I Durrell - La mia famiglia e altri animali é una serie televisiva britannica, attualmente in onda la domenica pomeriggio su Rai2 dalle 14:30, tratta dalla trilogia di romanzi "La mia famiglia e altri animali"," Storie di animali e di altre persone di famiglia" e I"l giardino degli dei" di Gerald Durrell, che racconta in un mix di autobiografia, zoologia ed ironia le esperienze personali della sua famiglia nei quattro anni passati sull'isola di Corfù (1935-1939). Gerald nella serie è il piccolo animalista Gerry, che da adulto diventerà il fondatore della Durrell Wildlife Conservation Trust, un'organizzazione il cui scopo è salvare le specie in via di estinzione e dello Jersey Zoo.
​
Ma torniamo alla serie. Ciò che colpisce immediatamente è la bizzarria dei protagonisti: Larry, il fratello maggiore, che da adulto diventerà uno degli scrittori inglesi più famosi del nostro secolo, passa il suo tempo a scrivere in soffitta, è super acculturato e tenta spesso di affibbiare dei pretendenti (come un vecchio ubriacone barbuto) a sua madre, Leslie è appassionato di caccia e si porta sempre appresso il suo fucile, frequenta persone poco raccomandabili e finisce più volte in prigione, Margo è una adolescente in cerca di marito anche se ha solo 16 anni, è svogliata ma riesce a farsi assumere come dama di compagnia di una contessa, infine c'è Gerry. Il minore dei Durrell è appassionato di animali, cattura tutti quelli che incontra sull'isola (cani, una tartaruga, un albatros, un pellicano, addirittura dei pipistrelli) per osservarli e addomesticarli, un metodo che oggi non sarebbe approvato dalla protezione animali, ma che negli anni 30 era lecito. ​

​E poi c'è la loro mamma, Louisa, donna molto moderna per l'epoca, ma troppo permissiva. Anche Corfù è popolata da alcuni strambi personaggi, come la domestica Lugaretzia che aiuterà i Durrell, lo scienziato Theo con cui farà amicizia Gerry e il tassista Spiros.
"I Durrell" è una serie tv d'altri tempi, leggera ma profonda, che fa ridere ma anche commuovere, è impossibile non affezionarsi a questa "buffa" famiglia inglese e non innamorarsi della splendida isola incontaminata di Corfù.


SU RAIPLAY POTETE RECUPERARE I PRIMI EPISODI DELLA SERIE: ➡

https://www.raiplay.it/programmi/idurrelllamiafamigliaealtrianimali/


Immagini tratte da:
​
FOTO 1 E 2: https://mr.comingsoon.it/
FOTO 3: https://th.tvblog.it/
​

Il 2019 doveva essere l’anno di Game of Thrones. Tutti gli occhi erano puntati sul prodotto HBO più fortunato e seguito della storia del piccolo schermo. Le aspettative, tuttavia, hanno giocato a sfavore, lasciando milioni di appassionati privi del loro punto di riferimento ormai irriconoscibile. Contro ogni pronostico, allora, l’attenzione si è spostata su una creatura televisiva completamente diversa da quella di Benioff e Weiss. Chi avrebbe mai immaginato che una mini-serie storica avrebbe saputo suscitare tale interesse? HBO ha scommesso su Chernobyl portando sul piccolo schermo uno dei disastri nucleari ma, soprattutto, politici e sociali peggiori di sempre.

La miniserie, trasmessa in Italia da Sky Atlantic, si apre con l’episodio 1:23:45 e subito chiarisce la volontà di non proporre un semplice resoconto dettagliato di quanto accaduto la notte del 26 aprile 1986 nella centrale nucleare di Chernobyl. La sequenza di apertura, infatti, è dedicata a un uomo che, a due anni dall’evento, decide di imprimere su un nastro registratore la verità impregnata di tutta la peggiore disperazione. Il suo nome è Valerij Legasov, esperto di energia atomica chiamato sul luogo del disastro come consulente per la gestione dell’emergenza. Attraverso gli occhi di uno strepitoso Jared Harris – che conferma il suo talento anche ad anni di distanza da Mad Men – lo spettatore osserva il vortice distruttivo di avvenimenti che hanno seguito l’esplosione del reattore, una catena di responsabilità e mancanze che hanno rappresentato un momento storico cruciale del secolo scorso.
Questo primo episodio, tuttavia, sceglie di concentrarsi sul concetto di inconsapevolezza, sia per volontà che per ingenuità. In un racconto corale emergono allora i contrasti tra gli ingegneri della sala di controllo, tecnici inerti e sopraffatti da un’emergenza, e gli abitanti del luogo, quasi affascinati da quelle luci cerulee, quasi surreali, seguite da una pioggia di radiazioni. La sequenza dei bambini danzanti sotto la polvere radioattiva rimane così impressa con tutta la sua potenza.

