Italia, 1327. Il frate francescano Guglielmo da Baskerville, seguito dal giovane novizio benedettino Adso da Melk, raggiunge un'isolata abbazia benedettina per partecipare ad una disputa sulla povertà tra i rappresentanti dell'Ordine francescano e del papato avignonese. All'arrivo nell'abbazia i due si trovano coinvolti in alcune morti misteriose legate all'impenetrabile biblioteca/labirinto del monastero. Per risolverle Guglielmo farà ricorso alle sue straordinarie doti investigative.
 
In un'epoca invasa dai remake televisivi, anche un romanzo capolavoro come Il Nome della rosa scritto da Umberto Eco, è stato trasformato in una serie tv internazionale composta da 8 episodi da 50 minuti, divisi in 4 puntate, estendendo la trama ed inserendo nuovi personaggi, però la storia si sarebbe potuta benissimo riassumere solo in un paio di puntate perchè ai fini della trama non è indispensabile conoscere la vita precedente del novizio Adso e degli ex dolciniani Remigio e Salvatore. Infatti si allarga molto la storia dedicata ai Dolciniani che predicavano la pace e parità tra uomo e donna, un concetto inconcepibile per l'epoca (nel Medioevo le donne venivano considerate "oggetti" o streghe che dovevano essere bruciate nei roghi). Nella serie conosciamo meglio anche Fra Dolcino (Alessio Boni), la sua compagna Margherita Boninsegna (Greta Scarano) e Anna la figlia segreta di fra Dolcino e Margherita (sempre interpretata da Greta Scarano), eroina moderna come Giovanna d'Arco, che sfodera la spada per vendicare la morte dei genitori.

Il protagonista indiscusso della serie, così come nel romanzo e nel celebre film con Sean Connery, rimane Guglielmo da Baskerville (un bravissimo John Turturro) uomo intelligente, colto e istruito e anche ironico (un personaggio ispirato a Sherlock Holmes di sir Arthur Conan Doyle) accompagnato sempre da Adso da Melk (Damian Hardung), novizio benedettino e voce narrante della storia (che richiama il suo assistente dottor Watson).

Hanno anche un grande rilievo il perfido Bernardo Gui (Rupert Everett) e i monaci che animano il convento,   su tutti l'inquietante Salvatore (Stefano Fresi) che parla una lingua mista incomprensibile e Remigio da Varagine (un eccellente Fabrizio Bentivoglio).

Quindi "Il nome della rosa" grazie al mix di dramma, mistery (l'intricato labirinto della biblioteca e gli omicidi dei monaci), fantasy (le spaventose visioni di Adso), azione (le battaglie) e romanticismo (l'amore impossibile tra la ragazza Occitana e Adso), si conferma una novità nel panorama televisivo italiano, anche se non eguaglia il film con Sean Connery.
 
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FOTO TRATTE DA:
 
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Una serie dalla componente femminile molto importante. Daenerys Targaryen, Sansa e Arya Stark, Brienne di Tarth, Melisandre, Ellaria Sand e le tre figlie, lady Oleanna Tyrell, Cercei Lannister, Yara Greyjoy… Che cadano o affermino il proprio potere è la loro stagione: la stagione di donne che grazie al proprio istinto di sopravvivenza e alla propria intelligenza hanno superato innumerevoli avversità e adesso scendono in guerra in prima linea; che sono cariche di coraggio, determinazione e dignità tali da ispirare devozione e rispetto negli uomini che le circondano e scelgono di seguirle (o almeno, quasi tutte loro! Ogni riferimento a invasate di casa Lannister è puramente casuale). Sono due donne rimaste a contendersi il trono di spade e la guida dei Sette Regni.
Ma è anche la serie di Jon Snow, il bastardo di casa Stark tanto amato dai fan, che fin da subito (e, va detto, in maggior modo nei libri) si intuiva essere destinato a qualcosa di molto più grande del ruolo di mero spettatore delle prese di potere altrui. Un destino che non cerca ma che lo insegue. Sempre avvolto da quell'alone di mistero riguardante la sua nascita, impenetrabile come la neve in Val Padana.  Ma la nebbia, almeno per lo spettatore e Bran Stark, si è dissipata e Jon procede a grandi passi verso la piena coscienza di sé.
Dopo sei stagioni di strade divise, di allontanamento e separazione, la settima è stata quella del ritorno a casa, delle riunioni, dei rincontri. Alcuni più duraturi, altri fugaci (“Zio ben!” “Tieni scappa!” Fine).
Tutto ha cominciato a convergere verso un unico punto: la fine. Si definiscono gli schieramenti, le alleanze. L’imminenza di una conclusione costringe tutti a scelte difficili, uno su tutti, Jaimie Lannister, da sempre diviso tra la propria coscienza e un amore malato. Ma soprattutto si definiscono sempre di più i ruoli che ognuno riveste nella grande partita finale. O forse dovremmo dire due partite finali...

