Venerdì 17 gennaio alle ore 21.00 sul palco del Cinema Teatro Nuovo si leverà una voce di denuncia che dal 1599 giunge, più che mai attuale, fino a noi oggi. Beatrice Cenci: condannata a morte, assieme alla matrigna e al fratello per un atto estremo di ribellione contro la violenza del padre. Un padre malvagio e perverso, che maltrattò e violentò la giovanissima Beatrice e la matrigna. La disperazione delle due donne le condurrà all'omicidio, nella speranza di una libertà tanto sospirata. Il delitto verrà poi scoperto e porterà, l'11 settembre del 1599 alla loro esecuzione. È l'inizio del mito; furono poi in molti a scrivere e a parlare di questa storia. Noi la rivivremo attraverso il monologo appassionante di Carlo Simoni, tra i più importanti attori del teatro italiano e co-autore del testo insieme a Roberto Rinaldi. L'evento vedrà la collaborazione con l'associazione Casa della donna di Pisa, spazio di incontro e centro antiviolenza che da ben trent'anni si impegna, lotta e riflette sul tema della violenza alle donne, offrendo supporto, rifugio e ascolto a tutte le donne.

​In occasione della presenza a Pisa di Carlo Simoni, l'accademia teatrale Città di Pisa organizza un incontro di formazione aperto a tutti. Venerdì 17 dalle 14.00 alle 17.00 sabato 18 gennaio, dalle 14.00 alle 18.00 il maestro Carlo Simoni conduce un seminario di alta formazione su “Il Gabbiano” di Anton Cechov, uno dei testi teatrali più noti e rappresentati del celebre drammaturgo russo. In questo laboratorio Simoni, che si distingue anche per la sua arte pittorica, lavorerà con gli allievi attraverso uno studio e analisi dei personaggi e una delle tematiche cruciali del testo: il senso dell'arte e la devozione per l' arte. 
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Per informazioni e prenotazione: teatronuovopisa@gmail.com tel. 3923233535

​“Mi sono sempre sentito non all’altezza ad interpretare quel sublime crogiolo di umanità che è il personaggio di Lear. In questa mia difficile impresa mi accompagna la convinzione che per tentare di interpretare Lear non servono tanto le eventuali doti tecniche maturate nel tempo quanto la grande ricchezza umana che gli anni mi hanno regalato nel loro, a volte faticoso, cammino.” (Glauco Mauri)
Per la terza volta nel corso della sua vita di palcoscenico, l’ultimo tra i pilastri del grande teatro italiano, Glauco Mauri, veste i panni dello shakespeariano Re Lear, “l’uomo che è diventato vecchio prima che saggio”.

​Una tragedia di potere e follia. Potere che avvelena la mente di ogni personaggio. Ad uno ad uno riescono a raggiungerlo, per poi cadere vittima delle proprie ossessioni perché troppo piccoli per reggerlo. Quando il sipario si chiude, non vi sono né vincitori né vinti, solo pochi sopravvissuti che devono rialzare un regno dalle sue ceneri. La follia è quella vera di Lear dopo aver scoperto l’errore nel valutare le figlie; quella simulata di Edgar per sopravvivere alla congiura del fratellastro; quella lucida di un uomo che fa il matto per mestiere ma ci vede meglio di tutti.

​E mentre il suo personaggio viene invitato a farsi da parte nella vita perché affetto dal male della vecchiaia, Glauco Mauri, anni 89 all’anagrafe, regala un’interpretazione di tale spessore che il suo pubblico si alza in piedi per applaudirlo e smentisce il suo timore di non dimostrarsi all’altezza. Il Maestro, perché non è possibile definirlo altrimenti, mette in Lear tutta l’umanità che è stata lo studio di una vita e tutto se stesso.
Andrea Baracco alla regia può contare non solo su Mauri ma anche sul suo compagno di palco di sempre, il grande Roberto Sturno, che veste i panni del duca di Lancester, in una storia parallela a quella di Lear, e su un’intera compagnia di attori altrettanto capaci di non sfigurare accanto a due leggende. La molteplicità dei luoghi del Re Lear è riassunta in un’unica scenografia che li racchiuda tutti. Uno spazio simbolico, metallico, senza collocazione architettonica o temporale ma che ben rappresenti il clima di violenza dell’opera.
Lo spettacolo sarà in scena al teatro della Pergola di Firenze fino a domenica 19, per poi spostarsi a Roma. Merita il tutto esaurito.

