Bertolt Brecht, originariamente Eugen Berthold Friedrich Brecht, nacque a Berlino nel 1898; fu un drammaturgo, poeta, regista teatrale e saggista tedesco. “Da leggere il mattino e la sera” è un breve componimento estratto dalla raccolta “poesie 1933-1938” e recita così:
 
Quello che amo
mi ha detto
che ha bisogno di me.
 
Per questo
ho cura di me stessa
guardo dove cammino e
temo che ogni goccia di pioggia
mi possa uccidere.
 
 
Già dopo una prima lettura, comunque attenta, si può percepire di essere di fronte a una poesia aperta a molte interpretazioni. Ognuno può interpretarla a modo suo, perché se ci si immedesima nel poeta, già dal primo verso a ciascuno balzerà alla mente quello che più ama. È lì che Brecht pone maggior attenzione: apre così questa sua preghiera, un mantra da ripetere mattino e sera, ricordando quello che ama. Non è per niente semplice capire a che cosa o a chi si riferisse Brecht, ma chiunque ami qualcosa o qualcuno può facilmente ritrovarsi in queste parole. È quello che si ama che ci spinge a conservarci, a guardare dove si mettono i piedi a non perderci tra i passi di una vita impervia e a volte crudele. Perché per l’appunto, ogni singola goccia di pioggia, ogni singolo evento, caso, circostanza, può ribaltare la realtà delle cose e farci sparire per sempre in un misero attimo. È la goccia di pioggia più temibile di tutte, eppure finché si è vivi ci sembra impossibile morire. Non conviene temere la morte, dal momento che nessuno sarà mai esentato dal tetro abbraccio di questa, piuttosto è bene amare la vita, e rimanerci aggrappati il più possibile. Il tempo spazza via tutto e spazza via anche noi, non è una novità, lo sappiamo bene ormai; allora perché non ripetere ogni mattina e ogni sera quanto ci amiamo e conserviamo unicamente per quello che si ama? Schivare le gocce di pioggia è impossibile, a meno che non ci si chiuda in un qualche sgabuzzino; allora ognuno si bagnerà della pioggia che merita, e se sarà forte troverà la forza di asciugarsi e continuare, solo il debole si accascerà sotto la pioggia lamentandosi proprio di questa. Dedicarsi a ciò che si ama permette di travasare un po’ della nostra essenza altrove, lasciare il segno da qualche parte, qualsiasi essa sia, esterna al nostro corpo, niente più di un pesante fardello che un giorno scomparirà. Si inizia pensando all’amore, si finisce pensando alla morte. Questo componimento per quanto breve, lascia una scia di emozioni pressoché infinita. Ne risulta un inno alla vita, una spinta a perseguire e porre l’attenzione su ciò che si ama, un impulso a sfuggire dal tempo, che a volte è crudele e passa senza aspettarci. Il messaggio è molto importante: dovremmo dedicare tutto il nostro potenziale a ogni singolo istante, certo il sacrificio e la rinuncia si fanno avvertire, ma niente è come vedere avvicinarsi ciò che si ama, o essere contornati da chi si ama. L’uomo vive per questo. Brecht poteva descriverlo in otto versi. 

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Bel mortale canta ancora
È quasi un’invocazione necessaria e benaugurante il titolo del cartellone di spettacoli che la Formazione del Teatro Verdi di Pisa presenta alla ripartenza delle attività teatrali.
Tutti i percorsi sono uniti da un denominatore comune: la necessaria coltivazione della fantasia e della creatività proprio nel momento in cui questa nostra fondamentale capacità è stata maggiormente attaccata. Gli spettacoli sono la reazione di un nutrito gruppo di adolescenti e di un gruppo di uomini e donne diversamente giovani.

Tutti i corsi pensati prima della pandemia sono stati reinventati alla luce di quanto accadeva e dei tempi di riapertura che si prolungavano al di là delle previsioni fatte a gennaio quando i corsi sono iniziati. Ma ce l’hanno fatta e tutti i laboratori di formazione attorale del Teatro Verdi avranno un loro esito scenico, un incontro col pubblico. Una comunità che si ritroverà a condividere temi che possano essere di riflessione e un’iniezione di energia.
La riscrittura de La Storia Infinita di Michael Ende è sembrato un testo perfetto in questi tempi di patologie mai edite come quelli che abbiamo vissuto; al di là della malattia dal punto di vista sanitario, il rischio è stato ed è quello di ammalarsi dentro, coltivando quel nero nulla che rischia di mangiarci l’anima, proprio come succede nel mondo di Fantàsia del libro di Ende, che improvvisamente tende a sgretolarsi con l’Infanta Imperatrice ammalata di non si sa che.

