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di Federica Gaspari L’ambito Pardo d’Oro è stato assegnato al portoghese Pedro Costa, coronando un’edizione tra innovazione e tradizione. Si è conclusa oggi la 72esima edizione del prestigioso Locarno Film Festival, imprescindibile appuntamento estivo del calendario delle kermesse cinematografiche più importanti del mondo. Dieci giorni di cinema, tradizione e innovazione - sotto l’attento e brillante sguardo della direttrice artistica Lili Hinstin - hanno trasformato il Lago Maggiore ancora una volta in uno spumeggiante palcoscenico su cui hanno trovato spazio nuovi talenti e grandi maestri della settima arte.  Concorso Internazionale La corsa per il Pardo d’oro ha visto scendere in campo cineasti navigati e registi quasi esordienti. La costante, però, è sempre stata una visione insolita e innovativa sul passato, sul presente e sul futuro, I 17 titoli in concorso quest’anno hanno saputo avventurarsi tra mille generi affrontando tematiche e problematiche di attualità. Il vincitore, anzi, il trionfatore alla fine, tuttavia, è stato solo uno. Vitalina Varela, storia del viaggio di una donna capoverdiana in Portogallo in cui aspettative e realtà si scontrano, ha conquistato non solo il Pardo d’oro, il titolo più ambito, bensì anche il premio per la migliore attrice protagonista. Non mancano anche riconoscimenti per l’ottimo Pa-go del coreano Park Jung-bum, il brillante Les Enfants d’Isadora e la sorpresa A Febre. Tra le menzioni d’onore trova spazio anche l’italiana Delpero con Maternal. Pardo d’oro (Gran Premio del Festival) Vitalina Varela - Pedro Costa  Premio speciale della giuria (Comuni di Ascona e di Locarno) Pa-go - Park Jung-bum  Pardo per la miglior regia (Città e Regione di Locarno) Les Enfants d’Isadora - Damien Manivel  Pardo per la migliore interpretazione femminile Vitalina Varela - Vitalina Varela  Pardo per la migliore interpretazione maschile A Febre - Regis Myrupu  Menzioni speciali Hiruk-Pikuk Si Al-Kisah - Yosep Anggi Noen Maternal - Maura Delpero Cineasti del Presente Nella sezione Cineasti del Presente, dedicata agli autori emergenti oppure alla loro seconda o terza opera, la pellicola senegalese Baamum Nafi di Mamadou Dia si aggiudica il premio più importante grazie alla sua abilità di intrecciare quotidianità con estremismi e problematiche più ampie. Pardo d’Oro – Cineasti del Presente Baamum Nafi - Mamadou Dia  Miglior regista emergente (Città e Regione di Locarno) 143 Rue Du Désert - Hassen Ferhani Premio special della giuria Ciné+ Ivana Cea Groaznica - Ivana Mladenovic Menzione speciale Here for Life - Andrea Luka Zimmerman, Adrian Jackson Moving Ahead Moving Ahead Award The Giverny Document (Single Channel) - Ja’Tovia M. Gary Menzioni speciali Those That, at a Distance, Resemble Another - Jessica Sarah Rinland Shan Zhi Bei - Zhou Tao Numeri e grandi ospiti Anche questa edizione è stata arricchita dalla presenza di grandi nomi del cinema del panorama internazionale. Il ruolo dell’eclettico John Waters, omaggiato con le proiezioni dei suoi film più iconici, è stato riconosciuto con la consegna del Pardo d’onore. L’attrice premio Oscar Hilary Swank ha ricevuto il Leopard Club Award, un riconoscimento che ha trovato grande entusiasmo anche tra il pubblico che ha partecipato agli eventi che hanno visto protagonista l’attrice. L’Excellence Award, invece, è finito tra le mani di Song Kang-ho, icona del cinema coreano e protagonista della Palma d’Oro Parasite di Bong Joon-ho, anch’egli presente alla kermesse.  Piazza Grande per dieci giorni si è trasformata nel più grande cinema sotto le stelle e le star, quelle del cinema, non sono mancate sul grande schermo del fulcro cittadino di Locarno: da C’era una volta a…Hollywood di Quentin Tarantino a Instinct – film con Carice Von Houten premiato con il Variety Piazza Grande Award – senza dimenticate il thriller 7500 con Joseph Gordon-Levitt.
