La recensione di Roma: il film di Alfonso Cuarón vincitore del Leone d'oro al Festival di Venezia 2018, un meraviglioso stralcio di vita vera che riempie lo schermo e il cuore degli spettatori.  

di Salvatore Amoroso

Titolo: Roma
Paese di produzione: Messico
Anno: 2018
Durata: 135’
Genere: drammatico, storico
Regia: Alfonso Cuaròn
Sceneggiatura: Alfonso Cuaròn
Produttore: Alfonso Cuaròn, Nicolas Celis, Gabriela Rodriguez
Distribuzione (Italia): Netflix, Cineteca Bologna
Fotografia: Alfonso Cuaròn
Montaggio: Alfonso Cuaròn, Adam Gough
Colonna Sonora: Steven Price
Scenografia: Eugenio Caballero
Costumi: Anna Terrazas
Cast: Marina de Tavira (Sofia); Yalitza Aparicio (Cleo); Daniela Demesa (Sofi); Latin Lover (professor Zovek); Nancy García García (AdelaJorge); Antonio Guerrero (Fermín); Marco Graf (Pepe); Andy Cortés (Ignacio); Nicolás Peréz Taylor Félix (Beto Pardo); Clementina Guadarrama (Benita).

Fin dalle prime immagini si ha la forte sensazione di trovarsi di fronte a un’opera intima e forte. L’acqua, elemento che troviamo dall’inizio alla fine, ci culla dolcemente, l’acqua che la protagonista Cleo, domestica di una famiglia borghese nella Citta del Messico del 1971, utilizza per lavare pavimenti, piatti, abiti. Che dà da bere ai bambini assetati. Acqua, o meglio “le acque” che le si rompono al termine di una gravidanza, nel momento più tumultuoso della storia del film e del Messico e le acque del mare delle scene finali, prima di tornare ai panni, ai tetti, ai cieli, agli aerei che passano e vanno chissà dove.

Acqua che scorre e lava via lo sporco, acqua dalla quale ci si deve salvare, ma che allo stesso tempo è vita. Alfonso Cuarón la sua macchina da presa la muove con grande abilità e attorno ai suoi tanti personaggi ci racconta una grande metafora della vita, attraverso una scenografia che ricostruisce quegli anni in maniera sontuosa, precisissima, a tratti ossessiva, cercando di arginare almeno il trasporto del sentimento di questo suo personalissimo e scolastico Amarcord “felliniano”. Attinge ai suoi ricordi personali, il regista messicano. Poco importa andare a vedere e soppesare quanta autobiografia ci sia (quanto romanzata o quanto idealizzata). Importa di più sottolinearne la scissione, la voglia di fare e di dire da un lato, e quella di trattenere il fiume in piena del ricordo e della passione attraverso lo studio maniacale della messa in scena, tradito dai virtuosismi di macchina e da una fotografia quasi troppo perfetta, troppo patinata, per la storia che viene raccontata, e dall’onnipresenza di suoni, voci, rumori.

Cuarón adesso, da adulto, è finalmente in grado di rendere omaggio alle due splendide protagoniste del film: la domestica Cleo (Yalitza Aparicio) e Donna Sofia (Marina de Tavira), madre di quattro figli.  Queste due figure femminili che tanto hanno rappresentato per lui e di cui finalmente può capire in pieno la grandezza e il sacrificio. In tutto il film non esiste una sola figura maschile realmente positiva, eppure Cuarón non ne fa un film di denuncia, ma si limita a raccontare la sua esperienza in modo asciutto, semplicemente adottando uno sguardo amorevole e grato a quello che è stato il suo passato e il suo mondo. La Città del Messico che ci mostra è una città vitale e ricca di suggestioni. I suoi ricordi sono vividi, dettagliatissimi e particolarmente interessanti per chi ha amato il suo cinema: vi siete per esempio mai chiesti da dove provenisse l'idea dietro Gravity? In Roma troverete la risposta. E molto di più.

ROMA racconta di qualcosa che sta finendo, che muore, che viene danneggiato e che nasce in una forma nuova. Racconta della fine e del nuovo inizio di una famiglia, forse di un paese, sicuramente di una giovane donna che si ritrova proiettata nella vita, ci si scontra in pieno ma si salva salvando gli altri, aiutandoli, anche quando forse non se lo meritano. Difficilmente ritroverete la sensibilità presente in quest’opera. A Venezia abbiamo riso e pianto e alla fine ci siamo lasciati andare a un lungo applauso sincero, quasi liberatorio. Cuaron riesce a ridare al cinema lustro e coraggio e dopo i trionfi internazionali della New Wave centroamericana (ricordiamo anche Iñárritu e Del Toro), capace di rivoluzionare l’estetica e l’industria contemporanea, ROMA è probabilmente il vero, grande film da consegnare al cinema messicano.