Lo spettacolo contiene creazioni sviluppate proprio durante il lavoro in remoto, che potremmo dire hanno costituito una cura al quadrato: da un lato inventavano e narravano personaggi che si affannavano a sviluppare una cura contro la malattia dell’Imperatrice della storia, dall’altro andando a costituire, grazie alla costruzione dello spettacolo, una cura per i partecipanti. Il titolo La Grande Ricerca esplicita da solo il viaggio e alcune scene registrate sulla piattaforma Zoom, che è stata l’unica sala prove usata durante molti mesi, testimoniano la duttilità del percorso nel suo sviluppo.
Allo stesso modo il mondo fatato che si intreccia con le vicende relazionali del Sogno di una notte di mezz’estate di William Shakespeare è sembrato un testo analogamente adatto anche perché narra lo sforzo e la voglia di praticare il teatro da parte di alcune persone che non sono professioniste, ma che trovano proprio nel preparare uno spettacolo un antidoto alla grande complessità del tutto.

Gli Ultimi giorni di Giuda Iscariota dell’americano Adly Guirgis, andato in scena per la prima volta nel 2005, è incentrato su di una fantasiosa terra di mezzo tra cielo e terra in cui si celebra appunto il processo al Primo traditore. Il testo è straordinario proprio nell’esaltare quel tempo sospeso e di riflessione a cui siamo stati costretti nell’ultimo anno. In questa Corte di Tribunale ai confini del Purgatorio, Fabiana Aziza Cunningham, avvocatessa zingara irlandese figlia di una chiromante e di un prete spretato, chiede, dopo duemila anni circa, un processo d’appello per Giuda Iscariota. E il pubblico è chiamato ad ascoltare testimonianze, interrogatori e “rare registrazioni delle telecamere di sicurezza nell’ufficio di Ponzio Pilato” per poi emettere il verdetto sul più famoso Traditore della Storia. Una girandola di personaggi attinti dalle Scritture (Sacre o meno) e dalla Storia dell’Umanità, tutta la tensione di una disputa legale in cui si discute il caso più scottante degli ultimi due millenni: da Pilato a Santa Madre Teresa di Calcutta, da Satana a Sigmund Freud passando per Gesù di Nazareth e lo stesso Giuda.

I Giganti della Montagna di Luigi Pirandello è uno dei testi più indefiniti dell’autore, incompleto (Pirandello è morto mentre lo stava ultimando), è unico nell’aprire e sviluppare la sua riflessione esistenziale alla linea fantastica e brillante che ha rappresentato nella sua opera un elemento fondamentale, spesso però trascurato nell’ interpretazione scenica delle sue opere. Il rapporto tra sogno, teatro, vita si tende qui al massimo. Una compagnia allo sbando si incontra con gli abitanti di una fantasmatica villa degli Scalognati. In un tempo sospeso ragioneranno di vita e rappresentazione della medesima, in una situazione piena di slittamenti e sussurrati colpi di scena, mentre là fuori si prepara e si teme l’irruzione della vita più mondana e materiale simboleggiata da un imminente matrimonio dei Giganti.

“Bel mortale canta ancora”, che è una battuta della regina delle fate Titania nel Sogno di una notte di mezz’estate, dice la necessità del canto e della condivisione della bellezza; dice la voglia di continuare a sviluppare quella parte relazionale e creativa che è stata palpabile nei numeri delle adesioni ai corsi e che ora è pronta a “riveder le stelle”. Sarà un presentarsi alla collettività ovviamente ancora contratto (limiti nel contatto e nel togliersi la mascherina in scena, specie per i primi spettacoli), ma sarà in ogni caso una festa, visto che non può resistere a lungo un teatro non dal vivo e senza pubblico.

