di Enrico Esposito

Domenica 12 agosto nell'ambito della manifestazione culturale Marenia con la partecipazione di Officine Garibaldi, Roberto Vecchioni ha fatto tappa a Marina di Pisa per un nuovo appuntamento del suo tour "La vita che si ama". Ma per il pubblico presente non si è trattato solo di un magnifico concerto.

"L'amore è sentire che c'è qualcun altro al mondo oltre a noi"
Roberto Vecchioni

Il Professore ne ha combinata un'altra delle sue. Con l'invidiabile franchezza e il profondissimo tatto che l'hanno eletto uno dei più fini interpreti della canzone italiana, ha trasformato Piazza Gorgona di Marina di Pisa in un'arena a cielo aperto, profumata da essenze molteplici in una notte fresca di metà estate. Non ha soltanto regalato al buon pubblico presente i brani più intensi e travolgenti della sua cinquantennale carriera. Ha dato vita, servendosi del semplice dono della parola e della sincerità, a un viaggio trasversale dal passato al presente, soffermandosi sull'intimità dei sentimenti personali e sulla mediocrità dei fenomeni collettivi. Roberto Vecchioni si è avventurato in una coinvolgente orazione che ha tenuto conto di Cristo come di facebook, del mistero più affascinante della storia che si chiama donna e dello sprofondare mediocre di cui è vittima la cultura in questo tempo. Ha fatto tutto questo raccontando prima di ogni canzone un aneddoto tratto dalle pagine di una vita all'interno della quale c'è stato spazio per tutto: eccessi, sofferenze atroci, gioie altissime, scoperte continue.

Poco meno di due mesi fa (il 25 giugno per la precisione), colui che ha ricevuto il soprannome distintivo di "Professore" perché per oltre trent'anni ha ricoperto il ruolo di insegnante di latino alle scuole medie - superiori, ha compiuto settantacinque anni. Un traguardo importante, del quale si è detto molto orgoglioso, perché raggiunto in ottima forma sia fisica che intellettiva, dopo averne affrontate tante ma essere riuscito a conservare sempre una curiosità straordinaria per le realtà del mondo e del tempo, un amore forsennato e furioso per la cultura e i suoi miracoli, rispetto e venerazione supremi per l'intero mondo femminile. In una serata dedicata in primis alla condanna di ogni forma di violenza sulle donne, Roberto Vecchioni ammutolisce i presenti mettendo in mostra una sensibilità eccezionale, che non trae le proprie conclusioni al termine di ragionamenti astrusi e pomposi.

​Da acuto osservatore della storia e dell'uomo, il cantautore anche con ironia esprime la sua ammirazione per la donna in generale, senza alcuna distinzione di età, nazionalità, aspetto, cultura. La donna è per Vecchioni una creatura straordinaria in grado di scalare montagne di fronte alle quali l'uomo si ferma a metà malapena. La donna ha ricevuto in dote dal Signore il privilegio e allo stesso tempo il peso di conferire la vita, di portarla nel proprio grembo e rivelarla al mondo. E la donna possiede per questo motivo con i figli un legame magico, assoluto, ed è bella a tutte le età, sempre. Il Professore ne coglie la sua essenza massima attraverso i suoi brani. Da "Figlia" a "Il tuo culo e il tuo cuore", splendido madrigale che dedica alla sua donna, compagna da ben trentotto anni, fino a giungere a "Due madri", omaggio alle due nipotine Nina e Chloe e alle loro due madri, la figlia Francesca e la sua compagna. Il cantautore racconta al riguardo il momento in cui Francesca all'epoca adolescente gli confessò con imbarazzo la sua omosessualità, ricevendo da parte sua una reazione inaspettata perché baldanzosa e dolce allo stesso tempo ("Che c...? Non potevi dirlo prima?"). 

