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Di Federica Gaspari
La carriera di un regista può spesso vivere vertiginosi alti e bassi, in un costante susseguirsi di film dalle alterne fortune con pubblico e critica. La storia del cinema insegna che quasi tutti i grandi autori sono inciampati in almeno un passo falso, cercando sempre di rialzarsi dimostrando nuovamente il proprio talento. Con le attuali dinamiche del cinema, dominate da oligarchie dell’intrattenimento e regolate da franchise sorretti dagli stessi inguaribili e giudicanti fan, un umano errore, un calcolo sbagliato con un film ricco di aspettative può però determinare la fine di un sogno nella settima arte. Secondo questa visione, in molti hanno archiviato con un pizzico di compiacimento l’esperienza cinematografica di Rian Johnson dopo il tanto discusso e sbilanciato Star Wars: Gli ultimi Jedi. A due anni dalla funesta incursione nella galassia delle grandi produzioni, il regista statunitense torna al cinema con una nuova scommessa inaspettata quanto ordinaria. Johnson, infatti, per la svolta non sceglie un ritorno alle origini indie ma si mette nuovamente alla prova con quello che, sulla carta, ha tutti gli indizi che lo portano a essere un film classico, senza infamia né lode. Con Cena con delitto – Knives Out, tuttavia, il regista si approccia ai temi più tradizionali del genere con verve e toni frizzanti e freschi, sfruttando al meglio un cast di nomi d’eccellenza in una narrazione ammiccante, ammaliante e consapevole dei limiti dettati dal suo immaginario ma soprattutto conscia delle sue potenzialità fuori dal comune.  L’improvvisa morte di Harlan Thrombey (Christopher Plummer), scrittore di gialli di grandissima fama, sconvolge i piani di un’intera famiglia abituata agli agi e alle comodità dettate dal successo guadagnato e consolidato negli anni dal patriarca. L’impareggiabile investigatore privato Benoit Blanc (Daniel Craig) viene misteriosamente coinvolto nelle indagini di quello che all’apparenza è un banale suicidio. Le ricerche e gli indizi, tuttavia, porteranno a galla dinamiche e rapporti ben diversi da quelli costruiti artificiosamente per un primo sguardo distratto.  Le prime sequenze, i movimenti di camera e le scelte stilistiche operate di Johnson chiariscono sin dal principio i riferimenti, in alcuni passaggi omaggiati esplicitamente, di questo “moderno giallo deduttivo”. Il trailer, con poche ma significative inquadrature, richiamava abilmente il mondo dei romanzi di Agatha Christie, attingendo a piene mani da strutture narrative fortemente segnate da stereotipi e figure sopra le righe. Johnson, con astuzia e maestria, piega alle sue necessità questi canoni costruendo e introducendo gradualmente un gruppo di sospettati vivacemente definiti nelle loro personalità – macro-sfumature di una precisa classe sociale attuale - da gesti, costumi e colori. Questo apparente e massiccio utilizzo degli schemi del giallo tradizionale, tuttavia, rivela anche interessanti sguardi sulla società, sull’ipocrisia dell’upper class e sulla genuinità dei rapporti più semplici e, forse, ingenui.  Prendendosi anche qualche irriverente soddisfazione nel tratteggiare anche i suoi haters – chi se non il più giovane tra i Thrombey? -, Johnson si aggira tra le eleganti stanze della dimora della vittima come il miglior giocatore di Cluedo si avventura sulla plancia da gioco. Il regista e sceneggiatore, però, alza la posta in gioco scommettendo su un gruppo di noti attori in ruoli estremamente distanti da quelli con cui sono diventati celebri. È il caso di Daniel Craig, brillante nelle vesti di un eccentrico detective costantemente sopra le righe ben distante dai suoi granitici uomini d’azione. Lo stesso accade con un Chris Evans alle prese con un giovane ereditiere spocchioso e opportunista con la risposta sempre pronta in una ballerina e incalzante sceneggiatura con ogni battuta al punto giusto. Con questo gioco di ribaltamento dei ruoli, Knives Out si rivela vincente e appassionante ben più di un semplice divertissement. Johnson si diverte a ingannare e depistare il pubblico ma senza dubbio è molto chiaro e trasparente su un aspetto: il suo talento nella settima arte deve essere indiscutibile. Immagini tratte da: https://www.torinofilmfest.org
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di Matelda Giachi
Genere: Commedia, Sentimentale
Anno: 2019 Durata: 92 min Regia: Woody Allen Cast: Timothée Chalamet, Elle Fanning, Selena Gomez, Jude Law, Diego Luna, Liev Schreiber, Kelly Rohrbach, Suki Waterhouse, Rebecca Hall, Cherry Jones, Annaleigh Ashford, Griffin Newman, Taylor Black, Kathryn Leigh Scott, Natasha Romanova, Jacob Berger Sceneggiatura: Woody Allen Fotografia: Vittorio Storaro Montaggio: Alisa Lepselter Produzione: Gravier Productions, Perdido Productions Distribuzione: Lucky Red Paese: USA
Mentre l’uragano #meetoo, nel suo momento di massima furia inconrollata, colpiva Allen e comprometteva l’uscita dell’appena terminato A Rainy Day in New York e anche tutti i suoi attori, per tutelarsi, prendevano più o meno velatamente le distanze dal regista, Jude Law solo si esponeva dichiarando che invece bloccarne la distribuzione era non solo un peccato, ma un errore. Buon vecchio Jude. Aveva ragione. Un giorno di pioggia a New York è una vera e propria “chicca”.
