|
Di Federica Gaspari  Genere: thriller, drammatico Anno: 2019 Regia: Michal Hogenauer Attori: Eliska Krenkova, Jacob Jutte, Monic Hendrickx, Roeland Fernhout Sceneggiatura: Michael Hogenauer, Jakub Felcman Fotografia: Gregg Telussa Montaggio: Michael Reich Produzione: Circle Films, Negativ, Tasse Film Paese: Repubblica Ceca, Paesi Bassi, Lettonia Durata: 96 min La selezione internazionale di lungometraggi firmata Milano Film Festival quest’anno ha permesso di esplorare generi, toni e influenze di ampissimo respiro. Tra i titoli in concorso, infatti, figuravano anche due ottimi film presentati con successo all’ultima edizione del Locarno Festival tra cui uno dei nostri preferiti Ham on Rye di Tyler Taormina. La sezione, tuttavia, ha regalato anche un piccolo gioiellino come A Certain Kind of Silence – Tiché doteky il titolo originale – del regista Michael Hogenauer. Il film, presentato in precedenza anche al Karlovy Vary International Film Festival, si è aggiudicato il premio del pubblico proprio alla 24esima edizione del Milano Film Festival grazie alle sue atmosfere inquietanti ma magnetiche. Micha (Eliska Krenkova) è una ragazza alla pari che si prepara al suo periodo all’estero in una non precisata nazione dell’Europa centro-settentrionale. La giovane arriva nella sua nuova casa con una valigia ricca di aspettative e curiosità per un’avventura che le permetterà di perfezionare il suo inglese e di scoprire nuove culture e tradizioni. Sin dal principio, tuttavia, dovrà confrontarsi con strane abitudini e usi che sembrano alla base delle dinamiche che regolano il nucleo familiare di cui è ospite. Il rapporto con la sua nuova famiglia e con il bambino che dovrà accudire quotidianamente potrebbe complicarsi scoprendo segreti che regolano silenzi e atteggiamenti.  Ampi spazi e location eleganti, arredati con cura in sintonia con le sfumature cromatiche che rispecchiano un certo tipo di immaginario tipicamente scandivano. Questi colori freddi ed essenziali, una presenza costante e quasi paradossalmente costante nella narrazione, riescono sin dalle prime inquadrature di A Certain Kind of Silence a creare la giusta atmosfera per raccontare la tragica avventura di Micha. Il vortice silenzioso di eventi di cui la ragazza sarà protagonista. L’apparenza ordinata ed efficiente di una famiglia agiata entra subito in contrasto con i tesissimi flashforward della protagonista alle prese con un interrogatorio. Un dubbio angosciante si insinua nella mente dello spettatore e cresce osservando come ogni normale dinamica familiare e ogni rapporto personale si trasforma in modo preoccupante nel film.  La scelta di realizzare il film in inglese costringendo tutto il cast a mettersi in gioco in una lingua diversa da quella madre rafforza la sensazione di incomprensione che permea tutte le vicende narrate. Impossibile non continuare a domandarsi se quanto raccontato sia reale oppure frutto delle preoccupazioni della ragazza che, tuttavia, è al centro di una metamorfosi che non sfugge agli occhi del pubblico. Giocando brillantemente con silenzi e avvenimenti fuori scena, il regista e sceneggiatore Hogenauer sviscera i meccanismi perversi e agghiaccianti di una setta che mette in discussione rapporti personali ed educazione ispirandosi al cinema di Yorgos Lanthimos. Manipolazioni e persuasione regolano ogni aspetto della vita di Micha che, prima rinunciando al suo nome e in seguito sottomettendosi anche semplicemente ad un codice non scritto di abbigliamento, non riuscirà più ad interpretare la realtà nemmeno davanti all’evidenza. Il grande colpo di scena, tuttavia, è ancora più agghiacciante. La storia raccontata, infatti, si ispira a fatti realmente accaduti, svelati in un laconico epilogo che sferra il fatale colpo nello stomaco, incorniciando un film che mette sotto i riflettori un autore e un cast da seguire.
