Con l’aiuto di Fatima, Iqbal tenta più volte la fuga e una volta fuori da quell’inferno riesce perfino a partecipare a una manifestazione contro la schiavitù minorile. Riesce ad attirare l’attenzione della polizia, che però una volta giunta alla tessitura, di fronte alle bugie di Hussain, rimane impassibile e lascia i bambini impotenti di fronte alla loro crudele sorte. Iqbal viene sbattuto nella “tomba”, un luogo buio e freddo in cui non è concesso bere e mangiare: è così che sarà punito per quello che ha fatto. Nella tomba si sente la morte seduta di fronte, immerso nel buio e nella fame Iqbal è allo stremo delle sue forze, nella sua tasca è riposta l’ultima speranza, un volantino stropicciato di quel movimento contro la schiavitù minorile.

Il fuoco di Iqbal si è fatto più tenue, ma qualcosa lo tiene ancora in vita.

Iqbal fugge per un’ultima volta, raggiunge l’esponente di quel movimento liberale e grazie a quest’ultimo riesce a denunciare ciò che avveniva nella tessitura del signor Hussain. Iqbal ha scacciato via il nero destino che lo accomunava ai suoi piccoli compagni, la sua tenacia li ha resi liberi, quei bambini hanno potuto veramente correre liberi su una collina con l’aria tra i capelli. Ci vorrebbe un Iqbal per ogni tessitura, ci vorrebbe più coscienza nella mente dei consumatori e non dovrebbe esistere una parte sbagliata del mondo in cui nascere.
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La storia di Iqbal può insegnare tanto, in un paese come il Pakistan gli è costato molto caro essere un ribelle, ma è così che si combattono le ingiustizie e si insediano i cambiamenti. Finiamola di ignorare quello che succede oltre la curvatura dell’orizzonte, cerchiamo nel nostro piccolo, per quanto possibile, di mettere fine a realtà disumane come questa.

La storia di Iqbal è un invito alla riflessione, oggi vi invito a riflettere.

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Iqbal Masih, da Wikipedia Italia, By Aneladgames - Own work, CC BY-SA 4.0, voce "​Iqbal Masih"

La gloria postuma non è forse il massimo a cui uno scrittore possa aspirare e in effetti sarebbe preferibile che il proprio talento venga riconosciuto quando si è in vita, ma i casi della vita sono tanti e diversi perciò può benissimo accadere che nella fretta del mondo di celebrare capolavori si perdano pezzi importanti lungo la strada. Uno di questi è senza dubbio Kent Haruf, scoperto in Italia solo a partire dal 2017 con il suo romanzo uscito postumo Le nostre anime di notte riscuotendo enorme successo di pubblico e critica; da quel momento è partito il recupero delle sue opere precedenti che hanno tutte in comune l’ambientazione della città di Holt, la classica cittadina di periferia americana che rappresenta in pieno lo spirito dell’heartland: la vera America, direbbe qualcuno.
   Uno degli ultimi tasselli (cronologicamente uno dei primi) che si è aggiunto a comporre il ciclo di Holt in italiano è La strada di casa, inizialmente pubblicato nel 1990 e arrivato all’attenzione internazionale dopo trent’anni. La strada di casa è quella che percorre Jack Burdette che torna a Holt dove essere stato in fuga per anni dopo essersi appropriato indebitamente di denaro appartenente alla compagnia di silos per cui lavorava recuperando tutto quel che si era lasciato alle spalle. La storia è raccontata da uno degli ex compagni di scuola di Burdette, Pat Arbuckle, le cui vicende si sono sempre tenute sul ciglio della vita dell’altro; viene quindi ripercorsa la vita di Burdette, inizialmente promettente per poi perdersi e raggiungendo l’apice con la fuga verso la California.
  Quel che colpisce maggiormente è il modo in cui viene affrontata la giustizia. Parliamo dell’America profonda, un ambiente in cui la giustizia popolare si esprime in modi potenzialmente violenti, dove l’indignazione cresce a ondate finché non è il destino a infliggere pene abbastanza dure da soddisfare il risentimento degli abitanti di Holt. A pagare maggiormente per le colpe di Burdette saranno le due donne che si legheranno a lui: Wanda Jo Evans, ex compagna di classe e innamorata di lui fin da subito e che, dopo anni di regolarità e attesa di una proposta di matrimonio da parte di Burdette, scopre che quest’ultimo si era segretamente sposato con un’altra donna conosciuta solo pochi giorni prima.
   Questa è Jessie e rappresenta la vera figura tragica per l’elevato senso di giustizia da lei dimostrato dopo la fuga di Burdette. Il finale aperto che la riguarda prefigura una nuova situazione per lei, ulteriormente tragica seppur in modo diverso. L’espediente sfruttato dall’autore per farci entrare in profondità nella psiche della donna è di far iniziare al narratore una relazione con la stessa: pur essendo sposata, del marito si era persa ogni traccia da otto anni e nessuno si aspettava che sarebbe tornato. E invece lo fa, proprio nel momento in cui il reato di cui era accusato era finito in prescrizione.
   La prosa di Haruf è delicata e si adatta bene alle scene più complesse, specie quelle di violenza o di tensione a differenza di Le nostre anime di notte, che invece risentiva di una scrittura del genere facendo sembrare l’intera struttura costruita nell’intento di commuovere; questo è sicuramente dovuto anche al fatto che il focus è concentrato sulle emozioni, la solitudine e la vecchiaia. Questo è invece un grande romanzo, e ve lo consigliamo calorosamente.  