Se l’episodio di apertura sceglieva di mostrare il lato umano del disastro, la puntata Please Remain Calm si concentra maggiormente sugli aspetti più tecnici delle conseguenze. Per questo motivo viene introdotta la figura della fisica Ulana Khomyuk interpretata brillantemente da Emily Watson. Questo personaggio sposta lo sguardo su quanto è accaduto fuori dai confini di Chernobyl. Fa la sua comparsa una società incapace di riconoscere le conseguenze di quanto accaduto e, quindi, di affrontarle con la giusta preparazione. Se, tuttavia, l’impreparazione può essere in qualche modo tollerata, l’aspetto più inquietante riguarda la volontà, sempre più opprimente, di nascondere e negare quanto accaduto. E’ l’indizio cruciale per comprendere la fine di un’intera nazione, anzi di un sistema fondato su segreti di stato e silenzi. Il clima di muta inquietudine viene reso alla perfezione con l’aiuto anche dei reparti tecnici della fotografia e delle scenografie. Nessun dettaglio viene lasciato al caso. Terrore davanti all’ignoto e paura di scoprire i dettagli più agghiaccianti si mescolano portando a riflettere su un’epoca in cui il progresso tecnologico si piegava al potere e alla supremazia senza considerare ogni possibile implicazione umana.

I primi due episodi di questa spettacolare e complessa miniserie sono tra le produzioni più riuscite di questa stagione televisiva. Chernobyl, con maestria e grande consapevolezza, si avventura tra le pieghe di un evento noto ma mai davvero conosciuto da vicino. Da non perdere!
 
Immagini tratte da:
www.imdb.com
www.hbo.com
www.hollywoodreporter.com
www.indiewire.com
 

di Matelda Giachi

Genere: Drammatico          
Anno: 2018
Durata: 112 min
Regia: Felix van Groeningen
Cast: Steve Carell, Timothée Chalamet, Amy Ryan, Maura Tierney, Kaitlyn Dever, Timothy Hutton, Stefanie Scott, Jack Dylan Grazer, Christian Convery, Oakley Bull
Sceneggiatura: Luke Davies, Felix Van Groeningen
Fotografia: Ruben Impens
Produzione: Plan B Entertainment
Distribuzione: 01 Distribution
Paese: Stati Uniti

“Beautiful boy”. Era un ragazzo così bello, dolce, sorridente… Che fine ha fatto quel ragazzo? La domanda di ogni madre, di ogni padre, ogni persona che ama qualcuno e lo vede inghiottito come da un buco nero.
Già, perché è così bella l’innocenza. È luminosa. La droga invece ti storpia, ti divora.

Una storia semplice, quella di Nic, un sereno e dolcissimo ragazzo a cui una prima sbronza apre le porte dell’inferno, facendolo entrare in un vortice di droghe sempre più pesanti, e di David, un padre divorato dal senso di impotenza, mentre cerca con ogni mezzo e invano di riportare indietro il suo “Beautiful boy” e di renderlo di nuovo padrone della propria vita. Una storia di tanti ragazzi e di tanti padri e madri. Una storia vera: la sceneggiatura trae origine proprio dai libri scritti dai due stessi protagonisti e il regista Felix Van Groeningen l’ha sviluppata in un susseguirsi di salti temporali che mettono continuamente a raffronto il prima e il dopo.

La forza del film sono due protagonisti straordinari. Timothée Chamelet, con quell’aria a poeta dall’inferno che non sai se ti ispira più amore o una raffica di schiaffi, già di per se è perfetto per la parte. Consacrato da Luca Guadagnino con Chiamami con il tuo Nome, riesce nell’arduo compito di portare in scena la dipendenza in tutte le sue sfumature più tragiche e brutte. Steve Carrel, dal canto suo, già da un po’ ha deciso di dimostrare a Hollywood che non è solo “quello simpatico” e ora più che mai sfodera un invidiabile talento drammatico. I due attori non sono mai sopra le righe o sopra l’interpretazione dell’altro. Sono due uomini che si cercano senza riuscire a ritrovarsi, ciascuno immerso in un dramma collegato ma parallelo.

Realistico, diretto, Beautiful Boy non si lascia mai andare alla retorica spicciola ma, ogni tanto, nel continuo avanti e indietro nel tempo, si perde. Si perde perché le continue ricadute di Nic sembrano dare inizio ad una specie di loop che si ripete identico all’infinito. Se da una parte questo rende l’idea sulla difficoltà di uscire dal tunnel della dipendenza, da un certo punto in poi l’attenzione verso qualcosa di sempre identico non regge e il conseguente distacco empatico è un peccato, dato il lavoro magistrale dei suoi interpreti.