Immagini tratte da: http://www.milanofilmfestival.it/it/
0 Commenti
di Federica Gaspari La 24esima edizione, raccontando trasformazioni e outsiders a diverse grandezze, si conclude con premi variegati e a tratti inaspettati. Milano si conferma ancora una volta un centro dinamico e sperimentale per la settima arte. L’ultima edizione del Milano Film Festival conclusasi giovedì 10 ottobre ha dimostrato ancora una volta di essere parte di una città che ama avventurarsi tra le sue molteplici nature e ramificazioni. Questa 24esima edizione della manifestazione ha portato nel capoluogo meneghino film in anteprima italiana con The Beach Bum ) di Harmony Korine e in chiusura First Love del maestro Takashi Miike. Questi due titoli che hanno segnato il programma ben rappresentano proprio un festival che ama mettersi in gioco con scelte fuori dagli schemi. I premi assegnati nel corso della cerimonia di chiusura festival rispecchiano la volontà di raccontare storie trovando voci e prospettive inedite, valorizzando sguardi fuori dall’ordinario ma anche occhi rivolti verso un passato, un presente e un futuro sempre difficili da interpretare.  Lungometraggi Premio internazionale miglior lungometraggio The Sharks Lucia Garibaldi “The Sharks di Lucìa Garibaldi è un film che esplora con coraggio e originalità il tema del risentimento, declinandolo in una psicologia femminile e inserendolo quindi entro in conflitto di genere. Una drammaturgia semplice ma potente supporta una straordinaria interpretazione e offre al pubblico una analisi speciale del mutevole rapporto tra femminile e maschile, così caratterizzante in questi anni.”  Menzioni speciali Swallow Carlo Mirabella-Davis “Un incoraggiante debutto, con una notevole interpretazione femminile, che tocca temi delicati come l’abuso, le ossessioni e la solitudine, con un promettente sguardo autoriale.” Koko-di Koko-da Johannes Nyholm “Siamo rimasti molto colpiti dal secondo lungometraggio di Johannes Nyholm. Un film che mescole diverse forme di cinema, molto fantasioso, audace e scomodo. Un film molto inquietante che ci ha ricordato Rueben Ostlund e Michael Haneke, ma presenta anche bellissime inquadrature, altamente fantasioso e coinvolgente. Non vediamo l’ora di vedere cosa farà Johannes dopo!” Premio Migliore Attrice N.A.E. The Sharks – Romina Betancur “Per l’espressività, un’interpretazione intensa e naturale, e per la capacità di comunicare un ampio spettro di emozioni con una recitazione minimalista.” Premio Aprile Guerilla György Mór Kárpáti “In un periodo storico caratterizzato da nuove tendenze sovraniste e xenofobe, un film che non ha paura di confrontarsi con le contraddizioni del nostro presente attraverso la crudeltà di un passato – l’Europa del ‘800 – che ritorna. Un premio assegnato per il coraggio di riaprire ferite antiche attraverso il linguaggio inesausto del cinema in costume.” Premio del pubblico Miglior Lungometraggio Internazionale A Certain Kind of Silence Michael Hogenauer - Cortometraggi - Premio Campari Miglior Cortometraggio Adalamadrina Carlota Oms “Una storia davvero divertente raccontata cinematograficamente molto bene, con arguzia e serenità – un risultato non facile da ottenere quando si realizza una commedia – a cui si aggiunge una performance di qualità. Non vediamo l’ora di vedere i lavori futuri della regista, così promettente al suo esordio”  Menzioni speciali All on a Mardi Gras Day Michal Pietrzyk “Un documentario ben fatto che fa luce su una prospettiva meno conosciuta del Mardi Gras. Un meraviglioso e intimo ritratto di persone e luoghi.” Pearl Yuchao Feng “Una storia commovente e bellissima, realizzata attraverso una forte visione cinematografica e artistica; caratterizzata da una performance immersa totalmente nell’universo del film”. Premio del pubblico Miglior Cortometraggio Internazionale Mia Sorella Saverio Cappiello Premio dello staff MFF Miglior Cortometraggio Internazionale Your Last Day on Earth Marc Martinez Jordan Scommesse vinte e prospettive  La sezione The Outsiders, con i due titoli in anteprima già citati in precedenza, ha sicuramente regalato alla 24esima edizione di Milano Film Festival un respiro ancora più internazionale, aperto a nuovi orizzonti. Non sono mancati inoltre momenti di riflessione e confronto grazie agli incontri della sezione Industry ma anche di Other Natures e Incontri Italiani. Gli appuntamenti di My Screen hanno permesso di aprire le conversazioni anche a tutte le gamme generazionali con protagonisti come Sofia Viscardi, MYSS KETA e Muriel. Le Masterclass hanno infine contribuito all’interazione continuo tra ospiti e pubblico, grazie ai nomi coinvolti del calibro di Margherita Buy, Giulia Michelini, Hannah Woodhead e molti altri. Gli obiettivi raggiunti in questa edizione, tuttavia, sono le nuove sfide per il prossimo anno, in cui il festival con il suo programma e la sua proposta culturale dovrà nuovamente scommettere su se stesso non solo per confermare le aspettative ma soprattutto per stupire il grande pubblico! Immagini tratte da: www.milanofilmfestival.it Di Federica Gaspari