Nel corso dell’ultimo decennio abbiamo avuto numerose visioni di un futuro inquietante, spostandosi tra media diversi dal cinema alla letteratura. L’intera letteratura mainstream per un certo periodo ne è stata invasa e le distopie sono andate a delineare un quadro sociale e, per molti versi, politico che veniva evidentemente percepito come incerto e destabilizzante. I modelli di riferimento sono sempre gli stessi imprescindibili: Brave New World di Aldous Huxley e 1984 di George Orwell. La finezza nel ragionamento sotteso all’opera di Huxley l’ha sempre resa un’opera di maggiore fascino, anche se generalmente meno conosciuta di quella di Orwell che pure di Huxley era stato allievo. 

   Non stupisce quindi che il romanzo d’esordio di Margherita Geraci renda omaggio al maestro delle distopie con una citazione in esergo che dà il tono generale alla propria opera. Il romanzo di Geraci è Leviathan – La prima legge e costituisce il primo volume di una trilogia ambientata in Italia; è un’Italia che non somiglia in niente a quella che conosciamo, ma è divisa in due parti di cui una è opulenta, dotata di lussi e abitata da aristocratici e star mediatiche. Abitano il Leviatano, mentre chi si trova al di fuori fa parte dei Radioattivi: sono i poveri che abitano in aree desertiche cercando di tirare avanti e di sfuggire agli Avvistatori, una sorta di milizia del Leviatano che dà la caccia ai Radioattivi, detti anche non-schedati.
   I collegamenti da poter stabilire sono molti: indubbiamente la divisione tra chi vive nel Leviatano e chi vive al di fuori fa pensare a riferimenti cinematografici che nello scorso decennio hanno giocato molto su questa contrapposizione. I film di Neil Blomkamp ne sono un perfetto esempio, Elysium su tutti dove si ripropone esattamente lo stesso rapporto di potere.
   Il fatto che l’area ricca e prospera venga chiamata Leviatano rimanda inevitabilmente alla filosofia di Hobbes: uno stato-nazione spinto all’arricchimento compulsivo da un capitalismo sfrenato (solo agli albori ai tempi di Hobbes) che ingrassa se stesso sempre di più a discapito di tutte le aree circostanti. Quella che qui viene presentata come distopia è molto vicina alla realtà in molti paesi africani dove le grandi città sono prospere con un élite di grandi ricchi e tutto intorno la povertà che domina in realtà la maggior parte del continente.
   Analizzando solo lo scenario di partenza abbiamo quindi una critica al sistema capitalistico, comune a scrittori come Huxley evidentemente, esponenti di un certo modo di intendere la politica.
   La parte centrale del romanzo è ambientata all’interno del centro di addestramento militare del Leviatano, dove vengono formati gli Avvistatori e dove viene portata Alice dopo essere stata catturata in un’imboscata. Anche in questo caso torniamo nell’ambito della filosofia per capire la struttura della parte centrale: il riferimento è ovviamente a quello che era stato definito “universo concentrazionario” per definire il funzionamento dei campi di concentramento nel trattamento dei prigionieri, e questo è enfatizzato anche dal fatto che in questo centro militare tutti sono indicati con un numero che viene loro assegnato al momento del loro ingresso. 
   Questo centro militare ha, nell’uso che ne fa l’autrice, una doppia accezione: una che risponde alla definizione di universo concentrazionario e l’altra che, in realtà, deriva dalla prima e che consiste nell’applicazione del concetto esteso all’ambiente della prigione, in linea con il pensiero di Michel Foucault. Un centro militare dove vige la disciplina ferrea e la sorveglianza totale.
   Detto questo, c’è poi la componente tecnica. Margherita Geraci non sembra affatto un’esordiente, ma una scrittrice con piena padronanza dei propri mezzi, al netto di alcuni momenti fuori tono che riguardano Loris e il suo rapporto con l’espressione delle emozioni. Comunque un personaggio complesso da gestire e la cui delineazione è efficace.
   E ora attendiamo il seguito!
 