​Voto: 6/7

Immagini tratte da:
www.comingsoon.it
www.elle.it
www.movietele.it

​
​Genere: thriller, commedia
Anno: 2019
Regia: Bong Joon-ho
Attori: Song Kang-ho, Lee Sun-kyun, Cho Yeo-jeong, Park So-dam
Sceneggiatura: Bong Joon-ho
Fotografia: Hong Kyung-pyo
Montaggio: Yang Jin-mo
Produzione: Barunsun E&A
Paese: Corea del Sud
Durata: 132 min

Solamente due anni fa l’atipico Okja veniva presentato in esclusiva nella cornice di Cannes ricevendo un’accoglienza surreale tra fischi nei primi minuti e una standing ovation alla conclusione. Il settimo lungometraggio di Bong Joon-ho era stato travolto dal ciclone delle polemiche in quanto primo film prodotto da Netflix a partecipare al prestigioso Festival di Cannes. La pellicola, distribuita sulla piattaforma streaming dopo pochi giorni, suscitò curiosità senza conquistare, tuttavia, il cuore del grande pubblico. A causa di questo strano precedente, il ritorno del regista coreano a La Croisette era attesissimo. La Palma d’Oro 2019 assegnata al suo Parasite ha rappresentato un momento di svolta. Oltre ad essere una premiazione insolita – si tratta di un thriller con venature di dark comedy -, questo riconoscimento segna il primo ingresso di un film coreano nel prestigioso albo di Cannes.

Una famiglia di genitori disoccupati con due figli in età universitaria vive in uno squallido seminterrato cercando di sbarcare il lunario preparando le scatole di cartone per la pizza d’asporto. Le loro giornate vengono solo sporadicamente scosse dall’improvvisa mancanza di segnale wi-fi o dal cambiamento di password di una rete a cui sono collegati di nascosto. L’occasione per cambiare radicalmente il proprio destino arriva grazie ad un amico del figlio che propone al ragazzo di sostituirlo come professore di inglese per la figlia di una ricca famiglia della città. L’ingresso del ragazzo in quella dimora darà inizio ad un lungo piano che segnerà per sempre la sua intera famiglia.

​La meraviglia del cinema di Bong Joon-ho consiste nella totale incapacità di comprendere quale possa essere l’artificio a cui si andrà ad assistere. Potrebbe sembrare scontato ma l’intera filmografia del cineasta coreano è segnata dalla costante proposta di titoli mai banali, a volte assurdi ma mai votati all’indifferenza. In occasione della presentazione alla 72esima edizione del Festival de Cannes, il regista ha definito il suo ultimo lavoro come una tragicommedia familiare. Questo vestito, tuttavia, è troppo stretto per un film in grado di indossare più abiti, sempre estremamente eleganti, per tutta la sua durata. Avvalendosi di un cast strepitoso estremamente focalizzato sull’obiettivo, questa storia ritrae una società all’apparenza lineare e facile da comprendere. Sembra altrettanto semplice comprendere le dinamiche in modo da poterle piegare con la propria astuzia per raggiungere i propri scopi cambiando il proprio ruolo. La famiglia povera protagonista, tra furbizia e ironia, nella prima parte del film dimostra proprio questo: è possibile cambiare, è possibile giocare le proprie carte. La svolta improvvisa, il dettaglio inaspettato, tuttavia, è dietro l’angolo pronto a svelare l’insormontabile complessità di un sistema granitico.

La cinepresa con consapevole maestria si destreggia in un complesso ma irresistibile labirinto di personaggi e spazi curati in ogni loro più semplice dettaglio. La caratteristica ironia delle situazioni e della narrazioni di Bong Joon-ho si insinua tra le pieghe della società e ne svela amaramente le dinamiche conducendo ad un crescendo finale che non lascia scampo. Si sorride, si ride e, all’improvviso, si rimane atterriti davanti all’inevitabile. Non si tratta di un fortuito colpo di scena ma di una svolta attentamente costruita. Il molteplici livelli narrativi si intrecciano e giocano con una riuscita satira degli equilibri sociali. Vincitori e perdenti: è la storia più antica di sempre ma è reale. L’originalità e la voce di chi racconta, tuttavia, sanno fare una grande differenza.