Le commedie romantiche sembravano essere ormai un semplice retaggio degli anni Novanta e dell’inizio del terzo millennio. Genere squisitamente d’intrattenimento spesso bistrattato, le rom-com dopo una fase di declino sotto i colpi di grandi produzioni thriller o cine-comic hanno trovato il terreno ideale per la loro rinascita nell’ambiente dei festival di cinema indipendente. In questo ambito piccole produzioni hanno potuto sperimentare nuovi toni e linguaggi ridefinendo i canoni del genere stesso che ora sembra ritrovare spazio anche tra i prodotti di punta grazie alle piattaforme di streaming e ad alcune produzioni attente ai gusti del pubblico. L’ultima pellicola di Jonathan Levine (50/50) arriva nelle sale italiane dopo questo lungo percorso che intreccia pubblico e critica. Non succede ma se succede… può contare però sulla partecipazione di una coppia di protagonisti insolita: Seth Rogen e Charlize Theron. Davvero due attori dal background così differente possono funzionare insieme al centro della scena?  Il presidente degli Stati Uniti Chambers (Bob Odenkirk) sembra essere più interessato al mondo del piccolo schermo che alla politica e al bene della nazione. Per questo motivo comunica al suo segretario di Stato Charlotte Field (Charlize Theron) la sua decisione di non presentarsi per un nuovo mandato e di sostenere proprio lei come suo successore. Inizia così ufficialmente la campagna elettorale di Charlotte che, tuttavia, dovrà scendere a compromessi e cambiamenti della sua immagine per incontrare il favore dell’elettorato. Mentre è alla ricerca di qualcuno in grado di aggiungere un pizzico di ironia ai suoi discorsi ufficiali, Charlotte incontrerà inaspettatamente Fred Flarsky (Seth Rogen), giornalista squattrinato e vicino di casa dei tempi della scuola superiore.  La presenza nel cast di Seth Rogen lascia spesso intuire toni da commedia quasi demenziale, dalle sfumature tutt’altro che politicamente corrette. L’inatteso affiancamento a Charlize Theron – un volto quasi inedito nel mondo della commedia – tuttavia sembra trovare un piacevolissimo equilibrio che si rafforza grazie a tematiche e riflessioni tutt’altro che banali affrontate in modo insolito. La sceneggiatura, segnata da ritmi accattivanti e incalzanti, riesce infatti a giocare splendidamente con il ribaltamento dei ruoli, rivoluzionando lo stereotipo per cui nelle classiche storie “presidenziali” la figura maschile ricopra sempre il ruolo di potere. Non si tratta di un superficiale caso di gender swap ma della ricerca di una voce fuori dai soliti schemi in grado di trovare una protagonista femminile valida capace di coniugare eleganza e fascino con innato spirito humour. Nasce così una splendida intesa tra i due protagonisti così apparentemente distanti. E’ proprio questo il punto di forza che distingue questa pellicola da tante altre. Il finale sembra ripercorrere schemi già noti ma non compromette comunque una visione inaspettatamente divertente. Immagini tratte da: www.time.com www.nerdgate.it Di Federica Gaspari  Paese: Stati Uniti Anno: 2019 Formato: serie TV Genere: teen drama Stagione: 1 Puntate: 8 Regia: Sam Levinson, Augustin Frizzell, Jennifer Morrison, Pippa Bianco Sceneggiatura: Sam Levinson Produzione: A24 Television, The Reasonable Bunch, Little Lamb, DreamCrew, Tedy Productions Cast: Zendaya, Maude Apatow, Angus Cloud, Eric Dane, Alexa Demie, Jacob Elordi, Barbie Ferreira Il genere teen drama è stato rivoluzionato. Se, fino a poco tempo fa, questa etichetta veniva associata a un gruppo sempre più nutrito di prodotti in serie ormai privi di personalità, ora trova nuovo fascino grazie alla sorpresa di questa stagione del piccolo schermo. Euphoria, ultimo gioiellino della scuderia HBO ideato da Sam Levinson, è infatti una creatura completamente diversa da quelle conosciute e seguite fino ad ora. Niente di simile a Tredici, discussissima nel bene e nel male, Elite, troppo soap per essere vera, e infine Riverdale, con un pizzico di troppo di sospensione della realtà. Euphoria, che nasce come remake americano dell’omonima serie israeliana, si avventura con una maestria fuori dall’ordinario tra le dinamiche adolescenziali senza dimenticare quella adulte. Lo show con le sue otto puntate della durata di un’ora, sceglie toni e modalità completamente nuovi per raccontare gli aspetti anche più banali da constatare ma difficili da narrare ad un pubblico eterogeneo.  In un’anonima località della provincia a stelle e strisce, si consumano rapporti, preoccupazioni e problemi di un gruppo di adolescenti. Il pubblico potrà seguire ogni avvenimento attraverso la prospettiva della protagonista Rue (Zendaya), diciassettenne alle prese con il ritorno alla quotidianità dopo un periodo di recupero dovuto alla sua dipendenza da droghe. I rapporti con i suoi coetanei si riveleranno ancora più complessi del previsto…  Il primo dettaglio che colpisce lo spettatore è senza dubbio una messa in scena caratteristica, dominata da colori neon che si alternano a scelte registiche tutt’altro che banali per una serie tv. Sam Levinson, dopo solo due lavori da regista sul grande schermo, dimostra tutto il suo talento insieme a collaboratori che gli permettono di realizzare un progetto articolato e complesso anche se strutturato su solo otto episodi. Ogni puntata trova, infatti, la propria voce concentrandosi su un solo personaggio, sviluppandone personalità, rapporti con gli adulti e soprattutto problematiche adolescenziali: incapacità di dialogo intergenerazionale, concezioni tossiche di amore, scoperta della propria sessualità e preoccupazioni sul futuro.  Tutto questo, però, non sarebbe stato possibile senza un cast di giovanissimi attori pressoché sconosciuti. L’unico nome davvero noto è quello della protagonista Zendaya che in Euphoria dimostra finalmente di essere molto più di un semplice volto sorridente. Tutti gli altri interpreti sono degni di nota e vanno a comporre una squadra davvero promettente di giovani attori.
