Il mondo dell’arte da sempre gode di una fama alimentata dalla sua stessa ambiguità. Questo complesso universo non vive, infatti, di soli grandi capolavori leggendari. All’ombra delle sculture più pop e delle opere più irriverenti si nascondono galleristi, critici e veri e propri imprenditori in grado di dettare le regole che guidano il mondo dell’arte. Si tratta di personaggi astuti e spesso spietati che sanno sempre scegliere con grande cura le proprie mosse. Potrebbe trattarsi semplicemente del lato più oscuro di questo universo. Dopotutto, le prospettive sul mondo dell’arte sono certamente molteplici. Quella più cinica, però, è quella adottata in Velvet Buzzsaw, ultima fatica cinematografica del brillante regista Dan Gilroy. ​

Scomoda e tutt’altro che accondiscendente, quest’ultima pellicola della scuderia Netflix è approdata nel catalogo del colosso dello streaming lo scorso 1° febbraio. Bastano i primi minuti per comprendere perché, in breve tempo, questo film sia riuscito a far parlare così tanto pubblico e critica. Gilroy sconvolge i canoni, trova le tonalità giusta e dipinge una tela decisamente fuori dal comune.

​Un artista sconosciuto muore improvvisamente lasciando un gran numero di straordinarie opere pronte ad essere apprezzate da critici in visibilio. La giovane agente Josephina (Zawe Ashton), alla ricerca della grande occasione per la sua carriera, scopre casualmente questa sorprendente eredità artistica. Inconsciamente la ragazza innesca un inesorabile e temibile meccanismo che sconvolgerà la sua vita e quella di tutti i suoi colleghi. Anche Morf Vandewalt (Jake Gyllenhaal), eclettico critico d’arte rimasto folgorato dai lavori del misterioso artista, non rimarrà immune a questa strana maledizione.

​ Le aspettative per il secondo lavoro della coppia Gilroy-Gyllenhaal erano altissime. La scelta della distribuzione su Netflix e il soggetto del film, inoltre, hanno alimentato la curiosità dei cinefili. Dopo la dura critica al mondo dei media e della comunicazione in Nightcrawler – Lo sciacallo, il regista e sceneggiatore di Santa Monica sceglie di tuffarsi in un altro ambiente spietato. Il risultato, trascinato energicamente da un cast stellare in grandissima forma, è una satira senza filtri che gioca con ogni personaggio senza ipocrisie e scrupoli. Nel complesso, tuttavia, il film risulta criptico, difficile da decifrare tanto quanto un’oscura opera d’arte moderna. I toni surreali della narrazione sostengono una struttura à la Final Destination sofisticata che perde parte della sua efficacia nella conclusione. Gilroy, grazie ad un magnetico Gyllenhaal eccentrico ma mai sopra le righe, si scaglia contro il mercato delle opere d’arte spesso sconsiderato e folle. Basta questo per lasciare il segno oppure, proprio a causa di un intreccio criptico, il film rimane vittima delle sue ambizioni? Per capirlo, è necessario vivere questa esperienza cinematografica così vicina al mondo dell’arte.

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di Matelda Giachi

Febbraio. Per i più è il mese di San Valentino, la festa degli innamorati. Ma per noi cinefili… per noi cinefili è il mese degli Oscar. Una cerimonia sempre più discussa, sempre più controversa. Di anno in anno rimaniamo sempre più basiti di fronte alle discutibili scelte dell’Academy, non ultima e la più grave, quella di assegnare alcuni premi, tra cui quello alla fotografia e al montaggio, fuori onda, durante gli intervalli pubblicitari. Fortuna vuole che Hollywood, sotto forma dei suoi più influenti registi, si sia ribellata e sia riuscita a far revocare la decisione.
Nonostante tutto però, non possiamo fare a meno di parlarne, di fare strani calcoli probabilistici, di incrociare i dati di Golden Globes, SAG Awards, Bafta derivandone grafici e aspettative.
A pochi giorni dalla fatidica notte, proponiamo un breve ripasso delle otto pellicole in gara per il premio principale, quello al miglior film, con tanto di link alle nostre recensioni.
 
BLACK PANTHER

Regia di Ryan Coogler, protagonisti Chadwick Boseman, Michael B. Jordan, Lupita Nyong’O, Martin Freeman, Danai Gurira, Andy Serkis.
Partiamo subito col botto, con il candidato che sicuramente ha destato più scalpore. I fan duri e puri dei cinecomic esultano per le ben sette nomination conquistate dalla pellicola sulla Pantera Nera di casa Marvel e i suoi protagonisti alzano forte il grido “Wakanda per sempre”. Il quarto film di supereroi con il maggior incasso di sempre, Black Panther è di sicuro un successo e la qualità della sua realizzazione indubbia. I più tuttavia (e, va detto, noi con loro), restano quanto meno perplessi di fronte alla sua presenza nella rosa degli otto film migliori del 2018. Ci si chiede se la nomination non sia frutto più che altro di un cast quasi totalmente black, se fatta eccezione per Martin Freeman e Andy Serkis, in pieno governo Trump e della prossimità con la tutto sommato recente polemica #Oscarsowhite.