Amore è una parola che si rincorre innumerevoli volte tra una lirica e l'altra di Vecchioni. Anche nella serata di Marina, l'artista brianzolo passa in rassegna sfumature diverse del sentimento più alto e mascalzone. L'entrata sulla scena supportato dalla sua band si materializza con le note di "Stranamore", per l'appunto, il brano che rappresenta per eccellenza l'ubiquità dell'amore, racchiusa in un gesto o in uno sguardo, l'amore coniugale e adolescenziale, l'amore filiale, tra un padre e un figlio, come il cantautore e suo figlio Edoardo, che a dodici anni manifestò i primi sintomi di una terribile malattia (sclerosi multipla). Con "Le rose blu", lirica dal testo e alla malattia struggenti, Roberto Vecchioni ripercorre il dramma di questa vicenda, ma anche la speranza di vincere insieme, di crederci fino alla fine. E poi l'amore per i giovani e l'educazione, reso nella sua massima espressione in "Sogna ragazzo sogna", il testamento che il Professore lasciò in eredità ai suoi ultimi studenti. L'amore per la musica, apertamente svelato in "La mia ragazza", e quello per la poesia, riguardo al quale il cantautore decide di condividere una vera e propria chicca con i suoi fans, parlando del divertente incontro con Eugenio Montale a soli cinque anni.

Dicevamo dell'amore, dell'amore per antonomasia, tra due partners, ma anche l'amore per la natura e i suoi prodotti, l'adorazione della cultura. Uno spettacolo della vita, che però l'uomo arriva spesso a rovinare a causa di ragioni diverse. Come il poeta Fernando Pessoa che in punto di morte rimpiange il fatto di non averlo vissuto appieno ("Le Lettere d'Amore") a esempio, oppure le ragazze al giorno d'oggi che credono di far innamorare gli uomini mostrando il proprio corpo sui socials, non rendendosi conto d'altra parte che per conquistare occorre colpire l'anima e non solo gli occhi. Come le grandi multinazionali del cibo che per interesse diffondono periodicamente psicosi mondiali, oppure la convinzione generale di avere la facoltà di poter giudicare e esporre tutto di sé sulla rete, online, riducendo sempre più il confronto a tu per tu tra una persona e l'altra. Gli uomini e le donne stanno perdendo inesorabilmente il piacere avvincente del dialogo, sul suolo di un mondo superficiale, "il quinto piano" lo chiama un Vecchioni afflitto, nostalgico del Novecento vibrante e umano. Ma ciononostante, non è il caso di mollare del tutto la presa, di abbandonare del tutto il furore dell'invenzione, dell'arte, della passione.
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Per questa ragione la musica e il buonumore trionfano nella notte di Marina grazie ai toni epici di "Samarcanda" e "Bandolero stanco", alle lucide riflessioni tra passato e presente in "Dentro gli occhi", all'infinita emozione sentita ascoltando "Luci a San Siro". Versi intramontabili e giovani come il Professore.