Con la sua 72esima edizione, il Locarno Film Festival ha dimostrato di saper trovare uno sguardo sul panorama internazionale in grado di coniugare l’animo autoriale con quello più pop. Questa prospettiva ha rappresentato la mossa vincente per una kermesse che conferma e rinnova la sua grandissima qualità. Maggiori info su: (Immagini tratte da) www.locarnofestival.ch © Sabine Cattaneo / Locarno Film Festival
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di Federica Gaspari  Genere: commedia, drammatico Anno: 2019 Regia: Tyler Taormina Attori: Haley Bodell, Cole Devine, Aaron Shwartz, Lori Beth Denberg, Danny Tamberelli, Clayton Sneyder Sceneggiatura: Tyler Taormina, Eric Berger Fotografia: Carson Lund Montaggio: Kevin Anton Produzione: Tago Clearing Film Studio, Omnes Films Paese: Stati Uniti Durata: 85 min Esordi, opere seconde o terze di registi emergenti provenienti da ogni parte del mondo: i primi passi caratterizzati da uno sguardo personale e unico sono in concorso nella sezione Cineasti del presente del 72esima edizione del Locarno Film Festival. Una selezione variegata e internazionale dona voce alle idee più originali spesso nella loro semplicità. E’ questo il caso di quello che può essere considerato un titolo perfettamente esemplificativo di tutte le intenzioni. Ham on Rye, primo lungometraggio curato dal regista classe 1990 Tyler Taormina, è un viaggio lineare ma non troppo in una realtà sospesa ma non per questo meno concreta. Girato con soli sedici giorni di riprese e un cast di oltre cento persone nella cornice della valle di San Fernando, questa pellicola è sorprendente e coinvolgente nonostante qualche perdonabile ingenuità nei ritmi narrativi.  L’abito pronto per l’occasione, il dettaglio al posto giusto e la sveglia puntata sull’orario in cui ogni preparativo avrà inizio: il viaggio che porterà i ragazzi di una piccola cittadina ad un evento cruciale quasi con una processione rituale a cui non si può sfuggire. L’attesa si nutrirà di sogni e speranze che, tuttavia, potrebbero trasformarsi in disillusione e confusione. Tutto culminerà in una festa danzante, tra sorpresa, imbarazzo e decisioni che segneranno il futuro dei protagonisti.  Un nutrito cast di giovanissimi attori e soleggiati paesaggi della provincia a stelle e strisce in una calda giornata che apre le porte delle agognate vacanze estive: ogni dettaglio lascia pensare all’ennesimo coming-of-age movie costruito da manuale senza troppa originalità o passione. Cosa può fare allora la differenza in un film di questo tipo? Schemi e strutture inevitabilmente si ripetono, non per questo, tuttavia, l’originalità nei toni e nelle atmosfere deve essere sacrificata. Il lungometraggio di Tyler Taormina, con invidiabile freschezza e surreale delicatezza, trova un’insolita e piacevole combinazione tra le narrazioni sulla giovinezza di Richard Linklater e le ambigue e le oniriche parabole di David Lynch.  Lo sguardo di Taormina, nella triplice veste di regista, sceneggiatore e produttore, seguono i preparativi di un inevitabile rito di passaggio per i ragazzi della cittadina. C’è eccitazione, paura, curiosità e profonda inquietudine. Ogni sfumatura della vasta gamma di emozioni adolescenziali trova spazio sulla tela di Ham on Rye. La prima parte del film si concentra proprio su questo, avvolgendo con un’intrigante coltre di mistero l’atteso evento da Monty’s, piccolo locale e punto di ritrovo dell’intera comunità. Riti ironicamente ancestrali e aspettative si incontrano nel “giorno più importante della loro vita”, l’occasione che determinerà il passaggio dall’adolescenza all’età adulta, cambiando destino ad ogni ragazzo. Dopo balli e feste, allora, ci saranno coloro che troveranno la loro strada, in netto contrasto, in uno straniante universo sospeso, con i ragazzi che, senza meta, rimarranno spaesati nella loro cittadina. Il film diventa così un originale e crudelmente ironico racconto di chi parte e chi resta, di ragazzi divisi tra realtà e desideri in una moderna e surreale versione dell’iconico American Graffiti di George Lucas.
Immagini tratte da: www.locarnofestival.ch Foto scattata in occasione della 72esima edizione del Festival di Cannes Di Federica Gaspari  Genere: commedia, drammatico Anno: 2019 Regia: Quentin Tarantino Attori: Leonardo DiCaprio, Brad Pitt, Margot Robbie, Emile Hirsch, Al Pacino, Dakota Fanning, Bruce Dern, Austin Butler Sceneggiatura: Quentin Tarantino Fotografia: Robert Richardson Montaggio: Fred Raskin Produzione: Heyday Films Paese: Stati Uniti Durata: 161 min Molte pellicole e altrettanti registi negli anni hanno cercato di catturare la vera essenza del cinema mostrandone dinamiche e retroscena. Da Kelly ai fratelli Coen passando per Hazanavicious e Chazelle, l’immaginario del grande schermo, con tutte le sue sfumature di genere - o quasi! -, in un appassionante gioco meta-cinematografico ha spesso raccontato e sognato se stesso. Alla mitologia del cinema che narra la propria leggenda si aggiunge un nuovo capitolo grazie all’ultima fatica del regista cinefilo per eccellenza: Quentin Tarantino. C’era una volta a… Hollywood, sin dalla diffusione delle prime immagini con Leonardo DiCaprio e Brad Pitt, ha saputo giocare con la curiosità degli appassionati della settima arte. Dopo l’anteprima in concorso a Cannes, il film approda in esclusiva alla 72esima edizione del Locarno Film Festival in una speciale proiezione sotto le stelle del cinema all’aperto della Piazza Grande, fulcro della dinamica kermesse che ogni anno illumina il Lago Maggiore. IlTermopolio ha conosciuto in anteprima tutte le eclettiche personalità che animano questa pellicola, in uscita in Italia il 18 settembre.  