​Arriva dopo il successo del loro quinto disco "Marassi" e 5 mesi di silenzio il nuovo brano scritto dagli Ex-Otago con la produzione artistica di Matteo Cantaluppi, e segna il ritorno della band che si esibirà dal vivo nell'unica data estiva il 25 maggio al MiAmi Festival di Milano.
Il brano analizza tutti quei rapporti e incontri superficiali, con amici e conoscenti, che ai convenevoli rispondono sempre in maniera positiva e quasi evasiva "tutto bene", ma la vita ci insegna che non va sempre tutto così bene e, a volte, per gli Ex-Otago sarebbe tanto sano quanto bello avere il coraggio di dire quando le cose non funzionano, senza paure, senza pigrizie semplicemente affrontando la realtà per quella che è. Una presa di posizione per avere anche la libertà dire che non va sempre tutto bene.

Succosi dettagli su questo brano che anticipa la prossima uscita di un nuovo album sono stati svelati dal frotman Maurizio Carucci, che in un post su facebook apparso all'interno della sua pagina personale ha regalato ai suoi fan un preludio significativo: 

​Oggi a mezzanotte esce “Tutto bene” il singolo che anticipa il nuovo disco degli Ex-Otago. Un pezzo che mi riporta con un certo orgoglio agli anni 90, quando abitavo a Marassi in Via Robino 89/8 e ascoltavo e mixavo musica dance/progressive tutti i santi pomeriggi, al ritorno da scuola. La cassa dritta, mi serviva oltre che per ballare anche a liberarmi, a protestare, in qualche modo, per me, era uno strumento di lotta. Anni di impennate con lo scooter, di olandesi in piazzetta, di delusioni, e di grandi amori. Anni fondamentali per la mia formazione musicale soprattutto per quanto concerne la scrittura delle melodie. È sempre negli anni 90 che ho capito che le mie ore le avrei spese tra gli alberi e la musica pop.

​di Alice Marrani

​I tour invernali stanno terminando per lasciare spazio alle locations all’aperto. Vi presentiamo le novità della prossima stagione iniziando da Bud Spencer Blues Explosion e The Zen Circus. 

​Bud Spencer Blues Explosion arrivano a giugno reduci dal successo della prima parte del loro tour. Dopo quattro anni d’attesa è uscito a marzo il nuovo album Vivi muori blues ripeti (La Tempesta Dischi). In tour, il duo formato da Adriano Viterbini e Cesare Petulicchio è accompagnato da Francesco Pacenza al basso e alla voce e Tiziano Russo alle tastiere e alla voce. Si riconfermano originali, energici e diretti. Sul palco possono essere due oppure quattro ma la potenza sonora in un loro concerto non viene mai a mancare.
È uscito a maggio il loro nuovo singolo insieme a Davide Toffolo, “Io e il demonio”, ultimo estratto dal disco.
 
01/06/2018 Bologna – Biografilm Park – Bio Parco
05/06/2018 Cagliari - Ateneika
07/06/2018 Bassano del Grappa (VI) - AMA Festival
08/06/2018 Olgiate Molgora (LC) - La Sbiellata
09/06/2018 Montecassiano (MC) - Svicolando
22/06/2018 Montepulciano (SI) - Konca Music Fest
05/07/2018 Cuneo - Nuvolari
12/07/2018 Roma - Villa Ada
13/07/2018 Arezzo - Mengo Music Festival
14/07/2018 Biella - Reload Festival
19/07/2018 Mira (VE) - Mira On Air
20/07/2018 Ambria (BG) - Ambria Music Festival
27-28/07/2018 Vasto (CH) - Siren Festival
04/08/2018 San Martino Valle Caudina (AV) - Future Waves
05/08/2018 Lamezia Terme (CZ) - Color Festival

​Se siete loro fan e vi siete persi una delle sette date dell’ultimo tour firmato The Zen Circus ci sono in programma sedici occasioni per rimediare. Dopo la partecipazione al Concerto del Primo Maggio di Piazza San Giovanni a Roma e sulla scia del grande successo di Il fuoco in una stanza (Woodworm Label/La Tempesta), loro ultimo disco uscito a marzo, il sette giugno partiranno da Cagliari con un calendario ricco di nuovi concerti in tutta Italia.
 
07/06/2018 Ateneika
14/06/2018 Padova - Sherwood Festival
06/07/2018 Comunanza (AP) - Mazzumaja
13/07/2018 Pescara - Terrasound
20/07/2018 Roma - Ardeforte
02/08/2018 Livorno - Effetto Venezia
04/08/2018 Lamezia (CZ) - Color Fest
07/08/2018 Molfetta (BA) - Eremo Club
08/08/2018 Melpignano (LE) So What Festival
09/08/2018 Teatro Greco di Tindari (ME) - Indiegeno Fest
23/08/2018 Riolo Terme (RA) - Frogstock Festival
24/08/2018 Brescia - Festa di Radio Onda d'Urto
25/08/2018 Vinadio (CN) - Balla coi Cinghiali
01/09/2018 Reggio Emilia - FestaReggio
02/09/2018 Prato –Settembre/Prato è Spettacolo
06/09/2018 Milano - Carroponte / Festa di Radio Popolare
 