Immagini tratte da pisatoday

Si chiama ‘La vita che si ama’ il tour che domenica 12 agosto porterà nella cornice di Piazza Gorgona a Marina di Pisa il cantautore Roberto Vecchioni per un attesissimo concerto gratuito. Organizzato dalle Officine Garibaldi con il contributo del Comune di Pisa, il concerto è tra gli eventi clou del calendario di Marenia Non Solo Mare per l’estate 2018 del litorale pisano. 
Un tour ispirato all’ultimo libro dell’artista edito da Einaudi e intitolato ‘La vita che si ama. Storie di felicità', in cui Vecchioni canta le sue storie attingendo alla propria biografia per costruire un vero e proprio manuale su come imbrigliare la felicità, senza farla scivolare via.
Durante il concerto, in cui l’artista alternerà dialoghi e canzoni, i racconti autobiografici si intrecceranno a 45 anni di successi di uno dei padri storici della canzone d’autore, per ripercorrere i ricordi e le speranze del poeta della musica italiana.
Il filo conduttore dello spettacolo, dunque, sarà costituito dai frammenti della memoria personale di Vecchioni racchiusi nelle canzoni, da quelle meno consuete come ‘Stelle’ e ‘Figlio, figlio, figlio’ a ‘Sogna ragazzo sogna’. Non mancheranno i classici, da ‘Luci a San Siro’ a ‘Chiamami ancora amore’.
“Siamo molto contenti - spiega Giancarlo Freggia, presidente Paim e direttore generale delle Officine - di aver organizzato un concerto che porterà un cantautore e un poeta come Roberto Vecchioni davanti al pubblico del litorale per uno degli appuntamenti più attesi dell’estate 2018. Un’altra sfida - continua Freggia - che le Officine Garibaldi hanno raccolto con passione, così come da quasi un anno avviene nei tanti eventi che lo staff ha organizzato dentro e fuori la struttura”.
L’appuntamento da non perdere con Roberto Vecchioni sarà dunque domenica 12 agosto alle 21.30 in piazza Gorgona a Marina di Pisa.

di Enrico Esposito

"I like standing still, but that's just a wishful plan
Ask me where I come from, I'll say a different land
But I've got memories and travel like gypsies in the night"
Alice Merton - "No roots"

Per descrivere in maniera concisa ma essenziale la sua visione del mondo sembrano calzare a pennello questi tre versi del brano che le ha regalato il grandioso successo internazionale. Frasi secche e in rapida successione, che raccontano il desiderio vitale del viaggio, dell'incapacità di sentire stanchezza nell'affrontare spostamenti in continuazione, dell'irrilevanza di un'origine precisa. Arricchire appena possibile le proprie esperienze, lungo strade percorse un migliaio di volte, e custodire con attenzione il passato attraverso il fuoco sempre acceso dei ricordi. Alice Merton sa bene ciò che vuole, perché l'ha messo in atto da anni. Ed adesso è passato al piano A. Affermarsi in ambito musicale, condividendo con altre persone la sua filosofia. 

Alice ha il cosmopolitismo nel sangue. Nata a Francoforte nel 1993 da madre tedesca e da papà irlandese, ha vissuto sin da piccolissima molti trasferimenti da una nazione all'altra. Prima il Connecticut, negli Usa, conosciuto a soli tre anni, poi il Canada, il paese che diviene la sua prima vera patria e la vede imparare a suonare il pianoforte a cinque anni. Alice conosce in questo periodo la musica classica e se ne appassiona apprende il canto, e stabilisce un legame molto positivo con i suoi insegnanti, dai quali riuscirò con difficoltà a staccarsi quando i suoi genitori opteranno per il ritorno in Europa, nella Germania paterna. Appena tredicenne, la giovane Merton si stabilisce a Monaco di Baviera, in uno dei centri più tradizionali di una cultura a lei del tutto sconosciuta. Ella infatti non conosce il tedesco, ma viene iscritta a una scuola statale proprio con l'intento di avvicinarla alla conoscenza di una lingua che le permettesse di approfondire i rapporti con i numerosi parenti concentrati in Germania e in Svizzera. Dopo una fase di adattamento molto complicato, Alice avvia un percorso di crescita personale molto deciso, mettendo da parte gli studi di musica classica a favore del pop e del rock, della chitarra e della passione per la scrittura musicale. A scuola frequenta un corso di songwriting, scrive le sue prime canzoni, trova nella composizione lo strumento prediletto mediante il quale poter esprimere ciò che ha dentro. 