Immagini tratte da:
IMDB
Netflix.com
mymovies.it
badtaste.it
Isolated Nation.com

​di Federica Gaspari

​Spionaggio, eleganza, inseguimenti per le strade delle principali capitali europee: tre ingredienti che solitamente vengono associati a un immaginario cinematografico che vede principalmente protagonisti maschili. James Bond, Ethan Hunt, Jason Bourne sono solo alcune tra le spie più celebri. Alcune serie tv, tuttavia, stanno cambiando le regole del gioco, mescolando le carte, dando spazio a nuove figure e sviluppando trame complesse e avvolgenti. Pioniere di questa piccola rivoluzione cinematica è stato lo show The Americans, conclusosi pochi mesi fa dopo sei ottime stagioni. Un’altra serie, direttamente da casa BBC, è pronta a portare avanti questo progetto. Si tratta di Killing Eve, uno dei migliori prodotti televisivi di quest’annata. Tratto dai romanzi di Luke Jennings, questo show nelle otto puntate della prima stagione concentra l’attenzione sulla sfida a colpi di astuzie tra due brillanti donne. Una competizione che mostrerà ogni lato di queste due affascinanti personalità.

​Da una parte Eve Polastri (Sandra Oh), agente dell’MI6 britannico che non vede l’ora di mettersi in gioco, di dimostrare tutta la sua passione per un lavoro pericoloso quanto adrenalinico: una figura a tratti esuberante che, impegnandosi a pieno sul campo trovo il giusto equilibrio. All’estremo opposto la pericolosissima Vilanelle (Jodie Comer), killer spietata e inarrestabile che lavora per una misteriosa organizzazione: il KGB o qualcosa di ancora più preoccupante? Le strade di questi due personaggi si intrecceranno continuamente, svelando lati inaspettati del loro carattere e riportando alla luce i più lontani ricordi.

​ Non è semplice riuscire a realizzare uno show in otto puntate che riesca a coniugare un ritmo appassionante con un’altissima qualità. Per Killing Eve l’impresa sembrava decisamente impossibile considerando che, per natura, si avventura nell’universo del genere di spionaggio, un terreno piuttosto insidioso per coloro che non lo hanno mai esplorato. Tra inseguimenti e tensioni a distanza poco equilibrati, spesso, queste storie rischiano di perdere il loro grande fascino e mordente. In questo show, fortunatamente, non accade nulla di tutto ciò. L’esperimento è riuscito in modo fuori dall’ordinario ma senza stravolgere la formula originaria né rinunciare ad alcuni suoi aspetti. 

Cosa rende, allora, questo show uno dei migliori degli ultimi tempi? Semplice quanto complesso. Registi e sceneggiatori sono riusciti a togliere il velo appannato che avvolgeva il genere aggiungendo un tono frizzante, alla moda – nella migliore delle sue accezioni - e incalzante anche nei passaggi più statici della narrazione. Un gruppo estremamente competente è riuscito così a preparare il giusto habitat per due splendide creature della recitazione che, contrapposte una all’altra, hanno saputo regalare performances ineccepibili. Se non è possibile stupirsi davanti al noto talento di Sandra Oh, si può solo applaudire la giovane Jodie Comer che, al suo primo vero grande ruolo di prestigio, costruisce, espressione dopo espressione, un villain spregiudicato, psicopatico e fuori dagli schemi che paradossalmente riesce a entrare nel cuore dello spettatore.

Insomma…tutto questo non vi basta per cliccare play? 

Immagini tratte da:

www.panorama.it
www.refinery29.com
www.vulture.com

Santiago, Italia: la recensione del documentario di Nanni Moretti presentato in chiusura dell’ultimo Torino Film Festival.  ​

di Salvatore Amoroso

Nanni Moretti è sicuramente uno dei grandi autori del cinema nazionale. Prolifico tanto nei lungometraggi di finzione quanto in quelli documentaristici, il regista celebre per Ecce bombo e La stanza del figlio torna in sala con il reportage Santiago, Italia, presentato in anteprima al Torino Film Festival e sugli schermi di tutta Italia già a partire dal prossimo 6 dicembre.
Composto dall’assemblaggio accorto di materiali d’archivio e di interviste inedite realizzate per l’occasione, il film indaga un particolare momento della storia del Cile, ovvero gli accadimenti che hanno anticipato e succeduto il terribile colpo di stato che nel 1973 ha portato alla morte di Salvador Allende, presidente dichiaratamente marxista, per mano delle truppe armate.
Non limitandosi a raccontare unicamente i fatti di mera cronaca, Moretti intreccia le vicende cilene con quelle italiane, intervistando figure che a seguito del Golpe si sono prima rifugiate, non senza difficoltà, tra le protette mura dell’ambasciata tricolore, per poi trasferirsi stabilmente in Italia dove in certi casi risiedono ancora ora.