 
Foto di Ilaria Magliocchetti, Big Time

Potrebbe interessarti anche:

di Carlo Cantisani

Quattordici anni sono un lungo periodo di tempo all’interno dell’attuale mercato discografico. Pochi artisti – i più longevi, di solito - possono permettersi archi di tempo di semi-inattività così ampi, inframmezzati magari soltanto da uscite minori come best of, live, qualche singolo sparso estemporaneo, split e così via. A “sopperire” a questo vuoto di pubblicazione, da qualche tempo, ci pensano però i social network: attraverso foto, video, commenti e post, gli artisti rimangono sempre in contatto col loro pubblico, o, più che altro, sempre “in vista” e in evidenza, catturando comunque l’attenzione della scena internazionale. L’importante è far parlare di sé, sempre e comunque, indipendentemente dalla musica che si crea.
Per gli A Perfect Circle il tempo non è mai stato un grosso problema. Billy Howerdel e Maynard James Keenan hanno sempre ribadito che le loro uscite sarebbero venute fuori al momento opportuno, dettate, cioè, dalla reale necessità artistica di doversi esprimere anziché dalle scadenze contrattuali. Un’attitudine – almeno apparentemente – senza compromessi, un “prendere o lasciare” che i numerosi fan hanno imparato sin da subito ad accettare, e che ha consentito ai due (soprattutto a Keenan) di rivestire i panni degli idoli e dei profeti dell’alternative rock americano del XXI secolo. La stessa attitudine, inoltre, che muove l’altra band del cantante, i Tool, anche loro attesi spasmodicamente ormai da dodici anni. Se questi due gruppi, speculari e complementari, possono permettersi oggi di prendersi tutto il tempo che vogliono è perché sono gli stessi fan a concederlo loro, forti soprattutto di un rapporto di reciproca fiducia con gli ascoltatori che, a volte, è al limite dell’idolatria. Fiducia che poi, a conti fatti, è stata sempre ripagata, grazie a grandissimi album e a delle discografie che hanno segnato la storia del rock degli ultimi venti anni. Consapevoli di tutto ciò, A Perfect Circle e Tool continuano imperterriti sulla loro strada, noncuranti delle mode del momento e fregandosene di dare anche solo di sfuggita un’occhiata al panorama musicale che li circonda.
Probabilmente è anche per questo che Eat The Elephant, il quarto e ultimo album del progetto di Howerdel e Keenan, sembra quasi sbucato dal nulla e di soppiatto, senza grandi proclami pubblicitari. Una pubblicazione che si potrebbe definire “fuori contesto”, nel senso che non trova connessioni forti con ciò che domina oggi e va più per la maggiore nel panorama musicale internazionale, dominato dalla nuova ondata hip hop americana capitanata da Kendrick Lamar, moda trap, commistioni elettroniche e rigurgiti anni ’80. Proprio come la mortifera figura di Maynard James Keenan contrasta evidentemente col bianco dello sfondo della copertina, così il disco si pone fieramente a distanza – o meglio, di lato – rispetto a ciò che caratterizza il pop degli gli ultimi anni. Non sono molti i dischi di matrice puramente rock, dominati cioè dallo strumento chitarra, oggi capaci di intercettare e rappresentare determinati sentimenti collettivi, a meno che non siano targati Radiohead e per questo motivo, così come tanti altri ipotizzabili, una nuova uscita targata A Perfect Circle, che, per fama, di certo non sono i Radiohead e si rivolgono a un pubblico più ristretto, risulta un evento in sé, visto anche il modus operandi della band, sempre a metà fra mondo mainstream e quello underground. Il gruppo californiano parla solo ed esclusivamente con il suo peculiare linguaggio e solo coloro disposti ad ascoltarlo – sembra dire il gruppo – potranno goderne davvero appieno.
Questa volta il linguaggio A Perfect Circle trova una veste nuova, anche se non completamente inedita per due motivi principali: Eat The Elephant riesce a mantenere vivo un legame con Emotive del lontano 2004, recuperandone sottotraccia (ma poi mica tanto) il discorso, ampliandolo ulteriormente, e, inoltre, mantenendo perfettamente integro quel mix unico di sentimenti fra malinconia, rabbia, sconforto, vulnerabilità e disillusione. Qui le chitarre si fanno da parte relegandosi intelligentemente sullo sfondo, costituendo insieme alle tastiere quell’ambiente sonoro dove la sezione ritmica di Matt McJunkis al basso e Jeff Friedl alla batteria suona piena e compatta, e dove, soprattutto, la voce di Keenan svetta in primo piano. Il lavoro di quest’ultimo è particolarmente encomiabile, senza assolutamente nulla togliere agli altri membri, soprattutto a Howerdel, il vero motore della band, ma è da sottolineare il fatto che molto del fascino dell’album è dato dalle melodie vocali e dall’interpretazione altamente personale che qui il cantante riesce a dare ancora una volta, tanto che in alcuni episodi sembra che i pezzi siano stati costruiti proprio intorno alla voce. La commistione di questi elementi dà luogo ad un album differente dagli altri, con suoni più morbidi, soffusi, a cavallo fra rock ed elettronica, dove l’abusata e vuota etichetta di alternative rock perde tutto il suo significato in favore di una musica altamente personale, fatta con eleganza e classe navigata. Le ombre di David Bowie (quello da Hours… in poi), dei Depeche Mode, dei The Cure, dei R.E.M., del post-punk e di chissà quanti altri artisti giocano a nascondino fra le pieghe delle composizioni, rimaneggiati e rivisti secondo una propria ottica e non con mero citazionismo. Basterebbe l’iniziale title track per rendersi conto che quest’ultimo lavoro è destinato a dividere gli ascoltatori: l’attacco affidato al pianoforte è spiazzante, irruento nella sua inaspettata delicatezza, continuando poi in punta di piedi con un tono quasi da ballad su una batteria quasi jazzata. Oppure l’elettronica acida di Hourglass, l’andadura quasi hip hop e gli scratch di Get The Lead Out e il continuo oscillare fra rabbia contenuta e delicatezza di un pezzo formalmente perfetto come The Doomed. Per non parlare poi di So Long, And Thanks For All The Fish, il vero e proprio pomo della discordia per chiunque ami i dischi passati del gruppo per via della melodia che lo caratterizza, quasi sfacciata nella sua spensieratezza. Ma proprio questa canzone può, forse, essere vista un po’ come il simbolo dell’intero album, perché dietro a una superficie accomodante, luminosa e compiacente si cela, invece, un cuore solcato da ombre, inquietudini e aspetti irrisolti che Maynard, con i suoi testi, rintraccia in noi stessi e nella società in cui viviamo. Per chi, comunque, volesse sentirsi a casa ci sono brani come TalkTalk, Disillusioned o Delicious, dove è possibile rintracciare gli spettri degli A Perfect Circle che furono, ma mai, nonostante tutto, preponderanti. E questo non può che essere un bene, perché, superato lo scoglio dei primi ascolti in cui ci si può ritrovare spiazzati, successivamente il disco sa regalare tutto il suo valore, ascolto dopo ascolto, lentamente.
Se alla fine il risultato suoni stucchevole e artificioso oppure, al contrario, emozionante e coinvolgente, dipenderà essenzialmente dalla sensibilità, dai gusti e dall’orecchio di ognuno; una cosa però rimane ed è la capacità degli A Perfect Circle di non accontentarsi e adagiarsi sugli allori nonostante ne possano avere sempre l’occasione, di costruire album all’apparenza semplici ma che nascondono un’anima complessa, di muoversi fra luce ed ombra in maniera consapevole. Di lanciare a ogni disco sempre nuove sfide ai propri ascoltatori, e di questo bisognerebbe ringraziarli.