BOHEMIAN RHAPSODY

Regia problematica divisa tra  Brian Singer e Dexter Fletcher, protagonisti Rami Malek, Lucy Boynton, Gwilym Lee, Ben Hardy, Joseph Mazzello.
Il 2018 è stato l’anno dei film musicali e Bohemian Rhapsody, storia della più leggendaria o quasi della band, i Queen, e in particolare del loro front man Freddie Mercury, è stato il film dei record, riuscendo a rimanere in cima ai botteghini per settimane e settimane, diventando uno dei film più visti di sempre. Come per ogni successo, non sono mancate le polemiche, in particolare riguardanti l’inesattezza cronologica della narrazione. Precedentemente a questo, già la lavorazione era stata travagliata, avendo visto la sostituzione del regista Bryan Singer in corso d’opera.
Ma è soprattutto il suo protagonista, Rami Malek, ad essere in corsa per la statuetta dorata. Col suo eccezionale e minuziosissimo lavoro nel riportare in vita il mito di Freddie, si è già aggiudicato il SAG Award, il Golden Globe e il Bafta come miglior attore.
5 nomination in totale

VICE

Regia di Adam McKey, protagonisti Christian Bale e Amy Adams. Ricorderemo Vice soprattutto come l’ultima drastica trasformazione fisica del camaleonte di Hollywood, Christian Bale, che è stato in cura dalle nonne di tutta la troupe per riuscire ad arrivare al peso forma de’ “l’uomo nell’ombra”, ovvero il vice presidente degli Stati Uniti del governo Bush. Dobbiamo dire che siamo stati felici e rassicurati nel rivederlo, di nuovo perfettamente in forma, ringraziare Satana, sul palco dei Golden Globes, mentre ritirava il premio.
Un ottimo film anche se strutturalmente troppo identico al precedente del regista (Adam McKay), La Grande Scommessa. Un’interessante e sottilmente ironica quanto inquietante riflessione sul potere.
8 le nomination totali
Qui la nostra recensione del film

A STAR IS BORN

Regia di Bradley Cooper, protagonisti lo stesso Cooper e la star del pop Lady Gaga.
Dicevamo che il 2018 è stato l’anno della musica al cinema. Una storia, quella di A Star is Born che è già al suo quarto remake e che quindi nessuno si aspettava potesse avere tanto successo. Nemmeno i suoi protagonisti. Ma, se un merito fra tutti va riconosciuto a questo film, è il lavoro eccezionale che Bradley Cooper e Lady Gaga sono riusciti a fare collaborando insieme e imparando l’uno dall’altra. Il risultato è stato un connubio di cinema e musica di alto livello. Se Hollywood prima li sapeva bravi, adesso li riconosce come grandi.
8 nomination, di cui due per lady Gaga: come miglior attrice e per la miglior canzone originale con Shallow.

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BLACKKKLANSMAN

Regia di Spike Lee, protagonisti John David Washington e l’Adam Driver di Star Wars.
Di tutti i nominati, è stato quello che forse è passato più in sordina dalle sale cinematografiche, pur essendosi aggiudicato il grand prix al Festival di Cannes, ma è uno dei nostri preferiti. Spike Lee, ha saputo mettere insieme un misto raggelante realismo e tagliente senso dell’umorismo senza che l’uno o l’altro risultino fuori luogo. Un poliziotto nero agli inizi degli anni ’70 e il suo collega ebreo che si infiltrano nel ku klux klan, dividendosi la parte tra incontri partecipazioni telefoniche e di persona. Uno Spike Lee arrabbiato che usa l’ironia come arma per ridicolizzare e dissacrare l’odio razziale.
6 le nomination totali per questo film.

 
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ROMA

Regia di Alfonso Cuarón, protagoniste Yalitza Aparicio e Marina De Tavira.
D’accordo o meno con le nomination dell’Academy, stiamo comunque parlando di tutti ottimi film ma qui… Qui si comincia ad avere a che fare con delle perle.
Una sceneggiatura ai limiti della semplicità che attinge ai ricordi d’infanzia dello stesso regista che trova modo, con la sua opera, di rendere omaggio alle due figure femminili che tanto hanno fatto e sacrificato per lui. L’uso del bianco e nero, la fotografia, il suono, tutti orchestrati in un’opera intima e universale. Una poesia.
Già Leone D’Oro a Venezia, Roma si presenta la notte del 24 febbraio con 10 nomination.

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LA FAVORITA

Regia di Yorgos Lanthimos, protagoniste Olivia Coleman, Emma Stone e Rachel Weisz.
Con le sue 10 nomination, pari a quelle di Roma, La Favorita è un altro dei grandi protagonisti di questi Oscar. Di tutte le pellicole in gara, è quella che più spicca per originalità, tanto che verrebbe da pensare ad un’opera di fantasia, quando, in realtà, la sceneggiatura si basa su fatti storici ben documentati.
Un triangolo tutto al femminile, quello tra la regina Anna, salita al trono nel 1707, e due sue cortigiane, dove si intrecciano potere, erotismo, affetto e cattiveria. Tre protagoniste una più brava dell’altra. E il regista greco Yorgos Lanthimos, trova finalmente la sua regia vincente e perfetta.