Immagini tratte da:
www.imdb.com
www.parismatch.com
www.hollywoodreporter.com
www.koreaherald.com

Paese: Stati Uniti d'America
 
Anno: 2018 – in produzione
 
Genere: commedia drammatica, poliziesco
 
Stagioni: 1
 
Episodi: 20
 
Durata: 43 min (episodio)
 
Ideatore: Alexi Hawley
 
Interpreti:
Nathan Fillion (John Nolan); Afton Williamson (Talia Bishop); Eric Winter (Tim Bradford); Melissa O'Neil (Lucy Chen); Richard T. Jones (Wade Grey); Titus Makin (Jackson West); Alyssa Diaz (Angela Lopez); Mercedes Mason (Zoe Andersen)
John Nolan, un quarantenne divorziato con un figlio al collage, un giorno si ritrova a sventare una rapina in banca. Decide, così, di lasciare la tranquilla cittadina dove abita per volare a Los Angeles e inseguire il suo sogno: diventare agente di polizia. Ma lui è la recluta più anziana del dipartimento di polizia di Los Angeles e non sarà affatto semplice dimostrare di essere all'altezza dei suo colleghi!
Sentite la nostalgia di Rick Castle, il celebre scrittore di romanzi gialli in cerca di ispirazione che collaborava con la detective Kate Beckett per aiutare le forze dell'ordine a risolvere casi complessi? Ora l'attore Nathan Fillion è ritornato in Tv con la serie  poliziesca a tinte commedy "The Rookie", della rete ABC e creata da Alexi Hawley (già produttore di  "Castle", "Body of Proof" e "The Following") e con un ruolo su misura per lui: quello di un quarantenne che decide di dare una svolta alla sua vita per intraprendere la carriera che aveva sempre sognato, quella di poliziotto. Peccato che sia circondato da reclute molto più giovani di lui come Jackson West (Titus Makin Jr) e Lucy Chen (Melissa O’Neil),

mentre quelli della sua età sono poliziotti già esperti, come i tre sergenti istruttori, Tim Bradford (Eric Winter), Alyssa Lopez (Angela Diaz), Talia Bishop (Afton Williams) e il Sergente Grey (Richard T. Jones) non apprezza una recluta dell’età di Nolan. Il compito delle reclute affiancate dai loro istruttori è pattugliare le pericolose e trafficate strade dell'assolata città di Los Angeles, così veniamo a conoscenza che il loro lavoro non è affatto semplice, tra inseguimenti, ferimenti e il rispetto delle regole.

La storia è basata su fatti realmente accaduti, ma i primi episodi possono risultare troppo leggeri e improntati sulle delle situazioni assurde (come una sposina in fuga), poi piano piano vengono anche affrontati casi seri e drammatici (come un attentato terroristico) e soprattutto veniamo a conoscenza delle storie dei protagonisti: Lucy Chen ha una relazione segreta con John Nolan, Jackson West è figlio di un pezzo grosso delle forze dell'ordine ed è in competizione con suo padre e Tim Bradford ha un'ex moglie caduta nel tunnel della droga.
Se amate le serie crime che uniscono casi polizieschi, ironia e azione, non perdete "The Rookie": la prima serie è formata da 20 episodi che si possono recuperare su RaiPlay, mentre in America é già stata rinnovata una seconda stagione.

Foto tratte da:
FOTO 1 E 2
 https://mr.comingsoon.it/
FOTO 3
https://www.ciakgeneration.it/

​Genere: horror, fantasy
Anno: 2019
Regia: Robert Eggers
Attori: Robert Pattinson, Willem Dafoe
Sceneggiatura:
Fotografia: Julien Poupard
Montaggio: Flora Volpeliere
Produzione: SRAB Films, Rectangle Productions, Lyly Films
Paese: Francia
Durata: 103 min

All’alba della kermesse cinematografica di Cannes, alcuni film nutrivano già lo stato di cult o di titolo imperdibile delle prossime stagioni cinematografiche. Registi di grande prestigio, tecniche eleganti oppure storie fuori dal comune: le aspettative per queste privilegiate pellicole erano alle stelle. Il passo da top a flop, tuttavia, è brevissimo e, nel tempo di una semplice proiezione, il destino di un film poteva subire dolorosi cambiamenti sotto il sole de La Croisette. Nella prima settimana del programma, nemmeno la pioggia, tuttavia, ha intimorito critici e cinematografici davanti alla coda di sei ore per uno dei titoli più attesi della manifestazione.
 
Il dark fantasy-horror con nere venature di humour The Lighthouse è stata la creatura più oscura e rara ad aver popolato il lido di Cannes. L’ultima fatica del regista già di culto Robert Eggers prometteva, sin dalle prime immagini di presentazione del trailer, un viaggio allucinante e surreale in un mondo sospeso al fianco di due protagonisti in balia degli eventi. IlTermopolio nei tre giorni a Cannes ha potuto dare uno sguardo in esclusiva a questo sorprendente film vincitore della sezione della Quinzaine des Réalisateurs.

​Al tramonto del diciannovesimo secolo, un ruvido e anziano custode (William Defoe) istruisce sul suo ruolo un giovane apprendista (Robert Pattinson) che intravede in questo nuovo lavoro un’ottima opportunità di guadagno. La lunga permanenza sull’isola del faro, lontana chilometri da ogni spiraglio di civiltà e lucidità, tuttavia, inizia a creare ad entrambi i protagonisti. Fantasia, leggende e realtà si confonderanno fino a diventare completamente indistinguibili. E’ l’inizio di una folle avventura a cui credere ciecamente.