Da venerdì 17 a domenica 19 gennaio a Firenze, presso il Tuscany Hall, si svolgerà Birraio dell’Anno, festival che da 11 anni riconosce il miglior produttore di birra artigianale italiana. La novità di quest’anno sarà il corner Best Pub! dedicato ai migliori pub.
 
Per maggiori info: www.birraiodellanno.it

I Negrita tornano ad esibirsi dal vivo con il nuovo tour ‘La Teatrale+Reset Celebration’. Il 17, 18, 19 gennaio la rock band sara al Teatro Petrarca di Arezzo.
 
Per maggiori info: www.negrita.com

Il 18 e 19 gennaio, presso l’Hotel Galilei di Pisa, si terrà la 22 edizione della “Mostra Mercato del Disco”. Sara una due giorni con oltre 100 metri d vinili e cd, da tutta Italia e dall'estero: per collezionisti, per appassionati, per curiosi.
 
Per maggiori info: pagina Facebook 

Venerdì 17 e sabato 18 gennaio, presso il Teatro Puccini di Firenze, andrà in scena “Supermarket – A modern musical tragedy”, uno spettacolo fuori dal comune, pieno di canzoni originali, di situazioni surreali, di risate e di poesia.
Per maggiori info: www.teatropuccini.it​

Domenica 19 gennaio, all’interno del Parco delle Cascine di Firenze, si terrà l’evento organizzato da WalkZone. Una camminata sportiva di gruppo arricchita da esercizi di Fitness Dinamico, tutto sotto la guida esperta di un team qualificato.
 
Per maggiori info: www.walkzone.eu

Nella ‘Cattedrale dell’immagine’ di Santo Stefano al Ponte di Firenze, è in corso la mostra “Inside Magritte”, un percorso espositivo multimediale fatto di 160 immagini dedicato al grande maestro surrealista René Magritte.
 