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GREEN BOOK

Regia di Peter Farrely, protagonisti Mahershala Ali e Viggo Mortensen.
Una storia che arriva dritta al cuore in cui un contesto di intolleranza e pregiudizio fanno da scenario alla nascita di una meravigliosa amicizia fondata sulla diversità e il rispetto. Una regia pulita che sa fare buon uso della leggerezza, così come la intendeva Calvino, per affrontare la drammaticità di un tema che non smette di essere attuale. La prova che non servono necessariamente particolari virtuosismi ed effetti speciali per fare del gran cinema.
Presentato alla Festa del Cinema di Roma, sono 5 le nomination totali per il film di Peter Farrely. Mahershala Ali ha già portato a casa il Golden Globe e il Bafta come miglior attore non protagonista, Viggo Mortensen ha messo a segno la più grande interpretazione della sua carriera e alla cerimonia del 24 febbraio, soffrirà solo dello sbrilluccicare delle virtuosistiche trasformazioni dei colleghi Rami Malek e Christian Bale, perché l’Oscar lo merita tutto.

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di Federica Gaspari

L’ingresso del Dolby Theatre di Los Angeles si prepara ad essere nuovamente illuminato dalle brillanti star hollywoodiane e non in gara alla 91esima edizione degli Academy Awards. La notte del 24 febbraio sarà illuminata dai protagonisti della scorsa stagione cinematografica. Anche quest’anno, come da tradizione, una delle categorie più interessanti e combattute è senza dubbio quella dedicata alle migliori attrici protagoniste. Chi sono le interpreti in corsa per l’ambitissimo Oscar?
Classe ’93, origini messicane-mixteche: la più grande sorpresa di questa stagione è Yalitza Aparicio, giovanissima protagonista dell’acclamato ROMA  di Alfonso Cuaron. La storia di Yalitza, completa debuttante sul grande schermo, somiglia sempre più ad una favola. E’ bastata un’ottima interpretazione da protagonista per volare dall’anonima periferia rurale messicana ai red carpet dei più importanti festival cinematografici. Sarà la statuetta inaspettata?

Con ben 7 candidature nel curriculum, Glenn Close è una delle attrici più nominate nella storia degli Oscar. Peccato che tutte le sue più grandi aspettative non si sono mai concretizzate in uno scintillante premio. La brillante interpretazione in The Wife – Vivere nell’ombra ha già convinto la giuria dei Critic’s Choice Awards, Golden Globes e Screen Actors Guild Awards, riconoscimenti che sono l’anticamera dell’ambitissimo Academy Award che andrebbe a coronare una splendida carriera.

Alla mostra del cinema di Venezia è stata premiata con la Coppa Volpi per la migliore interpretazione femminile: l’attrice britannica Olivia Colman, dopo una lunghissima carriera tra teatro, cinema e televisione, è pronta a conquistare il più ambito premio del grande schermo Oltreoceano. La sua regina Anna ne La favorita , è un raro esempio di bravura. Riuscirà a conquistare l’Oscar alla prima candidatura?

Al momento dell’uscita di A Star is Born  era considerata la favorita per la corsa all’Oscar ma, considerando le assegnazioni dei premi che precedono gli Academy Awards, la situazione per lei sembra essersi complicata. Lady Gaga, dopo aver incantato milioni di fan con la sua musica, è approdata sul grande schermo in un ruolo inaspettato quanto convincente. Avrà convinto anche l’Academy?

Un nome inatteso conclude la rosa delle candidate per il ruolo di migliore attrice protagonista. Melissa McCarthy, nota al grande pubblico soprattutto per la sua partecipazione a Una mamma per amica e per le sue interpretazioni in commedie, è stata candidata per la performance nel film Copia Originale, film biografico sulle memorie della truffatrice Lee Israel. La pellicola uscirà in Italia solamente il 16 marzo.

Chi vincerà l’ambitissimo premio? Per saperlo bisogna attendere la luccicante notte del 24 febbraio. Nel frattempo non lasciatevi illudere dai pronostici: gli Oscar, nel bene e nel male, sanno sempre stupire regalando spesso sorprese inaspettate!

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di Vanessa Varini
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In attesa della 91ª edizione della cerimonia degli che si terrà al Dolby Theatre di Los Angeles il 24 febbraio, andiamo a scoprire i candidati come Migliori attori protagonisti ai Premi Oscar 2019. Tra i favoriti di questa edizione c'è Bradley Cooper: dopo essere stato candidato come Migliore attore protagonista per "Il Lato Positivo" e per "American Sniper" di Clint Eastwood, (oltre ad ottenere come co-produttore una candidatura come Miglior film sempre per il film di Eastwood) e come Miglior attore non protagonista per "American Hustle", riuscirà finalmente a vincere l'ambita statuetta dorata nei panni di Jackson Maine, star del rock di "A Star is Born"?​

​Potrebbe vincere l'Oscar anche la rivelazione, Rami Malek, che si è trasformato notevolmente tra dieta ferrea, esercizi fisici e trucco per far rivivere Freddie Mercury in "Bohemian Rhapsody", il celebre biopic sui Queen diretto da Bryan Singer, tra i 20 film più visti di sempre in Italia.