Aspect ratio 1.19:1 e straniante bianco e nero: facile perdersi piacevolmente tra le pieghe dei nitidi contrasti di questa pellicola che sin dalle sue prime sequenze non nasconde di essere un omaggio ad un cinema specifico. I silenzi, i suoni naturali e le lunghe riprese fisse del pionieristico cinema sonoro di fine anni Venti spesso segnato da inquietanti personaggi soprannaturali. Le creature cantate da consumati marinai nelle notti più tenebrose si risvegliano e incontrano i personaggi che popolano le storie di Herman Melville e Robert Louis Stevenson. L’ultimo gioiellino di tensione e dark comedy di Robert Eggers, tuttavia, non si basa su una semplice messa in scena d’effetto che gioca con l’accecante luce del faro e con i contrasti delle silhouette dei due protagonisti. Degli strepitosi Defoe e Pattinson – probabilmente alla migliore interpretazione della sua carriera – si destreggiano splendidamente in affascinanti dialoghi surreali popolati da termini antichi e sofisticati. Grazie alle loro performance fuori dai canonici schemi è possibile vivere in prima persona al loro fianco un’avventura semplicemente folle ma senza dubbio irresistibile nella sua estrema cura che, fortunatamente, non scade in una fredda sostanza, anzi: difficile rimanere impassibili davanti alle ironiche e inquietanti sventure del povero apprendista sempre più sul cupo orlo del baratro…

Tra tempeste, agguerriti gabbiani e ammalianti sirene, The Lighthouse rivela essere non solo il migliori titolo tra le proposte della Quinzaine ma uno dei titoli di punta dell’intero Festival de Cannes 72.
 
​
Immagini tratte da:

www.lesinrocks.com
www.apnews.com

Pochi strumenti riescono ad addentrarsi nelle pieghe contraddittorie della società con la stessa maestria del cinema. Incongruenze, contrasti e ipocrisie trovano tutta la loro forza attraverso le immagini e i suoni della settima arte. Non sempre, tuttavia, il risultato riesce ad essere davvero efficace. Film all’apparenza coraggiosi, quindi, bruciano tutto il loro esplosivo potenziale nella loro semplice intenzione acerba. Solo le pellicole in grado di andare a fondo, di dividere facendo discutere e di prendere una posizione con energia e volontà sanno andare in profondità oltre dei semplici graffi in superficie. Les Miserables di Ladj Ly è il perfetto esempio di questo tipo di cinema. E’ il film giusto presentato al momento giusto in Francia e, in particolare, a Cannes, all’apparenza così distante dalla banlieu parigina con il suo glamour elitario.
 
Presentato nella competizione ufficiale dell’ultima edizione del Festival de Cannes, il lungometraggio del francese Ladj Ly è ispirato dall’omonimo corto pluripremiato realizzato dallo stesso autore nel 2016. IlTermopolio, nell’ambito dell’iniziativa 3 Days in Cannes ha potuto assistere in esclusiva alla proiezione di Les Misérables nella cornice dell’iconico cinema Les Arcades.

​La camera di Ly danza tra svolazzanti bandiere francesi in festa: la nazionale di calcio ha riconquistato dopo quasi tre decenni l’agognato trofeo del campionato mondiale. Tra le strade della capitale Parigi, i cuori di una pulsante folla multiculturale battono all’unisono al ritmo dell’inno francese e dei cori dell’eroe dell’impresa sportiva, Kylian Mbappé. Le sequenze di festeggiamenti interrompono e lo sguardo si sposta sulla periferia, tra i disordinati palazzi popolari abbandonati al loro destino. Sarà questo il terreno di confronto tra un gruppo di poliziotti e dei ragazzi cresciuti in un clima negativo, in costante conflitto.

“Non ci sono né cattive erbe né uomini cattivi. Ci sono solo cattivi coltivatori.”​

 
Con questa frase di Victor Hugo si aprono i titoli di coda del film di Ladj Ly. La dura riflessione sui fatti narrati, così terribilmente vicini agli eventi di cronaca degli ultimi anni in Francia e non solo, è inevitabile. In poco meno di due ore, il cineasta francese, premiato giustamente a Cannes con il riconoscimento della giuria, sferra un colpo dritto nella coscienza dello spettatore ritraendo violenze e scontri da molteplici prospettive che, tuttavia, sembrano sempre supportare un’unica tesi. Attraverso un sapiente montaggio di immagini da camera a mano ma anche da droni indiscreti, Les Misérables cattura quelle piccole crepe di monotoni palazzi non più in grado di contenere rabbia e malcontento. Gli ampi sorrisi di festa e giubilo si induriscono in espressioni contrite, maschere di indomabile ira alimentata da politiche sociali e d’ordine dai tempi e modi sbagliati. La trasformazione si concretizza e diventa tagliente grazie alle incalzanti composizioni musicali di Pink Noise.
 