In un piccolo college universitario di provincia, la giovane Asleigh (Elle Fanning) ottiene un’intervista a New York con l’importante regista (Liev Schreiber). Col fidanzato Gatsby (Timothée Chalamet) decidono quindi di approfittarne per passare un romantico weekend insieme nella grande mela. Sulla classica intelaiatura da commedia adolescenziale romantica, Allen inserisce tutti i temi più importanti dei suoi film: uno su tutti, New York.
Un giorno di pioggia a New York è infatti, in primo luogo, una grande celebrazione dell’amore che il regista nutre per questa città, soprattutto nei suoi momenti di grigia piovosità. E’ lei la protagonista vera del titolo. La magnifica trapiantando questa visione romantica negli occhi del protagonista, il cui nome Gatsby è tutt’altro che casuale. 
Altro tratto tipico è un’umanità piena di nevrosi, che Woody Allen da sempre accentua iperbolicamente portando i suoi attori ad una recitazione fortemente mimica, sia da un punto di vista di espressioni facciali che di movimenti a volte compulsivi. Per fare questo, come sempre un grande cast a disposizione. L’attenzione però è soprattutto su Gatsby e Ashleigh, nelle cui vite si inseriscono, in sole 24 ore, Selena Gomez, Jude Law, Diego Luna e molti altri, sconvolgendo ogni dettaglio di un weekend pianificato al millimetro. Ed ecco un altro tema caro ad Allen, il destino. Sarà una ventata di positività legata al fatto di lavorare con attori così giovani, ma il destino di Un Giorno di Pioggia a New York è tutt’altro che cinico. E’ un destino che sistema le cose, le fa andare nella giusta direzione. Perché i personaggi del film non sono semplicemente nevrotici, sono incompleti, confusi, irrisolti; ognuno, anche i minori, in una fase di passaggio della propria vita. La pioggia newyorkese, altro elemento chiave insieme alla città stessa, lava via ogni incertezza e apre nuovi orizzonti.
Di cinico rimane l’umorismo tipico di Manhattan ed Io e Annie, tagliente e geniale, nonché le neanche troppo dissimulate stoccate a tutta una serie di cliché hollywoodiani e del mondo dello spettacolo in generale.
Sul piano della recitazione nulla da dire, un grande attore rimane un grande attore anche con piccoli ruoli. Tra Chalamet e Fanning, entrambi astri nascenti di questo momento cinematografico, il primo è una spanna sopra la sua co-protagonista. Sicuramente tagliato per questo genere di ruoli, appare interpretativamente più maturo, mentre lei, seppur brava, sembra ancora un po’ acerba come il suo personaggio. Nota di merito a Storaro, direttore della fotografia, alla sua terza collaborazione con Woody Allen, per un uso eccezionale della luce. Che dire Woody, era veramente tanto che non riuscivo a destinarti parole di lode. Bentornato. Voto:7/8 P.S. nel film Allen è riuscito a inserire anche se stesso… Vi sfidiamo a individuarlo! 