​Infine c'è Willem Dafoe, che dopo aver ricevuto la sua prima candidatura agli Oscar per "Platoon" e sempre come Miglior attore non protagonista per "L'ombra del vampiro" e "Un sogno chiamato Florida", è stato applaudito dalla critica per la sua interpretazione di Vincent van Gogh nel film biografico "Van Gogh - Sulla soglia dell'eternità"

Vincerà un giovane talento o un veterano di Hollywood? Secondo voi chi stringerà tra le mani la statuetta d'oro?


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di Matelda Giachi

​Il vecchio Earl (Clint Eastwood) è un appassionato floricoltore che ha speso l’esistenza tra le piante e le convention, trascurando la famiglia abbastanza da far si che la figlia non gli rivolga la parola da 12 anni, quando la vita si presenta a chiedergli il conto. La crisi e l’avvento delle nuove tecnologie lo pongono di fronte a un pignoramento e alla solitudine che ha coltivato ancora meglio dei fiori per i quali ha ricevuto tanti premi. In questo scenario di fallimento, accetta un lavoro come corriere per il cartello di Sinaloa. L’insospettabile vecchietto, che mai ha ricevuto una sola multa, diventa il più prolifico e ricercato autista della droga.

Sembra uno scenario piuttosto drammatico quello a cui ci pone di fronte il trailer e invece il film si rivela impregnato di una inaspettata positività. La narrazione procede con una leggerezza calviniana. Ci sono voglia di rimediare ai propri errori, voglia di rimettersi in gioco, in qualunque momento del proprio cammino. Il ritmo di vita del protagonista, rallentato dall’età avanzata, è un invito ad assaporare ogni attimo, a starci dentro. 

Il corso degli eventi, per altro ispirati a fatti reali documentati da un articolo del New York Times, viene seguito su un doppio binario. Il primo focalizzato su Earl e le sue corse e il secondo sugli agenti della DEA Daves e Trevino, impersonati rispettivamente da Bradley Cooper, di nuovo attore per Eastwood dopo American Sniper, e Michael Peña, che, dopo l’uscita di scena del suo Kiki Camarena in Narcos, continua a stare alle costole del cartello di Sinaloa. 
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Il regista inquadra la stessa vicenda da entrambi i suoi lati senza dirigere il giudizio su alcuno. Braccato e cacciatori si sfiorano senza vedersi per poi trovarsi ad avere a che fare non in uno scontro ma in un confronto.

Non il migliore ma comunque un ottimo Clint Eastwood che non manca di includere nella pellicola uno dei temi più caldi del tempo: la diversità. La maturità della visione che ci offre è il punto più forte del suo lavoro. 

Nel mondo di Earl sono i fatti, non le parole che contano, a dire chi sei. Ci si saluta “Ehi vecchio.” “Ehi lesbiche”, col sorriso sulle labbra, dopo essersi scambiati suggerimenti per una moto che non parte. Un apostrofare continuo, quasi a voler deridere l’attenzione morbosa che si rivolge alla parola senza darle contenuto. “Sono felice di dare una mano a voi negri”, dice Earl, con candore, ad una coppia di afroamericani con una gomma a terra. E mentre loro si preoccupano di essere chiamati “neri” o meglio, “persone”, lui di fatto ha interrotto il proprio viaggio per fermarsi ad aiutarli.
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Un invito a essere umani, invece di dichiararsi tali.

Voto: 7,5

​Immagini tratte da:
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Data di uscita: 31 gennaio 2019
Genere: biografico, drammatico, commedia
Anno: 2018
Regia: Peter Farrelly
Attori: Viggo Mortensen, Mahershala Ali, Linda Cardellini, Mike Hatton
Sceneggiatura: Brian Hayes Currie, Peter Farrelly, Nick Vallelonga
Fotografia: Sean Porter
Montaggio: Patrick J. Don Vito
Musiche: Kris Bowers
Produzione: Innisfree Pictures, Participant Media, Wessler Enterteinment
Distribuzione: Eagle Pictures
Paese: USA
Durata: 130 min

Poche settimane fa, Vice – L’uomo nell’ombra conquistava pubblico e critica, convincendo gli esperti degli Academy Awards ad assegnargli 8 candidature ai prossimi Oscar. Il successo di questo film portava a riflettere sul ruolo di un genere, quello biografico, non solo nel mondo del cinema ma anche nella società contemporanea. A pochi giorni di distanza, un altro bio-pic ‘anomalo’ approda nelle sale italiane dopo un lungo viaggio segnato da prestigiosi riconoscimenti a festival internazionali. Anche questo film, pur appartenendo ad un preciso genere cinematografico, cerca di uscire dagli schemi con una storia curiosa e contemporaneamente significativa.
 
Sicuramente nessuno avrebbe scommesso sul regista Peter Farrelly che, nel corso degli anni, ha costruito una carriera basata su commedie tipicamente “demenziali”. Green Book, tuttavia, è un film completamente diverso dal previsto, una pellicola che, presentata nei festival internazionali senza troppa grande attesa, ha saputo stupire davvero tutti.