Per maggiori info: www.insidemagritte.com

Immagini tratte da: - https://www.facebook.com/birraiodellanno/photos/gm.543470166503953/1035618573456371/?type=3&theater 
- https://www.facebook.com/negritaband/photos/a.423326871510/10156102968036511/?type=1&theater
- https://www.facebook.com/www.hotelgalileipisa.it/photos/gm.763056980863166/2537473762967925/?type=3&theater  
- https://www.teatropuccini.it/event/supermarket/
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​Lucca, martedì 7 gennaio 2020 – Il film cult di Peter Weir L'attimo fuggente, che ha segnato una generazione e che ancora oggi è capace di emozionarci toccando temi fondamentali per la nostra esistenza quali l'autodeterminazione e l'importanza di cogliere le occasioni della vita, usci nel 1989 nelle sale cinematografiche americane e poi italiane. Trent’anni dopo il debutto cinematografico, approda per la prima volta a teatro in Italia con Ettore Bassi nel ruolo del professor Keating - che fu di Robin Williams - e la regia di Marco Iacomelli. L’adattamento del teatro è stato scritto dallo stesso Tom Schulman, Premio Oscar per la sceneggiatura originale del film. L'attimo fuggente sarà in scena al Teatro del Giglio dal 10 al 12 gennaio come terzo, attesissimo titolo della Stagione di Prosa 2019-2020 (frutto del legame artistico ed economico del Giglio con Fondazione Toscana Spettacolo onlus).  
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​Nel cast, insieme a Ettore Bassi, Mimmo Chianese (Paul Nolan), Marco Massari (Sig. Perry), Matteo Vignati (Neil Perry), Alessio Ruzzante (Todd Anderson), Matteo Napoletano (Charlie Dalton), Matto Sangalli (Knox Overstreet), Leonardo Larini (Richard Cameron), Edoardo Tagliaferri (Steven Meeks) e Sara Giacci (Chris), per dar vita e voce sul palcoscenico all'appassionante storia dell'insegnante di letteratura John Keating, che nel 1959 viene trasferito al collegio maschile “Welton”. John è un professore molto diverso dai soliti insegnanti: vuole che i ragazzi acquisiscano i veri valori della vita, insegnando loro a vivere momento per momento, perché ogni secondo che passa è un secondo che non tornerà mai più. Cogliere l’attimo è ciò che veramente conta, e vivere senza rimpianti. L’entusiasmo di Keating conquista lo studente Neil Perry componente della setta segreta “I poeti estinti” di cui fa parte anche Charlie Dalton. Quest’ultimo inserisce nel giornale scolastico la richiesta di ammettere anche le ragazze nel collegio maschile, destando l’ira del preside Nolan e venendo punito. Nel frattempo Perry, seguendo la filosofia del professore, si dedica al teatro, la sua vera passione. Il padre di Neil non accetta che il figlio si dedichi a un’attività che possa distrarlo dagli studi ed esige che il ragazzo lasci immediatamente la compagnia. Neil disobbedisce debuttando sul palco e strappando grandi applausi grazie al suo talento. Il padre, furioso, riporta il figlio a casa avvertendolo che lo avrebbe iscritto a un’accademia militare e che avrebbe studiato per diventare medico. Neil, disperato, prende la pistola del genitore e si suicida. La tragedia induce il preside Nolan a espellere il professor Keating per aver spinto il ragazzo a inseguire i suoi sogni, contrari a quelli del padre. L’intera classe di Keating dà l’addio al professore, salutandolo in piedi sui banchi con “O capitano! Mio capitano!”
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​L'attimo fuggente - scrive Marco Iacomelli nelle sue note di regia - è una storia d'amore. Amore per la poesia, per il libero pensiero, per la vita. Quell'amore che ci fa aiutare il prossimo a eccellere, non secondo i dettami sociali strutturati e imposti ma seguendo le proprie passioni, pulsioni, slanci magnifici e talvolta irrazionali. Seguendo quegli Yawp che spingono un uomo a lottare per conquistare la donna amata, a compiere imprese per raggiungere i tetti del mondo, a combattere per la giustizia con la non violenza. Tom Schulman ha scritto una straordinaria storia di legami, di relazioni e di incontri che cambiano gli uomini nel profondo. L'attimo fuggente rappresenta ancora oggi, a trent'anni dal debutto cinematografico, un'esperienza miliare di migliaia di persone in tutto il mondo. Portare sulla scena la storia dei giovani studenti della Welton Academy e del loro incontro col professor Keating significa dare nuova vita a questi legami, rinnovando quell'esperienza in chi ha forte la memoria della pellicola cinematografica e facendola scoprire a quelle nuove generazioni che, forse, non hanno ancora visto questa storia raccontata sul grande schermo e ancora non sanno che "il potente spettacolo continua, e che tu puoi contribuire con un tuo verso".

INCONTRO CON IL PUBBLICO: la Compagnia incontrerà il pubblico sabato 11 (alle ore 18.00 – ingresso libero e gratuito, fino a esaurimento posti) nell'Auditorium della Fondazione Banca del Monte di Lucca (piazza San Martino). Il progetto, giunto al suo quarto anno consecutivo, è frutto della collaborazione tra Teatro del Giglio, Fondazione Banca del Monte di Lucca, Fondazione Lucca Sviluppo e Fondazione Toscana Spettacolo onlus. In calendario, incontri e confronti tra gli attori e il pubblico su tematiche inerenti allo spettacolo e alla professione dell'attore nelle sue molteplici sfaccettature: emozione, conflitto, linguaggio, tecniche attoriali.
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LABORATORIO PER BAMBINI DAI 5 AI 10 ANNI: il secondo laboratorio del progetto “Benvenuti a teatro” – nato dall’intesa tra Comune di Lucca e Teatro del Giglio – si terrà domenica 12 gennaio in contemporanea con lo spettacolo domenicale. Per iscriversi i propri bambini, è necessario recarsi alla biglietteria del teatro in orario di apertura al pubblico. La partecipazione al laboratorio è gratuita per i figli degli abbonati alla Stagione di Prosa 2019-2020, mentre chi è in possesso di biglietto per lo spettacolo potrà iscrivere il proprio figlio pagando 5,00 euro.