Immagini tratte da:
www.comingsoon.it www.haaretz.com/ www.moviestillsdb.com www.deadline.com www.gogofirenze.it di Federica Gaspari La 37esima edizione del Torino Film Festival sorprende e sconvolge i pronostici della vigilia premiando un film scandinavo dall’apparenza tradizionale ma dall’essenza fuori dal comune. Si è conclusa ieri la 73sima edizione del Torino Film Festival, appuntamento cinematografico che negli anni ha saputo conquistarsi un ruolo di rilievo non solo nel panorama italiano. Con il suo respiro internazionale e multiforme, il festival del capoluogo piemontese continua a rinnovare il suo spirito popolare, fortemente legato alla sua città, trovando un punto d’incontro tra l’intrattenimento delle storie più pop e l’eleganza del cinema indie.  Torino 37 Il concorso principale del Torino Film Festival ha visto in scena alcuni dei talenti cinematografici più interessanti del momento. In titoli in gara, coniugando i temi dell’attualità attraverso i generi più disparati, hanno saputo proporre molteplici prospettive e voci. Nonostante il grande entusiasmo mostrato dagli appassionanti per la produzione spagnola El Hoyo, alla fine trionfa la narrazione scandinava di Hlynur Palamason A White, White Day, una riflessione inedita sul lutto e sulle relazioni personali. Il racconto distopico iberico sembrava essere il preferito alla vigilia, in un’edizione interamente dedicata all’horror sin dalla locandina dedicata all’icona Barbara Steele. La giuria presieduta da Cristina Comencini sorprende invece tutti assegnando il premio principale a un solido dramma che si distingue da molti altri prodotti tradizionali per alcune scelte stilistiche originali. Tra i premiati dalla giuria, spunta anche un titolo italiano: Giuseppe Battiston e Stefano Fresi, infatti, si aggiudicano il premio per le migliori interpretazioni maschili nel film Il grande passo di Antonio Padovan. Miglior Film Hvitur, Hvitur Dagur / A White, White Day – Hlynur Palmason  Premio Fondazione Sandretto Re Rebaudengo La Reve de Noura – Hinde Boujemaa  Premio per la Miglior Attrice Dylda / Beanpole – Viktoria Miroshnichenko e Vasilisa Perelygina  Premio per il Miglior Attore Il grande passo – Giuseppe Battiston e Stefano Fresi  Premio per la Migliore Sceneggiatura Wet Season – Anthony Chen  Premio del pubblico Ms. White Light – Paul Shoulberg  TFFdoc La sezione dedicata ai documentari vede invece trionfare un titolo che aveva convinto gli appassionati anche al passaggio al Locarno Film Festival. 143 Rue du Desert, racconto della storia e della vita della donna dall’Algeria. INTERNAZIONALE.DOC Miglior film per Internazionale.doc 143 Rue du Desert – Hassen Ferhani Premio speciale della giuria per Internazionale.doc Khamsin – Grégoire Couvert e Grégoire Orio ITALIANA.DOC Miglior film per Italiana.doc Fuori tutto – Gianluca Matarrese Premio Speciale della giuria per Italiana.doc L’apprendistato – Davide Mavaldi ITALIANA.CORTI Premio per il miglior cortometraggio Spera Teresa – Damiano Giacomelli Premio Speciale della giuria La buca – Dario Fedele Le prospettive del Torino Film Festival
Con un’edizione ricca di scelte coraggiose e di grandi scommesse su titoli insospettabili, il Torino Film Festival conferma ed esalta la sua vocazione innovativa e rivoluzionaria in un panorama che spesso punta l’attenzione solamente sulle grandi produzioni. Riscoprendo titoli cult del passato e gioiellini dell’horror, il festival scommette sui generi e sulle intuizioni portando in scena storie e voci estremamente diverse tra loro ma unite da una comune ricchezza di intenzioni e contenuti. Non mancano, infine, prestigiose anteprime ed esclusive dei film più interessanti della stagione. La manifestazione, infatti, si è aperta con la proiezione eccezionale di Jojo Rabbit, gioiellino di Taika Waititi che ha stregato i maggiori festival statunitensi con la sua vena satirica estremamente tagliente e fuori dall’ordinario. L’atteso Knives Out, l’elegante giallo di Rian Johnson, ha invece accompagnato il festival alla sua conclusione, raccontando una storia intrigante e coinvolgente grazie a un cast stellare che, però, ha saputo mettersi in gioco in vesti inedite. Quali sono le aspettative per la prossima edizione che avrà luogo dal 20 al 28 novembre 2020? Nuovi orizzonti e coraggiose scommesse in grado di non dare mai niente per scontato in un festival sempre capace di stupire. Maggiori info su: https://www.torinofilmfest.org/it/
di Matelda Giachi
Era solo questione di tempo. Il successo di Frozen è stato troppo importante perché la Disney non decidesse di dargli un seguito. Seguito che da mercoledì 27 novembre è nelle nostre sale. A dispetto di un passato non proprio glorioso in fatto di secondi capitoli (fatta eccezione per il recente Gli Incredibili 2) Il Segreto di Arendelle, seppur non all’altezza del precedente, è un film riuscito e molto carino. Nel ritorno al regno di Arendelle ritroviamo Elsa più sicura della sua magia, ma ancora confusa per quanto riguarda il proprio posto nel mondo. Insomma, una di noi. Accanto a lei la sorella Anna che, priva invece di qualsiasi potere, sente però sempre di dover proteggere la maggiore, anche con un certo eccesso di zelo. E di ansia. Mamma quanta ansia… Ci sono poi Kristoff, buono e paziente, con la renna Sven, e l’immancabile pupazzo di neve Olaf, vero mattatore della situazione e pilastro del lungometraggio animato. 