Immagine gentilmente concessa dall’editore​

Titolo provocatorio, da interpretare, ma in buona sostanza esatto. Per gli addetti ai lavori non è certo una notizia, ma forse in questo anno dantesco non è stato concesso abbastanza rilievo ad un dato di fatto: che non conserviamo alcun testo, o frammento di testo, scritto direttamente da Dante Alighieri. Mi sono accorto in questi mesi, parlando con amici, che questa rivelazione suscitava sempre grande stupore e reazioni che andavano dal complottismo letterario – come facciamo a sapere che la Divina Commedia sia stata scritta da Dante, se non ne possediamo gli originali? ‒ a quello ontologico – ma allora Dante è esistito davvero?
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In filologia, la disciplina che si occupa della ricostruzione dei testi in mancanza degli originali, si definiscono autografi i testi scritti direttamente dall’autore. Come detto, di Dante non possediamo alcun autografo: né della Commedia, né delle altre opere come la Vita Nova, il Convivio, il De vulgari eloquentia o le Egloghe, e nemmeno una delle carte ufficiali che Dante deve aver redatto quando svolgeva incarichi politici a Firenze o nelle città dell’esilio. La mancanza di autografi è uan situazione comune per tutti gli autori classici e per la maggioranza dei medievali – anche se, ad esempio, possediamo autografi petrarcheschi e boccacciani – e lo scopo della filologia è proprio quello di ricostruire, basandosi sulle testimonianze conservate, un testo quanto più simile alla volontà dell’autore. Ma come ricostruirlo?  
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Il filologo deve raccogliere i testimoni, cioè tutte le copie che trasmettono il testo e che non sono mai uguali l’una all’altra, confrontarle tra loro secondo metodi assai precisi e, in modo induttivo, restituire un testo che mira ad essere quanto più simile all’originale. Il metodo però non è del tutto meccanico e possono essere compiuti errori, scelte diverse da parte dei filologi, preferenze accordate all’uno o l’altro testimone: in tal modo risulta impossibile affermare con certezza che il testo che stiamo leggendo corrisponda perfettamente a quello realizzato dall’autore. Teniamo poi presente – ed è il caso di Dante ‒ che, fino all’invenzione della stampa da parte di Gutenberg a metà ‘400, i testi erano realizzati e diffusi solo in forma manoscritta, il che implicava un grandissimo numero di differenze tra un esemplare e l’altro, poiché il copista, vuoi per distrazione vuoi per altre ragioni intenzionali (modernizzare la lingua, assimilare la lingua del testo a quella del proprio uso, censure o interventi ideologici…), non poteva non modificare il testo da cui stava copiando.
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La tradizione testuale dantesca è ricchissima di testimoni, soprattutto per quanto riguarda la Divina Commedia, segno della vasta e precoce diffusione del testo. Essa conta di quasi ottocento manoscritti, molti dei quali risalenti già alla prima metà del Trecento. Il testimone più antico della Commedia è un frammento che riporta appena tre versi (precisamente Inferno III, vv. 94-96) datato 1317, dunque addirittura precedente alla morte del poeta. I tre versi infernali furono trascritti da un notaio, ser Pieri degli Useppi da San Gimignano, in margine ad una sentenza giuridica per occupare la parte finale del foglio, in modo che nessuno potesse intervenire posteriormente per modificare il contenuto del documento: raccolto insieme ad altri frammenti, esso fa parte dei così detti Memoriali bolognesi. Il gran numero dei testimoni e la loro diversità, sia per la veste linguistica, sia per il contenuto dei singoli passi, ha reso assai difficile il lavoro di ricostruzione testuale, in cui si sono cimentati alcuni tra i più grandi filologi italiani. La versione attualmente più diffusa del testo è quella curata da Giorgio Petrocchi nel 1966-1967, La Commedia secondo l’antica vulgata, della quale, fin dal titolo, si comprende la scelta filologica adottata, cioè quella di scegliere e confrontare solo i testimoni più antichi ‒ precisamente quelli anteriori a Boccaccio, che di Dante fu grande studioso ed editore.