I pochissimi biglietti ancora disponibili per lo spettacolo sono in vendita al botteghino del Teatro del Giglio e online su TicketOne. Per informazioni, prenotazioni e acquisti, rivolgersi alla Biglietteria del Teatro del Giglio (tel. 0583.465320 – email biglietteria@teatrodelgiglio.it) aperta al pubblico dal mercoledì al sabato con orario 10.30-13 e 15-18 e un’ora prima di ogni spettacolo.

​Prima nazionale 10 gennaio 2020
Firenze - Teatro della Pergola (fino al 19 gennaio)
al Teatro Eliseo di Roma dal 21 gennaio al 2 febbraio 2020

Glauco Mauri Roberto Sturno

RE LEAR

di William Shakespeare

traduzione Letizia Russo
riduzione e adattamento
Andrea Baracco e Glauco Mauri

con
Glauco Mauri - Re Lear
Linda Gennari - Goneril
Aurora Peres - Regan
Emilia Scarpati Fanetti - Cordelia
Roberto Sturno - Conte di Gloucester
Francesco Sferrazza Papa - Edgar
Aleph Viola - Edmund
Dario Cantarelli - Matto
Enzo Curcurù - Conte di Kent
Laurence Mazzoni - Oswald
Paolo Lorimer - Duca di Albany
Francesco Martucci - Duca di Cornovaglia

regia
Andrea Baracco

scene e costumi Marta Crisolini Malatesta
musiche Giacomo Vezzani, Riccardo Vanja
luci Umile Vainieri

produzione
Compagnia Mauri Sturno – Fondazione Teatro della Toscana

​Un stretto rapporto di collaborazione di storica data che ha assunto le forme di un’intesa progettuale di elevata qualità artistica.
La coproduzione della Compagnia Mauri Sturno e Fondazione Teatro della Toscana per il Re Lear diretto da Andrea Baracco è solo l’ultimo risultato di un comune percorso culturale, drammaturgico e realizzativo triennale.
In questo tempo, tale importante sinergia di ispirazione e di intenti, fondata sul patrimonio teatrale rappresentato da Glauco Mauri, Roberto Sturno e dalla loro Compagnia, ha portato anche alla formazione e al perfezionamento sul mestiere dell’attore dei diplomati della Scuola “Orazio Costa” della Fondazione, secondo la modalità di lavoro e scambio Giovani/Maestri.

Glauco Mauri affronta per la terza volta Re Lear, la più titanica delle tragedie di Shakespeare, il primo allestimento nel 1984 e il secondo nel 1999, sue le due regie per un totale di 500 repliche.
Oggi diretto da Andrea Baracco debutta in prima nazionale al Teatro della Pergola di Firenze il prossimo 10 gennaio, con repliche fino al 19 e poi dal 21 gennaio al 2 febbraio in scena al Teatro Eliseo di Roma.

Roberto Sturno è il conte di Gloucester, al suo fianco anche nelle due passate edizioni nel ruolo del Matto.

In scena accanto a Mauri e Sturno, Dario Cantarelli, Enzo Curcurù, Linda Gennari, Paolo Lorimer, Francesco Martucci, Laurence Mazzoni, Aurora Peres, Emilia Scarpati Fanetti, Francesco Sferrazza Papa, Aleph Viola. Lo spettacolo si avvale delle scene e costumi di Marta Crisolini Malatesta, delle musiche di Giacomo Vezzani e Riccardo Vanja, delle luci di Umile Vainieri.

La produzione è della Compagnia Mauri Sturno e della Fondazione Teatro della Toscana.