Anni Sessanta, risse in locali chic e favori poco legali per signori della criminalità newyorkese: la vita di Tony Lip (Viggo Mortensen) sembra essere molto lontana da un’esistenza esemplare. Dopo la chiusura di un locale in cui lavorava come buttafuori, l’uomo di origine italiana si ritrova costretto a cercare un nuovo lavoro per riuscire a mantenere la sua famiglia. La migliore offerta, inaspettata quanto insolita, arriva da Don Shirley (Mahershala Ali), talentuoso musicista jazz afroamericano che è alla ricerca di un autista per il suo prossimo tour. L’incontro con il pianista porterà Tony alla resa dei conti con i suoi atteggiamenti talvolta razzisti ma soprattutto aiuterà il protagonista ad aprire gli occhi sulla realtà grazie ad un lungo viaggio nel sud conservatore degli Stati Uniti.

Il green book del titolo è un volume di poche pagine che guida Lip e Shirley verso i luoghi meno pericolosi per gli afroamericani. Tra le righe di questo libro, tuttavia, sembra nascondersi anche il percorso giusto per un road movie a metà strada tra commedia e dramma. I toni e i ritmi narrativi aiutano, infatti, a trovare svolte brillanti imboccando anche vie più sensibili e accorte nei confronti di un’epoca ricca di ipocrisie e contraddizioni. Gli anni Sessanta, intolleranti nei confronti non solo degli afroamericani ma anche degli immigrati, non sembrano tuttavia così lontani dall’America attuale. Lo strepitoso duo protagonista, con performance di grandissimo livello, diventa la marcia in più in un film senza particolari virtuosismi alla regia e alla sceneggiatura. Mortensen e Ali, infatti, non hanno niente da invidiare ai loro colleghi in corsa per l’Oscar. Green Book riesce ad essere fresco e insolito pur seguendo canoni e strutture classiche. L’astuta delicatezza dell’ultima fatica di Farrelly, a tratti paragonabile a quella di The Help, riuscirà ad avere la meglio sulla tagliente ironia di un film come Vice?
 
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di Salvatore Amoroso

Matteo Rovere alle origini del mito fondativo di Roma. Con un film inedito nel panorama attuale della nostra cinematografia: tentativo non riuscito per intero, ma da difendere e sostenere.

Titolo:Il Primo re                                         
Paese di produzione:Italia, Belgio
Anno:2019
Durata:127 min.
Genere:storico, azione
Regia:Matteo Rovere
Sceneggiatura:Filippo Gravino, Francesca Manieri, Matteo Rovere.
Distribuzione:01 Distribution
Fotografia:Daniele Ciprì
Montaggio: Gianni Vezzosi
Musiche:Andrea Farri
Scenografia:Tonino Zera
Produttore:Andrea Paris, Matteo Rovere
Costumi:Valentina Taviani
Cast: Alessandro Borghi(Remo); Alessio Lapice(Romolo); Fabrizio Rongione(Lars); Massimiliano Rossi(Tefarie); Tania Garribba(Satnei); Vincenzo Crea(Elaxantre).

Ambizioso ben oltre le attuali possibilità del nostro cinema, realizzato con un budget di circa 9 milioni di euro in coproduzione con il Belgio, il film,superato l’impatto iniziale che rimanda inevitabilmente il pensiero a Grunt! di Andy Luotto o all’Attila flagello di Dio con Abatantuono & Co, ci trasporta in territori non abituali, tenta la strada di una suggestiva e quanto mai ardita ibridazione tra l’estasi malickiana (La sottile linea rossa, The New World) e la macelleria gibsoniana (Apocalypto) per tornare alle origini del mito fondativo di Roma.
Due fratelli, Romolo (Alessio Lapice) e Remo (Alessandro Borghi), prima travolti da una spaventosa esondazione del Tevere, poi catturati dai guerrieri di Alba Longa. Capaci di liberarsi dal giogo della morte (o della schiavitù) con un altro manipolo di prigionieri, portano via con loro il fuoco sacro protetto da una misteriosa vestale (Tania Garribba). Romolo è ferito, moribondo. Remo è disposto a qualsiasi cosa pur di proteggerlo. Saranno proprio gli dèi, attraverso gli aruspici, a mettere in discussione quel legame fraterno così inossidabile: sul sangue di uno dei due sorgerà il Nuovo Impero.

Dopo il notevole Veloce come il vento, Matteo Rovere alza ulteriormente l’asticella: girato completamente in esterna (tra le varie location ritroviamo il parco dei Monti Simbruini, dei monti Lucretili, il monte Cavo, il monte Ceraso, poi la riserva di Decima Malafede e del Circeo, il lago dei Monaci e la Riserva di Tor Caldara) e in formato anamorfico, solamente con luci naturali (alla fotografia Daniele Ciprì), Il primo re è un lancio senza paracadute nel fango e nelle marrane dell’VIII secolo avanti Cristo: l’unico volto noto è quello di Alessandro Borghi, chiamato ad un’altra prova di resistenza fisica dopo Sulla mia pelle, i pochi dialoghi sono recitati in protolatino, e la volontà è quella di tornare alle viscere di un conflitto, tremendamente umano e ancora oggi attuale, ovvero quello tra il libero arbitrio e la sottomissione al volere del destino.