Vive dunque un momento di svolta, che si cementifica ulteriormente durante un nuovo trasloco della famiglia, questa volta direzione l'Inghilterra, con Londra e Bournemouth. Alice infatti ha l'opportunità di assorbire in prima persona le ultime tendenze in chiave pop, e con il ritorno nel 2013 in Germania, per la precisione a Mannheim, frequenta la scuola di musica Popakademie Baden - Wurttemberg, che sancisce il suo perfezionamento nelle vesti di compositrice e cantante. Tre anni dopo matura la decisione significativa di trasferirsi a Berlino per compiere gli studi universitari, e proprio nella capitale, dopo aver fondato un gruppo con il quale esegue le sue canzoni, incontra il produttore Nicolas Rebscher, che la introduce nel mondo discografico. Assistita dal manager Paul Grauwinkel, conosciuto ai tempi dell'università, Alice fonda un'etichetta indipendente, la Paper Plane Records International, dopo aver avuto contrasti con rappresentanti delle majors che pretendevano di apporre delle modifiche sostanziose al suono di "No Roots", il suo brano di debutto, il manifesto pop (con sfumature elettroniche) dello stile di vita della Merton. "No Roots" viene pubblicata nel dicembre 2016 e ottiene un successo strepitoso in Europa e al di fuori, portando Alice Merton a vincere il premio “European Border Breakers Award”, e a programmare l'uscita del suo premio Ep, che vede la luce nel febbraio dell'anno dopo con il titolo ancora di "No Roots". L'Ep contiene oltre alla hit già citata, le tracce "Jealousy", "Hit the ground running" e "Lie to my face", caratterizzate da un pop avvincente e lucido, all'interno del quale la Merton gestisce la sua voce con versatilità, concedendosi silenzi e discese, come progressioni in sintonia con i suoni (soprattutto in "Jealousy", brano da lei prediletto). La versione statunitense dell'Ep presenta la bonus track "Lash out", il suo ultimo singolo uscito all'inizio di questo agosto, che mette in evidenza ritmi ancora più elevati, e un'Alice Merton battagliera, che, dopo le tensioni degli esordi anche sul palco, si sta sciogliendo, e ora è impegnata nel pieno del suo tour mondiale. La popolarità in Italia è arrivata soltanto quest'anno, ma a livelli importanti visto che "la cantante inglese dall'accento canadese", come ama definirsi, si è resa protagonista di due date, il 17 aprile scorso a Milano al "Santeria" e il giorno dopo al "Teatro Quirinetta" di Roma. Con la speranza di poterla rivedere prima della fine dell'anno, e l'attesa dell'uscita del suo primo album, possiamo considerare quest'artista che ha fatto del melting pot culturale la fonte inesauribile della sua intraprendenza una delle scoperte più interessanti del 2018 sulla scena cantautorale internazionale.

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Immagini tratte da: pagina ufficiale facebook di Alice Merton https://www.facebook.com/alicemerton/

Bagno degli Americani - Concerto all'Alba domenica 5 agosto alle ore 6:30

​Un altro anniversario. Da 20 a 50. Ancora Firenze. Il 4 Luglio 1988 si celebrò il trionfo in Piazza Santa Croce. Il 24 Luglio 2018 appuntamento in Piazza Santissima Annunziata. Una band profondamente mutata nei componenti ma anche nel sound indurito e secco, meno vicino al progressive che ha contribuito a generare. Un anello di congiunzione basilare. Ian Anderson, il fauno di Dunfermline, 71 anni da compiere ad agosto, inarrestabile, dal talento immutato nel tempo. 

