritorno, possono diventare i migliori alleati.

Partito dalla Ruanda e poi presentato al Toronto Film Festival, The Mercy of the Jungle di Joel Karekezi racconta, senza la canonica retorica dei film di guerra, una delle pagine più sanguinose della storia africana. Durante la seconda guerra del Congo, un granitico comandante e un giovane e inesperto combattente rimangono completamente soli in pieno territorio nemico, in un ambiente ostile. In una pericolosa e ingannevole giungla africana muove i suoi passi questa storia insolita che unisce la tensione da survival movie all’amara ironia da buddy movie sfruttando un’atmosfera quasi on the road. Nonostante qualche prolissità nella prima parte, il film, poggiandosi interamente su un carismatico duo protagonista, riesce a trovare il giusto equilibrio tra avventura e dramma rievocando con grande maestria un clima in cui amico e nemico si confondono, in cui giusto e sbagliato si scambiano in nome di insospettabili legami personali. Un’opera seconda di grande pregio che trova i giusti toni senza eccedere.

Vincitore del Gran Premio della Giuria al SXSW2018, Thunder Road, nato dallo sviluppo dell’omonimo cortometraggio del 2016, segna la definitiva consacrazione di Jim Cummings che, dopo aver diretto diversi acclamati corti, esordisce sulla lunga durata con un racconto tragicomico genuino e sincero. Nella veste anche di protagonista, lo statunitense si avventura tra perdite, sconfitte e affetti dell’uomo medio, il perfetto cittadino dell’era trumpiana avvolto da una silenziosa rassegnazione. Con toni luminosi che ricordano il miglior Linklater, una sceneggiatura brillante e travolgente gestisce al meglio i toni comici e drammatici, scandendone i volumi e i tempi attraverso una coppia padre-figlia magnetica capace di commuovere con semplicità narrando una vita in caduta libera. Si sentirà parlare sempre di più di Jim Cummings, un artista che ha tutte le carte in regola per conquistarsi un ruolo di prestigio sulla scena cinematografica internazionale mantenendo freschezza, divertimento e sottile attenzione rivolta a ciò che è più concretamente vicino al pubblico.

Questo trio di pellicole ha conquistato la curiosità e l’entusiasmo de Il Termopolio nella fervente attesa di scoprire i nomi dei trionfatori di questa scoppiettante ventitreesima edizione di Milano Film Festival che, alla sua chiusura, può vantare anche un’esclusiva proiezione di ROMA,  il film di Alfonso Cuaron vincitore del prestigioso Leone d’Oro.

Immagini tratte da www.milanofilmfestival.it

​Titolo: Dark Resurrection - I custodi della Forza
Anno: 2018
Regista: Angelo Licata
Aiuto regia: Mattia Stancanelli
Primo operatore: Andrea Navicella 
Fotografia: Riccardo Antonino e Luca Facheris​
Costumi: Giulia Danese
Scenografia: Morena Trevisol​
Effetti speciali del trucco: Mila Mirenghi​. 
Armi: le armi blaster di scena sono opera del propmaker Roby Rani, le spade sono state realizzate da Skyforge, Piero Bockos, Andrea Zanichelli e Luigi Bellucci della 501st italica garrison hanno contribuito con props e armature
Supporto tecnico: la casa di produzione torinese Robin Studio
Assistenti di produzione: gli studenti del corso di Ingegneria del Cinema del Politecnico di Torino​
Produzione: Riviera Film​, l’associazione culturale del sanremese Angelo Giampietro​ che supporta la saga di Angelo Licata fin dal 2007
Effetti speciali in post-produzione:  Mirco Paolini​ e alcune sequenze VFX verranno realizzate da un’importante realtà italiana: la Hive Division​ di Giacomo Talamini
Cast: Daniele Balconi (Dan Lee), Michael Segal (Lord Drown), Olga Shapoval (Ruya), Lorenza Testa (Sabine), Giuseppe Licata (Sorran), Maurizio Zuppa (Zui Mar) e Grazia Ogulin (Nemer)