Tutto comincia con un re e una regina che raccontano alle proprie figlie piccole di un bosco incantato. Molti anni dopo, una forza misteriosa perturba l’equilibrio nella vita del piccolo regno, mentre Elsa sente il richiamo di una voce che canta e la invita a raggiungerla. Così le due sorelle, per cercare risposte, si trovano a dover affrontare un viaggio nel passato della propria famiglia, scoprendone luci ed ombre. Lungo il percorso, impareranno molte cose su se stesse e soprattutto a contare l’una sull’altra. Trama semplice, efficace, anche se, a tratti, portata avanti in maniera non del tutto lineare; una bellissima storia di sorellanza è il punto forte di Frozen 2, insieme anche alla positività e simpatia di Olaf e ad effetti visivi assolutamente magnifici. 
Per chi ancora stesse smaltendo i postumi del black Friday, segnaliamo la pericolosità dei continui cambi d’abito delle due principesse, tutti talmente belli da istigare allo shopping compulsivo. Vorremmo fosse questo l’unico problema da evidenziare, ma la vera pecca di questo film d’animzione sono le canzoni. Tante, troppe. E tutte anonime. Tranne una, una specie di As long as you love me versione Disney, che vede protagonista Kristoff in versione Nick Carter con il resto della band sostituita da un esercito di renne. Lo stacco pubblicitario che ha seguito è arrivato decisamente troppo tardi. Velo peloso (almeno è più spesso), sulla canzone originale dei Negramaro. Un assoluto peccato perché Serena Autieri e Serena Rossi, oltre ad avere una gran voce, hanno fatto con Elsa e Anna un ottimo lavoro. Comunque le renne sono bellissime. Voto: 7 
Di Federica Gaspari Genere: drammatico Anno: 2019 Regia: Hlynur Palmason Attori: Ingvar Sigurdsson, Ida Mekkin Hlynsdottir, Hilmir Snaer Gudnason, Bjorn Ingi Hilmarsson, Elma Stefania Agustsdottir Sceneggiatura: Hlynur Palmson Fotografia: Maria Von Hauswollf Montaggio: Julius Krebs Damsbo Produzione: Join Motion Pictures Paese: Islanda, Danimarca, Svezia Durata: 109 min  Il cinema scandinavo, spesso intrappolato nell’immaginario comune della freddezza dei suoi colori e paesaggi, ha un modo piuttosto peculiare di portare in scena emozioni e sentimenti. A White, White Day (Hvitur, hvitur dagur) è il perfetto esempio di questo rappresentazione della sfera emotiva umana. Seguendo un approccio e un ritmo lontanissimo da ogni schema consolidato, il secondo lungometraggio del regista e sceneggiatore islandese Hlynur Palmson ha conquistato critica e pubblico dalla Semaine de la Critique di Cannes fino al concorso principale della 37esima edizione del Torino Film Festival. Il film, infatti, è stato premiato con il riconoscimento al miglior film, sorprendendo soprattutto i pronostici della vigilia che vedevano un’ottima accoglienza di pubblico e critica per l’horror distopico El Hoyo. A un primo sguardo, l’ultima pellicola di Palmason potrebbe sembrare la più classica frequentatrice di eleganti concorsi cinematografici. La storia di Ingimundur (Ingvar Sigurdsson) si avventura tra le pieghe del lutto della perdita della moglie, morta tragicamente in un incidente stradale dai contorni misteriosi. Questo punto di partenza piuttosto tradizionale, tuttavia, viene sviluppato in modo inaspettato, stimolando il pubblico con continui interrogativi e cambi di marcia distanti dalle canoniche variazioni sul tema.  Un uomo, un padre, un nonno, un poliziotto, un vedovo. La vita di Ingimundur sembra essere perfettamente descritta da queste etichette. Anche la sua sofferenza, silenziosa e quasi invisibile, si consuma in modo rigoroso, secondo una (forse) stereotipata concezione scandinava. Non piange e difficilmente ha sfoghi emotivi: tutta la sua attenzione è concentrata nel lavoro per la costruzione di una nuova abitazione dove trascorrere la giornata insieme alla nipotina dal momento della scomparsa della moglie. Proprio come le sequenze stagionali del paesaggio da camera fissa che si alternano nei primi minuti del film, Ingimundur sembra quasi indifferente a tutto quello che gli accade intorno, con un comportamento che si riflette perfettamente nell’estetica fredda e algida della fotografia di Maria Von Hauswollf.  