A Perfect Circle – Eat The Elephant (BMG, 2018)

1. Eat The Elephant
2. Disillusioned
3. The Contrarian
4. The Doomed
5. So Long, And Thanks For All The Fish
6. TalkTalk
7. By And Down The River
8. Delicious
9. DLB
10. Hourglass
11. Feathers
12. Get The Lead Out

Immagine tratta da: http://spillmagazine.com/

Buio. Una luce illumina Alessandro Mannarino, solo al centro del palco. Roma, in penombra, chitarra e voce, diventa un’altra suggestiva Marylou. Piano piano compare la band dietro di lui in un insieme di ombre velate, i suoni si sommano uno dopo l’altro fino ad avvolgere la bandiera che sventola alta sul palco sopra Apriti Cielo. Così inizia il concerto del cantautore romano a Firenze lo scorso cinque maggio, una delle ultime tappe del tour “L’impero crollerà”. In realtà è già la terza sul palco del Teatro Verdi, dopo il doppio sold out del 26 e 27 marzo.

Il pubblico segue lo snocciolarsi della scaletta per le due ore del concerto. Unione calibrata fra il nuovo e il vecchio, fra il riflessivo e l’energico, fra il teatrale e il musicale, fra il semplice e il complesso. Dall’ultimo “Apriti Cielo” a “Il Bar della rabbia”, un pezzo di tutta la storia artistica di Mannarino entra sul palco e si fonde perfettamente in un unico mondo, in un unico percorso artistico e umano fatto di quasi dieci anni di evoluzione e crescita che inevitabilmente si sentono nel suo ultimo disco in studio. Da Babalù a Al monte, da Il carcerato a L’impero crollerà, da L’arca di Noè a una finale Me so’ mbriacato diventata immancabilmente corale. Apparentemente semplici soggetti, complessi i contesti. Se “impero” può avere tante accezioni e tante sfumature qui sono tutte presenti. Sono vivi i confini, di qualsiasi tipo, quelli che chiudono, quelli da attraversare e quelli da far crollare. Soprattutto sono vive le voci di cosa e di chi contengono. Quelle che canta Mannarino sono storie senza tempo di uomini e donne semplici, a volte intrise di una non celata malinconia; hanno il sapore di un’ingiustizia sociale, di culture diverse, di donne e carcerati, di viaggi e di amore. Sono racconti imbevuti di realtà con i quali Alessandro riesce ad arrivare, nelle tematiche che affronta, in un piano emotivamente più profondo di quello che superficialmente appare. La sua voce racconta con una nota confidenziale, a volte sommessa, a volte parlata. Il pubblico seduto segue con attenzione e in alcuni momenti non riesce a rimanere al suo posto, si alza, balla, canta.