​Documentario contemporaneamente intimista e collettivo, Santiago, Italia alterna diversi registri espressivi, riuscendo tuttavia a mantenere una coerenza di fondo. Lo sguardo lucido di Moretti è ugualmente scisso tra un passato rappresentato sul grande schermo e un presente evocato dai sotto-testi impliciti che, sebbene latenti in tutta la concatenazione concettuale, esplodono con forza nel finale.
Non bisogna dunque credere che questo lungometraggio proponga un semplice racconto di un evento passato ormai lontano. Con uno sguardo critico più volte ribadito, Moretti riflette tanto sul retaggio italo-cileno, quanto sugli accadimenti dell’Italia contemporanea, filtrati implicitamente dalle testimonianze che raccordano le realtà personali con un più ampio discorso politico.
Proprio in questo elemento risiede pertanto la forza innovativa dell’operazione: non prescindendo la più semplice (e inevitabile) storicizzazione del materiale d’archivio e delle interviste, il cineasta cerca di promuovere una riflessione atemporale che, nelle sue connotazioni umanizzanti e personali, diventa di conseguenza anche universale.

​Se la duplice natura del tema è quindi assolutamente vincente, più anonima è invece la messa in scena propriamente detta, che non colpisce in alcun modo. Accanto a partiture musicali affini ai precedenti lavori di Moretti, il montaggio non presenta alcun elemento di invettiva o sperimentalismo, allineandosi ad un’idea quasi televisiva e a tratti innegabilmente stantia del documentario in quanto prodotto commerciale.
Allo stesso modo, anche se convince per chiarezza espositiva, l’intreccio tra testimonianze e documenti storici non può dirsi convergente all’estetica del nuovo cinema del reale che, nelle sue declinazioni meno mainstream, sta oggi battendo strade più votate a sperimentalismi, anche pacati, che forse Moretti avrebbe dovuto almeno parzialmente considerare.

Immagini tratte da:
​
Locandina: ComingSoon.it
Immagine 1: Spettacolo.eu
Immagine 2: Coming Soon.it
Immagine 3: La Stampa

di Vanessa Varini

Paese: Italia, Stati Uniti d'America
Anno: 2018
Genere: drammatico, in costume
Stagioni: 1
Episodi: 8
Durata: 50’ (episodio)
Narratore: Alba Rohrwacher
Regia: Saverio Costanzo
Soggetto: Elena Ferrante, Francesco Piccolo, Laura Paolucci
Sceneggiatura: Saverio Costanzo, Elena Ferrante, Francesco Piccolo, Laura Paolucci
Fotografia: Fabio Cianchetti
Musiche: Max Richter, Antonio Vivaldi
Scenografia: Elio Maiello
Costumi: Antonella Cannarozzi
Produttori: Lorenzo Mieli, Mario Gianani, Domenico Procacci
Casa di produzione: Rai Fiction, HBO, TIMvision, Wildside, Fandango
Cast: Margherita Mazzucco (Elena Greco adolescente); Elisa Del Genio (Elena Greco bambina); Gaia Girace (Raffaella Cerullo adolescente); Ludovica Nasti (Raffaella Cerullo bambina); Dora Romano (maestra).

Elena Greco, soprannominata Lenù (Elisa del Genio) e Raffaella Cerullo, soprannominata Lila (Ludovica Nasti), sono due bambine che si conoscono sui banchi di scuola della prima elementare e diventano subito grandi amiche. Il tempo passa e quando Lila scompare misteriosamente Elena inizia a scrivere a computer la loro storia. Infatti le due ragazze amano scrivere da sempre grazie al libro "Piccole Donne", ma mentre il padre di Elena, usciere comunale, è riuscito a permettere alla figlia, dopo l'esame di quinta elementare, di andare alle medie, Lila, di famiglia più povera, è costretta a smettere di studiare.

La vita delle due ragazzine però continuerà  a intrecciarsi durante i più importanti avvenimenti della storia d'Italia.
Martedì 27 novembre sono andati in onda i primi due episodi della serie tv "L'amica geniale" diretta da Saverio Costanzo, ispirata al primo libro della quadrilogia di Elena Ferrante (un successo di 10 milioni di copie vendute in 40 paesi) e prodotta dal network americano Hbo. Io non ho letto il romanzo quindi la recensione si basa sulla serie senza fare paragoni con l'opera cartacea. "L'amica geniale" colpisce subito per l'attualità della vicenda nonostante l'ambientazione negli anni ‘50: si parla di emancipazione femminile: in un'epoca in cui il ruolo delle donne era quello di fare la madre e la moglie, Lila e Lenù lottano per il diritto all'istruzione, per raggiungere l'indipendenza (entrambe sono studiose, in particolare Lila è "geniale" in tutte le materie, soprattutto in matematica, e sa leggere e scrivere fin da quando aveva tre anni), viene affrontato il tema del riscatto sociale e soprattutto dell'amicizia. Lila è forte, sicura di sé, molto decisa mentre Lenù è dolce, gentile, timida. L' amicizia con Lila renderà più forte Lenù e il loro legame tra affetto, gelosie e incomprensioni continuerà fino all'adolescenza (qui entrano in scena Margherita Mazzucco nei panni di Lenù e Gaia Girace in quelli di Lila).