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Non ho mai smesso di credere che bisogna sempre mettersi in discussione, accettare il rischio pur di far sbocciare idee nuove per meglio comprendere quel meraviglioso mondo della poesia che è il teatro. 
Ed eccomi qui per la terza volta, alla mia veneranda età, impersonare Lear. Perché? 
Mi sono sempre sentito non all’altezza ad interpretare quel sublime crogiolo di umanità che è il personaggio di Lear. In questa mia difficile impresa mi accompagna la convinzione che per tentare di interpretare Lear non servono tanto le eventuali doti tecniche maturate nel tempo quanto la grande ricchezza umana che gli anni mi hanno regalato nel loro, a volte faticoso, cammino.
Spero solo che quel luogo magico che è il palcoscenico possa venire in soccorso ai nostri limiti. Cosa c’è di più poeticamente coerente di un palcoscenico per raccontare la vita? E nel Re Lear è la vita stessa che per raccontarsi ha bisogno di farsi teatro. (Glauco Mauri)
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Quello che mi ha sempre colpito di questa tragedia, che è una delle più nere e per certi versi enigmatiche tra quelle dell'autore inglese, è che sotto quel nero sembra splendere qualcosa di incredibilmente luminoso e proprio questa luce sepolta dall'ombra la rende così affascinante. 
Padri indegni e figli inetti, padri indegni che hanno generato figli inetti, le madri assenti, estromesse dal dramma, parafrasando Amleto, qui la fragilità è tutta e solo maschile. Nessuno dei personaggi è in grado di regnare, di assumersi l'onere del potere, nessuno sembra avere la statura adatta, nessuna testa ha la dimensione giusta per la corona, chi per eccesso, vedi Lear, chi per difetto vedi tutti gli altri. Solo giganti o nani in questo universo dipinto da Shakespeare.
I tormenti di Lear, di Gloucester, i turbamenti di Edgar, i desideri di Edmund, i tremori e i terrori delle tre figlie del Re, Cordelia, Goneril e Regan, attraggono da sempre perché la complessità e in alcuni casi la violenza che produce il conflitto generazionale è per forza di cose universale. (Andrea Baracco)

Una grande serata, per dare il benvenuto al 2020 in allegria e spensieratezza. Quest’anno per la prima volta 50 Canale festeggia il Capodanno in tv con una maratona televisiva che, dalle ore 22 del 31 dicembre, accompagnerà i telespettatori allo scoccare della mezzanotte. A condurre lo show di festeggiamenti per l’arrivo del nuovo anno sarà Marco Gherardini con le incursioni di Gabriele Altemura e accompagnato dalla scintillante Miss Rebecca, da Guidino Genovesi, che proverà a raccontare “in breve” gli episodi più curiosi del 2019 e dal grandissimo David Pratelli, che ci regalerà una carrellata di imitazioni. Protagonista lo staff delle tre redazioni di Pisa, Versilia ed Empoli: nel corso della serata interverranno tutti i principali volti della tv, dal giornalismo allo sport, dallo spettacolo all’intrattenimento. Non mancheranno musica e balletti.
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TORNA L'ICONICA BAND BELLUNESE, DOPO CINQUE ANNI DI ASSENZA
CON UN NUOVO SINGOLO, FUORI DAL 13 DICEMBRE PER DISCHI SOTTERRANEI
PRIMO CAPITOLO DI SUPERSPLEEN VOL. 1, IL NUOVO ALBUM DI PROSSIMA USCITA

“LA CROAZIA”
Il nuovo singolo

BAND: NON VOGLIO CHE CLARA - TITOLO: LA CROAZIA
DATA DI USCITA: 13 DICEMBRE 2019
ETICHETTA: DISCHI SOTTERRANEI

La Croazia è il primo singolo ad anticipare l'uscita di Superspleen Vol. 1, il nuovo disco dei Non Voglio che Clara. La Croazia riguarda il passaggio fra l'adolescenza e l'età adulta e tutte le possibilità che la vita ci sembra offrire. In un presente che è contemporaneamente passato e futuro, immobile e fugace, stringiamo il nostro patto con l'eternità sorseggiando un gin tonic, con i piedi immersi nell'acqua della cala di Podrace.