La prima stagione di Euphoria, già rinnovata, è disponibile su Sky Box ed è pronta ad appassionarvi con tutta la sua preoccupante e urgente necessità narrativa. Immagini tratte da: www.hbo.com Di Federica Gaspari  Genere: commedia Anno: 2019 Regia: Harmony Korine Attori: Matthew McConaughey, Isla Fisher, Snoop Dogg, Jimmy Buffett, Zac Efron, Martin Lawrence, Jonah Hill, Stefania LaVie Owen Sceneggiatura: Harmony Korine Fotografia: Benoit Debie Montaggio: Douglas Crise Produzione: Iconoclast, Anonymous Content, Le Grisbi Production Paese: Stati Uniti, Regno Unito, Francia, Svizzera Durata: 95 min La 24esima edizione del Milano Film Festival ha ufficialmente preso il via, infiammandosi sin dal primo giorno con un titolo d’apertura d’eccellenza. Il compito di aprire le danze della kermesse è stato infatti affidati a The Beach Bum, ultimo eclettico lavoro del regista statunitense Harmony Korine. Il film è stato presentato in anteprima italiana lo scorso 4 ottobre aprendo la sezione The Outsiders del festival. Attesissima, questa pellicola folle completamente fuori dagli schemi conferma le aspettative degli appassionati, trascinando il pubblico in un nuovo travolgente viaggio al fianco di un iconico Matthew McConaughey. Chi è Moondog (Matthew McConaughey)? Un nomade moderno, un padre non convenzionale, un infedele di professione oppure un semplice poeta? Difficile trovare una semplice etichetta per un personaggio come lui, continuamente in movimento, sempre in costante cambiamento ma perennemente uguale a se stesso. L’unica certezza è che l’esuberante Moondog è un punto di riferimento – a suo modo – delle Florida Keys, uno strano monumento destinato per natura a diventare iconico nei suoi eccessi e nelle sue stranezze. Il matrimonio della figlia e un improvviso incidente sembrano cambiare i suoi piani – se così si possono chiamare. Moondog davvero non cambierà mai?  La colorata ed esuberante Florida, dopo il successo di Springbreakers, torna ad essere palcoscenico dei racconti cinematografici di Harmony Corine, cinesta della scena indie americana che, oltre a far parlare molto di sé fuori dalle scene, riflette nei suoi folli personaggi tutta la sua iconica personalità. Al centro della scena questa volta, tuttavia, al posto di James Franco c’è un irriconoscibile Matthew McConaughey. Abiti eccentrici, capelli lunghi, barba incolta e occhiali da sole a qualsiasi ora: sono i tratti distintivi di un protagonista distante e surreale nei modi ma dotato di un magnetismo irresistibile che cresce scena dopo scena. Quella di McConaughey è senza dubbio una delle interpretazioni più insolite e allo stesso tempo più riuscite di tutta la sua carriera, già coronata in passato dalla conquista di un Oscar.  “He may be a jerk but he’s a great man.”
Mai fermarsi all’apparenza davanti a Moondog. Lo ricorda proprio con le giuste parole la figlia Heather – la promettente Stefania LaVie - del protagonista. Moondog, nonostante le sue strane abitudini e i comportamenti insoliti, è realmente un riferimento, un uomo dal grande potenziale riconosciuto e apprezzato. Tutti i personaggi che lo circondano sottolineano con le loro interazioni proprio questo aspetto. Nessuno sembra davvero volerlo cambiare. Non la figlia che gli propone sembra una seconda possibilità, né la moglie Minnie (Isla Fisher) con cui ha un rapporto tutt’altro che fedele ma che rappresenta davvero il suo grande amore. Una mancanza, un evento improvviso aziona ulteriori dinamiche in una sceneggiatura che forse nella seconda parte non sempre scorre liscia ma introduce personaggi istrionici e folli come il manager Jonah Hill o il piromane punk di Zac Efron. Forse l’unica vera delusione nei ruoli secondari arriva da uno Snoop Dogg decisamente sottotono che, tuttavia, non mina un film unico nel suo genere, divertente, divertito e scanzonato nella sua paradossale curatissima messa in scena. Immagini tratte da: http://www.milanofilmfestival.it/it/
Con l’anteprima mondiale e la vittoria del Leone d’oro a Venezia 76, Joker interpretato magistralmente da Joaquin Phoenix e diretto dal regista Todd Philips scrive la storia del Cinema, rivoluzionando il concetto di cinecomic.
