Quando Bizet mise in scena la Carmen a Parigi nel 1875 ottenne più fischi che applausi e poco dopo morì non riuscendo a osservare in prima persona il crescente successo della sua opera.  Solo cinque anni la rappresentazione già raggiunse la popolarità straordinaria di cui gode ancora oggi a quasi centocinquanta anni dal suo esordio. Gli adattamenti arrivarono ben presto tra teatro e cinema come quello realizzato dal grande Peter Brook, il regista britannico, che propose la doppia rivisitazione dal titolo La Tragédie de Carmen. Nel nuovo allestimento del Teatro Goldoni di Livorno in coproduzione Teatro Goldoni di Livorno, Teatro di Pisa, Teatro Sociale di Rovigo e Teatro dell’Opera Giocosa Savona, l'opera è andata in scena al Teatro Verdi di Pisa sabato 13 novembre e domenica 14 novembre. Una versione dell'originale di Bizet scarna ed essenziale che ha messo da parte il rilievo dell'ecosistema folkloristico alla base della tragica storia della bella zingara Carmen e ha innalzato la tensione delle emozioni in scena.
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Il dialogo, gli sguardi, le pulsioni. La Tragédie de Carmen disorienta e attrae sin dall'attesa iniziale che sul palco mostra una montagna di sabbia e nessuna presenza umana. Sono proprio i silenzi terribili l'elemento perturbante della narrazione insieme alle cause che si producono dietro le quinte per poi sbatterne gli effetti davanti agli spettatori. Muta, la morte assume per prima il centro dell'attenzione senza bisogno di svelare le generalità della donna che ne fa da strumento. Intorno a lei la legge che tenta di fare le cose per bene, ma in un cerchio concentrico l'infrazione e l'impulso ballano nelle stoffe della bellissima gitana Carmen. Una figura demoniaca per la sua sfacciataggine e tendenza alla lussuria alla quale gli ufficiali non sanno resistere come Don Josè, fuggito dai Paesi Baschi per aver commesso un assassinio. Lui è il contraltare quasi gemello di Carmen, l'amante e l'amato sull'orlo del precipizio, che ripensa alla madre abbandonata ma non è in grado di rispettare i suoi valori. Micaela, la pia donna cristiana, si reca da lui per chiamarlo al riscatto e al ritorno alla correttezza vanamente. Nell'animo di Josè ardore e disperazione albergano già da tempo per la sola ragione di vita, l'amore peccaminoso. 

La rivisitazione brookiana alla quale assistiamo in una notte di lampi e fulmini che a volte integrano gli effetti scenici ci avvinghia per 82 minuti distribuendo emozioni molteplici sotto gli effetti della lingua originale dell'opera di Bizet (il francese). Carmen (Lorrie Garcia) incanta sia per la sua seducente sfrontatezza che per la purezza dei sentimenti, Don Josè (Andrea Bianchi) propaga sulla scena le fiamme dell'amore e della perdita del senno, Micaela (Tea Purtseladze) è la candida carezza dell'innocenza. L'orchestra del Teatro Goldoni diretta da Eric Lederhandler scandisce la volubilità dei pensieri che durante i quattro atti generano i celeberrimi brani tra cui l' Habanera di Carmen (atto primo), il duetto dei due amanti Je vais danser en votre honneur dei due amanti  (Carmen e Don Josè).

COMUNICATO STAMPA

CONSORZIO COREOGRAFI DANZA D'AUTORE

Movimentoinactor Teatrodanza

Per gli eventi della “Giornata Internazionale per l'eliminazione della violenza contro la Donna” Con.Cor.D.A./Movimentoinactor presenta:
 “me pareva ‘na favola”

 Teatri di Danza e delle Arti lo spettacolo
 Venerdì 26 novembre alle h.21.00 ​

Il Teatro Augusteo di Napoli ha pubblicato le date degli spettacoli teatrali inclusi nell’abbonamento alla stagione 2021/2022. Un programma che, oltre gli spettacoli in corso di recupero, completa con otto titoli, di cui uno in opzione agli abbonati, l’offerta teatrale della storica sala di Piazzetta Duca D’Aosta 263.