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Il film Guerre Stellari che narra le avventure dello Jedi Luke Skywalker e del suo maestro Obi-Wan Kenobi, impegnati nella lotta contro il Lato Oscuro della Forza a fianco dell'Alleanza Ribelle, guidata dalla Principessa Leila con il contrabbandiere Ian Solo, ha conquistato fan da ogni parte del mondo. Così è nata  Dark Resurrection, la prima serie di fan film italiana scritta, prodotta e diretta da Angelo Licata e basata sul franchise di Star Wars di George Lucas. Il primo film Dark Resurrection - Volume 1 è stato diffuso il 7 giugno 2007 sul web, raggiungendo in poco tempo i 15.000 download al giorno, lasciando a bocca aperta tutto il mondo e si era persino meritato il plauso della Lucasfilm, che aveva autorizzato la proiezione no profit descrivendo il film «Truly amazing». Nel 2011 è uscito il prequel di grande successo Dark Resurrection - Volume 0 che ha realizzato milioni di visualizzazioni su YouTube e grazie alle donazioni dei fan da tutto il mondo, è stato possibile realizzare un capitolo conclusivo Dark Resurrection - I custodi della Forza, le cui riprese sono da poco terminate e che, dato l’ambizioso arco narrativo, è stato declinato in parte in un romanzo illustrato e in parte in un prodotto video a metà strada fra il cortometraggio e il trailer. "È cosa più spettacolare che io abbia mai fatto" - ha dichiarato l’attore Michael Segal​ che nel film ha interpretato il malvagio Lord Drown.

​A differenza della maggior parte delle produzioni nostrane, le scene d’azione sono state girate grazie all’uso di cavi ed effetti speciali che hanno permesso agli attori di compiere evoluzioni degne dei film Marvel più recenti. 

​Nel ruolo dell’eroe Dan Lee, l’attore e stunt-man Daniele Balconi che è anche responsabile di tutte le scene acrobatiche e delle coreografie di combattimento.
Ad affiancarlo Olga Shapoval​, attrice e modella che ha prestato il suo volto al personaggio di Ruya, una Han Solo al femminile completamente inedita e, infine, la giovanissima Lorenza Testa​ ha interpretato la piccola Sabine. 

​Al cast si sono uniti gli attori storici della saga oltre a numerose comparse da tutta Italia (nel primo film della saga sono comparsi anche alcuni volti noti della tv come  Sergio Múñiz e Giorgia Würth). Le riprese, invece, sono state effettuate a Carmagnola presso lo studio di posa in green screen Ouvert. "Il desiderio di elevare la qualità dei lavori precedenti era fortissimo” racconta il regista Angelo Licata, "per questo ho lavorato a lungo alla previsualizzazione. Nel frattempo ho messo insieme una squadra incredibile e piena di talento.  Negli ultimi anni ho calcato molti set ma Dark Resurrection resta il mio primo amore. L’aria che si respira qui è diversa, è fatta da persone che partecipano solo per passione, e puoi sentire il fuoco dell’arte in ognuno di loro, un po’ come la “Forza” di Star Wars, ci attraversa, ci tiene uniti, ci lega.”

​La troupe composta prevalentemente da professionisti del settore ha aderito al progetto senza pretendere alcun compenso per amore verso il cinema  e per sperimentare finalmente un genere che in Italia non viene più prodotto da troppo tempo. Fra pochi giorni inizierà la difficoltosa post produzione. Per assaporare l’opera ci vorrà ancora qualche mese di attesa, ma come per ogni episodio precedente, la visione sarà completamente gratuita. La saga è disponibile sia sul sito di Dark Resurrection che sulla pagina Youtube.

​Immagini tratte da:
Le foto e le immagini sono state gentilmente concesse da Lisa lo Presti e dall’attore Michael Segal

La Virtual Reality si sta imponendo gradualmente come una delle esperienze con maggiore potenziale nel mondo dell’intrattenimento e non solo. Dopo aver incuriosito e appassionato soprattutto nell’universo del gaming, questa tecnologia è diventata una delle più accattivanti prospettive per la cinematografia anche in ambito lavorativo. In quest’ottica nasce Ultra Reality, sezione frutto della collaborazione tra Milano Film Festival, BASE Milano e Proxima Milano con il supporto di Gruppo CAP e Fastweb Digital Academy. Dal 4 al 7 ottobre, la Sala Lounge di BASE Milano si trasforma in un percorso multimediale attraverso culture, tradizioni e avanguardie catturate da 16 contenuti di realtà aumentata.