La mancata conservazione degli autografi danteschi non può certo dirsi un mistero, viste le condizioni di vita del poeta fiorentino, costretto a spostarsi frequentemente in Italia per via dell’esilio che lo colpì all’alba del ‘300. La stessa vasta circolazione della Commedia, probabilmente diffusa a gruppi di alcune decine di canti mano a mano che l’opera veniva allestita, deve aver favorito la copiatura del testo, elemento che, alla lunga, ha reso meno necessaria la conservazione degli originali. Sicuramente, fino ad un certo momento gli autografi sono esistiti, prima di essere andati distrutti, perduti o dimenticati. Alcuni aneddoti sui manoscritti danteschi della Commedia sono riportati da Boccaccio nel Trattatello in laude di Dante, una biografia e introduzione alle opere del poeta fiorentino, e nella Esposizioni sopra la Comedìa, una raccolta di lezioni tenute da Boccaccio sulla Commedia. In entrambi i testi si racconta prima del fortunoso ritrovamento dei primi sette canti dell’Inferno, realizzati da Dante prima dell’esilio e rimasti a Firenze in uno scrigno, nascosto Gemma, la moglie di Dante, durante le razzie ai beni del poeta; poi del sogno in cui Dante apparve al figlio Iacopo per indicargli il luogo in cui erano riposti gli ultimi canti del Paradiso, apparentemente perduti.
Insomma, la storia degli autografi danteschi nasce all’insegna del mito e dell’avventura: è un argomento che non smette di affascinare e tiene viva la speranza, o forse il desiderio, che, un giorno, possa compiersi il favoloso ritrovamento.

Immagini tratte da:
​Immagine 1: Studio P. Crisostomi
Immagine 2: Arte e Arti
Immagine 3: Biblioteca Trivulziana Castello Sforzesco   ​

di Beatrice Gambogi
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Finalmente il teatro torna ad essere tale: aperto, dal vivo, con il pubblico. “Atti di primavera” è il cartellone di spettacoli, eventi e concerti che il Teatro Nuovo di Pisa presenta alla città. Nonostante le mille difficoltà e la complessità di organizzare una rassegna articolata in così breve tempo, emerge la volontà di mantenere il contatto con la città, i suoi artisti e il suo prezioso pubblico. Dal 7al 30 maggio l'arte tornerà a essere protagonista, nelle sue forme più cangianti ed eterogenee. Dopo il successo del primo weekend della manifestazione di ATTI DI PRIMAVERA, si riparte con il secondo ancora più ricco di eventi.

​Si parte venerdì 14 maggio alle ore 17.30 con il reading musicale di Marco di Stefano direttore e fondatore del Teatro della Comunità e alle 19.30 "Fatti più in là" una commedia composta da una fantastica coppia di attori, Matteo Micheli e Daniela Bertini.  Sabato 15 maggio alle ore 18.00  Marianna Miozzo presenterà una performance site specific creata appositamente per il teatro Nuovo di Pisa, mentre la sera alle 19.30 si viaggia sulle note della tradizione popolare del Maggio con il collettivo folcloristico Montano. maggio. Domenica 16 maggio un altro doppio appuntamento con due spettacoli agli antipodi, alle 11.30 ci sarà Zip della compagnia chicchi d'uva che intratterrà le famiglie con il suo spettacolo "Splash" mentre alle 19.30 si chiude la giornata con uno spettacolo di teatro contemporaneo dal titolo  "Atto ripetuto" regia di Fabio Bonocore del collettivo Voci Sbagliate.

​Il programma completo della manifestazione è in visione sul sito e sulle pagine social del Teatro Nuovo Pisa.Per info contattare: teatronuovopisa@gmail.com e +39 3923233535.

I Biglietti sono acquistabili sul sito di Ciaotickets oppure in biglietteria del teatro aperta il martedì dalle 16.30 alle 18.30 e il venerdì dalle 11.30 alle 13.30.