Bisogna partire da alcune premesse necessarie. Martedì sera è stato davvero difficile rimanere seduti durante l'ora e mezzo in cui i Jethro Tull hanno dato vita alla tappa fiorentina del loro "50th Anniversary Tour". Non è stata soltanto un'esibizione di musica di qualità dal vivo. Grazie all'ininterrotto scorrere di video sullo sfondo del palco e alle astute intro ai brani da parte di Anderson, è andato in scena uno spettacolo ben più esteso, multimediale e teatrale, che ha raccontare il mito della band britannica dagli esordi nel 1968 tra le pareti del Marquee Club di Londra sino agli ultimi anni. Un viaggio affascinante, scandito dal cantastorie Anderson attraverso il suo gradevole accento scozzese e la sua arma maestosa, quel flauto traverso assimilato quasi da bambino e trasformato in un gioiello scintillante del rock. Ne sono passati di dischi venduti (ben sessanta milioni), di formazioni rinnovati, tour planetari, ma il menestrello sembra essere rimasto fermo a 20-30 anni fa. La sua carica e energia sul palco sono straordinarie, la voce fa ancora il suo dovere, e nel momento dell'incontro con il suo strumento, trasmette ai suoi discenti l'impressione concreta di avere di fronte agli occhi una figura mitologica che evoca storie lontanissime e entità sovrannaturali. Capirete bene dunque la tortura provata dal sottoscritto e dagli altri spettatori nell'essere costretti a vivere tutto ciò nella costrizione fisica esercitata dal posto a sedere, specialmente quando lo show ha robustamente innalzato il suo livello acustico, mettendo sul piatto una vena hard non attesa e sulla quale occorre portare una riflessione.

​I Jethro Tull hanno conquistato a pieno merito un posto di prim'ordine tra i pionieri del rock progressive, grazie ad uno stile tenace e creativo, all'interno del quale era stata conseguita una sintesi peculiare nell'incontro tra blues, heavy, rock e musica classica. Al di là della geniale intuizione del flauto traverso, Anderson e soci erano riusciti nell'impresa di costruire spettacoli coinvolgenti per la loro arte, la narratività e l'estro. Con questo non vogliamo dire che martedì siano mancate del tutto queste condizioni, ma non possiamo nemmeno negare di essere rimasti sorpresi dalla decisa impronta hard mostrata attraverso gli assoli del chitarrista tedesco Florian Opahle, interprete di sicuro talento. Ma le versioni ristrette e fin troppo elettriche di pietre miliari prog vedi "Aqualung" e "Thick As A Brick" hanno lasciato l'amaro in bocca a coloro che proprio grazie alla particolarità delle loro esecuzioni si sono appassionati non solo alla band, ma a un autentico stilema musicale. Un fan vero senza dubbio non deve pretendere, né tantomeno lamentarsi eccessivamente dinanzi alla storia di un mostro sacro come Ian Anderson, che a settant'anni suonati invece di godersi la pensione saltella splendidamente ancora sotto i riflettori e probabilmente continuerà finché potrà. Ma per chi per sua sfortuna ha dovuto ritardare la sua visita in udienza ad un tale "Sire" del rock, resta la delusione di non aver assaporato in prima persona i fasti della band che prese nome dal pioniere dell'agricoltura moderna. Nonostante questo, la performance ha regalato brividi e adrenalina alle note di "Bouree", di "Too old to rock, to young to die", all'impiego funzionale di contributi video in apertura alle canzoni da parte di storici membri del gruppo (in questo omaggiati) oltreché da speciali fans tra cui Joe Bonamassa e Slash). E poi il finale. La consueta finta "fuga" dalle scene e il ritorno esplosivo con "Locomotive breath". Per il sottoscritto un sogno finalmente realizzato.

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- Immagine 1 da firenzetoday
- Immagine 2 da seidifirenzese

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​Una lunga notte di lirica e classica contemporanea chiude il Musart Festival Firenze 2018. Appuntamento venerdì 27 luglio in piazza della Santissima Annunziata, nel cuore del centro fiorentino. A salire sul palco, alle 21,15 sono l’Orchestra del Maggio Musicale e i solisti dell’Accademia del Maggio diretti da Valerio Galli, per uno spettacolo che, già nel titolo, è un invito: “Tutti all’Opera”. 

Il biglietto, al prezzo speciale di 10 euro (posto unico) è disponibile in prevendita nei circuiti di Box Office Toscanawww.boxofficetoscana.it/punti-vendita (tel. 055.210804) e online su www.ticketone.it (tel. 892.101). 