Nel vasto mondo dei fumetti nel novanta percento dei casi sono proprio i Villain a conquistarci. Personaggi bizzarri e dalla personalità seducente, rilegati ai margini della società e che molto spesso vengono disprezzati e non totalmente compresi. Il più iconico e il più misterioso è senza dubbio Joker, il pagliaccio di Gotham City. Ma quanti di noi conoscono le sue origini? Quanti di noi sanno chi è veramente Arthur? La madre gli continuava a ripetere che “ha uno scopo: portare risate e gioia nel mondo” e Arthur Fleck ci crede, a modo suo. Disadattato, schizzato, bullizzato, Arthur non vive, sopravvive, soprattutto a se stesso, ma anche la madre non scherza: teledipendente, querula, consunta. E non basta: pretende che il padre di Arthur sia Thomas Wayne, il magnate di Gotham, e chissà se lo è davvero. Lavora come clown, Arthur, con altri freaks per destino prima che professione: si esibisce, anche per i bambini, e forse portarsi appresso la pistola all’ospedale pediatrico non è il massimo delle idee. Licenziato, si butta nello spettacolo, agogna raggiungere il suo mito, Murray Franklin (Robert De Niro), un conduttore televisivo che gli accende un altro lume della sragione: the show must go on, e quello di Arthur battezzato per sfottò Joker si fa involontariamente catalizzatore dell’insofferrenza popolare, per una città invasa dai ratti, sovrappopolata dall’immondizia dove alcuni (pochi) hanno tutto, e chi niente come Arthur che non ha nemmeno la possibilità di continuare a essere curato. La sanità mentale non abita qui, e Joker non farà prigionieri: l’umiliato e l’offeso è l’alfiere imprevisto e improbabile della riscossa popolare, della rivincita degli ultimi, il fomentatore della guerrilla e del saccheggio urbano con indosso le maschere che mostrano la sua bocca ferita e un paio di occhi vacui che lasciano intendere senso di vendetta e tanto bisogno di infondere dolore.
Chi poteva interpretare magistralmente l’ultimo tra gli ultimi? Joaquin Phoenix, esperto in trasformazioni fuori dal comune. Di fatto non si smentisce nemmeno questa volta e non si limita a calarsi nei panni del personaggio, lui mastica e digerisce il clown, lo fa letteralmente suo. Oltre a perdere peso (ben venti chili) studia meticolosamente le risate di persone realmente affette da malattie mentale . Una risata che come hanno scritto banalmente in tanti, non ci seppellisce ma ci fa accapponare la pelle. Una risata che ci trasmette un dolore tagliente e che sembra sussurrarci che forse, anche noi talvolta ci siamo trovati nei panni sudici di Arthur. Non vogliamo esagerare ma non ci sarebbe Joker, film e personaggio, senza Joaquin Phoenix, che come Jack Nicholson e Heath Ledger si fa trovare pronto al ruolo, di più, al voltaggio esistenziale del villain: prova totale e totalizzante, balla, ride, s’intorcina, dà e prende, emoziona fino a portarci sull’orlo del precipizio e dritti verso la follia.
Raccontato con piglio autoriale, che poco ha a che fare con le più recenti repliche del mondo DC Comics o Marvel Studios, Joker di Todd Phillips, si proprio lui, il regista della trilogia di una Notte da Leoni, è un'opera viscerale, diretta, sanguigna, che inchioda lo spettatore alla poltrona e gli rovescia addosso tutto ciò che non va nella società che sta al di fuori della sala. Una storia di indifferenza che porta, com'è facile prevedere, a conseguenze disastrose, terribili, a cui il mondo reale non è affatto immune. L'opera filmica esce così dal proprio schermo e arriva dritta al cuore. All’occhio del cinefilo più esperto sono visibili i principali film da cui prende spunto Phillips: in quelle strade di una Gotham malata e fatiscente è possibile vedere Panico a Needle Park, con interprete un giovane Al Pacino. Nell’ossessione di Arthur per il suo idolo Murray è lampante il richiamo a Re per una notte ( The King of Comedy) diretto da Scorsese e guarda caso con un De Niro che passano gli anni ma non smette mai di stupire. Alcuni temi e particolari sequenze ci rimandono alla mente geniale di Scorsese con il suo Taxi Driver. Insomma paragoni importanti che ci dimostrano come Todd Phillips abbia portato sullo schermo una storia coraggiosa, vera e cruda. Dove il cerone bianco del personaggio si confonde con le sue lacrime, dove il sorriso forzato del personaggio ci fa stare tremendamente male.
Joker di Todd Phillips è un film brillante, oscuro e avvincente. Un’opera che inaspettatamente ci trasmette emozioni vere, quelle da film costruito con occhio minuzioso, che trasuda sudore e fatica. Dalla musica alla fotografia è possibile percepire tutto l’amore per il cinema di questo regista che non poteva non avvalersi dell’enorme esperienza attoriale di Phoenix, capace di caricarsi sulle spalle tutto il peso della pellicola. Il Leone d’oro a Venezia76 non profuma solo di storia ma di rivoluzione. Un altro rivoluzionario, Cyrus era il suo nome, come il regista Phillips, nel ’79 parlava a un popolo di guerrieri della notte, e rivolgendosi a loro urlava a squarciagola: ‘’can you dig it?’’. Forse quel popolo di guerrieri, inferociti e mai domi, siamo proprio noi, forse dopo la visione di questo film sarete in grado di ascoltare la voglia di innovazione che da tanti anni chiediamo al cinema. Joker trionfa, Joker si fa beffe delle sterili polemiche sulla violenza, Joker da il via a un’era fatta di originalità.