Quattordici mesi di postproduzione, una prima parte di grande respiro e campi lunghi, poi una progressiva clausura nell’inospitale foresta dove ad emergere sarà la figura di Remo, sfidato, temuto ed infine scelto dal gruppo come leader carismatico di una rivolta che a breve assumerà i connotati dell’impresa.Ma superstizioni ferine e vaticini di fede iniziano a minare l’unione tra i due fratelli, con Remo deciso a far prevalere il proprio amore, le proprie convinzioni, il proprio individualismo, a discapito del fato e della collettività.
Sfiorando solamente la “coattaggine” di prodotti mainstream come 300, ma lontano dall’epica nichilista di capolavori come ValhallaRising, il film di Rovere si concede qualche riferimento pop (la vestale ricorda vagamente la Sacerdotessa Rossa del Trono di Spade) e qualche drone di troppo, non regge per intero le proprie ambizioni (poteva durare qualche minuto in meno) e fugge assai presto dalla mischia di combattimenti cruenti che invece avrebbero potuto regalare ancora qualcosa in più in termini di spettacolo.
Resta comunque un tentativo, quello di Rovere, che, seppur vinto solamente in parte, deve essere difeso e sostenuto perché il cinema italiano ha bisogno di prodotti di questo tipo, dove il coraggio della realizzazione si fonde con il talento dell’artigianato puro. Un cinema che non ha paura di sprofondare nelle fangosità di territori apparentemente sconosciuti, arcaici e ostili, per riemergere e sferrare il proprio sorprendente attacco dinnanzi agli sguardi attoniti di un pubblico abituato alle solite commedie. O ai soliti autori.

Immagini tratte da:
Locandina: ComingSoon.it
Immagine1: IlPost
Immagine2: CorriereDelloSport.it
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di Matelda Giachi

Genere: Drammatico, Sentimentale
Anno: 2018
Durata: 117 min
Regia: Barry Jenkins
Cast: Kiki Layne, Stephan James, Regina King, Teyonah Parris, Colman Domingo, Ethan Barret, Milanni Mines, Ebony Obsidian, Dominique Thorne, Michael Beach, Aunjanue Ellis, Diego Luna, Pedro Pascal
Sceneggiatura: Barry Jenkins
Fotografia: James Laxton
Colonna Sonora: Nicholas Britell
Produzione: Annapurna Pictures, Plan B Entertainment, Pastel
Distribuzione: Lucky Red
Paese: Stati Uniti

Quartiere di Harlem, Manhattan, sono gli anni ’70. Tish e Fonny sono cresciuti insieme e, ora che sono grandi, si scoprono innamorati. Un bambino in arrivo, il progetto di un futuro insieme viene infranto quando il ragazzo è ingiustamente accusato di un crimine. Il sogno di Tish si tramuta in una lotta contro l’asprezza della vita, nella quale sarà supportata da una sconosciuta forza d’animo e dalla famiglia.

“Beale Street è una strada di New Orleans, dove sono nati mio padre, Louis Amstrong e il Jazz. Ogni afroamericano nato negli Stati Uniti è nato in Beale Street, è nato nel quartiere nero di qualche città americana, sia esso a Jackson, in Missisipi, o Harlem, a New York. Beale Street è la nostra eredità. Questo romanzo parla dell’impossibilità e della possibilità, della necessità assoluta, per dare espressione a questo lascito.”
Il premio Oscar per Moonlight Barry Jenkins traspone per il grande schermo il romanzo omonimo di James Baldwin e torna a parlare della discriminazione del popolo afroamericano. Mentre però, di solito, si sceglie di portare in scena la violenza, forse perché considerata più di impatto (mi viene in mente 12 Anni Schiavo, tra gli ultimi film premiati), Jenkins decide invece di parlare d’amore.
Se la Strada Potesse Parlare è infatti, prima di tutto, una storia d’amore. Un amore giovane, impacciato, dolce ma pieno di fiducia e di voglia di futuro e più forte della paura. I due giovani vengono privati non solo dell’illusione del sogno americano ma anche della semplice possibilità di vivere la propria vita. Il racconto procede sempre con delicatezza estrema; una regia morbida, incentrata principalmente sui primi piani, su di un linguaggio più profondo di quello della parola. Tutto scandito da un sottofondo jazz.

Il primo film di Barry Jenkins dopo l’Oscar evidenzia una grandissima crescita del regista sotto il profilo sia dello stile che della narrazione ma conserva, tuttavia, il suo più grande difetto: la volontà di commuovere a tutti i costi.
Inizialmente vi è una grande poeticità nello sviluppare la storia d’amore al centro della pellicola, che trova il suo culmine nella prima volta tra i due, dipinta con estremo candore. Ma non appena il regista la rende strumento di denuncia la precedente dolcezza diventa retorica; il film, a tratti, uggiosamente melenso, quasi un compiangersi.
Nel bene e nel male, Jenkins rimane fedele a se stesso con una regia fortemente sentimentale che, con la dovuta maturazione, potrebbe essere promessa di un radioso futuro per il cinema.
I protagonisti Stephan James (Jesse Owens in Race) e l’esordiente Kiki Layne intensi e bravissimi di fronte a una macchina da presa che indaga da vicino i loro volti e cerca di penetrare nel profondo dei loro occhi. La forza d’animo di un popolo nell’interpretazione carismatica di Regina King.