Una stagione completamente diversa nei tempi e nella durata
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Il gran finale del fortunatissimo show HBO rappresenterà una rivoluzione anche nella struttura dei suoi episodi. La conclusione della saga immaginata di George R. Martin, infatti, si snoderà su 6 sole puntate invece che sui canonici 10 episodi delle prime sei stagioni. Il leggendario epilogo, tuttavia, sarà innovativo anche nella durata dei suoi singoli capitoli: si passerà dai 54 minuti della premiere per arrivare agli 80 minuti della conclusione. Non bisogna stupirsi, quindi, davanti alle parole dei produttori che hanno voluto definire questa stagione come un lungo ed avvincente film!

Senza dimenticare le proprie origini

​Non sarà (probabilmente) l’ultimo viaggio a Westeros.
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L’idea di una conclusione definitiva da sempre rende malinconici i fan. Ovviamente, dopo otto lunghe stagioni, anche i tormentati personaggi di Game of Thrones hanno bisogno di trovare finalmente la strada giusta vero il loro destino. Tuttavia, l’addio è reso più dolce dalla notizia che l’universo di Westeros si amplierà grazie alla produzione di 4 altri misteriosi spin-off. Le notizie sulla trama e i soggetti, purtroppo, scarseggiano. A Londra, però, sono già iniziati i casting con primi nomi di rilievo – da Georgie Henley de "Le Cronache di Narnia" a Ivanno Jeremiah di "Black Mirror".

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di Salvatore Amoroso

Una guardia che lavora sul confine si trova ad affrontare la novità di non riuscire più a riconoscere i fuorilegge. L’incontro con un misterioso essere potrebbe far riaffiorare verità che la triste Tina non si sarebbe mai aspettata. Il piccolo gioiello di Ali Abbasi ha ottenuto una candidatura agli Oscar 2019. Premiato a Cannes ha ottenuto inoltre quattro candidature agli European Film Awards.

Paese: Svezia, Danimarca                    
Durata: 101 min.
Genere: fantastico, drammatico
Anno: 2018
Regia: Ali Abbasi
Sceneggiatura: Ali Abbasi, John Ajvide Lindqvist
Fotografia: Nadim Carlsem
Montaggio: Olivia Neergaard-Holm, Anders Skov
Musiche: Christoffer Berg, Martin Derkov
Distribuzione: Wanted Cinema, PFA Films, Valmyn
Trucco: Göran Lundström, Pamela Goldammer, Erica Spetzig
Attori: Eva Melander (Tina); Eero Milonoff (Vore); Jörgen Thorsson (Roland) Ann Petrén (Agneta) Sten Ljunggren (padre di Tina)

Coproduzione svedese –danese vincitrice della sezione di Cannes, Un Certain Regard, Border porta sul grande schermo un racconto dello Stephen King scandinavo, John Ajvide Lindqvist (autore del romanzo Lasciami entrare) che, insieme a Ali Abbasi, ha lavorato alla sceneggiatura del film. Proprio come accadeva ai due bambini protagonisti di Lasciami entrare, in Border il confine tra umano e sovrannaturale si assottiglia a tal punto da non riuscire più a distinguere specie, genere (filmico ma anche sessuale), realtà e folklore. La storia è quella di Tina (Eva Melander), donna dall’incredibile bruttezza ma con qualità decisamente fuori dalla norma che le permettono di intercettare, attraverso l’olfatto, vergogna, sensi di colpa, rabbia. Capacità singolari che fanno di lei un’agente di dogana modello: arricciando il naso, con fare animalesco, smaschera spacciatori, alcool di contrabbando, ma anche materiale pedo-pornografico nascosto. Tanto speciale nel suo lavoro quanto disadattata nella vita quotidiana, Tina è un’emarginata sociale che convive con un ragazzo (Jorgen Thorsson) per non sentirsi sola, non ha rapporti interpersonali e gli unici esseri con cui sembra legare sono gli animali che abitano nella foresta attorno alla sua casa.

A sconvolgerle la vita sarà l’incontro con Vore (Eero Milonoff), anche lui con un fascino da primate e qualità percettive molto simili, tali da suscitare una curiosità irrefrenabile verso una prospettiva di vita mai presa in considerazione prima. Al suo secondo lungometraggio Abbasi, iraniano trapiantato in Svezia, debuttò nel 2016 con Shelley, horror incentrato sul tema della gravidanza demoniaca che flirtava con le atmosfere polanskiane. Fu in quel periodo che maturò l’idea di lavorare con Lindqvist per dar vita a un film in cui fantasy e reale si intrecciassero, senza tralasciare un importante lato oscuro. Ed è proprio l’approccio realistico di Border che colpisce nel raccontarci la storia di un outsider che ha sempre pensato di avere “un’anomalia cromosomica” in grado di renderla speciale, convinzione indebolita dall’incontro con il rude Vore, un essere libero e fiero di sentirsi diverso nel nutrirsi di vermi e correre nudo per la foresta.