Poche parole, tutta musica. L’intenzione, con questo nuovo tour, era quella di creare un’atmosfera intima, inedita, sperimentale e credo che Mannarino abbia raggiunto gli obiettivi prefissati. Si prende il tempo solo alla fine per ringraziare il pubblico e il modo nel quale ha accolto questo inedito modo di essere. Spiega questo suo “manifesto del cambiamento”, un modo di pensare non troppo razionale che il mondo occidentale ha troppo spesso dimenticato, uno spogliarsi di tutto (anche dell’immancabile cappello) per provare a dare al pubblico una cosa diversa, una visione diversa di sé stesso e della sua musica. Lo svelarsi sul palco di un teatro non deve essere stata una scelta così semplice ma, a tour ormai concluso (l’ultima data è stata quella di Bologna dell’8 maggio), possiamo dire che se questo voleva essere un esperimento è sicuramente riuscito. Facendo un bilancio degli ultimi anni, può sicuramente considerarsi soddisfatto. Se vogliamo considerare l’ultima parte della sua carriera, dall’uscita del disco “Apriti Cielo” per continuare con il successo del tour che ha portato all’uscita di “Apriti Cielo Live” e adesso di questo “L’impero crollerà” si può dire ormai certa una forte ascesa di consenso e di pubblico. Si riconferma, un artista in evoluzione che continua a crescere e a mettersi in gioco. Nel frattempo, si avvicina il Gran finale all’Ippodromo delle Capannelle di Roma, il prossimo 25 luglio. Un grande concerto per salutare un periodo di grande successo, prima di sparire per un po’ in cerca di nuove storie da raccontare.

Immagini tratte da:
 https://www.facebook.com/officialMannarino/

di Alice Marrani

​Dopo due sold out a marzo, Mannarino torna al Teatro Verdi di Firenze domani, sabato 5 aprile.
Il nuovo concept tour, L’impero Crollerà, è partito il 23  marzo da Fermo  e segue l’uscita del suo primo disco live Apriti Cielo Live.
L’album uscito lo scorso ottobre è un cofanetto: oltre ai brani di Apriti Cielo, due dischi contengono il racconto di quello che è stato un lungo tour che ha portato il cantautore romano in giro per l’Italia collezionando oltre diecimila presenze. 

La parola “impero” è presente in varie canzoni, simbolo e metafora di un immaginario che fa da sfondo a molte delle sue storie. Un mondo fatto di voci e suoni che, per questo ritorno sul palco, Mannarino sceglie coraggiosamente di mostrare in una dimensione più intima. Un’atmosfera inedita che può donare al suo pubblico uno spettacolo, l’esperienza di una nuova tappa,  in quello che continua ad essere un percorso artistico in continua evoluzione.
Per maggiori informazioni sul concerto:
www.bitconcerti.it
www.teatroverdionline.it
​

​Dieci secoli di storia, tra artigianato, commerci internazionali e trasformazioni culturali: si apre sabato 5 maggio la più grande mostra sulla ceramica mai realizzata in Italia, “Pisa città della ceramica. Mille anni di economia e d’arte, dalle importazioni mediterranee alle creazioni contemporanee”. Il progetto, realizzato dalla Società Storica Pisana, si sviluppa lungo sei mesi, fino al 5 novembre, in quattro sedi espositive principali (San Michele degli Scalzi, Palazzo Blu, Camera di Commercio di Pisa, Museo Nazionale di San Matteo), con oltre 500 pezzi in mostra, un cartellone di eventi dedicati a tutte le fasce di età, percorsi guidati in città e nel territorio pisano alla scoperta di inediti palazzi, chiese decorate da bacini ceramici, esempi di archeologia industriale e ceramisti ancora in attività, ma anche un sito web fruibile da smartphone, con mappe personalizzabili per costruire in autonomia il proprio itinerario di visita. La mostra, infatti, invita a rileggere un intero territorio, che fu un’avanguardia nella tecnica destinata a cambiare le abitudini dell’Occidente, cominciando dalla tavola, per diventare un settore trainante per l’economia: la produzione della ceramica. 

“La città di Pisa è stata un’avanguardia in questo settore – dichiara Andrea Ferrante, assessore alla cultura del Comune di Pisa – nel futuro sarà importante connettere il sapere con il saper fare: questa mostra è un’occasione per valorizzare la tradizione del territorio”.

L’inaugurazione ufficiale è fissata per sabato 5 maggio alle ore 18 nelle sedi di San Michele degli Scalzi, Palazzo Blu e Museo Nazionale di San Matteo, mentre l’esposizione alla Camera di Commercio aprirà al pubblico venerdì 1° giugno. Ad aprire il cartellone di eventi collaterali, in una sorta di anteprima della mostra, il 5 maggio prossimo, sarà la presentazione della nuova edizione di una delle opere letterarie più importanti del Medioevo pisano, il Liber Maiorchinus de gestis Pisanorum illustribus, composto all’indomani dell’impresa balearica (1113 – 1115), a sottolineare i profondi legami della produzione ceramica pisana del Duecento con gli ambienti islamici di area spagnola (Palazzo Gambacorti, Sala delle Baleari, ore 15.30). 

“Attraverso questa mostra – dichiara Gabriella Garzella, Presidente della Società Storica Pisana - intendiamo raccontare la lunga storia di Pisa come città della ceramica, rivolgendoci a un pubblico il più ampio possibile, di cittadini e turisti, di studenti e studiosi, di curiosi e collezionisti”. 