LA CROAZIA
(F.DeMin /M.Cuman /M.Batelli)
Basso elettrico, Oberheim Sem VST e programmazione di Martino Cuman
Chitarra elettrica e chitarra acustica di Marcello Batelli
Percussioni di Igor de Paoli
Juno 106, Mopho X4, Moog Sub 37 e DRM1 di Edoardo Piccolo
Voce e Jx3p di Fabio de Min | Bongos di Moreno dal Farra
Cori di Marcello Batelli e Martino Cuman
Registrata da Martino Cuman tra Villa Sesso Schiavo e Le Pareti Sconnesse e da Fabio de Min all’Audiogruppo.
Mixing di Fabio Trentini al FabLabs Studio.

BIOGRAFIA:
Non voglio che Clara inizia a farsi notare nel 2004 grazie a Caffe Cortina, un demo che finisce col raccogliere i primi consensi portando la band nel giro di pochi mesi ad incidere Hotel Tivoli, esordio discografico targato Aiuola Dischi /Universal Music Italia. Salutato da molta stampa di settore come miglior disco italiano dell'anno, Hotel Tivoli è, nelle parole di Alberto Campo, "uno scorcio di vita appartato eppure aperto al mondo, al tempo stesso provinciale e cosmopolita". 
Nel 2006 esce il secondo disco omonimo, mentre con il terzo disco Dei Cani del 2010 la formazione si stabilizza in quella attuale, composta da Fabio de Min (voce, pianoforte, chitarre e principale autore del gruppo) Marcello Batelli (chitarre e sintetizzatori), Martino Cuman (basso e sintetizzatori) e Igor de Paoli (batteria e sintetizzatori). Superspleen Vol.1 segue L'amore fin che dura uscito nel 2014 per Picicca /Sony.
Per Superspleen Vol.1 il gruppo ha messo insieme una decina di brani fra quelli composti e registrati in studio tra il 2017 e il 2019. Destinato a completarsi in un secondo e successivo volume, Superspleen è una raccolta di brani pensati e realizzati da una band che a maturità raggiunta scruta nuovi orizzonti stilistici pur rimanendo fedele alle proprie origini. Ne risulta il disco più corale e accessibile realizzato fino ad oggi dai Non voglio che Clara.

UFFICIO STAMPA CONZA
morgana.grancia@gmail.com
MGMT – DISCHI SOTTERRANEI
sotterranei.mgmt@gmail.com

​NandO è il nuovo progetto live di Percorsi Musicali, una rassegna dedicata alla musica originale nata dal desiderio di aprirsi al resto del mondo e connettere musicisti "all over the world”.
L’area live di Percorsi Musicali aprirà le sue porte per ospitare artisti di provenienza principalmente europea, ma non solo: in primo piano l’originalità, la creatività e il mondo indie, quello vero lontano dal mainstream, quello che a tutt’oggi continua a vivere di sperimentazione. La rassegna si svolgerà da ottobre ad aprile con appuntamenti per due mercoledì al mese.
“Nando” è il nome comune di una persona, una persona qualunque, un nome semplice, che come ogni persona ha in sé una grande ricchezza, un potenziale da esprimere. La musica ha bisogno di persone che apportino ricchezza, che si muovano all’interno di una rete: così inizia la vita di NandO che - noterete - è anche l' acronimo di  "New and Original” live music.
NandO parte da Livorno da un’idea di Michele Faliani nelle vesti di tour manager, nonché fotografo professionista da anni impegnato sulla scena degli eventi live. Michele è la mente che muove le band che suoneranno in questa rassegna ma soprattutto colui che insieme alle agenzie di booking Rocketta, Hang The Dj e Vertigo Music Booking ha permesso la costruzione di un calendario così strepitoso insieme a tutta la professionalità di Percorsi Musicali.
 
Dopo i primi appuntamenti che hanno visto i belgi di Fabiola e i greci Opera Chaotique calcare il palco di via delle Sorgenti, la rassegna prosegue nei mesi di novembre e dicembre con:

•  Amanda e gli uomini elettrici (Italia), mercoledì 27 novembre
•  Town of Saints (Olanda/Finlandia), mercoledì 11 dicembre
•  Michael Lane (Germania/USA), mercoledì 18 dicembre

I concerti avranno tutti inizio dei concerti alle 22:00, accompagnati, al banco, dalle ottime birre artigianali del Piccolo Birrificio Clandestino, la cui degustazione è compresa nel prezzo del biglietto di 8€.