Più ci si addentra nella storia, più si rimane ipnotizzati dai vari cambi di registri: il viaggio verso la scoperta di se stessi, l’indagine su un caso di pedofilia e l’importante componente fantasy che riesce a unire il genere a una metafora sociale. Un ibrido perfettamente funzionante che riflette sui limiti e confini tra atavici impulsi e moralità della civiltà. Se l’attrazione per Vore è un gioioso senso di vertigine e riscoperta, la consapevolezza di una vita, sino a quel momento basata sulla menzogna, destabilizza Tina che non riesce a capire a quale mondo appartenga. Sensazioni contrastanti che passano dai protagonisti allo spettatore, in balia di una fiaba fantasy dal sapore coming of age. Ma anche  il risveglio sessuale ha un approccio fuori dall’ordinario e a dimostrarlo è una memorabile sequenza in cui i confini tra ferinità/umanità, maschile/femminile, si uniscono (con)fondendosi naturalmente tra loro. Border, più che raccontato, va vissuto.

​Link Immagini:
Locandina: Circuito Cinema Genova
Immagine1: universalmovies.it
Immagine2: Radio Colonna.it
Immagine3: Radio Colonna.it

Data di uscita: 4 aprile 2019
Genere: orrore, thriller
Anno: 2019
Regia: Jordan Peele
Attori: Lupita Nyong’o, Winston Duke, Elisabeth Moss, Tim Heidecker, Yahya Abdul-Mateen II, Anna Diop, Evan Alex
Sceneggiatura: Jordan Peele
Fotografia: Mark Gioulakis
Montaggio: Nicholas Monsour
Musiche: Michael Abels
Produzione: Monkeypaw Productions, QC Entertainment, Universal Pictures
Distribuzione: Eagle Pictures
Paese: USA
Durata: 116 min

Sono trascorsi solo due anni dall’esplosivo successo di Scappa – Get Out, thriller tagliente che ha saputo conquistare il pubblico statunitense e non solo. Critica pungente, riferimenti alla pop culture e, soprattutto, un linguaggio in grado di dialogare con un ampio spettro di pubblico: questi sono i tratti distintivi della pellicola di Jordan Peele che ha avuto il coraggio e la spregiudicatezza di riferirsi senza filtri ad un’attualità claustrofobica dominata dalla paura targata – neanche troppo velatamente – Trump.

L’opera seconda del regista di New York, però, è molto diversa dal film che molti attendevano. Noi non è una semplice critica alla società, non è l’ennesimo prodotto dell’onda – un po’ alla deriva – del tanto acclamato Black Power. Questo nuovo film riesce a toccare corde più universale con stratagemmi e scelte di grandissimo pregio.

Negli anni Ottanta in un luccicante e caotico luna park in riva all’oceano, la piccola Adelaide Wilson, attirata dal mistero più sinistro, si perde all’interno di un’inquietante labirintica attrazione. La bambina rimarrà profondamente segnata da questa strana esperienza che non la lascerà mai nemmeno negli anni della maturità. Diversi anni dopo, infatti, Adelaide (Lupita Nyong’o) tornerà insieme alla sua giovane famiglia sui luoghi dell’accaduto dove passato e suggestioni potrebbero prendere violentemente il sopravvento. Ma si tratterà solamente di illusioni e angosce scatenate nelle quattro mura domestiche oppure il destino di Adelaide prevede qualcosa di ben più complesso e spaventoso?

​Se, nella sua opera prima da regista, Jordan Peele si concentrava sulla situazione degli afroamericani negli Stati Uniti, in Noi il premio Oscar sceglie toni più criptici e oscuri per trovare un messaggio più ampio. Non si tratta più di contrasti tra bianco e nero ma al centro della storia rimangono sempre dualismi e opposti. Chi siamo veramente Noi? Cosa si nasconde dietro alla maschera che indossiamo tutti i giorni? Istinto più sfrenato e ordinata razionalità sono in costante lotta ma nessuno avrà mai la meglio sull’altro. I due estremi convivono e si confrontano in lunghe sequenze che giocano sul tema del doppio. Straordinarie, allora, sono le duplici interpretazioni di tutti i componenti del cast: su tutti svetta Lupita Nyong’o capace di trovare e mantenere fino all’epilogo un perfetto ma ambiguo equilibrio tra le parti senza mai sfociare nell’eccessivo. Un altro talento di questo film è proprio quello di riuscire a destreggiarsi tra generi e toni molto diversi senza mai risultare ridicolo o superficiale. Con queste molteplici sfaccettature – sempre lasciate all’interpretazione di un pubblico coinvolto in prima persona – Noi vince la sua scommessa, compiacendosi dei suoi simboli e appassionando con i suoi molteplici livelli. Il tema del doppio è ricorrente ma, senza dubbio, per apprezzare al meglio questo gioiellino serviranno ben più di due visioni!