Il cuore della mostra sarà il Centro Espositivo San Michele degli Scalzi (viale delle Piagge), adiacente ai resti dell’ultimo baluardo della produzione in città, la fabbrica della Richard Ginori. L’allestimento si snoderà nei locali disposti intorno all’antico chiostro, con vista sul campanile decorato dai bacini ceramici, ripercorrendo la storia di una produzione manifatturiera e artistica che ha caratterizzato Pisa e il suo territorio a livello nazionale e internazionale dal primo medioevo sino al XX secolo. Tra postazioni tattili, video e gigantografie d’impatto, sarà possibile approfondire le tecniche utilizzate prima dell’anno Mille, l’espansione del settore lungo il fiume Arno prima e sulle rotte del Mediterraneo poi, fino all’età industriale.

L’arte pisana della ceramica, nata già in età antica, affonda infatti le radici del suo sviluppo nelle importazioni via mare da aree islamiche e bizantine. In principio furono le “Maioliche”, manufatti realizzati prevalentemente per uso alimentare, con coperture vetrificate colorate, chiamate così per la provenienza dall’Isola di Maiorca. Acquisite le tecniche, all’inizio del Duecento i ceramisti pisani, primi in Toscana e tra i primi in Italia, avviano un’eccellente produzione di ceramica decorata. Ben presto gli “allievi” pisani superano i “maestri” spagnoli cominciando ad esportare in tutto il bacino del Mediterraneo. Rinnovatasi nel corso dei secoli, la produzione ceramica pisana si espande fino all’Ottocento, conquistando l’Europa e le Americhe. Di epoca più recente la nascita di piccole fabbriche, in grado di rispondere al fabbisogno locale, ma anche di proseguire nelle esportazioni di manufatti di valore artistico: un panorama in cui s’impone tra primo e secondo dopoguerra il grande sviluppo industriale della Richard-Ginori. ​

Al nucleo principale di San Michele degli Scalzi faranno eco il Museo Nazionale di San Matteo (piazza San Matteo in Soarta, 1), con la sala espositiva dei “bacini ceramici” riallestita per l’occasione, e Palazzo Blu (lungarno Gambacorti, 9) con un percorso dedicato alle più antiche ceramiche medievali provenienti da scavi recenti praticati in zona. Il Novecento sarà invece protagonista nella sede della Camera di Commercio di Pisa (piazza Vittorio Emanuele II, 5), che ospiterà una sezione espositiva dedicata alle produzioni tardo ottocentesche e novecentesche, compresi una serie di oggetti di uso quotidiano, come pipe, lampade e strumenti di vario genere, oltre ad una serie di incontri con i ceramisti contemporanei attivi in area pisana e mediterranea (dal 1° giugno). Altri incontri di approfondimento, tenuti da esperti italiani e stranieri, coinvolgeranno le diverse sedi museali e la Biblioteca comunale. 

“Questa mostra – spiega Monica Baldassarri, curatrice del progetto - ricostruisce il quadro corale di una dimensione produttiva, sociale e anche artistica che - attraverso varie fasi storiche - ha coinvolto centinaia di uomini e donne, comprendendo opere all’avanguardia per tecnica e iconografia, destinate alle élites cittadine, italiane ed europee, e prodotti più seriali che sono stati fabbricati ‘in massa’ e distribuiti capillarmente, costituendo un settore economico importante per Pisa e per tutta la Toscana”. 

"La varietà di forme e decori visibile attraverso le ceramiche di importazione mediterranea – aggiunge Marcella Giorgio, coordinamento scientifico della mostra - consente di cogliere la complessità del mondo medievale in cui essi furono creati, con tecniche all'avanguardia per l'epoca e sconosciute sul territorio italiano".

Per tutta la durata della mostra sarà inoltre possibile fruire di una serie di “percorsi della ceramica” in città e negli immediati dintorni, alla scoperta di chiese decorate da bacini ceramici, case-torri in cui è impiegato il cotto decorato, edifici del primo Novecento impreziositi da elementi ceramici e centri produttivi del territorio limitrofo. 

La tradizione ceramista pisana infatti in età moderna si espande anche al territorio, conoscendo particolare fortuna tra ‘600 e ‘800 con l’apertura di numerose botteghe in alcuni dei centri del basso Valdarno. La capillarità delle produzioni ceramiche locali permette di creare un percorso ideale lungo le sponde dell’Arno (“Un fiume di ceramiche”), che a partire da Vicopisano (con le produzioni di San Giovanni alla Vena), si snoda attraverso le realtà artigianali che caratterizzano le tradizioni di Calcinaia, Pontedera, Montopoli in Valdarno, S. Maria a Monte, Castelfranco di Sotto, per arrivare fino a S. Miniato e Fucecchio, tutti luoghi che ospiteranno allestimenti ed eventi paralleli alla mostra principale. 
​
L’evento è realizzato insieme con la Soprintendenza ABAP di Livorno e di Pisa e il Polo Museale Fiorentino, con il sostegno della Fondazione Pisa, del Comune di Pisa e della Camera di Commercio di Pisa. Ha ricevuto il sostegno e la collaborazione di Acque S.p.A., di club di servizio (Rotary, Lions, Soroptimist e Innerwheel di Pisa e del territorio) e di altre associazioni culturali cittadine (Archeoclub di Pisa, Amici dei Musei e dei Monumenti Pisani), oltre che di alcune ditte del settore produttivo e dalle sedi locali dei soci Coop.
Hanno aderito e partecipano all’iniziativa diffusa sul territorio i Comuni di Vicopisano, Calcinaia, Santa Maria a Monte, Castelfranco di Sotto, Montopoli in Val d’Arno, San Miniato e Fucecchio insieme ai loro musei e aree archeologiche, oltre alla Diocesi di San Miniato per mezzo del suo museo. La mostra è patrocinata dal MiBACT, dalla Regione Toscana e dall’Università di Pisa.