Un’introduzione insolita che a tratti lavora a sottrazione esplode nella seconda parte della narrazione rivelando tutti i colori più accesi delle emozioni provate da Ingimundur: l’amore per la nipotina, la sofferenza per il sospetto del tradimento della sua amata e la rabbia per una realtà in cui non riesce più a trovare saldi riferimenti sono ormai incontenibili. L’attore protagonista, Ingvar Sigurdsson, è davvero viscerale nel dare forma al travolgente turbinio di emozioni che prende il controllo della scena. L’esplosione potrebbe sembrare improvvisa e dettata da un vero raptus ma Palmason già nella prima parte dissemina piccoli dettagli, all’apparenza accessori, che lasciano intuire l’inevitabile sviluppo. Insinuandosi nell’animo e nell’identità del suo protagonista come nella solitudine dei fiordi e delle insenature islandesi, il regista porta così in scena una storia difficile da inserire in un genere, creando forse una strana condizione tutt’altro che accomodante. Il passo verso l’ignoto e avvolgente bianco della foschia dei paesaggi islandesi e dell’anima di Ingimundur, tuttavia, verrà ampiamente ripagato da una prospettiva fuori dall’ordinario nonostante la superficie tradizionale. Immagini tratte da: https://www.torinofilmfest.org Di Federica Gaspari Il panorama dei festival cinematografici italiani non è un’esclusiva della laguna veneziana. Un’altra grande città, infatti, dal 1982 ospita per dieci giorni alcuni dei titoli più interessanti e ricercati della stagione, affiancando ai concorsi principali grandi esclusive e curiosi approfondimenti. Anche quest’anno il Torino Film Festival dal 22 al 30 novembre avrà luogo all’ombra della Mole Antonelliana, diventata ormai uno dei simboli della settima arte in Italia. Il capoluogo piemontese si animerà così con un ricco calendario di eventi e incontri per la trentasettesima edizione di una manifestazione in continua crescita.  Titoli prestigiosi Dopo aver incoronato il debutto alla regia di Paul Dano Wildlife, il TFF si avventura nuovamente tra alcuni dei titoli più interessanti della stagione. La lunga serie di imperdibili appuntamenti, infatti, si apre con la proiezione di Jojo Rabbit, attesissimo film del regista neo-zelandese Taika Waititi. Questa commedia nera tagliente che ironizza in modo tagliente sul nazismo è sotto i riflettori dopo aver trionfato all’ultima edizione del Toronto Film Festival, manifestazione canadese che viene spesso considerata come un fortunatissimo trampolino di lancio per la scintillante stagione dei premi importanti, dai Golden Globe fino agli ambitissimi Oscar.  Cena con delitto – Knives Out, invece, avrà il compito di chiudere la kermesse torinese. Questo titolo – un altro grande successo di critica dal festival canadese settembrino – è l’ultimo intrigante giallo di Rian Johnson che vanta un cast ricco di nomi di primo livello: Daniel Craig, Chris Evans, Jamie Lee Curtis, Christopher Plummer e molti altri! Il film verrà presentato sabato 30 novembre per poi approdare nelle sale cinematografiche italiane il 5 dicembre.  Voci internazionali e tinte horror Il volto emblematico di Barbara Steele non compare casualmente sulla locandina di questa trentasettesima edizione. L’attrice e icona britannica del genere horror riceverà il Gran Premio Torino, tingendo con sfumature dark un’edizione che omaggia il genere horror. Non mancheranno, infatti, eventi speciali dedicati al genere cult come la Notte Horror e la retrospettiva Si può fare! L’horror Classico 1919-1969. La selezione di Torino 37 propone ben 15 titoli inediti in Italia in grado di proporre voci provenienti da tutti i continenti. Anche in questa edizione i selezionatori hanno scelto di valorizzare il cinema dei giovani, in onore delle origini del festival, confermando la vocazione per la ricerca e la scoperta di talenti innovativi in un cinema “del futuro” in grado di rappresentare generi, linguaggi e tendenze.  Il concorso vede entrare in scena due produzioni italiane: Il grande passo di Antonio Padovan e Now is Everything di Riccardo Spinotti e Valentina De Amicis. Le grandi sorprese però potrebbero arrivare dalla tradizione cinematografica latina che porta a Torino drammi generazionali con Jorge Riquelme Serrano e riflessioni queer con Lucio Castro. Seguiteci su Facebook e Instagram per non perdere nemmeno un attimo della nostra grande avventura al Torino Film Festival 2019! Immagini tratte da: https://www.torinofilmfest.org di Vanessa Varini Il creatore della vespa di "Vacanze Romane"  Titolo: "Enrico Piaggio - Un sogno italiano" Paese: Italia Anno: 2019 Genere: biografico Durata: 