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Immagini tratte da:

Immagine 1: www.imdb.com
Immagine 2: www.complex.com
Immagine 3: www.geektyrant.com

Paese: Stati Uniti
Anno: 2019
Formato: serie TV
Stagione: 2
Genere: drammatico, fantascienza, fantasy
Puntate: 8
Regia: Zal Batmanglij, Andrew Haigh, Anna Rose Holmer
Sceneggiatura: Brit Marling, Zal Batmanglij, Damien Ober, Nicki Paluga, Dominic Orlando, Henry Bean, Claire Kiechel
Produzione: Plan B Entertainment, Anonymous Company
Cast: Brit Marling, Emory Cohen, Scott Wilson, Phyllis Smith, Patrick Gibson, Jason Isaacs, Ian Alexander

In un panorama televisivo sempre più affollato, riuscire a trovare un prodotto di qualità basato su un’idea originale diventa sempre più difficile. Netflix, nelle ultime stagioni del piccolo schermo, si è confermato sovrano indiscusso in questo territorio ma poche volte è riuscito davvero a regalare al pubblico un intrattenimento completamente originale. Il successo di serie come Stranger Things o The Crown, infatti, si basa su dinamiche collaudate, generi definiti e, spesso, omaggi illustri. Certo, per distinguersi dalla massa sono state necessarie idee intriganti e personaggi appassionanti ma, in partenza, si poteva già contare su una nutrita mitologia. The OA, invece, non ha potuto fare affidamento su nessuno di questi aspetti. I creatori dello show, il duo artistico Brit Marling e Zal Batmanglij, hanno sfoderato tutta la loro creatività nel 2016 con la prima stagione. Lo scorso 22 marzo, 8 nuovi episodi sono approdati su Netflix e, anche questa volta, hanno centrato l’obiettivo.

Mentre Steve, Jesse, Alfonso e Buck si interrogano sul destino di Prairie/PA (Brit Marling), la ragazza sembra aver sfruttato le sue abilità per raggiungere una nuova dimensione parallela. In questo diverso universo, però, si chiama Nina e la sua vita ha seguito un percorso completamente diverso. In questa dimensione, la sua strada si intreccerà con quella di Karim (Kingsley Ben-Adir), detective dalle abitudini inconsuete alla ricerca della verità sulla misteriosa scomparsa di una ragazzina vietnamita.

La prima stagione aveva colto tutti di sorpresa. La seconda conferma le aspettative – alimentate da una lunghissima attesa – portando lo show su un altro livello ancora più complesso ma intrigante. Prima di affrontare la visione, infatti, è necessario fare un patto con The OA. È necessario credere ciecamente e fidarsi, lasciandosi trascinare in un tornando di storie e racconti difficili da comprendere rapidamente. Le tematiche cardine dei primi episodi tornano prepotentemente in scena ma trovano nuove dimensioni: esperienze post-mortem, religione, mitologia senza perdere di vista emozioni e legami capaci di andare oltre distanze e dimensioni.

È facile, allora, perdersi nell’universo creativo di The OA: parte II. Una fotografia spettacolare, scenografie studiate nel dettaglio e particolari mai lasciati al caso: è impossibile negare che ogni aspetto sia stato curato con passione e attenzione. Il risultato, diversamente da quanto si potrebbe pensare, è tuttavia un racconto appassionante e coinvolgente, capace di catturare lo spettatore sin dal primo minuto, invitandolo ad addentrarsi in un rompicapo di generi e stili fuori dall’ordinario. Ad ogni angolo compare un interprete motivato e brillante, in grado di sostenere perfettamente quell’atmosfera tipicamente sospesa tra genio e surreale che rende vincente la serie. Si perderà spesso l’orientamento in questa dinamico luna park di idee e creazioni ma, alla fine, si assaporerà nuovamente lo stupore, una sensazione che, forse, in molti hanno dimenticato.
 
Uno show da non perdere, una scommessa audace che i produttori vincono insieme ad un pubblico pronto a mettersi in gioco.
 
Immagini tratte da:
www.polygon.com
www.imdb.com
www.rollingstone.it
www.independent.co.uk

di Matelda Giachi

Genere: Fantasy, Family, Animazione         
Anno: 2019
Durata: 130 min
Regia: Tim Burton
Cast: Colin Farrell, Michael Keaton, Danny De Vito, Eva Green, Roshan Seth, Elisa, Nico Parker, Deobia Oparei, Alan Arkin, Joseph Gatt, Douglas Reith, Finley Hobbins, Sandy Martin, Lars Eidinger, Michael Buffer, Bern Collaço
Sceneggiatura: Ehren Kruger
Fotografia: Ben davis
Colonna Sonora: Danny Elfman
Produzione:  Walt Disney Pictures, Tim Burton Productions. Infinite Detective Productions. Secret Machine Entertainment
Distribuzione: Walt Disney Italia
Paese: Stati Uniti