La stagione, annunciata da Roberta Starace Caccavale e Giuseppe Caccavale, titolari del Teatro Augusteo, si preannuncia di altissima qualità, offrendo ad abbonati e spettatori serate di puro divertimento, musica e spunti di riflessione. Per la composizione dello stesso è stata rispettata la traccia artistica delineata con successo in tutti questi anni di attività, plasmando così un’offerta teatrale completa.
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All’interno della programmazione sono presenti musical di successo, prosa di qualità, show divertenti e musicali, ma senza tralasciare l’immancabile commedia napoletana con la sua tradizione di comicità. 
Prevista anche una ricca selezione di concerti e rappresentazioni fuori abbonamento, per ogni tipo di pubblico, anche turistico, nazionale e internazionale, e per ogni età. ​
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Si parte il 3 dicembre 2021, fino al 12, con “Non c’è niente da ridere” (in opzione agli abbonati) di Peppe Barra e Lamberto Lambertini, con Peppe Barra e Lalla Esposito, in uno spettacolo che, con lo spirito e lo stile di sempre, coniuga la risata con la commozione, la leggerezza con la cultura, la raffinatezza con la volgarità̀.

Dal 21 dicembre 2021 al 16 gennaio 2022 spazio allo spettacolo di Natale: Carlo Buccirosso e Biagio Izzo in “Due vedovi allegri”, scritto e diretto da Carlo Buccirosso, una divertentissima commedia ambientata tre anni dopo la fine della pandemia, che vede Buccirosso nel ruolo di un vedovo ipocondriaco e ansioso e Izzo in quello di un vedovo, custode del palazzo in cui vivono, alle prese con disavventure economiche e condominiali.

Dal 21 al 30 gennaio 2022, la scena sarà di Gianfranco Gallo con la commedia musicale “Un vizietto napoletano”, lavoro ispirato a “La cage aux folles”, da lui scritta, musicata e diretta. Sul palco anche Gianni Parisi, Gianluca Di Gennaro e Salvatore Misticone in un vortice di situazioni comiche che, con tanta ironia, affronta l’argomento della diversità di Genere.

Dal 4 al 13 febbraio 2022, Paolo Caiazzo rappresenterà “Ehi… Prof! Posso venire la prossima volta?”, uno spettacolo scritto da Paolo Caiazzo, che ne cura anche la regia, e da Daniele Ciniglio. La commedia è una divertente fotografia dei nostri tempi e narra le vicende di un Prof ipocondriaco e dei suoi studenti, reduci da mesi di Didattica a Distanza.

Prosegue la storica collaborazione con il Teatro Goldoni di Livorno, nel segno della continuità dei rapporti consolidati di Pisa, con un’opera raramente proposta nei cartelloni italiani e per sua natura e intenzioni di nascita, in armonioso equilibrio tra tradizione ed innovazione: La Tragédie de Carmen, opera teatrale e cinematografica dell’iconico regista Peter Brook, sostenuto da Marius Constant per la trascrizione musicale e dallo sceneggiatore Jean–Claude Carrière per il testo, apre la stagione ’21-’22 del Teatro Verdi di Pisa, finalmente tornato ad una programmazione normale in sintonia con il resto del paese. Una scelta che sicuramente coniuga i linguaggi musicali, drammaturgici e cinematografici in un intreccio strettissimo perfettamente in linea con la cifra stilistica inaugurata dalla Tosca estiva e dalla Trilogia Verdiana presentate quasi come festival in settembre. Anche la presenza di Tea Purtseladze nel ruolo di Micaela e già applaudita Tosca ai Bastioni Sangallo, sottolinea la continuità d’intenti, mentre è attesa la restante parte del cartellone tra titoli desueti, rivisitazioni inattese ma sempre nel rispetto della tradizione culturale, ed un approccio etico al ruolo del teatro pisano nel contesto sociale della città, dal sostegno ai giovani tramite audizioni di nuovi talenti alla assai consistente quota rosa della nuova Carmen che vede nei ruoli chiave di regia, scenografia e costumi donne di provata esperienza, dalla regista e sceneggiatrice milanese Serena Sinigallia alla scenografa meneghina Maria Spazzi, alla costumista montenegrina Katarina Vukcevic, affinchè la chiave sensuale voluta da Brook per la sua Carmen sia fortemente inverata da una profonda sensibilità femminile.