Il capoluogo meneghino protagonista dell’evoluzione dell’intrattenimento

Con Ultra Reality il pubblico si approccia in modo innovativo all’arte e all’intrattenimento incentivando anche lo sviluppo di una rete internazionale per la promozione, produzione e distribuzione di contenuti realizzati con questa tecnologia. Il direttore creativo del World VR Forum - tra i maggiori sostenitori di questa nuova sezione -, Salar Shahna, durante la conferenza stampa del 3 ottobre ha giustamente sottolineato come questo nuovo progetto possa rendere Milano protagonista e pioniere di questa forma di intrattenimento a livello europeo, affiancandosi anche ai più celebrati festival cinematografici.

Il capoluogo lombardo concretizza ambizioni e proposte con una selezione di esperienze pronta ad avventurarsi in ogni sfumatura dello spettro cinematografico: dal documentario alla narrativa senza dimenticare l’animazione. I titoli scelti da Aimone Bodini, VR Programmer della sezione, sanno realmente trovare un punto d’incontro tra tradizione e innovazione, dando spazio a voci provenienti da ogni parte del pianeta e permettendo il confronto e l’intreccio tra queste. Non solo riflessioni su una nuova forma di tecnologia bensì un’opportunità per trovare letteralmente una nuova prospettiva.
 
Viaggi nello spazio e realtà non più così lontane
 
Il pubblico del Milano Film Festival vivrà da protagonista le emozioni e le sensazioni di una piccola grande rivoluzione cinematografica in due modalità. I titoli in programma possono essere gustati sia nell’esclusivo VR Theatre oppure nei panel a tema con postazioni singole dotati delle migliori tecnologie audio-visive. Il Termopolio ha assistito in anteprima per voi a queste “proiezioni” uniche nel loro genere, scoprendo non pochi gioiellini frutto di grande tecnica e passione.

Il pionieristico studio canadese Felix & Paul vanta la paternità di due tra i titoli più affascinanti dell’intera sezione, unendo in modo riuscito storia e avanguardia. Nomads, già protagonista della scorsa edizione del Sundance Film Festival, trasporta lo spettatore al fianco delle popolazioni nomadi dal Kenya al Borneo. Con Space Explorers: New Dawn, invece, si viaggia - guidati dalla voce di Brie Larson- a bordo dei più tecnologici mezzi della NASA alla ricerca di nuove frontiere. Entrambi i corti rappresentano la perfetta metafora dello sviluppo della VR che, tuttavia, non si ferma alla semplice vocazione documentaristica. Con maturi toni d’animazione, in Blind Vaysha il pubblico si “appropria” dell’insolita peculiarità degli occhi della protagonista che esorta a vivere nel presente. Da non perdere, all’interno di una valida selezione, Tales of Wedding Rings della casa di produzione giapponese Square Enix: l’universo dei manga, tra entusiasmo e un pizzico di magia, conquista nuove dimensioni con angoli prospettici senza precedenti.

Ultra Reality, ambiziosa e pronta a grandi sfide, porta il Milano Film Festival su un nuovo livello, superando limiti e ponendo continuamente nuovi obiettivi da raggiungere. Un appuntamento imperdibile, visitabile fino a domenica 7 ottobre dalle 10 alle 22 solo a BASE Milano.
 
Immagini tratte da:
www.milanofilmfestival.it

Paese: Stati Uniti
Anno: 2018
Formato: Miniserie Tv
Genere: Commedia, drammatico, fantascienza
Puntate: 10
Regia: Cory Fukunaga
Sceneggiatura: Patrick Sommerville
Produzione: Anonymous Content, Paramount Television
Cast: Emma Stone, Jonah Hill, Justin Theroux, Sonoya Mizuno; Gabriel Byrne, Sally Fields

Torna la stagione delle serie tv e Maniac è la mini serie con cui Netflix apre i giochi.
Diretta da Cory Fukunaga (il primo True Detective) e sceneggiata da Patrick Sommerville (The Leftovers), Maniac è basata su di un omonimo format norvegese del 2014 e conta dieci puntate di durata variabile tra i 25 e i 50 minuti.
In un futuro un po’ involuto e dal gusto vintage, tappezzato da grossi e luminosi neon che ricordano “Blade Runner” e dove i computer tornano a essere grosse scatole e a occupare intere pareti, vivono Annie (Emma Stone) e Owen (Jonah Hill). Lei è fortemente depressa, lui schizofrenico; presentati in poche brevi inquadrature, in un primo momento non sappiamo nulla di loro. Solo due cose appaiono subito evidenti: una enorme sofferenza e un baratro di solitudine. I due, ormai passivi nei confronti dell’esistenza, decidono di prendere parte a una sperimentazione clinica su base volontaria che, se avrà successo, promette di curare, con tre pasticche, tutti i loro disturbi.
Ideatore di questo rivoluzionario trattamento, l’eccentrico Dott. James Mantleroy (Justin Theroux), esso stesso oppresso da ingenti problemi irrisolti legati alla presenza ingombrante della celebre madre psichiatra, interpretata da un’eccezionale Sally Fields.