“Dumboooooo. Dumboooooooo.”
Sono ormai anni che la Disney, evidentemente povera di estro creativo (eccezion fatta per Coco, che è un gioiello), riporta al cinema i suoi cavalli di battaglia sostituendo attori veri ai disegni. Per dare vita a Dumbo ha scaltramente scelto di mettere Tim Burton alla regia. E, in effetti, un film su di uno “scherzo della natura”, un elefante con enormi orecchie in cui inciampa quando cammina, è già suo.
Il film si plasma inizialmente sul cartone, alle cui scene iconiche rende tributo anche con estrema delicatezza ed eleganza, per poi prendere una linea narrativa diversa, più ampia e più umana. Un ampliamento della sceneggiatura era in fondo necessario, data la breve durata dell’originale animato.

A prendersi cura di Dumbo, sono i due piccoli Holt, Milly e Joe (Nico Parker e Finley Hobbs), rimasti anche loro senza la mamma e per questo in forte empatia con l’elefantino. Ma nel circo dei fratelli Medici, dove però il fratello, Max, interpretato da Danny DeVito, è figlio unico, sono tutti un po’ soli e in cerca di una famiglia. Un gruppo di diversi che trovano conforto e supporto gli uni negli altri, come accadeva anche nel circo di Hugh Jackman in The Greatest Showman.
Si può dire quindi che il film assuma, nella sua seconda parte, quasi un aspetto corale.
Rimanendo sull’evoluzione del live action rispetto al cartone, la ricerca del successo diventa non più la chiave per l’accettazione ma per la libertà. La diversità non va sfruttata ma amata e valorizzata.
Meno cupo del Dumbo originale e del solito Burton che, anzi, si lascia andare ad un’insolita dolcezza, che trova espressione soprattutto negli occhioni azzurri del protagonista. Riconoscibile però la mano del regista, soprattutto in determinate scene e dettagli.

La voglia di non limitarsi a copiare ma di aggiungere qualcosa alla storia è lodevole, anche se, purtroppo, rimane meno coraggioso di un cartone capace di aprirsi a visioni psichedeliche, nel 1941. Ma nel 2019, dobbiamo tutti essere politically correct e un elefante sbronzo non s’ha da vedere. Non manca neanche una sferzata di femminismo che si incarna nel personaggio dell’amica di Dumbo Milly. “Io non voglio fare l’acrobata, voglio fare ricerche scientifiche.” E si muove per tutto il film guidata tanto dal cuore quanto dalla logica.
Bella la fotografia, ma eccessivo e palese il ricorso alla tecnologia digitale, tanto da risultare, in alcuni frame, quasi tirato via.
Tim Burton riunisce nel cast parte della sua famiglia cinematografica: ad affiancare Colin Farrel, Eva Green (Dark Shadows, Miss Peregrine), sempre di una bellezza folgorante, Alan Arkin (Edward mani di Forbice ha recitato anche per Vittorio De Sica) e soprattutto Danny DeVito e Michael Keaton, con ruoli speculari rispetto al passato e risorti dopo una lunga pausa dagli schermi; sono i migliori in campo per la loro interpretazione.

Ah. Un aspetto è rimasto assolutamente invariato: si piange. Mamma mia se si piange.
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Voto: 7,5

Immagini tratte da:
www.dumbofull.net
www.imdb.com
www.thedisneyblog.com
www.vanityfair.it

di Vanessa Varini

Titolo:  "La gabbianella e il gatto"

Paese di produzione: Italia
 
Anno: 1998
 
Durata: 76 min
 
Genere: animazione, drammatico, musicale
 
Regia: Enzo D'Alò
 
Soggetto: Luis Sepúlveda (dal romanzo Storia di una gabbianella e del gatto che le insegnò a volare)
 
Sceneggiatura: Umberto Marino
 
Produttore: Cecchi Gori Group
 
Musiche: David Rhodes
 
Animatori: Giorgio Ghisolanifi, Marco Varrone
 
Doppiatori originali
Carlo Verdone (Zorba); Antonio Albanese (il Grande Topo); Sofia Baratta (Fortunata neonata); Veronica Puccio (Fortunata bambina); Leda Battisti (Fortunata canto); Domitilla D'Amico (Fortunata adolescente); Luis Sepúlveda (il Poeta); Alida Milana (Kengah dialoghi); Ivana Spagna (Kengah canto); Roberto Ciufoli (Topo 2)
 
Una femmina di gabbiano di nome Kengah viene avvelenata da una macchia di petrolio e precipita esausta nel giardino della casa di Zorba, un micione di colore nero. In punto di morte riesce a deporre l'uovo e lo affida al gatto che deve rispettare tre promesse: quelle di non mangiare l'uovo, di averne cura finché non si schiuderà e di insegnare a volare al nascituro. La gabbianella orfana viene battezzata Fortunata e cresce con Zorba nella comunità dei gatti formata da Diderot, Colonnello, Segretario e Pallino, convincendosi di essere un felino.