Questo adattamento della Carmen di Bizet realizzato da Peter Brook, forse il più grande fra i grandi della scena teatrale, e non solo, del Novecento, debuttò a Parigi nel 1981 per divenire uno dei capisaldi della storia del teatro e nell’83 un film, sempre firmato da Brook e mai giunto in Italia. Si tratta di una versione dell’opera di Bizet fortemente stilizzata, per un teatro di regia molto raffinato, giustificato dallo stile e dalla firma di Brook, con la rimozione di molti degli aspetti edonistici e folklorici di Carmen –dunque i più popolari – anche nella parte musicale per la severa riduzione cameristica di Marius Constant. Un’opera sull’opera, quasi un commento critico. In soli 82 minuti, senza intervallo, quattro cantanti, due attori e un’orchestra ridotta a 15 strumenti, propongono una versione estrema e radicale, quasi provocatoria, dell’opera di Bizet. Tutto ciò che non è stato ritenuto fondamentale ai fini della trama è stato tolto dagli autori. Citando le parole di Peter Brook: «L’opera non è un contratto musicale sulla carta, qualcosa tra avvocati; l’essenza fondamentale del lavoro teatrale è, per me, guardare alla partitura come ad un’indicazione di ciò che può l’immaginazione.» L’intento, sottolinea Brook, non è di «duplicare quel che c’è sulla carta», ma di produrre che cosa aveva in mente il compositore quando ha scritto il brano. In questa rilettura gli autori scelgono di dare grande enfasi e rilievo al personaggio di Carmen, soprattutto della sua parte più erotica e sensuale.

Biglietti ancora disponibili (da 30,00 a 10,00 Euro) al Botteghino del Teatro, al servizio prevendita telefonica 050 941188 e online su www.vivaticket.com.
Per ulteriori informazioni: Fondazione Teatro di Pisa, tel 050 941111, www.teatrodipisa.pi.it

di Enrico Esposito

Il Teatro Verdi di Pisa ha aperto ufficialmente la stagione di prosa, sotto la direzione di Silvano Patacca, con lo spettacolo "Parenti Serpenti", produzione Ente Teatro Cronaca Vesuvioteatro, in collaborazione con Bon Voyage Produzioni / Festival Teatrale di Borgio Verezzi per la regia di Luciano Melchionna. Un appuntamento andato in scena la sera di sabato e in replica il pomeriggio della domenica come di consueto. 
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Si riaccendono le luci sul bellissimo teatro di Via Palestro che vide la sua inaugurazione nel lontano 1867 con il "Guglielmo Tell" di Gioacchino Rossini. Il pubblico arriva copioso e curioso all'apertura della stagione di prosa affidata ad un pezzo di storia della comicità italiana, ossia Lello Arena. L'attore partenopeo è infatti tra i protagonisti di "Parenti serpenti", spettacolo che ripropone il testo originale scritto da Carmine Amoroso e reso celebre dalla rivisitazione cinematografica omonima del 1992 per la regia di Mario Monicelli. Sebbene siano trascorsi quasi trent'anni dalla scrittura del soggetto e dall'uscita del film, il tempo sembra essersi fermato per quanto riguarda le dinamiche sociali evidenziate dalla storia. I parenti serpenti appartengono a tempi lontanissimi come a quelli presenti, senza obbedire a codici o leggi prestabilite ma alla natura dell'uomo. L'ipocrisia e la fragilità dei rapporti familiari anzi si sono acuite decennio dopo decennio scaturendo sempre più spesso in tragiche conseguenze. Seppur siano il sorriso e l'elemento comico a caratterizzare l'impalcatura della pièce costituita dai coniugi Saverio e Trieste, amarezza, egoismo e meschinità si insinuano molto presto con l'entrata sulla scena dei loro figli e cognati. 