Al tramonto degli anni Sessanta, Hollywood continua ad essere la luccicante fabbrica di sogni che per decenni ha dominato l’industria dell’intrattenimento. Il grande schermo, tuttavia, non sembra sorridere facilmente a tutti, nemmeno ad un navigato attore televisivo come Rick Dalton (Leonardo DiCaprio), interprete alla ricerca di un posto tra le grandi star. Insieme alla sua controfigura nonché migliore amico (Brad Pitt), Dalton cercherà tra ironia e fortuna la strada per il successo. La rovente estate del 1969, tuttavia, sembra avere piani ben più drammatici per il futuro di Hollywood. L’efferato omicidio dell’attrice Sharon Tate (Margot Robbie) cambierà per sempre l’illusione del grande schermo.  In un confuso ma dinamico periodo per l’industria dell’intrattenimento, Quentin Tarantino sceglie quello che è considerato il momento più turbolento e drammatico nella storia del cinema come fulcro della sua narrazione. Con toni costantemente in un irriverente equilibrio tra commedia e dramma, l’acclamato cineasta di Knoxville omaggia riferimenti e schemi della sua arte, giocando abilmente con icone e leggende. La scelta di un racconto basato su eventi realmente accaduti non frena assolutamente la creatività del regista anche se, forse, in parte ne influenza lo stile. Per buona parte della durata, infatti, il film inaspettatamente non punta sui caratteri più marcati di Tarantino, scegliendo un’insolita ma non meno appassionata narrazione lineare dai ritmi poco concitati.  La voce di Tarantino, tuttavia, è inconfondibile, soprattutto in un fantastico finale che cambia le regole del gioco e aggiunge anche un’inconsueta e inedita venatura malinconica alla storia. Grazie a questa sensazione che emerge con tutto il suo potenziale nell’epilogo, C’era una volta a… Hollywood imprime su pellicola tutte le contraddizioni coniugate in sogni e disillusioni di un’intera epoca memorabile non solo per il suo lato più scintillante. Certamente non sarebbe stato possibile senza un’accuratissima colonna sonora – altro marchio di fabbrica tarantiniano – e soprattutto un dream team di attori che incarna archetipi e stereotipi di un’era cinematografica portandoli su un altro livello. DiCaprio, perfetto nella sua gigioneggiante ossessione per il successo, diventa così l’attore incapace di reinventarsi ed entrare nella leggenda, in grado di conoscere solo la vera fama con un surreale e sfuggente incontro con Sharon Tate, una divina Margot Robbie capace di lasciare il segno nonostante le discusse battute centellinate che scolpiscono nel mito un personaggio e un astro nascente. L’ultimo lungometraggio di Quentin Tarantino nei suoi 161 minuti dell’ultima versione racchiude infiniti livelli e generi in grado di stuzzicare i più appassionati cinefili. La carta vincente di questo film, tuttavia, rimane il suo animo squisitamente dolce-amaro che, mantenendo intatta la cifra del regista, trova nuove sfumature e varietà. Sarà proprio questo a stupire soprattutto il pubblico che ha meno familiarità con il mondo acceso e travolgente di Tarantino. Immagini tratte da: www.locarnofestival.ch Foto scattata in occasione della 72esima edizione del Festival di Cannes
di Matelda Giachi
Anno: 2019 Paese: USA Ideatori: Darren Star, Jennie Garth, Tori Spelling, Chris Alberghini e Mike Chessler Cast: Gabrielle Carteris, Shannen Doherty, Jennie Garth, Brian Austin Green, Jason Priestley, Tori Spelling e Ian Ziering Episodi: 6 Produzione: FOX Prima di Glee, Gossip Girl, di The OC, anche di Dawson’s Creek. E’ stato Beverly Hills 90210 a ufficializzare il teen drama come genere. Prima di Dawson, Joey e Pacey, c’erano Brandon, Kelly e Dylan. 10 stagioni andate in onda tra il 1990 e il 2000; hanno dominato gli anni ’90 e la vita televisiva di chi cresceva in quel periodo cantando le Spice Girls e i Backstreet Boys. Recentemente cinema e televisione ondeggiano tra il rilascio continuo di prodotti nuovi, soprattutto per ciò che concerne le serie tv, ormai strutturate come un insieme di piccoli film che del cinema vantano anche sceneggiatori, registi e cast e un forte richiamo nostalgico che ci porta a essere sommersi di reboot 
BH90210 nasce da un’idea di Tori Spelling e Jennie Garth, rispettivamente Donna e Kelly della serie, rimaste grandi amiche. Dopo aver consultato gli altri ex protagonisti, la decisione è stata quella di non dare vita ad un reboot propriamente detto; nessuno se la sentiva di rientrare direttamente in panni chiusi nell’armadio quasi venti anni fa. E’ stato così sviluppato un finto documentario di 6 puntate, una specie di dietro le quinte (il più grande esempio di una struttura simile si è visto in teatro e al cinema con Rumori Fuori Scena) in cui gli attori portano in scena se stessi alle prese con l’idea di un reboot della serie che li ha resi famosi. Uno spettacolo nello spettacolo. La sceneggiatura riunisce episodi di vita reali dei vari attori insieme a speculazioni giornalistiche e di puro gossip, assemblate insieme così da rendere lo spettatore incapace di distinguere cosa sia vero e cosa no. 