In programma brani e arie dai più amati melodrammi: tra gli altri, “Il barbiere di Siviglia” di Gioachino Rossini, “Carmen” di Georges Bizet, “La traviata” di Giuseppe Verdi, “Madama Butterfly” di Giacomo Puccini, “La Gioconda” di Amilcare Ponchielli, per finire sulle note di “Firenze sogna” di Cesare Cesarini. Voci soliste il baritono William Hernandez, il mezzosoprano Veta Pilipenko e i soprani Carmen Buendia e Eunhee Kim.

Musart Festival si conclude sabato 28 luglio alle ore 4,45 con il concerto all’alba per piano solo di Roberto Cacciapaglia, nel Chiostro degli Uomini, all’interno dell’Istituto degli Innocenti, sempre in piazza Santissima Annunziata. Scenario e momento perfetti per immergersi in un repertorio sospeso tra classicità e sperimentazione. Si ricorda che i biglietti per questo concerto sono esauriti da giorni. La cassa all’ingresso sarà in funzione solo per il cambio voucher. Si sconsiglia di presentarsi senza prevendita.

​Durante la serata di venerdì, dalle ore 20 fino a inizio spettacolo “Tutti all’Opera”, si possono visitare gratuitamente giardini, luoghi di culto e palazzi monumentali adiacenti alla piazza della Santissima Annunziata. Tra questi l’Istituto Geografico Militare, che dalle ore 20 apre eccezionalmente al pubblico con visite guidate.
Alle ore 20 alla Biblioteca Umanistica dell'Università di Firenze proiezione del docu-film su Rino Gaetano “Mio Fratello È Figlio Unico” dalla serie “33 Giri – Italian Masters” di Sky Arte. Sempre alla Biblioteca Umanistica, l’Università di Firenze propone le mostre "Oltre confine: viaggi reali e immaginari di esploratori, scienziati, religiosi e geografi tra ‘600 e ‘700" e "Sguardi dell’alto Egitto".
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A ingresso libero anche la mostra fotografica “Because the night” dedicata ai grandi concerti fiorentini degli anni 90, presso il salone Borghini dell’Istituto degli Innocenti.

Musart Festival è una produzione Prg Firenze realizzata con il contributo di Comune di Firenze/Estate Fiorentina 2018, Città Metropolitana di Firenze, Toscana Promozione Turistica, Fondazione CR Firenze, Trenitalia, con il patrocinio dell’Istituto degli Innocenti. Main sponsor Publiacqua. Sostengono il festival Sammontana, Unicoop Firenze, Prinz, Caffè Cesare Magnelli, Findomestic Banca, Engie.   

Biglietti concerto Tutti all’Opera
Posto unico 10 euro
Prevendite: Box Office Toscana www.boxofficetoscana.it (tel. 055.210804)
TicketOne www.ticketone.it (tel. 892.101)

Sconti e riduzioni
I bambini sotto i 4 anni di età entrano gratuitamente accompagnati da un adulto, in numero di un/a bambino/a per ogni adulto, ma non hanno diritto ad occupare un posto a sedere. Non sono ammessi carrozzine, passeggini, ovetti e supporti vari.

Diversamente abili
I portatori di handicap possono acquistare un biglietto specifico al prezzo più basso previsto per l'evento ed entrare con un accompagnatore gratuito. I biglietti sono reperibili esclusivamente attraverso i punti vendita del Circuito Box Office Toscana o via telefono allo 055210804 (pagando con carta di credito). Si sconsiglia fortemente l'acquisto di un biglietto generico.