MARTA Sai… ho deciso di provare ad andare da uno psicologo.
ANTONIA Davvero? Come mai?
MARTA Per vari motivi, ma il principale è che non so se voglio fare l’attrice per davvero.
ANTONIA (quasi strozzandosi con la sua bibita) Ma come?!?
MARTA È una storia lunga… e capisco che possa sembrare strano, ma non sono più sicura, tutto qui.
ANTONIA Tutto qui? Che vuol dire tutto qui? Dopo tutti i sacrifici che hai fatto, i soldi che hai speso, il tempo che hai investito…
MARTA Capita anche di cambiare idea, a volte. Solo gli stupidi non cambiano mai idea.
ANTONIA Ma qui non è questione di essere stupidi o intelligenti! Sei sempre stata molto determinata in questa cosa, e ora te ne esci così? Non capisco.
MARTA Ci capisco poco anche io, a dire il vero. Per questo vorrei andare dallo psicologo. E comunque non ti ho detto che voglio rinunciare, ma che devo capire quanto me la sento veramente.
ANTONIA E non riesci a capirlo da sola? Pensi di andare da uno psicologo e, siccome lo paghi, lui ti dica cosa devi fare della tua vita?
MARTA No, non la faccio così semplice. Ma mi aiuterà a ragionare sulle cose e mi guiderà alla scoperta di me stessa. Senza fretta, senza pressioni.
ANTONIA Non lo so. Pensaci bene… Magari è solo una fase passeggera e tra qualche giorno tornerai ad essere come prima. Ci sta che tu ti sia scoraggiata un po’ in questo periodo, ma appena torna lo stimolo giusto…
MARTA Ma non sono scoraggiata. È una cosa diversa, più complessa… legata a quello che uno vuole veramente.
ANTONIA Però prima di andare a spendere soldi da uno psicologo, prova il metodo Antonia.
MARTA E come funziona?
ANTONIA Prendi un foglio e ci scrivi delle domande, quelle cose che non sei sicura di sapere. Nel suo caso potrebbero essere “Qual è il tuo più grande desiderio nella vita?”, “Vuoi davvero fare l’attrice?”, “ Come ti piacerebbe fosse la tua vita tra qualche anno?”… cose così. Poi ti sbronzi. Tanto. Tipo che quando sei molto brilla continui ancora a bere. Quando sei ad un livello alto, tipo che traballi e sbatti contro gli stipiti delle porte, vai davanti allo specchio, leggi le domande e ti rispondi, guardandoti negli occhi.
MARTA Spero sinceramente per il tuo fegato che tu abbia pochi dubbi nella vita, Antonia. Davvero. ​