Questo primo episodio andato in onda in data 7 agosto 2019 si apre quindi con i membri del cast principale costretti a ritrovarsi in occasione di una convention per il trentennale dall’inizio della serie. Jason Priestly, Ian Ziering e compagnia sono una versione estrema e autoironica di loro stessi. Appaiono tutti un po’ infelici, bloccati in un momento di vita di passaggio. Carichi delle proprie frustrazioni e dei non detti, preda delle domande insinuanti dei fan e col peso della morte dell’amico e collega Luke Perry ancora da metabolizzare, è forse proprio in questo ritrovarsi forzato che intravedono la svolta di cui avevano bisogno ma non riuscivano a trovare. Il passato è ciò da cui occorre ripartire per andare avanti, ipotizza Tori Spelling a fine episodio quando propone a Jennie Garth di scrivere con lei un reboot di Bevely Hills 90210. Come già detto, loro due sono poi effettivamente le creatrici di questo prodotto. 
La 1x01 ha tutte le caratteristiche di un pilot, una funzione puramente introduttiva. Riunisce il cast, crea l’effetto nostalgia, lancia l’idea ma conserva tutti gli assi nella manica per le puntate successive, prima fra tutti Shannen Doherty, che qui appare solo di sfuggita quel tanto che basta per far capire che tornerà a creare scompiglio come ai vecchi tempi. Si prende lo spazio per onorare Luke Perry, considerato all’unanimità il cuore dello show e scomparso a marzo di questo stesso anno, negli unici momenti totalmente autentici dell’episodio. Manca a loro e manca a noi. Una partenza atipica e che lascia un po’ perplessi ma che si è rivelata meglio del previsto e muta parte dello scetticismo in speranza e perfino curiosità per gli episodi a venire. L’idea di richiamare il passato senza però intaccarlo direttamente potrebbe non rivelarsi poi così male. 
Voto: 6,5 Trailer 1x02: Di Federica Gaspari La stagione estiva dei festival di cinema non sarebbe la stessa senza il prestigioso appuntamento del Locarno Film Festival. Dal 7 al 17 Agosto la città svizzera ospiterà nell’affascinante cornice del Lago Maggiore dieci giorni di anteprime e proiezioni. Il Termopolio per la prima volta avrà l’onore di potervi raccontare questo evento, aggiungendo un altro importante festival al ricco calendario di appuntamenti di questa stagione cinematografica che non smette di stupire.  Il concorso internazionale La settantaduesima edizione del Locarno Film Festival sarà la prima sotto la guida della nuova direttrice artistica Lili Hinstin. I film in concorso proposti dal ricco programma coniugano uno sguardo ricercato con l’attenzione per il grande pubblico, mantenendo sempre la cura per la qualità che da sempre contraddistingue questo appuntamento. Parafrasando le parole della direttrice artistica, il Locarno Film Festival è un evento internazionale che prende rischi, osa e scommette su nuove idee e prospettive. Questa filosofia rimane il filo conduttore di una selezione di film che spazia tra diversi generi, culture e storie.  Le pellicole in gara nel concorso internazionale rispecchiano lo spirito del festival e comprendono nomi del calibro di Pedro Costa, Koji Fukada Joao Nicolau e Park Jung-bum e promettenti esordi tra cui Joe Talbot, Maura Delpero e Basil da Cunha. Chi si aggiudicherà l’ambito Pardo d’Oro?  A Febre, regia di Maya Da-Rin Bergmal, regia di Runar Runarsson Cat in the wall, regia di Mina Mileva e Vesela Kazakova Das Freiwillige Jahr, regia di Ulrich Kohler e Henner Winckler Douze Mille, regia di Nadege Trebal Fi Al-Thawra, regia di Maya Khoury Hiruk-Pikuk Si Al-Kisah, regia di Yosep Anggi Noen Les enfants d’Isadora, regia di Damien Manivel Longa Noite, regia di Eloy Enciso Maternal, regia di Maura Delpero O Film Do Mundo, regia di Basil Da Cunha Pa-Go, regia di Park Jung-bum Technoboss, regia di Joao Nicolau Terminal Sud, regia di Rabah Ameur-Zaimeche The Last Black Man in San Francisco, regia di Joe Talbot Vitalina Varela, regia di Pedro Costa Yokogao, regia di Koji Fukada Proiezioni sotto le stelle e ospiti d’eccellenza Non solo Concorso Internazionale: decine di film verranno proiettati in anteprima nelle categorie Concorso Cineasti del Presente, Pardi di domani e Piazza Grande. Quest’ultimo, in particolare, comprende una serie di film proiettati al cinema all’aperto allestito nell’omonima piazza nel centro di Locarno con una platea di 8000 spettatori. Tra i film al centro di questa selezioni ci saranno anche C’era una volta a… Hollywood! di Quentin Tarantino e 7500, thriller d’esordio di Patrick Vollrath con Joseph Gordon-Levitt. Tra gli ospiti speciali di questa edizione: il vincitore della Palma d’Oro di Cannes Bong Joon-ho insieme al suo attore di riferimento Song Kang-ho e l’attrice premio Oscar Hilary Swank.  Seguiteci su Facebook e Instagram per non perdere nemmeno un attimo della nostra grande avventura al Locarno Film Festival 2019!