VOTO 7,5

Foto tratte da:
www.blog.screenweek.it
www.patriotledger.com
www.vulture.com
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Yorgos Lanthimos ritrova la forma smarrita con un film non totalmente "suo" e tre magnifiche protagoniste: Olivia Colman, RachelWeisz ed Emma Stone. Sono dieci nomination agli Oscar per La Favorita.

di Salvatore Amoroso

Titolo: The Favourite

Paese di produzione: Irlanda, UK, Usa

Anno: 2018

Durata: 120 min.

Genere: storico, drama

Regia: Yorgos Lanthimos

Sceneggiatura: Deborah Davis, Tony McNamara

Distribuzione: 20th Century Fox

Fotografia: Robbie Ryan

Montaggio: Yorgos Mavropsaridis

Produttore: Ceci Dempsey, Ed Guiney, Lee Magiday, Yorgos Lanthimos

Scenografia: Fiona Crombie

Costumi: Sandy Powell
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Cast: Olivia Colman(Regina Anna); Emma Stone(Abigail Masham); Rachel Weisz(Sarah Churchill): Nicholas Hoult(Robert Harley); Joe Alwyn(Samuel Masham); Mark Gatiss(John Churchill).

​Ci voleva l’Inghilterra del XVIII secolo per ritrovare Yorgos Lanthimos. Al terzo tentativo con un film in lingua anglosassone, il regista greco fa finalmente centro. Purtroppo, i precedenti The Lobster e Il sacrificio del cervo sacro, pur indubbiamente accattivanti e suggestivi, venivano fagocitati dallo smodato narcisistico talento del suo autore.Stavolta, invece, Lanthimos riesce a farsi in qualche modo da parte (mai del tutto, per carità, e quell’abuso di grandangoli e ralenti è lì a dimostrarlo), lasciando che la storia e le sue tre incredibili protagoniste prendano il sopravvento su ogni cosa.

​Siamo nel primi anni del ‘700. L’Inghilterra è in guerra contro la Francia. Ciò nonostante, le corse delle anatre e il consumo di ananas vanno per la maggiore. Una fragile regina Anna (Olivia Colman) siede sul trono, mentre l’amica intima Lady Sarah Churchill (Rachel Weisz) governa il paese in sua vece e, al tempo stesso, si prende cura della cattiva salute e del temperamento volubile della sovrana. Quando l’affascinante Abigail Masham (Emma Stone) arriva a corte, si fa benvolere da Sarah, che la prende sotto la sua ala protettiva. Per Abigail è l’occasione di tornare alle radici aristocratiche da cui discende. Mentre gli impegni politici legati alla guerra richiedono a Sarah un maggiore dispendio di tempo, Abigail si insinua nella breccia lasciata aperta, diventando la confidente della sovrana. Grazie all’amicizia sempre più stretta con Anna, Abigail ha la possibilità di realizzare tutte le sue ambizioni e non permetterà a niente e a nessuno di intralciarle la strada.

Sostenuto da una sceneggiatura al limite della perfezione firmata da Deborah Davis e Tony McNamara, il film, il primo che Lanthimos dirige senza averne firmato lo script,è un irresistibile affresco degli intrighi di corte da un punto di vista tutto femminile. Abituati ad entrare – cinematograficamente – in questi ambienti sempre in punta di piedi, ci ritroviamo al cospetto di una sovrana volubile e seminferma per causa della gotta, affettuosa con i suoi diciassette coniglietti (tanti quanti i figli nati morti o persi prima del parto) e disperatamente in cerca di affetto.Olivia Colman,che i più attenti già avranno avuto modo di conoscere nella serie Broadchurch, veste i panni di una regina in attesa di rivederla anche nella terza stagione dell’acclamto The Crown. Ma tra Elisabetta e Anna, le quali caratterizzazioni non lasciano spazio a eventuali dubbi, c’è un evidente abisso che la Colman riesce ad attraversare senza problema alcuno, concedendosi ad una prova capace di suscitare ilarità e disgusto, tenerezza e rabbia.Che poi, a ben vedere, sono gli stessi elementi attraverso cui le due manipolatrici Sarah e Abigail, le straordinarie Rachel Weisz e Emma Stone, si danno battaglia dall’inizio alla fine del film.