Poi in qualche modo (che non è ancora stato spiegato) il rapporto s'incrinerà. A chi non è mai capitato? Questa serie colpisce anche per l'accuratezza dei particolari: sembra di immergersi veramente nella Napoli del Dopoguerra tra dialoghi in dialetto napoletano (sottotitolati in italiano), vicoli polverosi dove i ragazzini giocano per strada e lavorano, terrazze con panni stesi ad asciugare, rioni popolari dove si consumano scenate di gelosia, sceneggiate napoletane con oggetti lanciati dal balcone, ribellioni al pizzo con conseguenti pestaggi, omicidi, liti tra padri violenti e figli ribelli. Immagini dai colori tenui in sintonia con i costumi di scena indossati dalle protagoniste. Proprio loro (tutte attrici esordienti) riescono a far emozionare lo spettatore con uno solo sguardo e a interpretare in maniera convincente due ruoli non semplici e amati da milioni di lettori in tutto il mondo.

Una serie proprio "Geniale" parafrasando il titolo, che ha conquistato più di 7 milioni di spettatori! Non ci resta che attendere con trepidazione i prossimi episodi, che ci mostreranno Lila e Lenù adolescenti e alle prese con i primi amori.

​Immagini tratte da:
https://letteratitudinenews.wordpress.com/
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https://gogomagazine.it/
https://www.tuacitymag.com/

di Fabrizio Matarese

Un gruppo di ragazzi di etnie ed estrazioni sociali differenti si muove tra le strade di Parigi. Giovani donne e uomini che si scambiano occhiate cariche di sentimento sulla metropolitana, scattano strane fotografie nei tunnel sotto la città, salgono fino ai piani in costruzione dei grattacieli e gettano gli smartphone nei cestini pubblici con nonchalance.

C’è molto mistero e pochi dialoghi nei primi minuti di Nocturama, sesto controverso film del regista, sceneggiatore e compositore francese Bertrand Bonello.

La macchina da presa segue i movimenti dei personaggi come se li stesse pedinando. Le azioni dei ragazzi, a un primo sguardo incomprensibili, hanno una strana precisione sembrano addirittura pericolose. L’aria di tensione sale sempre più: si intuisce che c’è un piano comune nascosto dietro tutti questi sotterfugi e che non porterà a niente di buono.

Ciò che traspare dalla prima parte del film, oltre alla suspense e alla voglia di vedere a cosa portano queste operazioni sotto i radar, è l’alienazione, la solitudine della vita metropolitana di questi ragazzi, disillusi e pronti a tutto per ribellarsi alla vita che gli è stata imposta.
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Tutti questi intrighi e cospirazioni portano a una serie di attentati che colpiscono, in varie zone, il cuore di Parigi. Nello stesso istante, in vari punti della città scoppiano delle bombe: nel palazzo del Ministero dell’Interno, davanti la sede della borsa, al 29° piano di un grattacielo. Anche la statua dorata che raffigura Giovanna D’Arco viene data alle fiamme. Fuoco e fiamme, orrore e panico per la città.

E mentre la nazione è sotto shock il gruppo improvvisato di attentatori si barrica in un grande magazzino.

Al dinamismo frammentario della prima parte ambientata in esterni si sostituisce l’isolazionismo misto a paranoia e orrore della seconda.
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I ragazzi, barricatisi in un enorme centro commerciale, attendono il loro destino senza opporre resistenza. Sono tutti più o meno consapevoli di aver attraversato un punto di non ritorno, e questo genera soddisfazione in alcuni, noia e disperazione in altri.

Così, mentre le autorità del governo francese li proclamano non terroristi ma “nemici dello stato” (lasciando intendere che non ci sarà nessuna trattativa) il gruppo di ragazzi inscena una sorta di carnevale individuale dentro le enormi sale del grande magazzino. Vogliono distruggere il sistema, eppure sono affascinati e conquistati dal potere delle merci. E così, a gruppi di due a due, si cambiano d’abito scegliendo tra le infinite possibilità dei vestiari esposti, prendono cibo dagli scaffali e taccheggiano gioielli e orologi di lusso. Nello spazio simulacrale del grande magazzino va in scena un ultimo ballo funebre prima del gelido blitz dei reparti speciali.
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Girato tra il 2014 e il 2015, a ridosso degli attentati di matrice islamica che hanno colpito Parigi, il film di Bonello è stato rifiutato al festival di Cannes. Il titolo originale era Paris est une fête ma è stato scartato successivamente poiché il titolo del libro di Hemingway era diventato, per tutti i parigini, uno slogan di resistenza agli attentati del 13 novembre 2015.

Uno degli elementi più disturbanti del film risiede nel fatto che non c’è un ideale, un sistema di pensiero comune che lega questo giovane drappello di bombaroli, gli attentati non vengono rivendicati in nessun modo e ciò che sembra averli mossi non è tanto una forma di attivismo politico, quanto un sentimento baudelairiano di ennui, una noia mostruosa e diabolica, che si trasforma in alienazione, nichilismo, distruzione.
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La storia di Nocturama sta al di là di ogni analisi geopolitica o sociale. La violenza fiammeggiante prodotta dal commando di ragazzi ha un sapore ambiguo, vago e disilluso. E per questo risulta molto più angosciante, perché nonostante non ci siano motivazioni esplicite tutto ciò che viene mostrato del film poteva accadere, anzi, come dice un’attentatrice nel centro commerciale, “doveva accadere”.