Immagini tratte da: https://www.locarnofestival.ch/ di Federica Gaspari  Il 2019 verrà probabilmente ricordato come l’annata cinematografica segnata dal maggior numero di serie TV concluse. L’addio più iconico e doloroso di quest’anno è senza dubbio quello di "Game of Thrones", cult del piccolo schermo e titolo che ha garantito le fortune del network HBO. L’emittente statunitense rimane quindi priva del suo prodotto più amato. Quale sarà lo show che raccoglierà questa eredità in casa HBO? La sfida è apertissima non solo a serie originali alla terza stagione come Westworld. Le produzioni più interessate a questo ambito titolo, infatti, sembrano essere le assolute novità della stagione televisiva. Largo quindi alla reinterpretazione Watchmen ma, soprattutto, a "Euphoria". Proprio quest’ultimo è la grande sorpresa della programmazione televisiva del 2019 statunitense e non solo.  Dopo il debutto in seconda serata subito dopo la deludentissima seconda stagione di "Big Little Lies", Euphoria, settimana dopo settimana, ha conquistato, grazie soprattutto al passaparola sul web un ruolo di prestigio nel panorama internazionale. In pochi sanno, tuttavia, che lo show si ispira all’omonima mini-serie israeliana. Con l’ulteriore ma ingannevole aria da show originale, Euphoria dopo aver conquistato gli Stati Uniti si prepara ad appassionare il pubblico di italiano nel prossimo autunno su Sky.  Perché, tuttavia, questa serie ha fatto parlare così tanto di sé? Il nuovo gioiellino HBO, che vanta la produzione tra gli altri di Sam Levinson e Drake, riesce a lasciare il segno negli occhi e nella mente del pubblico perché propone un ritratto crudo e provocatorio degli adolescenti di oggi. Cosa distingue però Euphoria dagli altri mille teen drama che negli ultimi mesi hanno spopolato tra gli appassionati? La differenza deve essere ricercata nei toni e nei colori con cui il team degli autori ha scelto di raffigurare errori e difficoltà, mostrandone spietatamente la radice. Non sarà, quindi, così difficile trovare una messa in scena senza filtri e spesso violenta che ha posto la serie al centro di accese discussioni. Gli otto episodi della serie con questo obiettivo seguiranno quindi le vicende che vedono protagonista la diciassettenne Rue (la promettente Zendaya). La sua storia, già segnata da dipendenza da sostanze stupefacenti e complesse relazioni interpersonali, sarà il filo conduttore di un viaggio attraverso rapporti che già possono essere considerati malati, primi timidi amori, discutibili e scioccanti esperienze. Euphoria promette, quindi, di osare dove molti altri predecessori non hanno avuto di colpire duramente. Per scoprirlo, però, bisognerà aspettare ufficialmente la distribuzione italiana. Immagini tratte da: www.newsbusters.org www.hbo.com
Midsommar, che in Italia ha per sottotitolo Il villaggio dei dannati, è l’ambiziosa opera seconda di Ari Aster. Un delirante viaggio nell’incubo, horror emotivo privo di vie di fuga “logiche”, immerso nella luce nordica del sole di mezzanotte.
di Salvatore Amoroso
Dani e Christian sono una giovane coppia in crisi: lei si aggrappa a lui per paura della solitudine, lui vorrebbe lasciarla da tempo ma non riesce a farlo specialmente dopo che una tragedia familiare si è abbattuta sulla vita di Dani. Così anziché andare da solo in vacanza con gli amici, Christian porta con sé dagli Stati Uniti anche la fidanzata non proprio ben voluta dai suoi sodali: meta del viaggio è un remoto villaggio svedese dove si svolge un misterioso “festival”. Un lungo attacco di panico che inghiotte a ondate. Allucinazioni da depressione e ansia miste a un feroce e sempre meno represso desiderio di distruzione. Prima di ogni altra cosa Midsommar – Il villaggio dei dannati si distingue per il fatto di disinteressarsi al racconto “corretto” per esprimere invece visceralmente il profondo dolore di Dani (Florence Pugh, già apprezzata in Lady Macbeth) che ha perso la sua famiglia in modo orribile e si ritrova pure non amata da Christian (Jack Reynor), l’unica persona cui può aggrapparsi ma che non le è realmente legato. Essenzialmente sola, disperata e nonostante questo propensa a controllare le emozioni ragionevolmente, Dani lascerà fluire i propri stati d’animo soltanto a Hårga, immaginario villaggio della Svezia settentrionale che il regista Ari Aster (Hereditary – clicca qui per la recensione) ha creato assieme allo scenografo Henrik Svensson dopo studi e letture sui riti pagani dei popoli nordici e scandinavi e sul folklore delle hälsingegårds, le fattorie in cui vengono conservate memorie di usanze rurali, tribali e religiose.
Ad Aster non interessa chiudere il discorso definitivamente, onorando verosimiglianza e razionalità narrativa. Gli interessa invece accompagnare lo spettatore in un percorso psicotico di lutto, angoscia e reattività. Così come gli interessa accompagnare la sua protagonista dal fondo della negazione al trionfo di un istinto omicida, costruendo in questo senso una traiettoria emozionale chiara e necessaria al superamento del conflitto interiore. Se non avete voglia di essere disturbati da un film, lasciate perdere questo lungo trip psichedelico e grottesco, reso abbagliante e a tratti insostenibile dalla felice scelta di girare un horror tutto alla luce del sole. Nel tremendo villaggio di Hårga, comunità endogamica dove ogni 90 anni la comunità sacrifica qualcuno per rinnovare la propria persistenza, il sole non tramonta infatti mai del tutto e il film è luminoso, stordente, lisergico e capace di mettere in difficoltà lo sguardo dello spettatore. 