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​Quando venne premiata a ottobre di quest’anno con il Premio Nobel per la Letteratura, Louise Glück era sostanzialmente sconosciuta, nonostante negli Stati Uniti venga considerata una leggenda vivente nell’ambito della poesia. La sua raccolta poetica più celebre è “L’iris selvatico” del 1992, oggi ripubblicata da IlSaggiatore nella traduzione di Massimo Bacigalupo che è anche autore della postfazione. La poetica di Glück viene fatta rientrare nel genere della poesia confessionale di cui fanno parte anche poeti come Sylvia Plath e Robert Lowell anche se con variazioni, infatti, pur essendo presenti elementi autobiografici, questi non appaiono così invasivi da rendere la scrittura autoreferenziale: il dato biografico è semmai un elemento in più che contribuisce alla ricchezza del testo.
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​In “L’iris selvatico” ci troviamo in un giardino del New England e osserviamo lo scenario dalla prospettiva di un fiore che nasce dalla terra. Da subito notiamo il parallelismo che si crea tra il fiore che si rivolge agli umani e, su un livello più elevato, gli umani che si rivolgono a Dio. C’è come uno slittamento continuo tra l’io-fiore e l’io-umano tanto da far pensare che sia in atto una sorta di identificazione tra i due; se da un lato questo rientra in una prospettiva ontologica che consiste di fatto nell’interrogazione del divino (un uomo-dio per il fiore), dall’altro si rende possibile un processo di naturalizzazione dell’io poetante. L’io che diventa natura pone in essere la blasfemia di considerare l’uomo divino riconoscendosi in ogni elemento del mondo circostante.
   Questo tratto pone in luce la tematica del panteismo, dell’identificazione dell’uomo con il tutto, e l’immaginario a cui si fa ricorso è quello pagano: sono numerosi i riferimenti a riti sacrificali pagani (il corpo rinchiuso nel tronco di un albero), all’alto riflesso nel basso (“come in cielo così in terra”, espressione presente nelle preghiere cristiane e derivato direttamente dal Neoplatonismo, perciò pagano e di interpretazione originariamente esoterica). 
   Poi però le cose si complicano. Perché il giardino del New England non è solo un classico locus amoenus, ma è anche una sorta di raffigurazione altra del Giardino di Eden, ma reso adatto alla vita dannata dell’uomo. Dannata perché è la vita che gli spetta dopo la cacciata dal vero Eden, e per questo è costretto a lavorare i campi, a trarre frutti dal proprio lavoro e dalla propria fatica fino alla fine per poi morire. È questo il punto: l’invocazione a Dio rappresentata da alcune di queste poesie contiene in sé un interrogativo fondamentale sulla natura di Dio, sulla sua esistenza, ma soprattutto sul fatto che sia importante che esista. Anche in questo caso abbiamo un’opposizione netta: da un lato la disperazione per il fatto di sentirsi abbandonati da Dio che, interrogato sullo scopo dell’uomo nel mondo, risponde con il silenzio; dall’altro c’è un’incapacità di gestire la libertà che deriva dall’essere un tutt’uno con il mondo.  A questo segue quindi la domanda: è importante che esista Dio? La risposta implicita dell’io poetante è no, perché le capacità dell’uomo non permettono di percepire Dio in ogni cosa dove pure si dice che sia e quindi, Dio o no, è come essere soli. Tanto più che a un’interrogazione diretta non risponde.
   A una lettura tra le righe, verrebbe da pensare che l’intera riflessione portata avanti nelle poche pagine dell’opera di Glück sia in realtà la constatazione di come non si possa vivere al di fuori di una cornice filosofica tragica e nichilista nonostante si voglia che non sia così. Questo non è quindi un manifesto panteista, ma più genericamente agnostico; di chi vorrebbe credere, ma non trova motivi razionali per farlo.  