 La Francia, senza troppe ipocrisie, viene allora ritratta in tutti i contrasti di una società erroneamente fiera della sue politiche di integrazione iniziate da generazioni i cui figli faticano a riconoscersi in ideali e motivazioni. Enfants de la Patrie, il giorno di gloria non è arrivato.
 

Immagini tratte da:
www.allocine.fr
www.bullesdeculture.com
Foto scattate in occasione della 72esima edizione del Festival di Cannes

Un viaggio nel cuore di Reginald Dwight e di come sia riusciuto a diventare una delle leggende musicali della nostro tempo. Un film per chi ama sognare ad occhi aperti che troverete dal 29 maggio in tutte le sale.

Rocketman è un biopic autobiografico, fortemente voluto dal produttore sir Elton John. Dal 2012, ha cambiato diversi registi e attori protagonisti prima di trovare una sua forma definitiva. Inizialmente Michael Gracey (The Greatest Showman), avrebbe dovuto dirigere la pellicola con Tom Hardy come protagonista, tuttavia, a seguito di divergenze creative, Elton John ha deciso di cambiare studio, portando il progetto in Paramount Pictures ed assumendo Dexter Fletcher come regista. Lo stesso Fletcher, nel 2018, aveva salvato un altro celebre biopic, Bohemian Rhapsody, dal naufragio, a seguito dell'abbandono del regista Bryan Singer. In effetti, rispetto a Bohemian Rhapsody, si nota una certa somiglianza di stile nelle riprese e nel ritmo del montaggio. Che i due film siano diretti, almeno in parte, dalla stessa mano, è abbastanza evidente. Solo, in questo caso, il punto di vista attraverso cui si sviluppa la narrazione è soggettivo, interno al protagonista. E già questo, tra i due film, genera un'enorme differenza.

Il film è tutto un lungo flashback, narrato direttamente dalla voce del protagonista. Lo stesso Elton John, interpretato da uno straordinario Taron Egerton, racconta gli episodi più importanti della sua vita durante una seduta di riabilitazione dall'abuso di alcool e droga. Questo permette alla pellicola di staccarsi dal realismo della rappresentazione e di prendersi il lusso di virare verso immagini più astratte e metaforiche. Fletcher sceglie di realizzare un vero e proprio musical, dove le canzoni non sono relegate a momenti in cui Elton John, realisticamente, canta su di un palco, ma sconfinano all'interno della narrazione, portandola avanti ad un livello più empatico e profondo. All'inizio questo espediente spiazza un po', ma quando si entra nel gioco e ci si lascia andare, la fiducia dello spettatore viene ripagata appieno da uno spettacolo maestoso, coinvolgente e, a tratti, commovente. La sceneggiatura di Lee Hall (già Premio Oscar per la sceneggiatura originale di Billy Elliot) colpisce nel segno, mantenendo un buon bilanciamento fra realismo e astrazione. I testi delle canzoni sono integrati in maniera pressoché perfetta, tanto che i brani sembrano quasi essere stati scritti apposta per il film.

​Taron Egerton guida un cast eccezionale, tra cui spicca un Jamie Bell (Billy Elliot) che buca lo schermo al suo fianco, nei panni dell'amico fraterno e paroliere delle canzoni Bernie Taupin. Egerton stupisce, il "suo" Elton John prende letteralmente vita. Colpisce al cuore e commuove. C'è un primo piano in particolare quando, prima di entrare in scena in un concerto, dietro alle quinte, Elton John prova il "sorriso finto" che dovrà tenere di fronte al pubblico. In quel momento, i suoi occhi mostrano chiaramente il dolore che prova al di sotto della maschera di ostentata spavalderia che mostra al mondo. Il suo sguardo racconta più in quel breve istante di quanto potrebbero fare mille parole. La messa in scena è sontuosa, con piani sequenza dinamici ad enfatizzare coreografie perfette ed effetti visivi sempre credibili, eleganti e mai invasivi, neanche nei momenti più astratti e surreali. Il costumista Julian Day (già nominato ai BAFTA per Bohemian Rhapsody) ha fatto un lavoro eccezionale nel riprodurre gli sgargianti e vistosi abiti di scena di Elton John. Nei titoli di coda, infatti, vengono nuovamente mostrati, affiancati dalle foto degli originali indossati da Elton John, per mostrare l'incredibile lavoro di ricostruzione effettuato. 