Comincia la sperimentazione e quindi un viaggio nei meandri della mente umana e che, a causa di un’anomalia del sistema, diventa un susseguirsi di fantasie bizzarre attraverso le quali i due protagonisti devono affrontare i propri demoni interiori e che, cinematograficamente, si traduce nell’esplorazione di diversi generi, dal fantasy fino al noir.
Due interpretazioni opposte ma complementari e grandiose.
Emma Stone è istrionica: a ogni svolta narrativa la si vede cambiare sfumatura emotiva, passando dalla rabbia alla rassegnazione, fino quasi al cartoon. Più interiorizzata e introversa la performance di Jonah Hill, voluto come coprotagonista dalla stessa Stone, con la quale ha stretto una grande amicizia dai tempi di Superbad (2007) e che si è cimentato in uno studio drammatico di enorme spessore.
La serie si pone il grande interrogativo dei nostri giorni, in cui, tra videogiochi e social network, è sempre più forte il mondo virtuale. Cosa è reale? Cosa conta davvero?
Se ha un difetto, è quello di non dare una risposta, perdendosi nei risvolti spesso bizzarri della sua stessa narrazione. Eppure è una mancanza che non pesa sulla riuscita finale di un prodotto assurdamente divertente che ti invoglia a procedere da un episodio al successivo, spinto da una curiosità irrazionale, che non sa cosa aspettarsi, cosa esattamente voglia scoprire.
I mondi interiori di Annie e Owen si sovrappongono e tra i due si sviluppa un legame, un’empatia, una complicità sconosciuta che all’inizio li spaventa e viene osteggiata ma che, alla fine dell’esperienza a cui si sono sottoposti, li lascerà, se non guariti, di certo non più soli. La serie, quindi, narra anche la storia di un sentimento che nasce dove tutto allontana, sviluppata con equilibrio e dolcezza.

Maniac è una serie audace, innovativa, assolutamente e totalmente strana. Facendone la sua serie di punta per questo autunno, Netflix osa, come solo una potenza quale il sito di streaming è ormai diventato, può e deve fare. Osa ma avvalendosi di professionisti eccezionali, compresi i doppiatori italiani (Domitilla D’Amico, Simone Crisari, Chiara Salerno, Massimo Lodolo, Christian Iansante), il cui lavoro è stato ineccepibile. E il risultato vale l’investimento.
Consigliato a chi ha una grande apertura mentale, a chi cerca qualcosa di diverso, a chi ama il cinema e la sua capacità esplorativa e intrattenitrice.
Voto: 8,5/10

Immagini tratte da:
www.cartoonmag.it
www.avclub.it
www.avclub.it
www.mashable.com
www.gingergeneration.it

di Salvatore Amoroso

BlacKkKlansman: la recensione del film di Spike Lee vincitore del Grand Prix al Festival di Cannes 2018.

Titolo: BlacKkKlansman                           
Paese di produzione: USA
Anno: 2018
Durata: 135’
Genere: commedia, poliziesco
Regia: Spike Lee
Sceneggiatura: Spike Lee, David Rabinowitz, Charlie Wachtel, Kevin Willmott
Produttore: Jason Blum, Spike Lee, Jordan Peele
Distribuzione: Universal Pictures
Fotografia: Chayse Irvin
Montaggio: Barry Alexander Brown
Colonna sonora: Terence Blanchard
Costumi: Marci Rodgers
Cast: John David Washington (detective Ron Stallworth), Adam Driver (detective Flip Zimmerman), Laura Harrier (Patrice Dumas), Topher Grace (David Duke), Jasper Pääkkönen (Felix Kendrickson), Ryan Eggold (Walter Breachway), Robert John Burke (Bridges), Corey Hawkins (Stokely Carmichael), Harry Belafonte (Jerome Turner).