Info e programma completo: www.pisacittaceramica.it
Mail: info@pisacittaceramica.it; jenny.delchiocca@cfs.unipi.it
Prenotazioni: pisacittaceramica@gmail.com 
Biglietti: accesso gratuito al centro SMS e alla sede espositiva presso la Camera di Commercio, e biglietto ridotto al Museo Nazionale di San Matteo e a Palazzo Blu – esposizione permanente
giorno di chiusura per tutte le sedi: lunedì 
SMS: da maggio a luglio e da settembre a novembre - martedì e giovedì dalle ore 9:00 alle ore 13:00 e dalle ore 15:00 alle 17:00; il mercoledì e il venerdì dalle ore 9:00 alle ore 13:00; il sabato e la domenica dalle ore 10:00 alle ore 13:00 e dalle ore 15:00 alle ore 18:00 (ultimo ingresso 30 minuti prima della chiusura). Nel mese di agosto aperto sabato e domenica dalle 18:00 alle 22:00. 
Camera di Commercio: aperta a partire dal 1° giugno 2018; da martedì a sabato, con orari in via di definizione.
Museo Nazionale di San Matteo: feriali: 8:30 - 19:30; festivi: 8:30 - 13:30 (ultimo ingresso 30 minuti prima della chiusura) Chiusura: ogni lunedì. Per informazioni specifiche Tel. 050 541865, pm-os.museosanmatteo@beniculturali.it
Palazzo Blu: Le collezioni della Fondazione Pisa sono fruibili dal martedì al venerdì dalle ore 10:00 alle ore 19:00 e il sabato e la domenica dalle ore 10:00 alle ore 20:00 (ultimo ingresso un'ora prima della chiusura). Chiuso nel mese di agosto.  Per informazioni specifiche tel. +39 050 220.46.50; info@palazzoblu.it

Per info solo su orari di apertura: 
SMS: http://www.comune.pisa.it/en/ufficio-scheda/2574/SMS-Centro-Espositivo-San-Michele-degli-Scalzi.html
Camera di Commercio (Società Storica Pisana): tel. 050/2215469, lunedì 15:30-18:30; martedì 10:00-13:00
Museo Nazionale di San Matteo: http://www.polomusealetoscana.beniculturali.it/index.php?it/204/pisa-museo-nazionale-di-san-matteo
Palazzo Blu – esposizioni  permanenti: https://palazzoblu.it/le-collezioni-2/

Per i Comuni e i Musei del Basso Valdarno coinvolti si vedano le info sui seguenti siti internet:
http://www.comune.calcinaia.pi.it/cultura/museo-della-ceramica/2920
http://www.valdarnomusei.it/categorie.php?modulo_attuale=corsi
http://www.comune.montopoli.pi.it/museo-civico
http://www.comune.santamariaamonte.pi.it/page.php?id=862
http://www.beniculturali.it/mibac/opencms/MiBAC/sito-MiBAC/Luogo/MibacUnif/Luoghi-della-Cultura/visualizza_asset.html?id=155922&pagename=57
http://www.sanminiato.chiesacattolica.it/toscana/san_miniato/00020065_Museo_Diocesano.html
http://www.comune.fucecchio.fi.it/site/museo.asp

di Carlo Cantisani

​“La loro musica è come un cuscino surreale”. Jerry Garcia dei Grateful Dead definì con queste parole i Jefferson Airplane nella seconda metà degli anni ’60. Una definizione azzeccata, che divenne il nome del secondo album di Grace Slick e soci: era nato, nel febbraio 1967, Surrealistic Pillow, svolta artistica e commerciale per il sestetto americano e bandiera di un’intera generazione, quella hippie, basata su pacifismo, libertà sessuale e sull’uso di sostanze psicotrope. I Jefferson Airplane erano la quintessenza del rock psichedelico, genere che tramite il massiccio uso di effetti, lunghi brani strumentali e sonorità della tradizione orientale, rinnovava blues e folk sconvolgendo il vetusto rock ‘n’ roll. La loro musica seppe fare da colonna sonora a molti dei principali eventi che videro protagonista la nascente controcultura degli anni ’60 – fra tutti, lo Human Be-In e la Summer of Love dell’estate del ’67 – e due fra i brani di quel disco, Somebody to Love e White Rabbit, divennero inni all’amore libero, alla potenza dell’immaginazione e al pensiero libero da qualsiasi condizionamento. Il comunitarismo rappresentato dalla convivenza di tutti i membri presso quello che era la loro casa-ufficio e studio di registrazione, gli stretti legami con la comunità di Haight-Asbury (il distretto di San Francisco dove era nato il movimento hippie), la presenza di una sola donna – la cantante Grace Slick e, prima di lei, di Signe Toly Anderson -  in un gruppo a prevalenza maschile: tutti elementi in cui era facile intravedere i presupposti ideologici in voga negli anni ’60. Il festival di Monterey, due anni prima di Woodstock dove pure il sestetto si esibì, inaugurò la Summer of Love californiana, e proprio su quel palco i Jefferson Airplane consacrarono la loro musica a inno generazionale di fronte a migliaia di persone.