Spetterà a Zorba l'arduo compito di spiegargli il valore della sua diversità e di insegnargli a spiccare il volo verso la libertà. Ma a complicare la situazione ci sono dei topi che vogliono liberarsi dei gatti e conquistare il mondo!
 
Per festeggiare il ventennio dall'uscita nelle sale cinematografiche italiane, il 21, 22, 23 e 24 marzo torna nei cinema "La gabbianella e il gatto" diretto da Enzo D'Alò e tratto dal celebre libro Storia di una gabbianella e del gatto che le insegnò a volare dello scrittore cileno Luis Sepúlveda.
L'amicizia che abbatte la diversità e sfida i luoghi comuni (i gatti sono nemici degli uccelli) tra Zorba (doppiato da Carlo Verdone) e Fortunata, ha incantato intere generazioni di ragazzi grazie ad una storia poetica, divertente e anche commovente che diffonde messaggi importanti. Il principale insegnamento è amare chi è diverso da noi, che è riassunto in una frase pronunciata da Zorba: "È vero che i gatti mangiano gli uccelli, fa parte della loro natura, ma noi non potremmo mai mangiare te, perchè ti vogliamo bene, e ti vogliamo di bene ancora di più proprio perchè sei diversa da noi".

Ma questo film insegna anche tutelare l'ambiente (le petroliere inquinano e uccidono tantissimi animali), valorizza l'amicizia e la solidarietà e incita a seguire la propria strada e a credere in sé stessi. Proprio le tematiche dell'integrazione e della protezione dell'ambiente rendono "La Gabbianella e il Gatto" un film ancora molto attuale, che merita di essere visto dai bambini di oggi e riscoperto dagli adulti che l'hanno guardato durante la loro infanzia. Quindi non perdete l'occasione di vedere il film al cinema.

Foto tratte da:
 
https://mr.comingsoon.it/
 
https://www.librincontro.altervista.org/
 
https://www.sololibri.net/
 
#Lagabbianellaeilgatto #EnzoDAlo #Zorba #Fortunata
 

di Matelda Giachi

Data di uscita: 14 marzo 2018
Genere: Drammatico, Biografico
Anno: 2018
Durata: 114 min.
Regia: Joel Edgerton
Cast: Nicole Kidman, Lucas Hedges, Russell Crowe, Joel Edgerton, Xavier Dolan, Cherry Jones, Flea, Troye Sivan
Sceneggiatura: Joel Edgerton
Fotografia: Eduar Grau
Colonna sonora: Danny Bensi, Saunder Jurriaans
Produzione: Anonymous Content, Blue-Tongue Films, Focus Features, Perfect World Pictures
Distribuzione: Universal Pictures
Paese: USA

Seconda volta alla regia di un lungometraggio per Joel Edgerton, che di questo film è anche sceneggiatore. Seconda volta in pochi mesi che il cinema ci porta dentro la realtà dei campi di conversione per ragazzi omosessuali. La prima volta lo aveva fatto con La diseducazione di Cameron Post, per la regia di Desiree Akhavan, premiato al Sundance e poi presentato all’ultima edizione della Festa del Cinema di Roma. Film, quest’ultimo, che in pochi ricorderanno, in quanto nelle sale non è durato una settimana.

Una storia vera quella di Jared Eamons, che confessa ai genitori di essere attratto dagli uomini e questi, traumatizzati, lo mandano in cura speranzosi di poterlo “correggere”.
Jared ha il volto di Lucas Hedges. Negli ultimissimi anni lo abbiamo visto in Manchester by the Sea, Lady Bird, Tre Manifesti a Ebbing Missouri e pochi mesi fa a fianco di Julia Roberts in Ben is Back. 22 anni, giovanissimo, ma con le idee molto chiare sul tipo di cinema che vuole affrontare, in barba a chi dice che i giovani non sono impegnati e partecipi.
La scena si apre già nel mezzo del dramma, alla firma dei documenti di ingresso nel centro di recupero, e procede con un’alternanza di piani temporali tra ciò che anticipa e ciò che segue questo momento. Un metodo narrativo che ultimamente piace molto ai registi e si vede usare spesso.