102 min Regia: Umberto Marino Soggetto: Roberto Jannone, Francesco Massaro Sceneggiatura: Franco Bernini, Roberto Jannone, Francesco Massaro Fotografia: Lorenzo Adorisio Musiche: Paolo Vivaldi, Alessandro Sartini Scenografia: Enrico Serafini Costumi: Valter Azzini Interpreti e personaggi: Alessio Boni (Enrico Piaggio); Enrica Pintore (Paola Bechi Luserna); Beatrice Grannò (Susanna "Suso" Vannucci); Moisé Curia (Peter Panetta); Roberto Ciufoli (Corradino D'Ascanio); Elena Minichiello (Antonella Bechi Piaggio); Francesco Pannofino (Cosimo Rocchi-Battaglia); Violante Placido (Livia Rivelli) Italia, estate del 1945, dopo la Seconda Guerra Mondiale. La fabbrica di Enrico Piaggio (Alessio Boni) è distrutta e non si possono più produrre aerei militari così Piaggio, aiutato dall'ingegnere Corradino D’Ascanio (Roberto Ciufoli), decide di progettare uno scooter leggero ed economico che possa essere guidato anche dalle donne e dalle persone più umili che non possono permettersi di comprare una moto. Un'impresa non semplice perchè Piaggio ha alcuni nemici che vogliono impedirgli di realizzare il suo sogno come il banchiere Rocchi-Battaglia (Francesco Pannofino), che vuole impossessarsi della fabbrica e Livia Rivelli (Violante Placido), una ex fidanzata molto gelosa. Chi non ha mai sognato di scorrazzare al posto di Audrey Hepburn, alias la Principessa Anna, per le vie di Roma a bordo della Vespa del film "Vacanze Romane" abbracciata a Gregory Peck nei panni del giornalista Joe Bradley?  Ebbene la celebre Vespa doveva essere in origine una carrozza, proprio come quella di Cenerentola. Questo curioso fatto è raccontato nel film Tv "Enrico Piaggio - Un sogno italiano", andato in onda martedì 12 novembre su Rai Uno, che racconta la biografia del "papà" della Vespa. Infatti è stato proprio Piaggio a convincere il regista William Wyler, arrivato in Italia per girare il film "Vacanze Romane", di scegliere la Vespa come mezzo di trasporto per i suoi protagonisti Audrey Hepburn e Gregory Peck. Un'impresa ardua ma che contribuirà a rendere la Vespa una vera e proprio icona.  Il film è molto attinente alla realtà, infatti racconta anche la storia d'amore tra Piaggio e Paola Bechi Luserna, vedova del colonnello Alberto Bechi Luserna, morto in guerra, che diventerà sua moglie (interpretata da Enrica Pintore), ma introduce anche alcuni personaggi inventati come Suso, orfana in seguito a un bombardamento e in seguito assunta da Piaggio come segretaria, che andrà a Cinecittà per tentare di convincere il regista di "Vacanze Romane" ad inserire lo scooter nel film, ma poi l'incontro non avverrà.  Ottimo il cast, dal protagonista Alessio Boni, nei panni di un uomo "tosto" sul lavoro ma dolce in famiglia a Francesco Pannofino, in un ruolo inusuale per lui, quello di uomo senza scrupoli. Brave anche le interpreti femminili, l'attrice emergente Beatrice Grannò, che interpreta Suso, Violante Placido ed Enrica Pintore. "Enrico Piaggio" è una storia sospesa tra fiaba, quella senza tempo "di un giornalista e una Principessa su una Vespa in giro per Roma" e realtà, con una narrazione in flash-back che racconta le cadute, il dolore ma anche la rinascita e la speranza di un'Italia che cerca di rialzarsi dopo la Guerra. VOTO 7 Immagini tratte da:
FOTO 1 E 3 https://www.panorama.it/ FOTO 2 https://media.06blog.it/ FOTO 4 https://www.artwave.it/
di Matelda Giachi
Genere: Avventura, Commedia, Horror, Azione
Anno: 2019 Durata: 99 min Regia: Ruben Fleischer Cast: Emma Stone, Woody Harrelson, Jesse Eisenberg, Abigail Breslin, Zoey Deutch, Rosario Dawson, Bill Murray, Avan Jogia, Dan Aykroyd, Thomas Middleditch, Luke Wilson Sceneggiatura: Rhett Reese, Paul Wernick Fotografia: Chung Chung-hoon Montaggio: Dirk Westervelt Musica: Black Strobe Produzione: Columbia Pictures Corporation, Pariah Distribuzione: Sony Pictures Italia / Warner Bros. Pictures Italia Paese: USA
È stato un azzardo. E poteva andare molto molto male. Non solo perché il cinema è saturo di sequel, prequel e reboot e bisognoso invece si idee nuove, ma anche perché riuscire a essere fantasiosi in tema di zombie non è cosa semplice. Benvenuti a Zombieland, del 2009, è stato il film a tema più visto di sempre ed è addirittura diventato un cult, pur non essendo mai entrato nelle sale cinematografiche italiane. Se ve lo foste perso, è il momento di sfruttare l’abbonamento Netlix per recuperarlo.