A differenza del suo esordio, Hereditary, in Midsommar c’è tutto sommato poca trama e molta più visionarietà. Ben venga. In un periodo dominato dall’ossessione della storia, intesa serialmente come racconto ben (per)formato, Aster si prende la libertà di realizzare un gesto espressivo, ossessivo, splendido a livello figurativo, lasciando da parte l’irrisolutezza o la scarsa “credibilità” horror di quel che mostra. Come detto i percorsi emotivi dei protagonisti sono chiari e ben risolti, ed è solo attorno a quelli che si snoda la perturbante messa in scena che certamente deve qualcosa a The Wicker Man (Robin Hardy, 1973) e a Picnic a Hanging Rock (Peter Wier, 1975). Punteggiato, specie nell’incipit, da un umorismo nero che scaturisce dall’incongruità del rapporto tra Dani e Christian, Midsommar si trasferisce presto in Svezia, meta delle vacanze estive del gruppo di studenti di antropologia di cui Christian fa parte. Qui, immersi nella luce di un verde prato, il gruppo di giovani famigliarizza con alcuni membri della comunità mangiando dei funghi allucinogeni. Da questo momento la sospensione del principio di realtà è pressoché totale e il film devia persino dallo spiegare esaustivamente cosa sia la comunità in cui i ragazzi americani sono capitati. Non è infatti questo il punto. Se Midsommar si concentra su alcuni riti degli abitanti di Hårga è più per far emergere il rimosso, l’indicibile della vita e della morte in un gruppo di bulletti americani e in una giovane donna traumatizzata. Dalla magnifica scena della “roccia” a quella ancor più folgorante della danza per incoronare la Regina di Maggio, ovvero la fanciulla che riuscirà a ballare più di ogni altra, Aster gioca a figurare un inconscio sia cinematografico che umano e che pur innervando in profondità la vita è relegato ai margini dell’esistenza individuale e sociale. 
Dal punto di vista visivo, Midsommar è un film sontuoso che può rimandare persino al primo Greenaway e nel finale ai tableaux vivants del Von Trier di Melancholia. Questo dispendio non è per nulla asettico o fine a se stesso ma è capace di produrre una forte reazione emozionale, di essere immersivo e brutalmente coinvolgente. Dopo un esordio interessante, Aster fa un passo in avanti dal punto di vista artistico con un horror emotivo senza vie di fuga, senza rassicuranti spiegazioni interne al genere, sempre più privo di logica man mano che avanza nell’incessante luce. Un lavoro che, fortunatamente, si concentra sull’espressione e non sulla comunicazione, prendendosi perciò le necessarie libertà formali di cui il cinema ha sempre vitale bisogno. Immagini tratte da: Locandina: ImDb Immagine1: Esquire.com Immagine2: Cinematographe.it Immagine3: PopSugar.com Immagine4: IndieWire
Ore 15:17 - Attacco al treno
di Vanessa Varini
Paese: Stati Uniti d'America
Anno: 2018 Durata: 94 min Genere: biografico, drammatico, azione Regia: Clint Eastwood Soggetto: dal libro di Jeffrey E. Stern, Spencer Stone, Anthony Sadler e Alek Skarlatos Sceneggiatura: Dorothy Blyskal Produttore: Clint Eastwood, Tim Moore, Kristina Rivera, Jessica Meier Musiche: Christian Jacob Interpreti: Spencer Stone (se stesso); Anthony Sadler (se stesso); Alek Skarlatos (se stesso); Judy Greer (Joyce Eskel); Jenna Fischer (Heidi Skarlatos); Ray Corasani (Ayoub El-Khazzani) 
Il 21 agosto 2015 il ventiseienne marocchino Ayoub El Khazzani mise in atto un attacco terroristico di matrice islamica sul treno Thalys numero 9364 che collegava Amsterdam a Parigi. L'attacco fu scongiurato da tre giovani cittadini statunitensi che stavano compiendo un viaggio turistico in Europa: Spencer Stone e Alek Skarlatos due membri delle forze armate statunitensi, in licenza e il loro amico Anthony Sadler. Grazie al loro eroico gesto i tre ricevettero la Legion d'onore, la più alta onorificenza francese, conferita dal presidente François Hollande.
Da questo fatto di cronaca e dal libro autobiografico dei tre ragazzi 15:17 to Paris: The True Story of a Terrorist, a Train, and Three American Heroes, nel 2018 è stata realizzato un film Ore 15:17 - Attacco al treno diretto dal regista Clint Eastwood, che ha per attori protagonisti coloro che realmente sventarono il tentativo di attacco, ma purtroppo il film soddisfa a metà perchè rappresenta in maniera breve l'attacco terroristico al treno e si compone prevalentemente di flashback sul passato dei tre ragazzi. Infatti il film si apre mostrando il carattere indisciplinato di Spencer, Alek e Anthony che sono in pianta stabile nell'ufficio della preside e invece di applicarsi nello studio, preferiscono sognare di combattere in guerra e servire un giorno gli Stati Uniti d’America.