​Immagini tratte da:
www.filmcontent.com
www.gazzettadinapoli.com
www.sentieriselvaggi.it
https://ombrecinema.wordpress.com

É sempre doloroso doversi separare dal festival di Torino. Ogni anno ci ripromettiamo che passeremo due o tre giorni in più ma alla fine la vita chiama e siamo costretti a lasciare questa bellissima oasi per appassionati e non. Vi parleremo della giornata di domenica e lunedì trascorse tra la sezione After Hour, sala stampa e il sempre caro Reposi.

Domenica la nostra giornata è iniziata più tardi del solito, (dovevamo smaltire la Notte Horror) per la categoria After Hour abbiamo visto L’ultima notte di Francesco Barozzi. Un noir tratto da un fatto di cronaca relativamente recente (si parla del 2012), ambientato nelle campagne modenesi. Bea, in crisi esistenziale e amorosa per i rapporti difficili con la sua compagna, torna nella casa di famiglia dove vivono il fratello e la sorella per risolvere un trauma vissuto nel passato. Fin dall’inizio l’atmosfera è lugubre e decadente e Bea può constatare da subito l’ostilità dei suoi consanguinei, in particolare del fratello che l’accusa di averlo tradito e abbandonato a un padre violento che abusava di lui. Purtroppo l’opera di Barozzi, al suo terzo lungometraggio, non convince soprattutto per mancaza di coraggio, un vero peccato perchè il soggetto non era niente male.

Subito dopo, sempre al Reposi, abbiamo visto Relaxer, il lato oscuro di Ready Player One. Mentre fuori incombe l'Apocalisse del Millennium Bug, un ragazzo (Joshua Burge, un viso a metà tra Buster Keaton e Marty Feldman) è inchiodato sul divano a giocare a Pac Man per via di una scommessa fatta col fratello sadico. Il nuovo film del Joel Potrykus (Buzzard e The Alchemist Cookbook) è strambo, psicotico, demenziale, spaventoso e anti-sistema di sempre. Ci ha sconvolti, fatto ridere e indignato ma una cosa è certa: Relaxer non è un film banale.

La serata domenicale si è conclusa con il film più atteso della regista Claire Denis, il chiaccherato High Life. Spazio profondo. Oltre il nostro sistema solare. Monte e sua figlia Willow vivono insieme a bordo di un veicolo spaziale, in completo isolamento. Nel corso degli anni Monte, attraverso la figlia, sperimenta la nascita di un amore onnipotente. Willow cresce diventando una ragazza, poi una giovane donna. Insieme, soli, padre e figlia si avvicinano alla loro destinazione: il buco nero in cui tutto il tempo e lo spazio cessano di esistere. Un carcere nello spazio, un prigioniero votato alla castità, una dottoressa che insegue segnali di vita: il primo film di fantascienza e in inglese di Claire Denis (L’amore secondo Isabelle, TFF35) è un inno all’amore in una realtà che dell’amore non ha più neppure il ricordo. Inclassificabile e coraggioso, e visivamente folgorante. Con Robert Pattinson e una magistrale Juliette Binoche. Musica del sodale Stuart A. Staples, vocalist dei Tindersticks.

Nella mattinata di lunedì invece siamo riusciti a vedere due delle pellicole più belle ed eleganti in concorso, parliamo di Nos Batailles e Den skyldige (The Guilty). Nel primo il celebre attore Romain Duris è Olivier, padre, marito, sindacalista. Quando un mattino la moglie Laura abbandona la famiglia senza lasciare alcuna traccia di sé, Olivier si vede costretto dall’oggi al domani a ripensare la quotidianità cercando di non venir meno al suo dovere lavorativo, al suo impegno politico ma anche, e soprattutto, al suo ruolo di padre. Un dramma intenso, sincero e profondamente umano che segna il ritorno in concorso del regista Guillaume Senez vincitore del TFF33 con Keeper. L’opera di Senez è elegante, delicata, commovente, uno di quei film che fa bene al cuore e all’anima. Noi de IlTermopolio abbiamo votato per lui.

Gustav Möller con il suo Den Skyldige (The Guilty) confeziona un’opera elegante che affascina e conquista: confinato al pronto intervento telefonico per un’indagine interna, un poliziotto di Copenhagen riceve una chiamata da una donna che sostiene di essere stata rapita: dovrà gestire la situazione rimanendo sempre vicino al telefono. Un thriller tesissimo, in tempo reale, capace di avvincere e di ragionare su realtà e apparenza mettendo in scena un personaggio e un unico ambiente dal primo all'ultimo minuto. Grande prova d'attore del protagonista Jakob Cedergren.