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Luis Buñuel fu il direttore cinematografico spagnolo più all’avanguardia; con Alberti realizzò a Parigi la sua prima pellicola, Un chien andalou, in pieno fervore surrealista.
Nacque nel 1900 nella provincia di Teruel, in Aragona, Spagna; studiò nella rinomata Residencia de Estudiantes de Madrid. Un anno prima della sua morte, nel 1982, pubblicò Mi último suspiro, un libro di memorie che è in realtà una conversazione di Buñuel con il regista francese Jean-Claude Carrière. Pieno di aneddoti e riflessioni, il libro mostra il lato più intimo e personale del grande maestro del cinema. Luis riflette sulla vicenda della madre, che malata di Alzheimer, perse a poco a poco la memoria fino a non riconoscere i propri figli e neanche se stessa. L’autore racconta delle sue visite a Zaragoza, dove la donna viveva con gli altri figli: Luis entrava dalla porta, la baciava, si sedeva un momento accanto a lei; poi usciva, ritornava, e la madre anziana lo accoglieva e lo invitava a sedersi, senza riconoscerlo, come lo vedesse per la prima volta. Di fronte all’oblio della madre, Buñuel non può non riflettere sul valore della memoria, il cui esercizio meccanico viene addirittura disprezzato nel metodo di apprendimento nelle scuole, per poi accorgersi con il passare degli anni, che la capacità di ricordare si fa di giorno in giorno un dono sempre più prezioso. L’amnesia infatti agisce per gradi, spiega Buñuel, prima ci si scordano nomi propri o ricordi recenti, poi si dimenticano i ricordi degli ultimi mesi o anni, infine, questa malattia, è capace di cancellare, come fanno le onde del mare con le scritte degli innamorati sulla battigia, una vita intera. Di qui nasce una convivenza con l’angoscia di essere vivi, senza sapere chi siamo, chi siamo stati.

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​“Una vida sin memoria no sería vida, como una inteligencia sin posibilidad de expresarse no sería inteligencia.” (“una vita senza memoria non sarebbe vita, come un’intelligenza senza possibilità di esprimersi non sarebbe intelligenza”) afferma Luis Buñuel, perché la memoria di ciò che è stato, in fondo è tutto ciò per cui viviamo, è quello che è successo ieri, che fa di noi quelli che siamo oggi. La memoria, quell’insieme di ricordi, sensazioni, errori, esperienze, persone, è l’insegnante più potente che ci sia, è la capacità di imparare dal passato per correggere il presente e rendere migliore il futuro. I ricordi, che giorno per giorno vanno via senza che ce ne accorgiamo, almeno finché non li cerchiamo, sono i mattoncini con cui si è eretta la nostra fortezza, la personalità e la vita che ci siamo costruiti.
“Nuestra memoria es nuestra coherencia, nuestra razón, nuestra acción, nuestro sentimiento. Sin ella no somos nada.” (“la nostra memoria è la nostra coerenza, la nostra ragione, la nostra azione, il nostro sentimento. Senza questa non siamo niente.”), così Buñuel celebrava le sue memorie in questo libro, arrivato quasi alla fine di quel lungo viaggio che è la vita, ha continuato a darci motivi per ricordarlo, e così sarà, perché nell’oblio non c’è spazio per certi intelletti. ​