Ma Zombieland 2 – Doppio Colpo è davvero un film piacevole e che, soprattutto, fa ancora ridere di gusto. Raggiunge lo scopo con semplicità, ripartendo innanzi tutto da quello che c’era già: torna il regista, tornano gli sceneggiatori e tutti i membri del cast originale, la cui chimica e complicità è rimasta invariata e rappresenta il primo punto di forza della pellicola. Traspare dallo schermo il piacere di quattro amici che si ritrovano e tornano a giocare insieme.
Anche la struttura della storia è sempre la stessa. Sono passati per noi dieci anni, non si sa esattamente quanto per i protagonisti; non interessa il lasso temporale. Abbiamo sempre a che fare con quattro sconosciuti sopravvissuti all’apocalisse zombie che, privi di legami di sangue, formano un bizzarro nucleo familiare che combatte i mostri viventi. Su questa impalcatura vengono incastrati poi diversi e nuovi espedienti di varia natura, da crisi adolescenziali a zombie versione 2.0 più evoluti e affamati, passando per l’incontro con altri sopravvissuti non meno eccentrici di quelli che già conosciamo, che sconvolgono quella routine quotidiana che rende irrequieto Tallahassee (Woody Harrelson), preoccupa Columbus (Jesse Eisenberg), spaventa Wichita (Emma Stone) e annoia Little Rock (Abigail Breslin). Un perfetto equilibrio tra vecchio e nuovo che non esagera a voler tirare fuori troppi conigli dal cappello ma neanche si lascia andare a facili ripetizioni. 
Un poker di interpreti cresciuti, ormai tutti candidati o vincitori di premi Oscar e nuovi acquisti degli di nota, tra cui spicca la caratterizzazione estrema di Zoey Deutch, anche se niente e nessuno eguaglia l’energia geniale di Woody Harrelson.
Scanzonato, ironico, irriverente in ogni sua parte, un film che prende in giro anche se stesso. Da vedere, perché fa bene ridere. Voto: 7,5 
di Vanessa Varini
Titolo: "Volevo fare la rockstar"
Paese: Italia Anno: 2019 Genere: commedia Stagioni: 1 Episodi: 12 Durata: 55 min (episodio) Regia: Matteo Oleotto Soggetto: Andrea Agnello, Daniela Gambaro, Matteo Oleotto, Valentina Santandrea, Matteo Visconti, Alessandro Sermoneta, Giacomo Bisanti Sceneggiatura: Alessandro Sermoneta, Andrea Agnello, Daniela Gambaro, Matteo Visconti, Giacomo Bisanti Interpreti e personaggi: Giuseppe Battiston (Francesco Colombo); Valentina Bellè (Olivia Mazzuccato); Angela Finocchiaro (Nice Zignoni); Emanuela Grimalda (Nadia Casarin); Riccardo Maria Manera (Eros Mazzuccato); Caterina Baccicchetto (Emma Mazzuccato); Viola Mastriner (Viola Mazzuccato); Sara Lazzaro (Daniela); Lorenzo Adorni (Cesare Conte)
Siete stati addicted della serie tv Rai "Tutti pazzi per amore" andata in onda dal 2008 al 2012 che raccontava, con uno stile surreale e una recitazione sopra le righe, le vicende di una famiglia allargata e disfunzionale? Allora vi consiglio di recuperare "Volevo fare la rockstar", ogni mercoledì sera alle 21:20 su Rai2, diretta da Matteo Oleotto, serie ambientata in Friuli Venezia Giulia, da cui poi è stato tratto un libro omonimo pubblicato da Rai Libri ed ispirata dall'omonimo blog di Valentina Santandrea.
La protagonista è Olivia (interpretata dalla talentuosa Valentina Bellè, a suo agio in ogni tipologia di fiction, dal fantasy di "Sirene", al dramma d'epoca di "Grand Hotel" fino a questa commedia), 27enne, con due gemelle Emma e Viola, eterozigote, avute a 16 anni, single, che si è trovata subito un lavoro per poter essere in grado di crescere le sue bambine e mantenere anche il fratello Eros, accantonando il sogno di fare la rockstar. Dopo aver quasi perso la vita in un incidente, Olivia si rende conto che sta rinunciando a troppe cose e decide di realizzare i suoi sogni, ma riuscirci non sarà affatto facile perché la sua vita famigliare è piuttosto complicata! 
Infatti suo fratello Eros (Riccardo Maria Manera) è un ragazzo dal carattere "difficile", è stato abbandonato dalla madre, fuma erba, ama un ragazzo ma non riesce a rivelarlo al mondo mentre la loro mamma, Nadia (Emanuela Grimalda, Ave Battiston di "Un medico in famiglia") è una fricchettona disintossicata dall'alcol e molto spirituale. Come "terapia" Olivia inizia a scrivere un blog e a farla ricredere nell'amore arriva Francesco (Giuseppe Battiston, sì proprio il Dottor Freiss di "Tutti Pazzi per amore"), un eterno Peter Pan di 50 anni, con una figlia adolescente, vedovo, arrivato in paese per occuparsi di un supermercato.