“Ora so volare” è un libro di Michaela DePrince ed Elaine DePrince, pubblicato nel 2014; si tratta di una storia vera, la biografia di Michaela stessa.  
“Prima di essere Michaela DePrince ero Mabinty Bangura, e questa è la storia del volo che mi ha trasformata da orfana di guerra in ballerina.”
Mabinty nacque nella Sierra Leone, negli anni in cui questo Paese era messo in ginocchio dalla guerra civile; l’istruzione non dava i suoi frutti e i giovani non riuscivano a trovarsi un lavoro, il risultato era una popolazione povera e affamata. Molti uomini in preda alla disperazione, si aggregarono in gruppi di rivolta. Purtroppo queste squadre di uomini ben presto iniziarono ad assaltare, saccheggiare e distruggere i villaggi che incontravano nel territorio. Purtroppo tra quei villaggi ci fu quello di Mabinty, e il padre rimase vittima di un assalto alla miniera in cui lavorava, da parte di questi gruppi rivoluzionari. Mabinty e la madre furono obbligate a trasferirsi a casa dello zio, che aveva svariate mogli, moltissime figlie e un solo maschio, l’unico che rispettava e cresceva con la cura di un padre. Lo zio considerava completamente sprecato il cibo che serviva a sfamare quelle donne, e le picchiava e puniva lasciandole a stomaco vuoto ogni qual volta ne avesse occasione. Soprattutto sfamare Mabinty gli era di peso, per quelle macchie sul corpo con cui era nata. La madre di Mabinty cedeva la propria misera porzione di riso alla figlia, per non farla morire di fame; nonostante questo alla piccola si gonfiarono la pancia e la faccia, sintomi di malnutrizione nei bambini. Presto le condizioni della madre di Mabinty peggiorarono e la piccola rimase orfana. Suo padre, sua madre, due amanti uniti in matrimonio per scelta propria, due genitori istruiti, che credevano nella futura donna che sarebbe stata Mabinty, che sognavano in grande vagheggiando l’America, ora non c’erano più. Lo zio prese Mabinty un giorno, e la trascinò a sua insaputa in un orfanotrofio. Mabinty era più affranta che mai, gli altri piccoli orfani osservavano tutte le sue macchie, non osavano avvicinarsi. Una delle “zie” che si occupavano dei bambini, zia Fatmata, era spietata e crudele, picchiava i bambini e li frustava, li umiliava e li costringeva a vivere in condizioni disumane.  
Il caso, il destino, oppure il vento (dipende dai punti di vista), hanno fatto giungere nelle piccole manine di Mabinty, davanti ai suoi occhi pieni di speranza, l’immagine di una ballerina. Mabinty sentì, capì, vide chiaramente raffigurato davanti a sé, tutto ciò che avrebbe voluto essere, ciò che probabilmente era già. Quel giorno probabilmente, cambiò la vita di Mabinty quasi quanto il giorno in cui venne adottata da una famiglia statunitense. I nuovi genitori di Michaela, la nuova Mabinty, si resero subito conto del suo talento e la fecero avvicinare alla danza. Di qui, nuove sfide e difficoltà per la piccola, costretta a scontarsi coi pregiudizi degli occidentali sui corpi neri, specialmente nel mondo della danza. Sì, perché anche nel Paese evoluto e civilizzato per eccellenza, Michaela ha dovuto assaporare la cattiveria e l’odio della gente.  
Questa è la storia di tanti bambini, che nascono, vivono, crescono in Paesi, famiglie, circostanze sbagliate. Bambini che non hanno niente, che vedono, sentono, vivono di tutto e di più; bambini che a volte pensano che la vita sia solo quella. Ci sono bambini poi, che nascono con un fuoco dentro, proprio come Mabinty, che da piccola orfana maltrattata e abbandonata, è diventata una grande ballerina: Michaela DePrince.

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→ 9 maggio, ore 17 / Teatro Era 
→ 10 maggio, ore 18.45 / Teatro della Pergola
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Stefano Accorsi

GIOCANDO CON ORLANDO – ASSOLO
Tracce, memorie, letture da Orlando furioso di Ludovico Ariosto secondo Marco Baliani

In questo drammatico anno di inattività per i lavoratori dello spettacolo, la Fondazione Teatro della Toscana ha creato, nonostante tutto, le condizioni per continuare a fare Teatro.

Oggi possiamo finalmente annunciare che domenica 9 e lunedì 10 maggio riapriamo nel segno del Teatro d’arte e della Lingua Italiana: il Direttore Artistico Stefano Accorsi sale sul palco del Teatro Era di Pontedera e del Teatro della Pergola di Firenze con Giocando con Orlando – Assolo ovvero tracce, memorie, letture da Orlando furioso di Ludovico Ariosto secondo Marco Baliani.

Questa riapertura è il segno tangibile dei valori che rappresentano la base della nascita di un nuovo teatro che abbiamo tenacemente preparato senza smettere di lavorare un solo giorno.
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Il 10 maggio presenteremo nel dettaglio il nostro progetto, con il programma completo degli spettacoli di maggio e di giugno, in occasione di un incontro in presenza al Teatro della Pergola.