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Secondo giorno di Festival all’insegna dell’orrore. Allo scoccare della mezzanotte La Notte Horror ha fatto capolino a Torino, inoltre trovate tutte le curiosità su gli otto film visti nella giornata di sabato.

di Salvatore Amoroso

Il nostro secondo giorno trasuda cinema da tutti i pori dato che abbiamo visto ben otto pellicole in ventiquattro ore. Per fortuna siamo riusciti a incastrare tutti i film in mezzo al vastissimo e variegato programma di quest’edizione del Torino Film Festival 36, ma andiamo per ordine.

La nostra giornata è partita al Cinema Classico con la proiezione stampa di Pretenders di James Franco, sempre più regista, che si avvale di un cast giovane e talentuoso composto da Jack Kilmer, Shameik Moore e Jane Levy, protagonisti di un’appassionata storia dove il cinema e i film vengono utilizzati come educazione sentimentale. Due amici di college che s'innamorano della stessa ragazza e per quasi un decennio, dalla fine degli anni Settanta, si trovano, si perdono, si cercano e si ritrovano tra New York e l’Europa. Ogni riferimento al cinema del passato è voluto. Tra spezzoni di film e vita quotidiana che imita quello che scorre sullo schermo. Purtroppo Franco non ci ha convinto né coinvolto come l’anno scorso con The Disaster Artist, film banale e confusionario ma ottima prova del giovane trio di protagonisti.

Subito dopo abbiamo preso un volo diretto per Hong Kong per poter vedere First Night Nerves, diretto da Stanley Kwan. Nel teatro City Hall si prepara il debutto di uno spettacolo; c’è grande attesa per il ritorno sulle scene di una stella da tempo lontana dal palcoscenico. Accanto a lei, oltre all’autore/regista trans, una giovane attrice già resa famosa dal cinema. Un rompicapo di rivalità e ricordi, che ragiona sull’identità (sentimentale, umana, artistica) dei personaggi. Lo smagliante ritorno di uno dei maestri del cinema di Hong Kong, Stanley Kwan, che unisce stile fiammeggiante e animo mélo, è stato molto apprezzato in sala. Ironia e buoni sentimenti fanno di First Night Nerves una pellicola da vedere.

La mattinata era passata tranquilla, forse fin troppo. Franco ci aveva deluso, Kwan ci aveva rimesso di buon umore ma non sapevamo a cosa stavamo per andare incontro. Il folle genio di Peter Strickland, con il suo In Fabric, ci ha trascinato in una storia macabra che ci ha rapiti e ci ha fatto tanto ridere. Un grande magazzino di lusso espone un sontuoso abito rosso che commesse sofisticate drappeggiano addosso alle clienti, invogliandole all'acquisto. Chi lo compra e lo indossa ne paga le conseguenze. Sornione come sempre, Strickland (in concorso a TFF32 con The Duke of Burgundy) lavora su colori e atmosfere da giallo all'italiana e sulla struttura dell'horror a portmanteau stile Amicus, mescolando con ironica eleganza sette demoniache e perversioni segrete.

Dopo il bizzarro siamo passati al catastrofico Happy New Year, Colin Burstead diretto da Ben Wheatley. Eu de massacre n 5 da camera per l'autore di Kill List, High-Rise e Free Fire: Colin, il protagonsita, ha affittato una villa di campagna, dove ha invitato la sua vasta famiglia allargata a un party di Capodanno. Ma non tutti i parenti si (e lo) amano. Racchiuso nelle stanze della magione e nelle poche ore che precedono la mezzanotte, un serratissimo scambio di ripicche, insulti, confessioni, ritorsioni, con grande finale accorato. Cast eccezionale dove spicca Charles Dance, che interpreta il pittoresco zio Bertie, Sam Riley nei panni dell’ospite a sorpresa David e Bill Paterson, il vecchio capofamiglia caduto in disgrazia.

Con grande frenesia siamo giunti al Massimo dove abbiamo ammirato il tanto atteso e discusso Mandy di Panos Cosmatos. La serenità di una coppia isolata nei boschi è spezzata da una setta dedita all’occulto: niente sarà più come prima. Dal regista di Beyond the Black Rainbow, un horror lisergico che si sviluppa sinuoso come un disco suonato al contrario. Ma è anche un indiavolato tour de force del protagonista, un Nicolas Cage splatter che sbrocca come non ha mai sbroccato. Sorprendente e sanguinoso: uno dei film dell’anno. Con Andrea Riseborough. Inutile dirvi che ci ha conquistato. Immensa fotografia e colonna sonora firmata dal compianto Jóhann Jóhannsson.

E allo scoccare della mezzanotte finalmente abbiamo intrapreso il lungo cammino della Notte Horror, per concludere una giornata ricca di cinema di ogni genere. Il tema di quest’anno è Maniac. Siamo partiti con Incident in a Ghostland di Pascal Laugier, film che vede una donna e le sue figlie che vengono assalite da due maniaci, durante il trasferimento nella nuova casa della defunta zia. Sedici anni dopo, Beth ritorna in quella casa. Trine e merletti vestono bambole vive e di porcellana: ci si può giocare, si possono svestire e smembrare, mentre nella casa e nel tempo si aprono varchi comunicanti. L’autore di Martyrs non ha paura di osare e costruisce un horror morboso e disturbante che omaggia lo scrittore H. P. Lovercraft.