Sabato 5 marzo 2016 i carabinieri del nucleo operativo di Roma si trovano davanti ad un appartamento della periferia cittadina. Sono accompagnati dall’avvocato Michele Andreano e da Valter Foffo, il padre del proprietario di casa. Manuel Foffo, suo figlio, è seduto nell’auto dei carabinieri posteggiata di fronte al palazzo e ha già le manette ai polsi. Quando il gruppo entra nell’abitazione viene ritrovato, in camera da letto, coperto da un lenzuolo, cadavere, un corpo straziato. Manuel Foffo non conosce l’identità della persona che pur ammette di aver ucciso, perché la vittima era stato invitata in casa dall’amico Marco Prato. Mentre Foffo si è appena accusato di omicidio, Marco Prato occupa una camera dell’hotel San Giusto vicino a Piazza Bologna, dove, sulle note di “Ciao amore ciao” riprodotte ossessivamente dal suo cellulare, sta tentando il suicidio. Prato, denunciato da Foffo, è rintracciato dai carabinieri e si salva.
Le indagini ricostruiranno gli eventi che hanno portato alla morte di Luca Varani, torturato e ucciso nella notte tra il 3 e il 4 marzo da Manuel Foffo e Marco Prato. Tutti e tre, vittima e carnefici, hanno meno di trent’anni. Successivamente Prato, mai dichiaratosi materialmente colpevole dell’omicidio, si suiciderà nel carcere di Velletri, dov’era in attesa di giudizio, il 20 giugno 2017.

Nicola Lagioia ricostruisce questo fatto di cronaca nera nel suo La città dei vivi (Einaudi, 2020). La narrazione è aderente ai fatti e il mondo extratestuale penetra direttamente nel romanzo in varie forme: i messaggi Whatsapp scambiati tra gli assassini, le deposizioni in tribunale, le frasi pronunciate in televisione o alcuni post condivisi su Facebook sono fedelmente riportati da Lagioia nel libro. Per queste e altre caratteristiche, La città dei vivi appartiene al genere letterario della non-fiction novel. Tradizionalmente inaugurata da Truman Capote con A sangue freddo (1966), nella non-fiction novel vengono raccontati con fedeltà documentaria fatti di cronaca – solitamente cronaca nera ‒ attraverso uno stile romanzesco.  

 Giudicare una non-fiction novel vuol dunque dire giudicare lo stile dell’autore, poiché il tema è interamente e fedelmente ripreso dalla realtà extratestuale. Che cos’è però lo stile? Non è solo il modo di scrivere e la forma, ma riguardano lo stile anche la gestione degli eventi narrati, la capacità di coinvolgere il lettore in una vicenda accaduta ad altri, l’abilità di scorgere nei fatti una verità diversa da quella giudiziaria e del senso comune.
A fronte di questi punti, Lagioia ha più meriti che demeriti.
Il romanzo è costruito in modo da ritardare la descrizione della notte dell’omicidio, l’evento saliente, fino a oltre tre quarti del testo. Così facendo, l’autore ha modo sia di cumulare il patos e la tensione nel lettore, sia di addentrarsi nelle vite dei suoi personaggi. La voce del narratore ci accompagna in questo percorso che si articola in una duplice dimensione: interiore – quella degli assassini e dell’assassinato – ed esteriore – la ricostruzione cronachistica dei mesi e dei giorni antecedenti il delitto. Spesso Lagioia adotta la prima persona per manifestare il forte impatto che l’omicidio ha avuto su di lui, svelandoci successivamente alcuni punti di contatto (a dir la verità, un po’ deboli) tra la propria esperienza biografica e quella dei protagonisti. Attraverso l’introspezione personale, che annulla lo iato tra autore e narratore, Lagioia problematizza la riduzione dei due assassini a “mostri”, suggerendoci che tutti, lui compreso, saremmo potuti diventarlo in certi momenti della nostra vita. Questa riflessione non mira certo a scagionare o a mettere in buona luce Foffo e Prato, ma è un prezioso richiamo al rischio e all’ipocrisia della demonizzazione.
Lagioia sembra invece rinunciare alle possibilità dello scrittore nel tentare di comprendere le ragioni del delitto. L’autore non sembra soddisfatto delle motivazioni sostenute dai giornali per spiegarlo (pulsioni omosessuali represse, abuso di cocaina, conflitti edipici), e anzi rimarca l’assenza di un vero movente, la caoticità e la confusione tanto degli avvenimenti quanto dei resoconti di Foffo e Prato. Se è vero che i due assassini non riescono a fornire una giustificazione del proprio gesto, il romanziere avrebbe la possibilità, per non dire il compito, di scavare con più attenzione (e successo) nella coscienza dei personaggi, ma Lagioia sembra fare un passo indietro per porsi ad un grado di consapevolezza pari al loro. Si ottiene dunque un quadro preciso della psicologia di Foffo, Prato e Varani, ma ben poco sappiamo delle regioni profonde del delitto.
Forse Lagioia suggerisce una risposta, ma in forma alquanto indiretta e disseminata nel romanzo. Se potenzialmente tutti saremmo potuti essere gli assassini, solo Roma sarebbe potuta essere la cornice del delitto. La città è trasfigurata in una sorta di kinghiano Overlook Hotel, un luogo intriso di male e di violenza che coinvolge tanto il mondo vegetale quando quello animale, ma che, allo stesso tempo, esercita un richiamo inesorabile su chi se ne allontana. Anche i brevi capitoli – finzionali questi – sul pedofilo olandese, contribuiscono a caratterizzare Roma come il luogo deputato all’espressione del male che c’è in ognuno di noi. L’omicidio di Luca Varani assurge quindi a estremo spettacolo della violenza di un’intera città, che si impossessa di tanti casuali figuranti per manifestarsi.