​Nonostante il sei ottobre 1967 la stessa comunità di Haight-Asbury celebrava la morte del movimento hippie, con tanto di funerale e di comunicato, di pari passo con l’impianto ideologico del sestetto andava crescendo e trasformandosi la sua musica: After Bathing at Baxter’s, del novembre 1967, nove mesi dopo Surrealistic Pillow, marcò il punto di non ritorno per i Jefferson Airplane. La copertina dell’album, concepita dal cartoonist Ron Cobb, sembra indicare già l’idea del gruppo che, sorvolando dall’alto la scena musicale, si allontana dal suo passato fatto di canzoni dal piglio pop e molto catchy, per dirigersi invece verso lidi a lui inesplorati, fatti di sperimentazioni zappiane (i JA ammiravano Frank Zappa), un suono più duro e compatto e una raffinata tecnica strumentale che permetteva di arricchire e modellare i suoni in maniera ancora più personale. È indicativo il fatto che, da questo disco in poi, i singoli del gruppo non replicarono i successi di quelli di Surrealistic Pillow, proprio per il loro essere poco radio friendly. Mesi dopo, l’uscita di Crown of Creation, nel settembre 1968, non fa altro che ribadire ancora di più queste intenzioni, e il quarto album può essere visto come la summa di tutto l’universo Jefferson Airplane, sia musicalmente che politicamente. Debitore, nella sostanza, di After Bathing at Baxter’s, nella forma i pezzi di Crown of Creation fanno intravedere tutta la maturità di una band sicura delle proprie capacità, che non si preoccupa di inseguire a tutti i costi ritornelli orecchiabili o le facili melodie dall’atmosfera bucolica e folk, ma che gioca piuttosto con la psichedelia in maniera estremamente personale. Qui gli hippie incontrano i freaks, il flower power sembra mostrare i “muscoli” come se volesse urlare tutto lo sconforto non solo verso l’ottusa mentalità dell’epoca ma anche verso sé stesso. I Jefferson Airplane sono consapevoli, in fondo, che il rischio di veder tramontare il sogno della loro generazione è possibile ma non sembrano ancora rassegnarsi; d’altronde, Slick, Kantner o Kaukonen non sono Jim Morrison, e le visioni della fine e del tramonto di un’epoca proprio di quest’ultimo non appartengono alla loro sensibilità. Anzi, da una parte il titolo potrebbe essere riferito alla giovane generazione del ’68, quel “coronamento della creazione” capace di non ricadere negli errori dei padri e di poter costituire, quindi, una nuova speranza per un mondo diverso; ma dall’altra, potrebbe essere un’ironica e cinica allusione allo stato in cui versa il mondo, solcato da guerre inutili e sanguinose (quella del Vietnam, ad esempio), da continue ingiustizie sociali e destinato quindi all’autodistruzione, come la copertina dominata dal fungo atomico – all’opposto della spensieratezza di quelle del secondo e terzo album – indicherebbe chiaramente. Il testo del pezzo che dà il titolo all’album si rifà, inoltre, al romanzo dello scrittore inglese John Wyndham, The Chrysalids, dove in un futuro post-atomico una comunità religiosa fondamentalista persegue tutti i mutanti e i “diversi”: gli ideali hippie di pacifismo e amore universale trovano qui una nuova via attraverso altre forme di ispirazione che torneranno, inoltre, in futuro, in particolare in Blows Against the Empire a nome Jefferson Starship. Triad e Lather sono due altri pezzi chiave del disco, dove il lirismo della musica fa risaltare ed eleva in maniera quasi cristallina le parole dei testi: la prima, scritta da David Crosby e rifiutata dal suo gruppo, i The Byrds, perché ritenuta troppo esplicita, fu subito difesa da Grace Slick e adottata a tal punto che la cantante ne capovolse i rapporti descritti nel pezzo, mettendo al centro la figura femminile come fulcro del triangolo amoroso con due uomini; la seconda, con leggerezza e attraverso giochi di parole, è una riflessione sul significato di diventare adulti in un mondo che invece esalta la giovinezza, rischiando così di perdere quell’originaria innocenza in nome degli standard sociali nei quali si è costretti una volta diventati trentenni. Per non parlare di The House at Pooneil Corners, uno dei pezzi più drammatici della band, un’ossessiva e cadenzata elegia funebre che getta inquietanti ombre su un mondo disilluso visto dagli occhi del gruppo. Crown of Creation, a volte poco tenuto in considerazione, è forse il parto più inquieto dei Jefferson Airplane, quello più maturo perché maggiormente consapevole di ciò che stava accadendo al volgere degli anni ’60. Con spirito anticipatore, guardava già al decennio successivo, dove la controcultura e il sogno hippie si persero definitivamente e il volo dei Jefferson Airplane si preparava ad abbandonare la Terra.
 