Immagini tratte da:

Locandina: MyMovies.it
Immagine1: JaMovie.com
Immagine2: NewsMtvItalia.it
Immagine3: NewsHub

Sin dall’annuncio dei titoli in gara nella selezione ufficiale di Cannes 2019, l’ultimo lavoro di Xavier Dolan è stato tra i più attesi e discussi. La curiosità alla vigilia dell’anteprima era altissima per ovvi motivi: Matthias et Maxime rappresenta l’inizio di un nuovo percorso per il giovane regista canadese. Il film, realizzato interamente in lingua francese, è un deciso cambio di rotta dopo la travagliata e infelice produzione hollywoodiana di The Death & Life of John F. Donovan. Quest’ultima fatica, presentata a Cannes a dieci anni esatti dall’esordio alla regia con J’ai tué ma mère, è un ritorno alla versione più intima e raccolta della già ricchissima filmografia del cineasta trentenne. Le proiezioni in programma a Cannes sono state tra le più affollate, sempre caratterizzate da lunghe code e tempi di attesa. IlTermopolio ha potuto partecipare in esclusiva alla proiezione nella prestigiosa Salle du Soixantième.

​L’ottavo lungometraggio da regista e sceneggiatore per Dolan ruota intorno alle vite dei due protagonisti citati nel titoli. I due ragazzi si conoscono sin dalla tenera età e sono legati da una profonda amicizia mai messa in discussione. L’imminente partenza per l’Australia di Maxime (Xavier Dolan) e una scommessa persa da Matthias (Gabriel D’Almeida Freitas) porteranno i due a ripensare il loro rapporto e ogni convinzione in un momento cruciale per la loro vita.

Risate tra amici, serate in compagnia, confidenze decennali e gesti amichevoli che non hanno mai preteso spiegazioni: la camera di Dolan – qui in veste anche di protagonista – si avventura con sicurezza e grande dinamicità tra un entusiasta e travolgente groviglio di emozioni che lega ogni personaggio in scena. Al centro dell’azione ci sono, però, Matthias e Maxime, due amici che non hanno mai potuto immaginare che tra loro ci potesse essere qualcosa di più di una semplice e genuina amicizia. Dolan con maestria racconta una storia che va oltre le etichette e riflette sul ruolo inaspettato dell’amore in un consolidato rapporto di amicizia, una situazione in cui chiunque può ritrovarsi. È, infatti, immediato e spontaneo immedesimarsi nelle vicende vissute dai ragazzi: si è al loro fianco a cantare a squarciagola nei momenti spensierati tanto quanto si è vicino ad ogni personaggio negli attimi più difficili e sofferti.

​Matthias et Maxime non è esplosivo e sorprendente tanto quanto Mommy ma nella sua apparente linearità e semplicità è un ottimo film che riesce a parlare direttamente allo spettatore senza filtri né presunzione. Una messa in scena di altissimo livello – non mancano sequenze di grande effetto come la lunga e liberatoria nuotata di Matthias – coniugandosi alle giuste scelte musicali, che sono da sempre un tratto distintivo di Dolan, conferma le abilità di un regista che, nonostante il recente passo falso, ha già ritrovato la giusta direzione con una storia genuina e diretta che racchiude tutti i migliori aspetti della sua filmografia.
 
Immagini tratte da:
www.allocine.fr
www.ledevoir.com
Foto scattate in occasione della 72esima edizione del Festival di Cannes

Sveglia a orario improbabile. Sigla, per l’ultima volta. Macerie. Quel che rimane di Approdo del re dopo che alla bionda son partiti i cinque minuti. Seguiamo Tyrion tra le rovine in quella che sappiamo già essere una ricerca senza speranza. Trova i fratelli sepolti e li piange; entrambi. Jaime, perché lo aveva sempre accettato e aveva con lui un legame speciale, e Cersei, della quale ha odiato l’amore di cui lo ha privato più che la crudeltà spietata. Poi affronta la sua regina e scaglia via la spilla di “Hand of the Queen”, con un disprezzo e una delusione proporzionali all’orgoglio provato quando il titolo gli era stato conferito, regalandoci due delle sequenze migliori dell’episodio. Ormai che il viaggio è finito, possiamo dire che, per merito di complessità di scrittura e del talento del suo interprete, Peter Dinklage, Tyrion Lannister è sicuramente il personaggio più bello di Game of Thrones. 