Immagini tratte da:
Locandina: myMovies.it Immagine 1: leganerd.it Immagine 2: Film.it Immagine 3: OptimaMagazine Immagine 4: SyFyWire.com La ventiquattresima edizione di Milano Film Festival si terrà a Milano dal 4 al 10 ottobre, con la direzione artistica, per il secondo anno, di Gabriele Salvatores, affiancato da Alessandro Beretta.  Il Festival si sposta così dal suo periodo usuale andandosi a collocare nella prima parte di ottobre. Cambiano le date e cambia anche il luogo. Dopo il Piccolo Teatro, il Parco Sempione, BASE Milano e l'Anteo Palazzo del Cinema, solo per citare alcuni luoghi toccati dalla manifestazione nella sua storia, Milano Film Festival approda al The Space Cinema Odeon, sala iconica di Milano, sorta alla fine degli anni Venti e ancora considerata una delle più caratteristiche della città, situata in pieno centro, di fianco a Piazza Duomo. Il cinema è l'arte di tutte le arti, la loro sintesi e fusione. L’edizione 2019 del Milano Film Festival vuole anche concentrare l’attenzione su tutte le professioni di chi, sul territorio lombardo, è coinvolto ad ampio raggio nell’industria dell’audiovisivo, mettendo in risalto la qualità del prodotto e la vivacità del settore. Nasce così la nuova sezione Industry, che si svolgerà da sabato 5 a martedì 8 ottobre nelle sale di The Space Cinema Odeon: una prima edizione che vorrebbe crescere e diventare un appuntamento di riferimento ricorrente. Il Festival è sostenuto da Comune di Milano – Assessorato alla Cultura con il contributo di Regione Lombardia e Ministero dei beni e delle attività culturali e del turismo. Tanti nuovi partner per questa edizione che vede il coinvolgimento di due grandi brand come Campari e N.A.E in qualità di Main Partner della manifestazione che, in linea con il continuo lavoro di talent scouting portato avanti dal Festival, intitolano due importanti premi del concorso: il Premio N.A.E. Migliore Attrice, che verrà conferito alla migliore interpretazione femminile all’interno del Concorso Internazionale Lungometraggi, e il Premio Campari Miglior Cortometraggio. Anche tra gli Sponsor Ufficiali grandi novità con la partecipazione di Nescafé in qualità di caffè ufficiale, Comieco con un progetto legato a cinema e sostenibilità e Banca5 che ha scelto di sostenere in particolare le attività dedicate alle nuove generazioni. Il carattere internazionale del Festival è confermato anche dalla preziosa collaborazione con i consolati che partecipano a diverso titolo al programma. Quest’anno Milano Film Festival ha collaborato con: Forum Austriaco di Cultura, Centro Ceco di Milano, Consolato Generale della Repubblica di Polonia, Consolato Generale dell’Ungheria, Istituto Svizzero di Milano, Consolato Generale dell’Uruguay. Il Programma Concorso Internazionale Lungometraggi  A Certain Kind of Silence di Michal Hogenauer Guerilla di Gyorgy Mor Karpati Ham on Rye di Tyler Taormina Koko-di Koko-da di Johannes Nyholm O Film do Mundo di Basil Da Cunha Swallow di Carlo Mirabella-Davis The Sharks di Lucia Garibaldi The Outsiders  The Beach Bum di Harmony Korine Cercando Valentina – Il mondo di Guido Crepax di Giancarlo Soldi First Love di Takashi Miike Searching Eva di Pia Hellenthal The Souvenir di Joanna Hogg Technoboss di Joao Nicolau We Are Little Zombies di Makoto Nagahisa Concorso Internazionale Cortometraggi – Programma Completo A questo link tutti i dettagli su ogni sezione del festival. Maggiori info su: http://www.milanofilmfestival.it/it/ di Vanessa Varini Il 23 settembre 2019 si è tenuta al Microsoft Theater di Hollywood, a Los Angeles, La 71ª edizione dei Emmy Awards, una cerimonia che si è confermata da subito ricca di sorprese, sia per quanto riguarda i conduttori che per le serie in gara. Infatti per la prima volta dopo tanti anni non c'è stato un presentatore ufficiale: Homer Simpson, proiettato sul megaschermo, ha aperto la serata tutto elegante in smoking,  per poi finire spiaccicato da un pianoforte caduto dal cielo mentre Bryan Cranston da dietro le quinte ha introdotto i premiati della serata. Sorprese anche per la serie Il Trono di Spade, il fantasy targato HBO: inaspettatamente non ha fatto incetta di premi, ha vinto l'ambita statuetta come miglior serie drammatica e solo Peter Dinklage si è portato a casa il suo quarto Emmy come miglior attore non protagonista in una serie drammatica, diventando così l’unico attore della serie a vincere un Emmy, lasciando a bocca asciutta i suoi colleghi di set Nikolaj Coster-Waldau e Alfie Allen candidati per la stessa nomination.  