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​È sempre interessante vedere come le arti riescono a intersecarsi tra loro. Spesso, nei giudizi che scrittori danno di musicisti o pittori, si annidano personali idiosincrasie e modi di intendere il mondo che emergono in modo più nitido di quanto potrebbe fare un romanzo. I romanzi raccontano e, come acqua cristallina, riflettono quel che sta al di sopra; i saggi, mossi da intento prosaico, tendono a spiegare attraverso i mezzi intellettuali di cui l’autore dispone.

​Immagini tratte da:
https://www.rbth.com/arts/literature/2016/11/29/julian-barnes-russians-had-40-years-to-write-shostakovich-novel-but-didnt_651929
https://www.doppiozero.com/materiali/julian-barnes-con-un-occhio-aperti

“La fine è il mio inizio” è il titolo dell’ultimo libro di Tiziano Terzani, giornalista, autore e viaggiatore, nato negli anni '30 a Firenze. Giunto agli ultimi mesi di vita dopo sette lunghi anni di lotta contro la malattia, stremato dai molteplici tentativi di cura falliti, aveva deciso di accettare e affrontare quel male, guardarlo in faccia. Ritiratosi a Orsigna, un piccolo paesino immerso nella natura dell’Appennino tosco emiliano, Tiziano propose al figlio Fosco di registrare per un’ora al giorno i loro dialoghi a patto che il figlio poi li raccogliesse accuratamente e fedelmente trascritti in un libro. L’intento di Terzani è quello di prepararsi con serenità a congedare quel corpo vecchio, “che fa acqua da tutte le parti”, felicemente consapevole di tutte le persone che è stato durante la sua vita ma pronto a lasciarla, a sentirsi libero oltre ogni confine. Il libro è stato pubblicato a cura di Fosco Terzani nel 2006, due anni dopo la morte del padre, e ha avuto un vasto successo in quanto gli occhi di quest’uomo hanno visto estremamente da vicino gli eventi storici più importanti della seconda metà del '900. Nella sua piccola casetta di montagna in stile tibetano, ornata dai più variopinti oggetti di cultura orientale accumulati nel tempo, Terzani talora sorseggia del tè mentre ripercorre insieme al figlio quella mistica avventura che fu la sua vita: viene rievocata un'infanzia passata in povertà nel fiorentino, gli studi alla Normale di Pisa, l'incontro con Angela, quella ricciolina dall'aria insolita che diventerà sua moglie, l’America, la Cina e l’Oriente, i giornali, la speranza riposta nei popoli, in alcuni sistemi politici, confutata sempre di persona. La visione del primo cadavere in guerra, il dover riportare sui giornali con parole fredde e di distacco, azioni che non davano modo di essere descritte ne metabolizzate, poi l’abituarsi a contare i cadaveri e a riportarne il numero, la ricerca senza fine di un sistema giusto, di un'educazione degna per i figli Fosco e Saskia. Una storia di grande coraggio, di guerre affrontate, armi puntate sul naso e un sorriso come risposta, così consigliava di fare Terzani di fronte a una canna di fucile. Una storia di viaggi, culture, popoli e magie, una storia di movimento, azione, Tiziano guardò in faccia chi di potere e lo mandò a quel paese. Essere sé stesso lo portò a compiere questo viaggio senza meta, quel suo sentirsi “un evaso”, quel suo non aver mai avuto sogni ma quel sentire il desiderio costante di fare, di poter cambiare qualcosa lo fecero essere il grande Tiziano Terzani. “La fine è il mio inizio” è un libro che invita a sentirsi liberi, a vivere spontaneamente la vita così come i nostri istinti innati ci indicano di farlo, è un invito a non avere paura di osare, ad apprezzare aspetti della vita che si trovano nascosti in profondità. Questo libro è la testimonianza di vita di un uomo che ha raggiunto la sua massima saggezza, che nelle sue vesti in lino leggero, con il viso illuminato dal candore della lunga barba e capelli, sorride con gli occhi e col cuore ai suoi ultimi passi di vita. È la storia di un uomo che ha vissuto la guerra, il sangue, l’ingiustizia e il pericolo e che ora si rifugia tra i suoi alberi, le sue bandierine tibetane e una scodella di riso bianco. “Allora questa è la fine, ma è anche l’inizio di una storia che è la mia vita e di cui mi piacerebbe ancora parlare con te per vedere insieme se, tutto sommato, c’è un senso”: sono le parole in apertura di questo viaggio meraviglioso, di cui Terzani generosamente ci ha voluto tutti partecipi, e noi lo ricordiamo così. 