La storia di Jared è la storia di migliaia di ragazzi in America. Va collocata indietro nel tempo di una trentina di anni ma ancora non smette di essere attuale. In tempi in cui si teme di andare indietro invece che in avanti, il cinema sente la necessità e il dovere di aprire le menti.
Il film di Joel Edgerton lo fa in maniera didascalica, seguendo il protagonista nel suo percorso e, sullo sfondo, anche i genitori. Genitori che sono poi quelli che vivono il vero dramma. Mentre Jared scopre e afferma la sua omosessualità, passando da uno stato di confusione a uno di forza e consapevolezza, il padre, pastore di una cittadina di provincia e interpretato da Russel Crowe, non può accettare che suo figlio sia gay. La madre, che ha il volto di Nicole Kidman, subisce passivamente le decisioni del marito, finché non sarà l’istinto materno ad avere la meglio.
Edgerton dice tutto ma non va in profondità. Fa vedere quanto basta a colpire l’intelligenza ma sfiora soltanto le corde dei sentimenti e delle emozioni. Le percepisci ma non ti trasportano. Con una terna di attori simili, si poteva dare tanto.
Guardatelo e poi recuperate La Diseducazione di Cameron Post che, con un’apparente nota di leggerezza in più, arriva esattamente dove deve arrivare.

Voto 6

Foto tratte da:
www.imdb.com
www.patheos.com
www.deadline.com

Dopo aver detto addio alle sue serie più apprezzate legate al progetto The Defenders, Netflix apre la strada ad un nuovo ambizioso universo di supereroi. L’idea nasce da un fumetto di Gerard Way, cantante dei My Chemical Romance. Questa graphic novel, pubblicata nel 2007, è stata accolta con grande entusiasmo dagli appassionati del genere e nel corso degli anni ha saputo già conquistare lo status di cult. Considerato il grande successo, il percorso di adattamento per il grande schermo ha preso il via già nel lontano 2010 senza però arrivare mai ad una conclusione. Nove anni dopo, quello che è considerato il più grande villain del cinema ha utilizzato tutti i suoi superpoteri per dare vita a The Umbrella Academy. Dal 15 febbraio scorso, infatti, i dieci episodi della prima stagione sono disponibili nel catalogo Netflix.

43 bambini di ogni provenienza nascono la notte del 1° ottobre 1989. A prima vista questo evento potrebbe sembrare un avvenimento degno di poca nota se non fosse per il fatto che tutti questi bambini siano stati adottati dal professore Reginald Hargreeves (Colm Feore), esuberante e facoltosa personalità statunitense. I ragazzi, sotto la guida del loro mentore, scopriranno di avere poteri e sei di loro formeranno la The Umbrella Academy, una squadra di supereroi.
Diversi anni dopo le loro prime missioni, i fratelli Hargreeves si riuniranno in occasione della morte di Reginald e dovranno fare i conti su un nuovo mistero che riguarda le loro vite.

Dopo la grande campagna promozionale riservata a questa produzione, le aspettative erano inevitabilmente altissime. In un panorama televisivo sovrappopolato di show sui supereroi serviva ben più di uno spunto di partenza interessante e curioso per lasciare il segno negli occhi e, soprattutto, nel cuore del pubblico. The Umbrella Academy, con le sue prime puntate non sembra distinguersi dalla massa proprio come i suoi protagonisti: un’apparenza discreta a metà tra Watchman e X-Men, un potenziale inespresso e una totale assenza di interesse per il futuro. Se si sceglie di premere stop e di non dare una possibilità a questa squadra di squattrinati supereroi, l’ultima serie della scuderia Netflix rimarrà per sempre un banale esperimento tele-comic tra i tanti.

​Se, invece, si sceglie di continuare nella visione, lo show saprà catturare sfoderando i suoi migliori superpoteri: un cast eterogeneo e convincente e una colonna sonora spettacolare in grado di reggere l’evoluzione della storia. Non mancano alcuni buchi di sceneggiatura che, tuttavia, sembrano essere giustificati dal progetto di una seconda stagione che, senza alcun dubbio, andrà ad approfondire ancor di più le psicologie di questi personaggi complessi. Tra questi svetta Ellen Page nei panni di Vanya, l’unica tra i fratelli che, apparentemente, non sembra avere alcun potere. Il suo personaggio, ancora più efficacemente di quelli dei colleghi, riflette sulle difficoltà della normalità, il peso delle aspettative non ripagate e, infine, sulla capacità di affrontare e comprendere le proprie attitudini, anche le più incontrollabili. Si tratta di un percorso di tentativi ed errori. La famiglia Hargreeves lo sa bene. Solo così, però, si può cercare la versione migliore di se stessi.
Sicuri, però, che quel finale sia il migliore dei possibili?

Immagini tratte da:
www.imdb.com
www.thejakartapost.com
www.seventeen.com

Il personaggio interpretato dal premio Oscar Brie Larson non vuole limitarsi a essere un'altra wonder woman, ma vuole costruirne un esercito! Più forte di Thanos e dei commenti sessisti sbarca la più forte super eroina Marvel di tutti i tempi. 