La storia si ambienta in un paesino dell'Abruzzo dove i coniugi Saverio e Trieste stanno aspettando l'arrivo per le vacanze di Natale dei loro quattro figli che si sono trasferiti in altre parti d'Italia. Saverio è un appuntato dei carabinieri in pensione che malgrado sia stato colpito con l'avanzare dell'età da problemi di memoria conserva uno spirito e una saggezza molto profondi. Accanto a lui c'è la moglie Trieste, che incarna alla perfezione le fattezze dell'angelo del focolare, donna disciplinata e attenta a coltivare i valori della famiglia e l'intenso amore per le sue "creature".  I dialoghi iniziali tra i due si dipanano in un esilarante confronto tra i comportamenti stravaganti e new-age di Saverio e la solida fermezza di Trieste che riesce a tenere in mano con le sue straordinarie forze la loro vita e i legami con i figli. Essi trascorrono la vecchiaia con tranquillità seppur tra discussioni quotidiane ma senza veri screzi e sanno che saranno chiamati a fare un annuncio fondamentale ai loro ragazzi. Questi arrivano a casa il giorno della Vigilia di Natale. La primogenita è Lina, che lavora come bibliotecaria a Teramo e soffre di una forte nevrosi a causa della mancanza di aiuto in casa da parte del marito Michele, che la accompagna. Poi c'è Alessandro, impiegato alle Poste di Modena, con la moglie Gina, emiliana doc innamorata dello shopping e dello yoga. Milena invece vive a Gaeta da solo dopo la morte del marito Filippo e soffre di depressione a causa della sterilità che la affligge. Infine è il turno dell'ultimogenito Alfredo, professore di italiano a Como e celibe. La loro entrata in scena non si sviluppa da dietro le quinte ma dai corridoi esterni alla platea in preda alla fretta e ad una apparente tranquillità. Lo scontro però tra i problemi delle loro vite e la cristallizzata realtà dei genitori si manifesta nell'immediato.

​Saverio e Trieste infatti accolgono e "trattano" i loro figli come se fossero anche loro bambini: Trieste lo fa con la premurosità della madre, Saverio invece con l'assenza come lui stesso ammette. La sua figura riesce a sollevarsi rispetto all'evoluzione della trama grazie alle parallele sfaccettature del suo carattere: a volte fa i capricci e la vocina di un bambino, altre si dimostra visionario, altre ancora si prodiga nello scherzo ma anche in acute riflessioni sui suoi difetti e sulla caduta degli ideali di una volta. Trieste gli procede di fianco anche se con la sua singolarità avvicinandosi sempre di più a lui e costituendo una coppia equilibrata, in cui l'uno riempie i vuoti dell'altro. Una sintonia che invece piano piano viene a spezzarsi nei legami messi in piedi dai loro figli, lentamente come il cammino di una mosca sulla tela di un ragno. Le invidie, le tensioni percepite esplodono senza freni quando mamma e papà mettono in crisi le loro individualità non possono essere più in grado di vivere da soli e per questo lasceranno scegliere a loro da chi andranno ad abitare dandogli in cambio metà delle loro pensioni e la casa in Abruzzo. La goccia che fa traboccare il vaso è proprio questa: il veleno tenuto dentro e solo a volte sfogato profana la sacra felicità familiare e religiosa e infetta perennemente il sangue. Così i risvolti tragici affogano la stessa magia del Natale. Ma non riescono a prevalere sull'affetto che lo spettatore stabilisce con i poveri genitori, loro vittime: l'abbraccio di Saverio e Trieste come in una cupola di tanto tempo fa fotografia una vera unione molto spesso utopica.