Amanda e gli uomini elettrici _ Amanda alias Eva Ciurli, cantautrice e compositrice trasformista di burrascosi stati d'animo in parole profonde e taglienti. L'idea di fondo è la sua, un'idea figlia delle note imparate sulla chitarra del padre, maturata dalle difficoltà e dalle storie difficili vissute durante il suo percorso artistico. Amanda è la figura di riferimento bilaterale che personifica anche la potenza della donna. Bilaterale poiché il nome nasce dall'unione di due personaggi di caratura mediatica differentemente molto pesanti. Amanda è la fusione tra Amanda Lear, icona gay e trash degli anni 80, riferimento sonoro che farà da legante con gli "Uomini Elettrici" e Amanda Knox, figura enigmatica e tormentata protagonista del panorama televisivo italiano odierno.
Sul palco: Eva Ciurli voce, Davide Crescenzi chitarra, Davide Salvadori seconda chitarra, Daniele Del Viva basso, Mattia Salvadori batteria

Town of Saints _ Il duo indiefolk Town of Saints, composto dall'olandese Harmen Ridderbos e dalla finlandese Heta Salkolahti, si è incontrato tra le montagne austriache nel 2010 e ha cominciato subito ad esibirsi per strada per poi allestire un quintetto con cui ha girato per molto tempo l'Europa.
Il loro terzo e ultimo album, "Celebrate", è una raccolta di canzoni ispirate e mature, con cui Harmen e Heta tornano alle radici come duo folk. Anche se molte delle nuove canzoni parlano della fine dell'umanità, vengono suonate con ritrovato vigore, necessario umorismo e fresca energia. Aspettatevi di sentirvi più leggeri dopo il concerto: non solo perché avrete sudato tutto quello che c’era da sudare, ma anche perché scoprirete che non è tutto così brutto come può sembrare. Neanche la fine del mondo.
On stage: Harmen Ridderbos chitarra, Heta Salkolahti violino

Il controsenso si palesa prima di aspettarcelo. Il sottitolo. "Atrabilaire amoureux". Innamorato indolente. Collerico, iracondo. Ma innamorato. Bruciato da un'attrazione incancellabile per una donna lontana anni luce per carattere e direzione nel mondo, ma avvinta dal medesimo bisogno. Di avere un tempo, seppur costantemente interrotto, di stare da sola in compagnia di quell'uomo così diverso dagli altri. Così singolare all'interno del suo tempo Alceste (interpretato da Giulio Scarpati). Scontroso, irascibile ma amato e onorato da tutti. Non solo da Celimene (Valeria Solarino), la giovane vedova di cui è invaghito senza darsi spiegazione. Celimene adora la vita mondana, trascorre le sue giornate lasciandosi corteggiare da tutti i nobiluomini che la rincorrono, vive di provocazioni, pettegolezzi, ponendosi al centro della scena. Tutto quello che Alceste detesta. Che il Misantropo non sopporta e anzi attacca aspramente, ma senza abbandonare quel mondo con il quale sente di non poter condividere alcunché. Al giorno d'oggi, ma anche configurando questa commedia all'interno dell'epoca storica in cui Moliere la compose e rappresentò, Alceste può essere ritenuto a tutti gli effetti un eversivo, seppur del pensiero, un rivoluzionario obiettore di alcuni canoni di comportamento che gli uomini hanno eretto da soli nel corso dei secoli e cementificato sino ai nostri giorni, con il risultato di trasmettere ai loro figli uno status mentale sull'orlo della cronicizzazione. 