Con una performance dai significati molteplici, il rocker australiano ha lasciato ancora una volta il segno durante il passaggio al Lucca Summer Festival. La serata di martedi 17 luglio 2018 si è trasformata per i numerosi spettatori presenti in un'epifania atterrita e dolcissima.

di Enrico Esposito

Sessant'anni non sono pochi si sa ma nemmeno moltissimi. Non "puzzano" proprio per niente di pensione e volontà di riposarsi, privilegiando la morigeratezza e la fama da "rendita" al posto dei fuochi e fulmini dell'età più verde. Degli eccessi, degli estremi che Nick Cave corteggia da sempre nella veste di "uomo " e "artista" che in realtà non si presenta sdoppiata o nettamente "separate" o stronzate del genere. Cave appartiene alla schiera ben nutrita e "condannata" di anime purissime nell'incontro/scontro con il massimo godimento dei sentimenti, che fino alla fine dei suoi giorni osserveranno un paesaggio e si sforzeranno di leggere le verità nascoste nella pelle delle persone a costo di ammalarsi di labirintite. Una sete di ricerca che appare esasperata per molti versi e prodigiosa per altri, che stringe la gola in pochi secondi, catapultandoti dalla cima dell'Everest ai bassifondi nerissimi dell'abbandono. Una sensazione che si ripete, si capovolge, ma ha il potere di non lasciarti inerte. Nick e i suoi Bad Seeds la respirano a secchiate, e a secchiate ne inondano la platea intera di Piazza Napoleone di martedi scorso, scaraventando al di sopra di essa una ragnatela che al passo delle due ore e mezzo di concerto non accenna a sfaldarsi. Dopo quattro anni Lucca e il suo Festival dai merletti anglosassoni lindi si riconsegnano allo spettacolo purgatoriale che il cantautore oceanico e la sua band hanno chiamato questa volta "Skeleton Tour", dal nome dell'ultimo neonato album di appena 12 mesi fa. Guerra, pace, vitalità.

Un ritorno atteso da tanto. Una prova del nove che si direbbe tremenda perché arrivata al termine dei due anni abbottonati di silenzio dopo la morte accidentale di Arthur Cave, che a quindici anni perde la vita nel 2015 scivolando da una scogliera nei pressi di Brighton. Un evento che squarcia alla gola Nick Cave come alla scomparsa prematura del padre nella sua primissima giovinezza. Una faccenda affrontata nel consueto stile straordinario della scrittura, della creazione attraverso la musica ma anche il cinema. L'uscita dell'album "The Skeleton Tree", e la presentazione alla Biennale di Venezia e in seguito l'approdo nelle sale di tutto il mondo del documentario "One More Time with Feeling" dell'amico Andrew Dominik. 2016, 2017, 2018 e tour. Il rewind di una tappa obbligata nella storia ultratentennale del sodalizio Cave - Seeds, l'espressione massima del loro mestiere. Sulla scena i proiettori luminosi, alcuni video calati sullo sfondo, un maxischermo B/N, silenzi cupi e intrisi violentati dalle vibrazioni del rock, dalle striature fameliche del violino di Warren Ellis, e lui, il cantante - profeta che in frac si dedica ininterrottamente al suo pubblico. Colui che sin da ragazzo nella sua Australia è stato paragonato a Gesù per la mission inseguita dagli alberi attraverso la scrittura, un dono ereditato dal padre insegnante di letteratura inglese. Nick Cave e le sue 200-250 canzoni buttate giù come le poesie, i romanzi e le colonne sonore, nel tentativo di calare lo sguardo al di là dell'ovvio, di insinuarsi nelle regione oscure, al di là della felicità. La tristezza rappresenta per lui la caratteristica fondamentale della canzone d'amore, un campo minato sul quale è necessario lanciarsi per conquistare l'assurdo e la follia che dominano sulle grandi forze dei sentimenti, tra cui l'amore. Da una parte il burrone dei sentimenti, dall'altra l'inoppugnabile leadership di Dio, al centro la risorsa eccelsa dell'immaginazione e della curiosità, che Cave esterna attraverso il travolgente andamento dei brani, la partecipazione fisica e emotiva che lo rendono un autentico pastore di fronte agli "adepti". 