Per quanto riguarda le attrici di Got Gwendoline Christie, Lena Headey, Sophie Turner e Maisie Williams che sono state candidate tutte per la categoria miglior attrice non protagonista, sono state battute da Julia Garner della serie tv drammatica e crime di Netflix Ozark, insieme a Jason Bateman che ha vinto come miglior regista. Anche Kit Harington (il celebre Jon Snow) non ha vinto la statuetta, ha trionfato Billy Porter come miglior attore protagonista per Pose, diventando il primo attore gay afroamericano a vincere un Emmy, mentre Emilia Clarke (la Daenerys Targaryen di Got) è stata battuta da Jodie Cormer che è stata premiata come miglior attrice protagonista per la sua interpretazione in Killing Eve. Quindi Il Trono di Spade è stata la serie più "snobbata" della serata malgrado le 32 nomination agli Emmy 2019.  Chernobyl, la serie che racconta il disastro di Černobyl', ha vinto i premi come miglior mini-serie, migliore sceneggiatura e migliore regia. Per quanto riguarda la serie tv di genere commedia, Fleabag che racconta la vita problematica di una ragazza di Londra, ha vinto quattro Emmy, per la miglior serie comedy, per la miglior sceneggiatura per la miglior regia e per la miglior attrice protagonista in una comedy (Phoebe Waller-Bridge),  The Marvelous Mrs. Maisel, invece, ha vinto tre Emmy come miglior attore protagonista (Bill Hader) e miglior attore e miglior attrice non protagonista (Tony Shalhoub e Alex Borstein). Altri Emmy sono stati consegnati a Patricia Arquette, che ha vinto come miglior attrice non protagonista per The Act, a Michelle Williams che è stata premiata come miglior attrice protagonista per Fosse / Verdon e ha fatto un importante appello per la parità salariale, a Jharrel Jerome come miglior attore protagonista per When They See Us e a Ben Whishaw come miglior attore non protagonista per A Very English Scandal. Immagini tratte da: https://images.foxtv.com/ https://pmctvline2.files.wordpress.com/ https://cc-media-foxit.fichub.com/ https://movieplayer.net-cdn.it/
di Salvatore Amoroso
Esce oggi nelle sale italiane Ad Astra, ultima fatica di James Gray presentata in concorso alla Mostra del Cinema di Venezia 2019. Opera che racchiude in se fantascienza umanista, minimalista, rarefatta ma pronta a improvvisi slanci spettacolari, a violente deflagrazioni.
La grande ‘’biglia blu’’ e lo spazio. Un padre da seguire e uno da inseguire. Ad Astra è un’avventura spaziale, è la fantascienza che non tarda a diventare scienza, è anche un profondo viaggio interiore, riflessivo, filosofico, inevitabilmente ambizioso. James Gray continua nel suo particolare tipo di cinema e stavolta si rifà ai toni di Kubrick con 2001: Odissea nello spazio, cita Arthur C. Clarke, cerca di scavare nei meandri dell’animo umano e al contempo si spinge oltre la Luna, oltre Marte, oltre Nettuno. Ad Astra esplora i medesimi territori umanisti di Interstellar e Arrival ma allo stesso tempo piega il proprio budget a una sua poetica personale. Gray non vuole a tutti i costi genuflettersi alla politica della fantascienza contemporanea, non vuole a tutti i costi ‘’inseguire’’ lo spettatore ma prenderlo per mano e portarlo con sè. Portarlo lontano, metterlo di fronte alle riflessioni di Clarke, allo spettro di una solitudine assoluta. Il cinema di Gray non ha timore di osare troppo, di essere fuori tempo massimo, di fallire la prova del grande pubblico. Si può dire lo stesso di Brad Pitt, attore e divo che produce Gray, Terrence Malick, Andrew Dominik, Steve McQueen, Bennett Miller, Adam McKay. Qui si regala un ruolo pressoché perfetto, giganteggia silenziosamente. Ad Astra esce oggi nelle sale italiane e state per ammirare un’altra maiuscola prova attoriale di Pitt.
Ad Astra è la seconda parte di una celebre frase latina ‘’per aspera ad astra’’ ovvero: "attraverso le asperità sino alle stelle’’. É proprio attraverso le difficoltà che Roy McBride si spingerà oltre i suoi limiti. Un viaggio che lo cambierà per sempre. Un viaggio che in effetti alimenta entrambe le direttrici narrative: la crescente autoanalisi del cosmonauta McBride è infatti inframezzata da mirabili sequenze spettacolari. Ne citiamo almeno tre: l’incidente iniziale, con il geometrico passaggio dal dettaglio allo stordente totale; l’inseguimento sulla Luna, che intreccia l’adrenalina action agli sconfinati spazi da western futuristico; la claustrofobica e orrorifica sequenza nella stazione norvegese. Gray conferma di sapersi muoversi tra i generi e di sapersi adattare agli spazi narrativi, dal cosmo alla giungla.