"Volevo fare la rockstar" si conferma una novità nel palinsesto televisivo della Rai, una serie non convenzionale, politicamente scorretta perchè nelle tragicomiche avventure di Olivia si affrontano temi delicati come la droga, il bullismo, l'omosessualità, la crisi economica, il tutto condito da parolacce, scene hot, situazioni assurde ed eccessive, abbattendo ogni sorta di tabù! È proprio questo il punto di forza della serie, mostrare senza filtri quello che le altre serie tv non fanno vedere. È una fiction adatta ad un pubblico giovane, moderno ed innovativa è anche la sua messa in onda: infatti oltre a vedere la serie su Rai 2, tutti gli episodi di "Volevo fare la rockstar" sono già disponibili in streaming su RaiPlay, senza bisogno di aspettarli settimanalmente.
Immagini tratte da:
https://mr.comingsoon.it/ http://chetvfa.altervista.org/ https://images2.corriereobjects.it/
di Matelda Giachi
Genere: Drammatico, Storico
Anno: 2019 Durata: 133 min Regia: David Michôd Cast: Timothée Chalamet, Joel Edgerton, Ben Mendelsohn, Robert Pattinson, Sean Harris, Lily-Rose Depp, Dean-Charles Chapman, Thomasin McKenzie, Ivan Kaye, Andrew Havill, Edward Ashley, Tom Glynn-Carney Sceneggiatura: Joel Edgerton, David Michôd Fotografia: Adam Arkapaw Musica: Nicholas Britell Produzione: Blue-Tongue Films, Netflix, Plan B Entertainment, Porchlight Films Distribuzione: Netflix Paese: USA
Il Re di David Michôd e Joel Edgerton è Enrico V, famoso per aver conquistato la Francia. Per raccontarlo ci si ispira a Shakespeare, reinterpretando due delle sue più riuscite tragedie, l’Enrico IV e, appunto, l’Enrico V.
Il futuro re d’Inghilterra rifiuta la condotta di governo del padre e lo stile di vita che il suo rango richiede e passa le giornate a fare bagordi con l’amico, e figura paterna alternativa, Falstaff. Quando però sopraggiunge la morte del padre, il peso della corona restituisce al ragazzo la sua integrità; abbraccia il suo ruolo e si adopera per essere un re migliore di quanto non considerasse il padre. Ne porta comunque avanti la guerra in Francia, dopo ripetute offese ricevute da parte del Delfino. E’ proprio con questo scontro che lo mette faccia a faccia con le battaglie vere e più dure. Portare un cambiamento in un sistema già consolidato e asserragliato in se stesso; capire chi ti è amico davvero quando rivesti un ruolo di potere. 
All’opera originale si rimette ampiamente mano: si allunga la vita e si aggiungono dignità e gloria alla figura di Falstaff; il difficile rapporto tra padre e figlio diventa molto più centrale. E. fin qui, tutto bene.
Ma, nonostante le modifiche degli autori, l’opera stenta a decollare, è completamente priva di energia. L’inserimento di un inaspettato e moderno plot twist sul finale risveglia dal torpore delle quasi due ore precedenti ma non basta a salvare l’intero film. Un torpore che non è sonno o noia (il film scorre), quanto piuttosto la rilassatezza di aver di fronte qualcosa di già visto. 
Ben recitato perché Chalamet su tutti è sicuramente un interprete capace. Robert Pattinson doveva incarnare una figura ridicola e patetica ai limiti del grottesco e, senza dubbio, la descrizione calza a pennello sul suo Delfino di Francia. Merito anche del parrucchiere (Cedric, che t’è successo, una volta avevi un tuo fascino!). Diamo a Cesare quel che è di Cesare, sempre per rimanere in tema di regnanti famosi. Apprezzabile il lavoro linguistico per rendere un francese che parla inglese. Se lo si guarda in lingua originale, ovviamente. Poco invece si può dire su Lily Rose, il cui ruolo è centrale ai fini narrativi e per la figura di Enrico V, nonché estremamente moderno, per essere una donna del 1400, ma troppo di breve durata per un giudizio obiettivo sulle capacità recitative di questa figlia d’arte. Anche se sfodera lo stesso muso lungo di più o meno il 90% delle apparizioni pubbliche, definirla la nuova Kirsten Stewart ci pare davvero prematuro e cattivo e ci auguriamo si tratti di una pura esigenza di copione.
Una storia ricca di materiale interessante ed anche attuale che però viene raccontato e non indagato. Benissimo per una serata Netflix e divano che richiede di non essere troppo impegnativa. Poteva essere molto di più. Voto: 6 
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Dicembre 2019
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