Non ci avrebbe più scommesso nessuno ma a sessantuno anni suonati il ribelle Spike Lee è tornato e lo fa in grande stile. Con il suo BlacKkKlansman è riuscito a vincere il Grand Prix al Festival di Cannes 2018 combinando la levigatezza stilistica della 25a ora con il controverso potenziale di Bamboozled. Spike mette le cose in chiaro fin dall’inizio: “DIS JOINT IS BASED UPON SOME FO’ REAL, FO’ REAL S”, si tratta appunto di un romanzo sconosciuto di un poliziotto afroamericano Ron Stallworth che nel 1972 si infiltra nel Ku Klux Klan di Colorado Springs. Prodotto dal team di Get Out, capitanato dal rampante Jordan Peele, che ha portato la storia a Lee, BlacKkKlansman scivola senza soluzione di continuità dall'umorismo assurdo all'orrore fin troppo realistico, evocando un'urgente miscela di satira d'epoca sociopolitica e sveglia moderna.

John David Washington offre una performance meravigliosamente ironica ed eroica come Ron Stallworth, un idealista afro che diventa "la Jackie Robinson" della ex-polizia bianca di Colorado Springs. Dopo aver ingoiato diversi “rospi” nell’archivio del dipartimento, Stallworth viene subito promosso nella sezione intelligence e risponde a un annuncio di giornale per il KKK, spacciandosi al telefono per un bianco suprematista in erba. Qui subentra la parte comica del film, perchè Ron commette un errore da principainte e quando sono richiesti incontri faccia a faccia, il suo collega ebreo, Flip Zimmerman, interpretato da un timido Adam Driver, viene arruolato per vestire i suoi panni e partecipare alle riunioni del KKK, in cui il terrorismo fatto in casa viene servito con “formaggio e cracker”. Presto nascerà un forte legame con il grande maestro David Duke (Topher Grace), il “futuro sorridente” dell’organizzazione.

Con le sue lunghissime inquadrature, riprese in 35mm dal direttore della fotografia Chayse Irvin e un ottimo lavoro dei costumi, BlacKkKlansman evoca elegantemente il cinema del suo ambiente, le citazioni a The French Connection, Serpico e Dog Day Afternoon vengono riproposte di continuo. Ci sono conversazioni giocose su Shaft vs Super Fly e sui relativi meriti di Richard Roundtree e Ron O'Neal, mentre la splendida colonna sonora di Terence Blanchard fonde il funk della chitarra e della batteria con le corde del thriller classico. Eppure non c'è nulla di nostalgico in quest’evocazione di un'epoca passata: Lee infatti ci ricorda che lo storico odio razziale non è affatto cambiato, mostrandoci le terribili immagini di Charlottesville nel 2017 e la stupefacente “colpa da entrambe le parti” del presidente Trump agli attacchi neonazisti. Come in Malcolm X, utilizzando il filmato di Rodney King, Lee combina efficacemente le lotte del passato e del presente in un potente continuum cinematografico di grande impatto emotivo.

La cosa più notevole è quanto Lee sia in grado di bilanciare i cambiamenti di tono del film, provocando sia risate che sussulti con un soggetto basato sul dualismo: realtà e finzione, passato e presente, dentro e fuori e persino le grida arrabbiate di “potere bianco” e “potere nero”.  É arrabbiato Spike Lee, e giustamente. Ma la sua rabbia non lo acceca. Il newyorchese è anzi lucidissimo nelle sue intenzioni e nel modo di declinarle, usando il cinema per demolire, stigmatizzare e demonizzare il suprematismo bianco, così come il cinema e Nascita di una nazione gli diedero nuova vita. Sa bene che oggi c'è bisogno di un nuovo radicalismo che non sia limitato alla sola comunità nera, ma che coinvolga tutti, anche i bianchi, e tutte le altre etnie e razze del pianeta, che porti avanti la sua protesta nel nome di quello che è giusto e umano. Crede fermamente anche nel potere del cinema di cambiare le persone per sempre e lo dice chiaramente: non solo “power to the people”, ma “all the power to all the people”.

Da un'apparizione di apertura brillante di Trump-flagello Alec Baldwin al duro e pesantissimo racconto di Harry Belafonte, l’intero cast è un pugno poderoso, aiutato da ottime spalle come la perfida Ashlie Atkinson alias la perfida e insopportabile Connie, Corey Hawkins aka il leader ex pantere nere Kwame Ture o Paul Hauser che interpreta l’imbranato Ivanhoe. Eppure la vera star qui è Lee. Dopo le incertezze di Oldboy e Chi-Raq, è bello vedere questo cineasta ribelle all'apice dei suoi poteri provocatori. Bentornato fratello Spike.

Immagini tratte da:
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