Per le scene sulla Luna e in generale per i pianeti visitati dall'astronauta Pitt, i realizzatori di Ad Astra hanno scelto di non ricreare scenografie e paesaggi nei teatri di posa, ma di spingersi alla ricerca di location reali. Le Dune di Dumont nel Deserto del Mojave sono state un perfetto ambiente lunare mentre alcune sequenze sotterranee di Marte, per esempio, sono in realtà tunnel in disuso della città di Los Angeles. I film di riferimento per le sequenze nello spazio sono stati Gravity di Alfonso Cuaron e Interstellar di Christopher Nolan, non è un caso infatti che il direttore della fotografia del film di Nolan sia lo stesso di Ad Astra, l'olandese Hoyte van Hoytema. 
Esplorazione, ossessione, solitudine, fuga, disgregazione dei rapporti affettivi. Ad Astra non è l’arrivo, è il viaggio. E Nettuno è solo una tappa di una ricerca infinita come lo stesso cinema di Gray, che continua a cercare di colmare le distanze millimetriche o galattiche che dividono i suoi personaggi, padri e figli, coniugi e amanti, fratelli e sorelle. Distanze destinate a restare incolmabili. Presentato in concorso alla Mostra del Cinema di Venezia 2019, Ad Astra è fantascienza umanista, minimalista, rarefatta ma pronta a improvvisi slanci spettacolari, a violente deflagrazioni. Cucito addosso al protagonista e produttore Brad Pitt, la pellicola sembra soffrire nella parte finale ma il risultato è notevole e Gray riesce a sorprende per originalità grande mano registica.
Immagini tratte da:
Locandina: MyMovies.it Immagine1: Inverse.it Immagine2: CinemaeDintorni.it Immagine3: Entertainment.com Immagine4: Movieplayer.it
di Matelda Giachi
Genere: Commedia
Anno: 2019 Durata: 116 min Regia: Danny Boyle Cast: Himesh Patel, Lily James, Kate McKinnon, Ana de Armas, Ed Sheeran, Lamorne Morris, Joel Fry, Camille Chen, Meera Syal, Alexander Arnold, Harry Michell, Vincent Franklin, Sanjeev Bhaskar Sceneggiatura: Richard Curtis Fotografia: Christopher Ross Montaggio: Jon Harris Produzione: Etalon Film, Working Title Films Distribuzione: Universal Pictures Paese: Gran Bretagna
Come sarebbe un mondo senza la musica dei Beatles? Prova a chiederselo Richard Curtis con la sua nuova sceneggiatura. E se tu fossi un piccolo musicista di provincia che sta per desistere dalle sue aspirazioni e fossi l’unico a ricordarti le loro canzoni, cosa faresti? Questa la situazione che si trova ad affrontare il protagonista Jack Malik quando si risveglia dopo un tragico incidente e scopre che il mondo non sa nulla né di Coca Cola né di John Lennon, Paul McCartney, George Harrison e Ringo Starr.
Yesterday nasce in modo strano, da un soggetto mai andato in porto ripreso in mano e rivisitato da Richard Curtis, a cui si affianca la regia di Danny Boyle. Una collaborazione inedita, un matrimonio forse non del tutto riuscito fra il padre delle commedie romantiche dei giorni nostri, da Notting Hill a Love Actually e il regista di niente meno che Trainspotting e The Millionaire. La sensazione è che per generare un prodotto comune, abbiano entrambi rinunciato ad una parte di sé, ed il risultato è qualcosa che non è né carne né pesce. Né Questione di Tempo né The Beach.
Himesh Patel, scelto tra tanti per aver messo l’anima nel cantare Yesterday alle audizioni, interpreta un musicista mediocre e mediocre è anche la sua caratterizzazione del personaggio, forse per motivi di copione, chi lo sa. Sta di fatto che abbiamo a che fare con un protagonista che non è in grado di generare né particolare simpatia ma neanche odio e ci lascia indifferenti e distaccati, ben piantati sulla nostra poltrona in sala. Anche la sintonia con la partner di scena Lily James stenta a uscire dallo schermo e colpire il cuore dello spettatore. Per quanto riguarda la star di Downton Abbey e Mamma Mia – Ci risiamo, vuoi anche solo per la sua spontaneità e la sua bellezza fresca, non manca mai di portare il sole in ogni sua interpretazione, seppure non venga valorizzata dalla parte e non regali quindi una delle sue performance migliori. 
Yesterday rimane comunque una commedia con un’ottima idea di fondo, piacevole e caratterizzata da quella leggerezza che non è mai superficialità che è tipica delle commedie scritte da Curtis e dalla cui visione si esce sempre rasserenati. Un cinema di intrattenimento per chi al cinema non cerca solo drammi e cinica realtà ma si permette ancora il lusso di fantasticare.
Il problema più grande di Yesterday risiede, alla fin fine, nelle aspettative, che con simili nomi alla sceneggiatura e alla regia erano sicuramente alte, mentre non possiamo spingerci oltre a definire il film carino. Voto: 6/7 
|
Archivi
Ottobre 2019
Categorie |
Feed RSS
|
Contatti:
|
|