A seguire Il capolavoro maledetto Peeping Tom – L’occhio che uccide, tanto estremo da stroncare la carriera di Powell: un giovane operatore, tra un set e l’altro, gira il suo film, sul fascino dello sguardo e della morte. Opera seminale, un canto angosciante sull’ossessione del riprendere e del guardare, cult istantaneo in Francia, poi in tutto il mondo. Carl Bohem è il silenzioso, inquietante protagonista, Moira Shearer la comparsa che balla l'ennesima danza di morte, Powell il padre scienziato negli home movies.

E per chiudere alle quattro del mattino abbiamo visto Piercing di Nicolas Pesce. Un padre di famiglia fa check-in in un hotel e chiama una prostituta: ma le sue intenzioni non sono esattamente scontate. Dal regista di The Eyes of My Mother, tratto da un romanzo di Riû Murakami, uno spietato gioco sadomaso dove i ruoli di vittima e carnefice si ribaltano più volte senza soluzione di continuità, stemperato da un’ironia bislacca e imprevedibile. Con Christopher Abbott (Tyrel) e Mia Wasikowska (Solo gli amanti sopravvivono).

Immagini gentilmente concesse Ufficio Stampa TFF
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Il Termopolio: speciale Tff 36°

di Matelda Giachi

“La speranza è il vizio più bello che si possa avere, il seme di ogni rivoluzione. La speranza diventa fiducia, la fiducia diventa fede e con la fede, anche quella in se stessi, si può creare qualunque cosa e scrivere il proprio destino”.
Sono le parole della stessa Pina Turco in conferenza stampa a Roma, per la tredicesima edizione della festa del cinema, dove il film è stato anche premiato.
Pina Turco, diretta dal marito Edoardo De Angelis (Indivisibili, presentato alla 71^ Mostra del Cinema di Venezia), è Maria, una donna che vive alla giornata, senza conoscere sogni né desideri. Difficile sentire questi primordiali moti dell’anima a Castel Volturno, rifugio di peccatori in terra campana. Case abbandonate, pochi controlli, l’orizzonte e il profumo del mare. È la terra degli ultimi, di chi vuole nascondersi o ricominciare.

Ma anche in questo contesto la vita fa il suo corso e Maria che, al servizio di una donna ingioiellata traghetta donne incinte, si trova lei stessa ad aspettare un bambino. È con la gravidanza, il rischio a essa correlata per via di traumi passati e la paura che il figlio le venga portato via appena nato, che la protagonista scopre la speranza; la speranza di una vita diversa.
È la forza che mette in moto il cambiamento e anche tutto il film, spingendo verso quel messaggio universale, mistico, spirituale che il regista voleva dare col suo lavoro.
Talmente forte come intento da trasformare, involontariamente, la pellicola in una parabola in cui fioccano i riferimenti a una religiosità cristiana, a volte fin troppo diretti, a partire dai nomi degli stessi personaggi.

Pina Turco è bellissima, anche sotto i molteplici segni della sofferenza della sua Maria. Una recitazione più fisica che parlata, perché la volontà, le emozioni, si manifestano poi attraverso il corpo.
Un tipico film da festival ma estremamente calibrato: drammatico ma mai eccessivo. In una storia popolata principalmente da donne, cane compreso, la violenza di un contesto difficile non è tanto visiva quanto psicologica.
“Tutto ciò che resta immobile muore. Ciò che si muove, vive. Per chi ha la forza di resistere, il premio è il miracolo del mondo che nasce.” (Edoardo De Angelis)

Immagini tratte da:
 www.mymovies.it
 www.e-duesse.it
www.cinema.icrewplay.com
Foto dell’autore

di Federica Gaspari

A poche settimane dall’uscita di Venom, fortunatissimo al box-office quanto discusso dalla critica, un thriller fantascientifico approda nelle sale italiane con spunti narrativi molto simili a quelli del celebre simbionte di casa Marvel. Leigh Whannell, al suo secondo lungometraggio e con un curriculum da attore e sceneggiatore, porta sul grande schermo una pellicola ibrida che si avventura tra diversi generi, proponendo un equilibrio tra la tradizione del cinema di genere e la contaminazione della tecnologia. Upgrade, dopo aver appassionato il pubblico di grandi festival come Sitges e South by Southwest, si prepara al confronto nelle sale con i titoli più attesi della stagione in un weekend ricco di proposte. L’uscita all’alba del periodo cinematografico più affollato dell’anno forse non aiuterà questo titolo che, però, ha tutte le carte in regola per essere uno dei più interessanti di questa stagione.