I tre poi si dividono, inspiegabilmente si ritrovano e Spencer decide di arruolarsi nel corpo militare, sottoponendosi ad un duro addestramento fisico che richiama "Ufficiale Gentiluomo" e "Full Metal Jacket". I suoi sogni di gloria, però, s'infrangono e dovrà accontentarsi di fare il paramedico. A questo punto Spencer e Anthony, decidono di fare un viaggio lungo l' Europa e di raggiungere Alek che si è trasferito in Germania. Qui inizia la parte più noiosa e banale del film: Spencer e Anthony visitano Roma (con in sottofondo la canzone "Volare"), 
poi Venezia (dove ordinano una pizza al Gritti Palace!!), si scattano tantissimi selfie e il film cambia drasticamente stile, sembra di guardare un film "turistico" come "To Rome with Love" di Woody Allen o "Mangia prega ama" con Julia Roberts. Successivamente i due amici si ricongiungono con Alek a Berlino, ma la vacanza non è ancora finita. Il trio raggiunge Amsterdam dove passano una lunga serata in discoteca. Il giorno decidono di andare a Parigi e salgono sul treno Thalys numero 9364 in seconda classe. Sarà il trasferimento in prima classe per cercare un vagone con il wi-fi più veloce, a condurli verso l’assaltatore marocchino, il quale armato con nove caricatori, una pistola e un mitra poi inceppato, intendeva uccidere i passeggeri.
Ore 15:17 - Attacco al treno è un film molto biografico, molto patriottico e purtroppo quasi privo di azione (è presente solo nei dieci minuti dell'attacco al treno). Però tutto sommato è un film carino, da guardare senza grandi aspettative.
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https://st.ilfattoquotidiano.it/ https://pad.mymovies.it/ https://mr.comingsoon.it/ https://static.movietele.it/ Di Federica Gaspari Paese: Spagna Anno: 2019 Formato: serie TV Genere: drammatico, thriller, azione Puntate: 8 Regia: Jesus Colmenar, Koldo Serra, Alex Rodrigo Sceneggiatura: Alex Pina, Javier Gomez Santander, Juan Salvador Lopez, Luis Moya, Alberto Ucar, David Barrocal Produzione: Vancouver Media, Atres Media Cast: Ursula Corbero, Itziar Ituno, Alvaro Morte, Paco Tous, Pedro Alonso, Alba Flores, Miguel Herran, Jaime Lorente  Il fascino criminale sul grande schermo ha una lunghissima storia. Si parte senza dubbio con la leggenda di Robin Hood, così ammaliante da trovare più forme sul grande schermo. Agli albori del terzo millennio, Steven Soderbergh ha poi deciso di dare una veste ulteriormente chic ai più brillanti ladri e truffatori. Nasce così – dalle ceneri dell’originale "Colpo Grosso" degli anni Cinquanta – la fortunata serie di "Ocean’s". Non mancano, però, anche cult solitari come "Point Break" oppure "Inside Man". Proprio a quest’ultimo, senza nascondere troppo le proprie intenzioni, si ispira "La casa di carta", l’inaspettato successo internazionale di produzione spagnola ora entrato definitivamente nella scintillante scuderia Netflix. Lo scorso 19 luglio sono stati rilasciati sulla piattaforma di streaming gli otto nuovi episodi della terza parte della serie. Il rinnovo, giunto inaspettato dopo il grande successo delle due parti precedenti, ha lasciato perplessa buona parte del pubblico. La storia sembrava conclusa avendo esaurito il suo potenziale. Cosa potrebbero aggiungere nuovi episodi? Gli appassionati più fedeli non aspettavano altro che nuove avventure al fianco di Rio, Tokyo o Denver ma la vera sfida della serie ora rimane quella di convincere anche il popolo degli scettici.  La strepitosa rapina alla zecca nazionale di Spagna ha reso celebre la banda delle maschere di Dalì guidata dal misterioso Professore. Ogni componente, dopo la fuga, si è rifugiato in angoli remoti del mondo, meglio se paradisi esotici, godendosi la propria parte di bottino in solitaria oppure in coppia. Uno di loro, Rio (Miguel Herran), compirà tuttavia un passo falso che costringerà l’intera banda a riunirsi. La soluzione ai nuovi complessi problemi sembra essere, ancora una volta, una grande rapina. Pronti a indossare nuovamente la tuta rossa e la maschera?  La strategia adottata per il nuovo colpa al piccolo schermo è chiarissima sin dal primo episodio: riproporre la formula vincente delle puntate precedenti enfatizzandone le caratteristiche più apprezzate dal pubblico. La struttura narrativa, infatti, si ripete e, pur reggendo il gioco fino all’ultimo episodio che apre le porte alla quarta parte, in diverse situazioni sembra scricchiolare. Un budget decisamente più importante sicuramente garantisce una messa in scena più spettacolare, letteralmente esplosiva. Tra humour e nuovi intriganti personaggi ancora completamente da smascherare, il divertimento e la leggerezza sono assicurati. La casa di carta, tuttavia, deve stare attenta ad una pericolosissima tendenza, quella di trascurare il naturale sviluppo narrativo in favore di un racconto che risponda alle richieste dei fan più politicizzati. La serie nasce dal più puro intrattenimento e, pur coinvolgendo e appassionando, per natura e fattura non è la candidata più idonea per provocatorie analisi dell’attualità. Vaghi riferimenti e pungenti battute sono perfette. L’importante, però, è davvero mantenere questo fragilissimo equilibrio senza cadere nell’invitante tentazione. Immagini tratte da: www.netflix.com www.it.blastingnews.com
Dopo il colossale Avengers: Endgame, l’amichevole supereroe di quartiere torna al cinema con un film decisamente più rilassato: la recensione di Spider-Man: Far From Home.