Come primo film dell’universo cinematografico Marvel con una supereroina per protagonista assoluta, Captain Marvel è approdato al cinema con una valanga di beceri commenti sessisti sulle spalle. Basti pensare che Rotten Tomatoes ha dovuto bandire dal suo sito i troll che erano determinati a distruggere il lungometraggio prima dell’uscita. Sembra che tutti i misogini celibi del pianeta si siano riuniti per infangare la talentuosa Brie Larson. Il motivo? Il premio Oscar che interpreta il personaggio, ha più volte espresso pubblicamente la necessità di una maggiore presenza di questo tipo di film, così come i critici che li recensiscono. È scoppiata una vera e propria guerra. E ora che Captain Marvel è al cinema, aspettatevi che questo contingente di maschi bianchi vergini e incazzati vada su tutte le furie (il web è pieno di insulti e troll). 

​La rivincita del girl power pulsa attraverso ogni fotogramma, per non parlare dell’umorismo, del cuore e del brivido nel guardare qualcosa che potrebbe davvero cambiare tutto. Wonder Woman, il film del 2017 targato DC Comics, ha sferrato il primo pugno per la parità nei cinecomic. Ma Captain Marvel in quel pugno ci tiene i detrattori. Ambientato a metà degli anni ’90, il film sembra fatto molto prima che Iron Man e gli altri Avengers fossero pronti per il grande schermo, e sventola una bandiera orgogliosamente retrò. Ma tutto nel suo DNA, dalla rappresentazione (davanti e dietro la camera) alle nozioni di empowerment, parla di quello che stiamo vivendo, qui e ora.

​Non era per niente facile raccontare la storia di quest’eroina,  ma i registi Anna Boden e Ryan Fleck, che si sono fatti le ossa nell’universo indie con drammi basati sui personaggi come Half Nelson (2006) e Mississippi Grind (2015), hanno preferito andare dritti all’azione. Carol Danvers, la pilota dell’Air Force impersonata dalla Larson, ha già i superpoteri quando la incontriamo nel bel mezzo di una battaglia intergalattica tra due razze aliene: i Krees e gli Skrull. Il suo mentore Kree, Yon-Rogg (Jude Law), l’ha addestrata per unirsi alla sua squadra d’élite nota come Starforce per bandire i nemici mutanti dalla pelle verde, guidati da villain Talos (Ben Mendelsohn). In realtà Carol non sa chi è. Ha perso la memoria e ci vuole un viaggio di ritorno sulla Terra per recuperarla. È lì che incontra il capo dello S.H.I.E.L.D Nick Fury (un Samuel L. Jackson, tosto e divertentissimo), che ha ancora entrambi gli occhi. Sia lui che il volto del franchise Clark Gregg, l’agente Coulson, sono stati ringiovaniti digitalmente. È un po’ inquietante, ma c’è anche qualche vantaggio, soprattutto quando Fury ha a che fare con il gatto Goose. Potrà sembrare un po’ stucchevole, ma sia dal vivo che in computer graphic, l’animale ruba ogni scena. Al cinema non c’è mai stato un gatto come Goose, il suo nome è un riferimento a Top Gun e accompagna una colonna sonora di canzoni d’epoca come I’m Just a Girl dei No Doubt. 

​Carol ritrova anche la collega pilota Maria Rambeau (una strepitosa Lashana Lynch), che ha lasciato l’esercito per prendersi cura della figlia (Akira Akbar). È la connessione di Maria con la tormentata protagonista cosmica che dà al film la sua anima. L’amicizia femminile è il fattore che mantiene Carol in contatto con la sua umanità, specialmente quando guadagna forza e affronta le sue responsabilità di guardiana galattica. Ed è in queste scene che il casting di Larson acquisisce davvero senso. È un’attrice intuitiva, guardatela in Room (film che le è valso l’Oscar) e in Short Term 12, che aggiunge strati di sensibilità al ruolo, dettagli che un’interprete meno talentuosa avrebbe potuto farsi sfuggire. Una grande prova attoriale che impreziosisce il film e non desterà sospetto la presenza di Captain Marvel ai prossimi Academy, i puristi del cinema indignati dai tre Oscar ottenuti da Black Panther sono dunque avvisati. 

​Magari la trama sarà troppo contorta a partire da metà, il ritmo occasionale e lo stile retrò troppo piatto rispetto ai soliti fuochi d’artificio Marvel. Ma il tempo che Boden e Fleck usano per sottolineare come le vite vengano vissute tra una sequenza d’azione e l’altra sono quello che ci farà ricordare Captain Marvel. Il film è appesantito dallo sforzo di diventare l’origin story dell’intero universo cinematografico Marvel (vedremo di nuovo la supereroina in Avengers: Endgame il 24 aprile) e dimentica che il potere del laser che Carol spara con le mani è meno convincente delle intuizioni che emergono dalla sua presa di coscienza. Tuttavia il fascino low-key del film e l’umorismo bizzarro fanno colpo e creano attesa per il futuro. Non serve la ‘’Suprema Intelligenza dell’Universo’’ per sapere che è saggio giocare sulla lunga distanza. Captain Marvel non vuole limitarsi a essere un’altra wonder woman, ma vuole costruirne un esercito. 

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