The Favourite è dunque l’apoteosi del gioco di ruolo (che Lanthimos aveva già saputo raccontare, ovviamente in altri termini, in quel mezzo capolavoro che era Alps), la pugnalata alle spalle dopo il sorriso cordiale, la caduta in una pozza di fango letamato quale trampolino per ritrovarsi poi tra le lenzuola della figura più potente dell’intera Gran Bretagna.Tutto sommato, ci dicono Lanthimos e il suo film, stiamo osservando una storia ambientata oltre trecento anni fa. Nonostante ciò, a parte i costumi e l’assenza di qualche ritrovato dettato dal progresso (l’elettricità, l’acqua corrente, lo smartphone), quello che accade tra le donne e gli uomini, di potere e non, è rimasto immutato. É un film in costume, ma lo sguardo è quello di Yorgos Lanthimos. I protagonisti avrebbero anche potuto indossare dei tutù, ma quello che conta davvero sono le persone, il loro essere umani ed il loro rapporto conflittuale. È solamente una messa in scena continua per accaparrarsi il gradino più alto di una scala che tiene separati dal guado. A meno che non faccia la sua comparsa qualcosa di simile al sentimento, ma anche in questo caso si sarebbe trovato il modo di sopprimerne la portata catastrofica
Il film ècandidato a ben10 premi Oscar: miglior film, regia, attrice protagonista (Colman), attrice non protagonista (Weisz e Stone), sceneggiatura, montaggio, fotografia, costumi, scenografia.

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Immagine2:The Independent
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Titolo: "Nuovo Cinema Paradiso"

Anno: 1988
 
Genere: drammatico, commedia
 
Sceneggiatura: Giuseppe Tornatore
 
Regia: Giuseppe Tornatore
 
Cast: Jacques Perrin (Salvatore adulto); Salvatore Cascio (Salvatore bambino); Marco Leonardi (Salvatore adolescente); Philippe Noiret (Alfredo); Leo Gullotta (Ignazio); Agnese Nano (Elena adolescente); Leopoldo Trieste (Padre Adelfio)
 
Sabato 12 gennaio 2019 presso il Cinema Ariston di Mantova si è tenuto un evento speciale con ospite il Maestro Giuseppe Tornatore.

La famiglia Protti, che gestisce il Cinema di Mantova, ha presentato il romanzo “Un orizzonte chiamato cinema” a cui è seguita, in esclusiva, la proiezione del film in versione restaurata “Nuovo Cinema Paradiso” del regista Giuseppe Tornatore, vincitore del Grand Prix Speciale della Giuria al Festival di Cannes del 1989, nonché dell'Oscar per miglior film straniero.
 
Il film racconta la storia di Salvatore (Jacques Perrin), un regista affermato residente a Roma, che riceve una telefonata che lo avvisa della morte dell’amico Alfredo. Questa notizia fa affiorare in Salvatore, che non torna nel paese natale Giancaldo, in Sicilia, da vent'anni, il ricordo dell'infanzia e dell'adolescenza. Attraverso un lungo flash-back vediamo Totò (interpretato da Salvatore Cascio, poi da Marco Leonardi) che comincia ad appassionarsi ai film, soprattutto grazie all'amicizia con Alfredo (Philippe Noiret), il proiezionista del cinema parrocchiale, che gli permette di assistere alle proiezioni cinematografiche ed in seguito gli insegna ad usare il proiettore.

A causa di un incendio nella cabina di proiezione, il cinema viene completamente distrutto, e Alfredo, salvato da Totò, rimane cieco per le ustioni al volto. La sala cinematografica viene in seguito ricostruita col nome Nuovo Cinema Paradiso e Salvatore, ormai adolescente, prende il posto di Alfredo e nello stesso tempo comincia a fare delle riprese. S'innamora di Elena (Agnese Nano), ma la loro relazione è osteggiata dai genitori di lei. Dopo la chiamata nell’esercito a Roma, Totò lascia la Sicilia. Al suo ritorno dal servizio militare incontra Alfredo che lo incita ad abbandonare per sempre la sua terra natale per inseguire la passione della regia. Con quest'ultimo ricordo si conclude il flash-back, e la mente di Salvatore torna al presente, ora che in Sicilia si dovrà confrontare con il suo passato e la sua infanzia.
 
“Nuovo Cinema Paradiso” è una vera e propria dichiarazione d'amore verso il cinema, un'arte che ci fa emozionare, sognare ad occhi aperti, volare con la fantasia in periodi storici e in avventure che non potremmo mai vivere nella realtà.
Nel film, Tornatore presenta la “settima arte” come unica forma di divertimento, in un periodo, dopo la fine della seconda Guerra Mondiale, dove la vita non era semplice e il cinema era una delle poche distrazioni che la gente poteva permettersi.

Attualmente “Nuovo Cinema Paradiso” è considerato un capolavoro, ma all’epoca, nel 1988, non venne capito e non ottenne un ottimo risultato ai botteghini, nonostante i tanti pregi del film: la colonna sonora scritta dal grande maestro Ennio Morricone, l'alternanza di momenti divertenti e commoventi, la narrazione dinamica, la riscoperta dei film del passato e i temi ancora attuali come l’inseguire i propri sogni,  la libertà d'espressione (con il montaggio finale dei baci censurati in passato dal prete del paese, che formano una pellicola di grandi sentimenti), e le occasioni mancate, come quella con Elena.
Il successo del film arrivò solo dopo che venne distribuito in Francia al Festival di Cannes, dove vinse il Gran Premio della Giuria, e oggi è un classico senza tempo, da vedere e rivedere, capace di emozionare anche a distanza di trent'anni.
 
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