Mentre Avengers: Endgame continua a veleggiare al botteghino internazionale (2,772.5 dollari), insidiando il primato di sempre di Avatar (2,788 dollari), l'universo di supereroi della Marvel torna. E dopo tanti lutti pesanti, battaglie epiche e sacrifici sovrumani, forse non c'era scelta migliore della freschezza e dell'umanità così terrena dello Spider-Man adolescente di Tom Holland per ripartire. Dal 10 luglio al cinema, Spider-Man: Far From Home di Jon Watts è un film brioso e accattivante, non privo di riferimenti nostalgici, ma capace di chiudere tutto quello che è stato, per poi ripartire. Ventitreesimo film del Marvel Cinematic Universe e ultimo della cosiddetta "Fase Tre", Spider-Man: Far From Home mantiene i toni scanzonati e puberali di Spider-Man: Homecoming. Alla regia conferma il regista di quel primo capitolo dedicato all'Uomo Ragno, Jon Watts. L"In Memoriam" che lo apre e che omaggia Iron Man, Vedova Nera, Captain America e Visione, è emozionante e burlesco allo stesso tempo. 
Peter Parker è stato riportato in vita, insieme a miliardi di persone, dal gesto eroico del suo mentore Tony Stark, alias Iron Man. Peter si sforza di togliersi di dosso gli echi dolorosi dell'epocale scontro tra bene e male di Avengers: Endgame. Vuole viversi la sua vita da adolescente e fare le cose che fa ogni adolescente: la gita scolastica e la corte alla sua bella, la scontrosa Michelle "MJ" Jones (Zendaya). Ed è su questo semplice umanissimo obiettivo che focalizza le sue energie. Non fosse che Nick Fury (Samuel L. Jackson), però, lo cerca con insistenza. L'amichevole Spider-Man di quartiere si allontana dal suo ambiente familiare e dalla sua casa nel Queens, a New York, e con l'amico Ned (Jacob Batalon) e i compagni di classe arriva in Europa. Prima tappa: Venezia! È divertente, qui, abbandonarsi alle note italiane allegre di Bongo Cha Cha Cha di Caterina Valente, fine anni Cinquanta. Costretto a ricacciarsi la tuta da Uomo Ragno, ecco che Peter trascinerà poi, involontariamente, tutta la scolaresca anche a Praga, Berlino e Londra. Non ci sono più salti temporali alla Avengers, indietro nel tempo, ma solo un balenare da una città europea all'altra. 
Spider-Man, suo malgrado, questa volta deve vedersela con delle massicce Creature Elementali, ognuna delle quali rappresenta uno dei quattro elementi, Terra, Aria, Acqua e Fuoco. Ad spalleggiarlo in questa missione c'è una new entry dal verde alone, tal Quentin Beck, ribattezzato Mysterio, interpretato da niente meno che Jake Gyllenhaal. Luogo d'origine? Una Terra parallela. E in fondo, per certi versi, così è. Spider-Man: Far From Home riporta tutti sulla Terra. La posta in gioco è molto più bassa che in Avengers: Endgame. Riporta a sentimenti basici e così essenziali: la prima cotta e quegli occhi che ci fanno battere il cuore. Quelle frasi semplici e quel sentire forte che le rende speciali, come: "Dove vuoi andare?", "Che importa, basta che sia insieme’’. Riporta a supereroi così umani. E a un concetto così d'attualità, oggi, sulla Terra: per accalappiare le masse, la cosa più facile è confondere la verità. Una frase topica del film: "La gente ha bisogno di credere, di questi tempi credi a ogni cosa". 
Spider-Man: Far From Home sta valutamente alla larga da profondità e complesse letture. Preferisce dare spruzzate di leggerezza, più che necessarie dopo Avengers: Endgame. Buone dosi di umorismo e cuore quanto basta, con le vicende di Peter e MJ che diventano non meno importanti e interessanti della battaglia contro il cattivo di turno. Accanto a Peter, sono motori comici l'amico di sempre Ned, nella sua pacata simpatica incoerenza, e la storia d'amore tra Happy (Jon Favreau) e zia May (Marisa Tomei). Molte scene sono state girate agli studios Warner Bros. di Leavesden, vicino Londra. Lì è stata ricreata Venezia, con il ponte di Rialto e un mercato del pesce, in uno dei backslot dello studio. Stesso discorso per le location di Berlino, la zona rurale messicana e diversi angoli di New York.
Immagini tratte da:
Locandina: Comingsoon.it Immagine1: tvZap.kataweb.it Immagine2: BestMovie Immagine3: Polygon.it Immagine4: Empire.com |
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Agosto 2019
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