Dall'esperienza della regia di fictions televisive, Nora Venturini recupera un classico della drammaturgia risalente a quasi cinque secoli orsono ma scrupolosamente adatto alla malleabilità, a fornire allo scrittore ancor prima che allo spettatore gli spunti per ampliare una panoramica su una "fastidiosa" dialettica insita all'interno del pensiero oltre che del consesso umano. La schiettezza completa, senza fronzoli, la tendenza a esprimere la propria opinione su fatti, cose, persone mettendo in preventivo il rischio di suscitare critiche, delusioni e conseguenze ancor più gravi, deve essere vista come un atteggiamento degno di lode e esemplare oppure merita di essere osteggiato, per poi venire condannato e estirpato allorquando risulti eccessivamente pericoloso? Un dubbio che attanaglia gli abitanti del Terzo Millennio come faceva con quelli dei precedenti. Moliere aveva plasmato l'icona di Alceste in preda alla depressione e allo sconforto per essere stato lasciato dalla moglie, riversando nella forma mentis del personaggio la sua tossicità interiore. Nel corso dei cinque atti che compongono la commedia, la figura di Alceste viene delineata progressivamente attraverso il confronto diretto con personalità volutamente differenti l'una dall'altra perché preposti a delineare per gli spettatori caratteristici tipi umani. Filinto, amico di Alceste, rappresenta il contraltare perfetto del Misantropo all'interno del mondo maschile, come è possibile osservare chiaramente nel prologo iniziale della commedia. Filinto è un uomo retto e accorto, che conosce e attua i compromessi necessari per non turbare gli equilibri presenti alla base della società del tempo, e interviene a fermare (o almeno a tentare di farlo) Alceste nei momenti in cui questi "molla gli ormeggi" e sciorina a pieni polmoni la sua denuncia. Filinto è innamorato in modo appassionato di Elianta, cugina di Celimene e corrispettivo diametralmente opposto all'interno della sfera femminile. Elianta infatti si presenta come una fanciulla onesta e gentile, razionale e posata, senza ombra di dubbio la più vicina nella sua visione del mondo ad Alceste, del quale apprezza la franchezza e il coraggio di esternare le sue idee eversive. E sarebbe pronta ad accoglierne l'amore.

Nell'universo di stereotipi che popolano la società francese seicentesca emergono anche i marchesi Acasto e Clitandro, i personaggi più comici dell'intero play. Facoltosi di famiglia e per questo dediti a trascorrere le loro giornate tra gare di caccia, conquista di nuove donne e pettegolezzi, in un significativo confronto all'interno del III atto, si raccontano al pubblico non potendo fare a meno di omettere il loro punto debole, ossia la volontà irrefrenabile di prendere in moglie la bella Celimena. La vedova si identifica come il polo di attrazione centrale dell'intera vicenda, dal momento che nutre nei suoi confronti interesse Oronte, nobile molto apprezzato a corte, che diventa protagonista di un alterco con Alceste che risulterà fondamentale ai fini dell'andamento della trama stessa. Oronte velleitario poeta, disgraziato pseudo - poeta che propone ad Alceste un sonetto inguardabile, sonetto che si trasforma in una bomba decisiva per la vita del Misantropo. 

In ambiti e battute di scena, ma con un sottofondo pop dei giorni nostri, il Misantropo di Nora Venturini arriva agli occhi e scivola nel cuore degli spettatori con naturalezza. Fa divertire per la pomposità e magniloquenza della società che illustra, per la mimicità e la scelta degli accenti parlati soprattutto da personaggi secondari come i due marchesi e Arsinoè, altra donna chiave all'interno della narrazione. Arsinoè, l'acerrima nemica di Celimene o meglio la più falsa delle sue amiche, rosa dall'invidia per l'esercito di spasimanti alla corte della vedova e decisa a mandare in rovina il suo parco divertimenti, per accaparrarsi Alceste. Ma il Misantropo ha sguardo e mente solamente per Celimene, e nonostante la scoperta di una lettera in cui alla pari degli altri spasimanti vede elencati dalla giovane i suoi difetti, non smetterà sino alla fine di proferire il suo sentimento, arrivando a proporre all'amata di ritirarsi a vita privata, lontano per sempre dagli spifferi e veleni di una realtà del tutto infetta. Il lieto fine palesato si realizza ma per altri, capaci di sopravvivere in un mondo così simile a quello attuale grazie al loro autocontrollo.

​​Immagini tratte da www.teatroera.it