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- Ibs

REGISTA   Ma che cazzo! Ancora???
ATTRICE   (mortificata) Scusami, io non so proprio come sia possibile.
ATTORE    Qui ci stiamo tutto il giorno…
REGISTA   È impossibile che non ti riesca sbagliare! È proprio impossibile! Cerca di stare un po’ concentrata,                                 tesoro, su…
ATTRICE   Ma non so come fare! Io tiro a caso e faccio sempre centro. Ma tiro a caso, te lo giuro!
REGISTA   Devi sbagliare apposta! Il tuo personaggio è un’imbranata! Non lo so, cambia movimento, fai qualcosa,                       mettici meno forza, troppa forza, ma SBAGLIA! Per favore!
ATTRICE   Lo so che devo sbagliare apposta, ma non ci riesco! Aspetta… provo a metterci più forza, così dovrebbe                          andare di fuori.
Fa due passi indietro, tira un anello e fa di nuovo centro.
ATTORE    (con aria di sufficienza) Se ci metti più forza, ma tiri da più lontano, le  due cose si annullano…
REGISTA   Non ci posso credere, non ci posso credere! (Prende gli anelli che ha l’attrice e li mette in mano all’attore)                                   Prova tu! L’ordine è di sbagliare! Vediamo cosa fai.
L’attore tira un anello e non fa centro.
REGISTA   Lo vedi? Lo vediiiiii? Non è così difficile!
ATTRICE   Ci riprovo… ce la farò, vedrai.
REGISTA   Se una cosa ti riesce, devi essere anche capace di farla male. Sei una brava attrice, quindi se ti dico di                           recitare male, tu lo sai fare. Un bravo pittore sa anche disegnare male. Un cantante riesce a stonare                               apposta, se vuole. Quindi… se ti riesce fare centro, ti deve riuscire anche non fare centro. Va bene, cara?
ATTRICE   Ho un’idea! Tiro a caso e a occhi chiusi, così sarà impossibile fare centro.
REGISTA   Proviamo.
L’attrice tira un anello alla cieca e fa centro.
REGISTA   Levamela di qui! Per favore levamela di qui che le taglio le mani. Te le taglio, quelle mani! Te le                                           tagliooooooo!

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​- pexels.com
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