Immagini tratte da ​https://www.enteteatrocronaca.it/

Il modello della scrittura di Carrère è il Truman Capote di A sangue freddo (1965), l’opera che ha fondato il così detto non fiction novel, il romanzo in cui la cronaca non è seguita fedelmente, ma raccontata attraverso espedienti romanzeschi. La contaminazione tra scritture finzionali e scritture vicine al giornalismo è un fenomeno in ascesa, ma pone in questione l’esistenza di un confine tra queste due forme di comunicazione. Si può individuare un limite? E se sì dove?
A livello tematico il giornalismo e la letteratura non sono distinguibili. Visto che la realtà non deve attenersi al criterio della verosimiglianza, può presentare situazioni incredibili quanto il più rocambolesco dei romanzi. Esclusa la letteratura di fantascienza, non ci sono argomenti che appartengono più all’una che all’altra.
Potremmo pensare che la differenza stia sul piano formale, nello stile e nella retorica. Certamente ci sono delle differenze: un articolo di giornale deve essere quanto più chiaro e comprensibile perché si rivolge a tutti, un romanzo invece può selezionare il proprio pubblico a partire dalla lingua che usa. Ma la lingua letteraria usa forme ed espressioni retoriche allo stesso modo del linguaggio comune. Come hanno mostrato Lakoff e Johnson in Metafora e vita quotidiana (1980), la lingua della comunicazione ordinaria impiega tante figure retoriche quanto la letteratura – anche se con consapevolezza diversa – e quindi anche questo ambito non discrimina le due forme di scrittura.
Credo che la differenza principale riguardi lo scopo di esse. Il giornalismo deve informare, richiede fedeltà ai fatti e un tasso di ambiguità ridotto al minimo. Una stessa notizia può essere riportata in moltissimi modi, perciò è necessario conoscere la visione del mondo del giornalista o della testata per poter esercitare il proprio spirito critico. Il compito della letteratura, invece, non è informare – e sarebbe molto ingenuo chi leggesse Guerra e pace come un trattato sulle guerre napoleoniche. La letteratura richiede una visione ambigua, rifiuta l’assertività e accoglie le parole e le posizioni più abiette senza doverle condannare. Mi verrebbe da dire che se il giornalismo serve alla società, la letteratura serve all’individuo, perché parla ad ognuno in modo diverso e non controllabile dall’autore.
Sia la letteratura che il giornalismo sono fondamentali all’interno di una società, ma mi sembra che la loro commistione non stia portando a esiti molto apprezzabili. Nel contesto della competizione digitale, il giornalismo ha sottratto alla letteratura la concentrazione sulle scene madri, l’enfasi sui titoli e il racconto patetico, l’attenzione sul come di un articolo più che sul cosa. La letteratura, invece, sta progressivamente perdendo il proprio privilegio di parola libera di esplorare e non vincolata a una perfetta referenzialità, perché deve essere utile e possibilmente fare il bene. Faccio un esempio: se da un articolo di cronaca su un femminicidio è giusto aspettarsi un certo tipo di comunicazione (la vittima non deve essere colpevolizzata, è necessario non parlare d’amore anche se c’era stata una relazione, l’assassino non deve ricevere giustificazioni ecc.), a un romanzo chiedo una rappresentazione meno lineare, dove si può dar spazio a sentimenti difficilmente accettabili. Se queste due sfere si influenzano troppo potrebbero esserci problemi.
Finora la bravura di Carrère è sempre stata quella di non lasciar schiacciare la propria voce dalla vita vera che racconta e, in tal modo, non ridurre i suoi romanzi a una mera cronaca. Riuscirà a fare lo stesso mentre tutta la Francia è rivolta alle aule del tribunale di Parigi e al suo taccuino di appunti?

FONTI:
Immagine 1: Il Corriere
Immagine 2: La Repubblica  

COMUNICATO STAMPA

​5 – 7 novembre 2021 | Teatro della Pergola
(ore 20.45; domenica ore 15.45)
Pietro Mezzasoma
Pino Micol
MEMORIE DI ADRIANO
di Marguerite Yourcenar
regia di Maurizio Scaparro
ripresa da Ferdinando Ceriani
musiche Evelina Meghnagi
eseguite dal vivo da Cristiano Califano e Arnaldo Vacca
danzatore Federico Ruiz
costumi e allestimento scenico Lorenzo Cutùli
coreografie Eric Vu An
disegno luci Lorenzo Fabretti
multivisioni Francesco Lopergolo
direttore di scena Mario Courrier

Durata: 90 minuti

6 – 7 novembre 2021 | Teatro Studio ‘Mila Pieralli di Scandicci
(sabato, ore 21; domenica ore 16:45)
Tir Danza
Cristina Kristal Rizzo, Enrico Malatesta, Glauco Salvo & guest
4 MARKHOR
ideazione Cristina Kristal Rizzo, Enrico Malatesta, Glauco Salvo & guest
suono dal vivo Enrico Malatesta, Glauco Salvo
direzione tecnica Giacomo Ungari
creative producer Silvia Albanese

Durata: 60 minuti