Grey Trace (Logan Marshall-Green) è un meccanico che vive insieme all’amata moglie Asha (Melanie Vallejo) in una realtà in cui le più avanzate forme di tecnologia e, in particolare, di intelligenza artificiale si sono integrate alla perfezione con la quotidianità senza risultare troppo appariscenti. Questa larga diffusione pone questioni non indifferenti sul confronto tra umanità e infallibile razionalità. Se queste due caratteristiche si fondessero trovando un punto comune? STEM, un chip progettato da un bioingegnere cliente di Grey, sembra trovare la risposta a questo dubbio: se impiantato nel corpo umano, questo strumento elabora informazioni e azioni come un cervello ausiliario che promette risultato a un’efficienza senza precedenti. Le implicazioni di questa invenzione, però, non tardano a rivelarsi…

L’intelligenza artificiale e i suoi risvolti etici sono da sempre tra i temi che più affascinano l’immaginario cinematografico fantascientifico. Negli ultimi decenni le pellicole che hanno voluto approfondire questo aspetto sono state numerose ma ben poche hanno saputo lasciare il segno nella memoria dei cinefili. Tra queste, senza dubbio, vi è Videodrome di Cronenberg, uno dei principali esponenti della corrente del body horror anni Ottanta che tanto ha influenzato nei temi e nell’estetica Upgrade. L’ibrido uomo-macchina e l’ossessione del sopravvento della tecnologia senza empatia è il nodo cruciale di questo film che si rivela come una delle migliori sorprese di quest’annata. Se è innegabile il legame con la tradizione, l’influenza di storie e pellicole più recenti è altrettanto evidente. Titoli come Tau e Venom, seppur molto distanti fra loro, si avvicinano molto all’animo del lungometraggio di Whannell che, tuttavia, si distingue per la sua grande capacità di coniugare – senza rivelare troppi dettagli sulla trama - una messa in scena affascinante ed estremamente curata con una narrazione lineare e coerente ricca di colpi di scena e spunti di riflessioni. Il mix tra fantascienza e thriller con un pizzico di humor cupo si dimostra vincente anche grazie a un cast composto principalmente da interpreti poco noti ma perfettamente in parte. Un ottimo protagonista, disilluso e sarcastico, regge splendidamente l’intera narrazione appassionando lo spettatore con un ruolo equilibrato.
 
Upgrade è la scelta giusta per una serata al cinema inaspettata, in cui un film senza troppe aspettative riesce a stupire e a incantare molto più di altri rinomati titoli.

Immagini tratte da:
www.film.it
www.cinecinephile.com
 

Via al Torino Film Festival, 36ª edizione con "The Front Runner" alla presenza del regista Jason Reitman.

di Salvatore Amoroso

Il Termopolio è sbarcato per il secondo anno consecutivo al 36° Torino Film Festival. La serata inaugurale tenutasi presso il Multisala Cinema Massimo è iniziata alle 19:30 con la proiezione a inviti del film d’apertura "The Front Runner", svoltasi alla presenza del regista del film Jason Reitman e introdotta da Lucia Mascino, madrina di questa edizione del Torino Film Festival, da Emanuela Martini, direttore artistico del Festival, e da Sergio Toffetti, presidente del Museo del Cinema.

​“The Front Runner”, con Hugh Jackman e Vera Farmiga, racconta la vicenda che nel 1988 vide protagonista il senatore americano Gary Hart. Candidato democratico alla presidenza nella primavera del 1987, emerse come favorito quasi incontrastato. Il suo intelligente e carismatico idealismo e la capacità di galvanizzare le folle sembravano farne il candidato ideale per la Casa Bianca, destinato a realizzare un nuovo capitolo della storia americana. Ad aprile, Hart aveva un ampio vantaggio nei sondaggi. Tre settimane più tardi, a seguito di uno scandalo che lo fece cadere in disgrazia, si ritrovò definitivamente estromesso dalla corsa per le presidenziali. The Front Runner esplora il momento dell’improvvisa caduta di Hart intendendolo come spartiacque per la storia del paese.

​Nel pomeriggio abbiamo visto inoltre il primo film in concorso, ovvero WILDLIFE di Paul Dano, che esordisce come regista e sceneggiatore, ispirandosi al romanzo Incendi di Richard Ford. Nel Montana degli anni Sessanta, un adolescente è il testimone dello sgretolamento del matrimonio dei suoi genitori (Jake Gyllenhaal e Carey Mulligan). Il padre perde il lavoro e decide di unirsi ai volontari che cercano di domare un incendio che devasta le montagne. L’aria poco serena del Midwest è messa in scena con mano sicura. Mettendo a fuoco le dinamiche familiari, gli slittamenti degli affetti e soprattutto gli “incendi” emotivi. 

La serata è continuata alle 22.00 con un cocktail a inviti che si è tenuto all’interno della Mole Antonelliana. Alla serata inaugurale hanno preso parte alcuni artisti della giuria internazionale Torino 36: Jia ZhangKe, Marta Donzelli, Miguel Gomes, Col Needham e il regista del film di apertura, Jason Reitman, insieme a molte altre personalità del mondo dello spettacolo e della cultura.

Immagini gentilmente fornite dall'Ufficio stampa Torino Film Festival