Qui la narrazione riprende velocità; Daenerys inneggia a Immacolati e Dothraki, che hanno ormai la peculiare caratteristica di moltiplicarsi invece di decimarsi dopo ogni battaglia per poi dirigersi, con lo sguardo di chi ha appena subito una seduta di ipnosi, verso il famigerato Trono di Spade. “Pensavo fosse più grande”, dice a Jon Snow, prima di dare inizio ad un ultimo attacco di delirio di onnipotenza a cui lui, ormai privato dell’ultima speranza che l’amore suo si ripigli, pone fine con un coltello piantato nel cuore. Non senza aver prima pronunciato il suo mantra per la stagione otto, opportunamente caricato di drammaticità per il finale. “You will always be my Queen”. Non so cosa sia successo nella testa degli altri spettatori, nella mia è partita forte e chiara la voce di Whitney Houston nella ripresa di I Will Always Love You.

È la volta di Drogon di regalare una delle sequenze più intense del finale: furioso per la morte della sua mamma, sfoga la rabbia non sull’assassino materiale ma sul vero responsabile, fondendolo con le sue fiamme insieme al nostro povero cuore.
​
Buio. “Ti prego, non la scrittina qualche tempo dopo”. Qualche tempo dopo, senza scrittina. O almeno così deduciamo; un tempo per andare da Grande Inverno ad Approdo del re ci volevano almeno tre puntate, ora basta un intervallo pubblicitario. Sono riuniti tutti i lord sopravvissuti (compresa un sacco di gente inutile che non ricordavamo e un nuovo Principe di Dorne sfoderato dal cappello al posto del classico coniglio. I maschi di famiglia non dovevano essere tutti morti?) in quello che, di sicuro, è stato un lungo conclave. Infatti i partecipanti sono stati opportunamente forniti di bottigliette d’acqua contro la gola secca.

Morale, gli Immacolati diventano proprietari terrieri, Pesce Lesso Tully tenta di farsi acclamare re ma viene fatto tornare a cuccia dalla nipote, che intanto ottiene l’indipendenza del Nord e corona il sogno di una vita diventando finalmente regina. L’altra nipote decide di non tornare a casa ma di prendere il mare e diventare Cristoforo Colombo. Sam Tarly diventa Gran Maestro e non si capisce dove abbia parcheggiato Gilly e i figli. Ma il vero vincitore del gioco del trono è Bronn, che si è defilato mentre tutti finivano di bisticciare per poi ricomparire sul finale: il mercenario è diventato Maestro del Conio e Lord di Alto Giardino. Un brindisi a Ser Bronn! Jon è il prototipo del “sei nato sfigato e sfigato morirai". Dopo aver salvato la vita di ogni abitante di Westeros almeno due o tre volte e minacce di varia natura, viene esiliato alla Barriera per aver ucciso la regina (peraltro ancora non riconosciuta da tutti come tale e salvando tutti, di nuovo, a discapito del suo cuore). Se possibile, torna anche vergine, grazie. Va detto comunque che, probabilmente, si sarebbe esiliato da solo ed è quindi felice così. Tyrion viene obbligato a richiappare la spilla e Brienne prende il posto di Jaime a capo della guardia reale (e qui lacrimuccia).

​E sul trono? Brandon Stark. Otto stagioni di “Non mi interessa più niente”. “Ormai vivo solo nel passato”. “Sono cose che non mi riguardano” ed un’unica espressione facciale e poi… “Senti, t’andrebbe mica di fare il re?”. “Sono qui per questo”. E niente, il drago si è dato alla macchia quindi, purtroppo, niente Dracarys. Qualcuno comunque ha saggiamente fatto notare che il più avanti di tutti era stato Jaime a tentare di farlo fuori nella prima stagione. Lo sterminatore di re, un nome, una garanzia.
​
Ma proprio alla fine, una gioia. Jon si riunisce con Ghost e Tormund. Ed è quasi happy ending.

L’ottava serie ha diviso il pubblico tra entusiasti e delusi. Noi ci collochiamo un po’ nel mezzo: non è il cosa ma il come che ci ha lasciato una certa amarezza. La fretta di chiudere era papabile non solo nel susseguirsi veloce degli eventi ma anche negli errori, dagli oggetti dimenticati in scena di cui nessuno si è accorto, all’avvio di parentesi narrative mai chiuse, come nei personaggi svuotati della loro complessità e ridotti alla stilizzazione di se stessi.

Che il finale sia piaciuto o meno, con la sesta puntata dell’ottava stagione si è chiusa un’era, si è conclusa una seria diversa, esplicita, coraggiosa, coi contorni fantasy ma soprattutto umana. Game of Thrones è stata in grado di accaparrarsi un pubblico vastissimo, creare aspettativa e sorprendere. Un successo basato sulla complessità dei suoi personaggi, mai cristallizzati in un tipo caratteriale ma sempre in cambiamento a seguito del loro reciproco incontrarsi lungo quello che è stato, per tutti, un sanguinoso cammino. Una serie che ci ha insegnato che il confine tra bene e male non è netto come lo immaginiamo.

Voto alla serie: 8,5
​
Voto alla stagione finale: 5/6

Fai clic qui per modificare.