"Tornare a teatro dopo 430 giorni di chiusura è come tornare a respirare dopo essere rimasti senza ossigeno per tanto, troppo tempo, sia per tutti noi che ci lavoriamo che per il pubblico sono molto emozionato, tornare in scena con un testo che amo così tanto e che parla dell’amore in tutte le sue forme mi sembra il modo migliore per riabbracciare tutti quelli che ci saranno"
Stefano Accorsi

Deve essere un’esigenza della maturità quella di vedere la propria vita in prospettiva e finalmente cercare di rispondere alla domanda che fin dalla nascita ognuno di noi si pone: chi sono io? Ed è allora che forse si comincia a meditare una possibile autobiografia nella speranza che ne emerga un quadro tale da poter descrivere appieno la propria coscienza. Rivedere tutto dall’inizio per la prima volta, sapere come si è sviluppato per capire come siamo diventati quel che oggi siamo. 
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​Fonti immagini:
https://biografieonline.it/foto-evelyn-waugh
https://www.bompiani.it/catalogo/autobiografia-di-un-perdigiorno-9788830101791

Il cammino che ci illustra Machado non ha mete, scopi, obiettivi: non culmina in un luogo da raggiungere. Non c’è un criterio da seguire, un passaggio più sicuro, una strada più ombreggiata, magari anche un po’ in discesa. Non ha importanza la partenza, non ha rilievo l’arrivo, ma il percorso che ci lasciamo alle spalle. Quella serie di piccole impronte che si susseguono tra loro, in alcuni tratti più forti e marcate, in altri più rade e lacrimanti. Il cammino infatti non è mai uguale e anche per questo non dovremmo guardare quello degli altri. C’è chi va per un sentiero pianeggiante e corre veloce e fiero nei prati dipinti di verde; c’è chi invece deve proseguire lento, in un tratto scosceso, aguzzo e franabile. C’è anche chi stanco della salita si ferma un attimo a sedere su un masso ed ecco venirne fuori una vipera. C’è chi parte ai piedi della montagna e arriva in cima non ancora appagato; c’è chi invece nasce sulle vette e decide di rotolare senza fine verso il basso. Si può trovare un bastone d’appoggio in salita oppure uno sgambetto in discesa: l’importante, una volta caduti, è rialzarsi e continuare a camminare. Mai fermarsi, soprattutto dove si è stati colpiti, feriti, spintonati per terra.

“Al andar se hace camino,                                                                                                    “Nell’andare si segna il sentiero,
y al volver la vista atrás                                                                                                           e voltando lo sguardo indietro
se ve la senda que nunca                                                                                                       si scorge il cammino che mai
se ha de volver a pisar.”                                                                                                           si tornerà a percorrere.”

Questo camminare senza mai arrivare è quel perpetuo movimento che caratterizza la vita. Il prodotto tra l’andamento che assumiamo e quello che ci propone il contorno. L’unico cammino che esiste è quello percorso, tutti i passi che si sono allineati e le impronte delle mani, di quella volta che si è caduti; le cicatrici di quando non si è scelto bene dove camminare, di quella volta che, affamati, ci si è accontentati del primo vegetale per poi ritrovarsi rannicchiati per terra, con uno di quei grandi mal di pancia che dà a volte la vita. Solo i più fortunati, camminando, trovano una mano tesa e l’afferrano. Poi ci sono i solitari, a cui basta il loro riflesso in uno stagno, sempre meglio di chi incontra per la strada un inganno.

Ne risulta una matassa di cammini intrecciati, annodati, incidentati o mai incontrati. Perché ognuno ha il proprio percorso, ciascuno ha un passo diverso, ma la verità è che siamo tutti chiamati a camminare nello stesso posto.
“Caminante no hay camino” è un invito a non fermarsi, a correre forte oppure camminare piano godendosi il paesaggio circostante. Un invito a non lasciare che uno sgambetto, un tubero velenoso, una mano tesa per inganno, una vipera sibilante ci lascino per terra.

Una riflessione su questa grande metafora del vivere, che fa capire che la vera sfida non è non cadere, ma rialzarsi sempre e continuare a camminare.
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