Jefferson Airplane – Crown of Creation (RCA Victor, 1968)

1. Lather
2. In Time
3. Triad
4. Star Track
5. Share a Little Joke
6. Chushingura
7. If You Feel
8. Crown of Creation
9. Ice Cream Phoenix
10. Greasy Heart
11. The House at Pooneil Corners

​Immagine tratta da: i.pinimg.com

Percorsi Musicali è il centro musicale polivalente di Livorno che ospita professionalità di alto livello nel campo della produzione multimediale ed è punto di riferimento per tutti i musicisti attivi sul territorio.​
IlTermopolio ha avuto il piacere di intervistarne i fondatori in occasione di una delle serate dedicate all'Open stage & SPL Contest, cui il nostro blog è partner assieme a  RadioCanale7.

Come è nata l’idea Percorsi Musicali?
Greta L’idea nasce da tre fondatori: noi due, Greta Merli e Lorenzo Porciani, e Simone Ricci, che è stato il nostro insegnante di chitarra. Volevamo creare un centro polifunzionale ma la prima sede era troppo piccola per poterlo essere effettivamente: c’era tanta scuola e poco spazio. Ci siamo così trasferiti in questa nuova struttura: siamo più vicini alla città, ma non troppo visto il tipo di attività. L’intento è stato quello di creare un posto bello, accogliente, con tutte quelle caratteristiche che noi da giovani non potevamo permetterci.
Lorenzo Questo capannone ha molta storia: è uno dei primi capannoni di Livorno e siamo nella zona proto-industriale della città. È un edificio che ha più di 100 anni: al suo interno è presente anche una lapide a memoria di un bombardamento del 1943 che causò numerose vittime. Qui dove si trova il palco c’era la fornace del complesso. Ci siamo trasferiti qui nel 2012: il posto era disastrato ma un poco alla volta lo stiamo rimettendo a posto.

Percorsi Musicali ha al suo interno varie “zone”, giusto?
Greta È un centro polifunzionale: tra le sue funzioni ci sono le sale prove, la parte della didattica divisa in sei dipartimenti (Musica Moderna, Classica, Jazz e Per l’Infanzia, Tecnologia Musicale, Musicoterapia) e questi due opposti sono uniti dal collante fondamentale rappresentato dallo studio di registrazione. È poi presente un auditorium: in quest’area live non solo facciamo i concerti della scuola, ma anche concerti dedicati alle sale prove, come il contest, ed eventi esterni.
​
Avete avviato un progetto chiamato Bending DEMOcrazia musicale, di cosa si tratta?
Lorenzo Il progetto è nato il 9 novembre del 2015 da un’idea di Alessio Santacroce, musicista, autore e giornalista, il quale aveva curato per il Tirreno una rubrica dal titolo Demo recensendo una marea di gruppi. Da qui è nata l’idea di far diventare questa rubrica qualcosa di più: abbiamo così ideato un format, poi trasmesso su Mondo Channel-Livorno tv (canale 190). Il palco è stato diviso in tre zone e sono stati allestiti così i tre set della trasmissione. I musicisti hanno scritto le loro canzoni, mandate in onda assieme a videoclip durante la trasmissione, con l’aggiunta poi di interviste e un momento per un live acustico. Una mezz’ora di trasmissione per 12 puntate e da lì è nata l’idea di un palco itinerante: abbiamo portato così il format dal vivo in alcuni locali qui a Livorno ed ora è diventato una rubrica sul Foglio Letterario.

Abbiamo letto che Percorsi Musicali sarà interessato da Rock Targato Italia, cosa potete dirci?
Greta La nostra struttura quest’anno accoglierà la finale toscana di Rock Targato Italia, uno dei Contest più importanti a Livello nazionale per band emergenti. I due fondatori, Francesco Caprini e Franco Sainini, sono rimasti soddisfatti della struttura e dell’impianto audio a disposizione. Livorno diventerà il fulcro musicale per tutte le band selezionate e provenienti da tutta la Regione. L'evento inizierà alle 21.00, ma alle ore 18.30 ci sarà un incontro aperto a tutti con Francesco Caprini (fondatore e a capo di "Divinazione Milano), il quale si metterà a disposizione per rispondere a qualsiasi domanda e darà consigli su come muoversi all'interno del panorama musicale fatto di etichette discografiche, radio, registrazione album e promozione dello stesso.

​Eventi futuri?
Greta A maggio partirà un rassegna “Da mezzogiorno a mezzanotte” che vedrà impegnati i progetti dei nostri docenti: saranno progetti musicali di altissimo livello che spazieranno attraverso vari generi. Avremo il patrocinio del comune di Livorno, ci saranno concerti a mezzogiorno della domenica e a mezzanotte del sabato. Si tratterà di progetti spot, massimo un’ora, durante i quali berremo anche i vini della Doccia di Vinci, una casa vinicola piccola ma molto valida.
Lorenzo A giugno faremo poi due giorni, dalle sei a mezzanotte, con gruppi storici livornesi, dagli anni 60 in poi, più qualche new-entry. Per chiudere vorrei dire che Percorsi Musicali è proprio un percorso: chi si affaccia magari lo fa per un motivo ma poi scopre molte altre opportunità ed il nostro lavoro è proprio far comprendere questo. 

Per maggiori informazioni: 
Pagina Facebook di Percorsi Musicali
Sito internet di Percorsi Musicali