Un sessantenne sensazionale che si inginocchia dinanzi ai suoi spettatori, li cerca appassionato, li tira sul palco con sè e se li stringe al petto, li accarezza, rendendoli protagonisti attivi dei suoi versi. Brulica l'arte, si esaltano le mille possibilità dell'inventiva, del suono, mentre all'interno dei brani si susseguono (proprio come accade nei Salmi cristiani tanto cari a Cave) racconti di morte e peste, di nostalgie e incanti. Tra classici storici come "Tupelo", "Into my arms", "Deanna" (eseguita sotto richiesta del pubblico), e le più recenti "Girl in Amber", "Magneto", "Distant sky", si respirano inquietudine, rabbia, meraviglia e tensione erotica, perché il concerto non è più tale, diventa un'esposizione museale, una pièce, o semplicemente l'espressione naturale delle pulsioni. Le parole, le melodie e le danze liberano all'ennesima potenza l'umore, e a questo punto davvero terminano gli aggettivi per descrivere la forza di Nick Cave e l'intensità con cui vive due ore e mezzo di concerto. E chissà se altri come me, al termine di un'incontro di tale impatto, si siano alzati il mattino dopo nell'attesa del prossimo abbraccio con Nick Cave & i Bad Seeds.

Immagini tratte da Foto dell'autore

​LE INIZIATIVE COLLATERALI
Saranno molti gli appuntamenti a margine delle tre serate del Seravezza Blues Festival: il Teatro Mediceo alle Scuderie ospiterà iniziative culturali e didattiche legate alla musica, tra cui masterclass con artisti internazionali e locali, oltre a diversi incontri durante l’intero week-end. In piazza Carducci e nell’area del Duomo sono previsti eventi ludici e promozionali collegati al Festival, la cui apertura è confermata (e potenziata) sin dal pomeriggio, con mercatini a tema musicale (con espositori di settore), enogastronomici (produttori e distributori del territorio) oltre agli spazi per i bambini (con giochi e animazione).

PATROCINI E SOSTEGNI
Sostenuto dalla Fondazione Terre Medicee, con il patrocinio del comune di Seravezza e il contributo della Banca del Credito Cooperativo della Versilia, il Seravezza Blues Festival genera ricadute economiche di rilievo sul territorio garantendo lavoro agli espositori (al 90% locali) del Villaggio del Blues e alle strutture alberghiere limitrofe che ospitano artisti e crew delle band.

I PROGETTI DI CHARITY
Musica per tutti non è un mero slogan, ma un messaggio che trova riscontro concreto nell’opera di solidarietà dell’associazione presieduta da Giuseppe Campatelli. Tra i progetti realizzati ci sono la consegna di un defibrillatore istallato presso la palestra Tommasi di Pietrasanta, l’acquisto di strumenti musicali per la Filarmonica di Riomagno e Azzano utilizzati a fini didattici e la donazione di fondi all’ospedale Opa di Massa utili a comprare macchinari per la cura e prevenzione delle patologie cardiache neonatali. Anche quest’anno parte del ricavato sarà devoluta a scopo benefico.

FUNDRAISING E AUTOFINANZIAMENTO
Il Seravezza Blues Festival è a ingresso gratuito, peculiarità mantenuta sin dalla prima edizione. Questo evento vive esclusivamente di finanziamenti diretti da parte di enti pubblici e bancari, accordi di sponsorizzazione con aziende private, a cui si affianca una attività di autofinanziamento e raccolta sul territorio. Vengono sviluppate inoltre diverse iniziative, tra cui una lotteria con in palio premi offerti da esercizi commercianti locali ed un crowdfunding nazionale.

LA STORIA
Il Seravezza Blues Festival rappresenta l’evento principale dell’associazione culturale “Alexandre Mattei”, fondata in ricordo del musicista pietrasantino scomparso prematuramente nel 2015 ed impegnata in vari progetti a scopo benefico. Proprio in quell’anno si è svolta la prima edizione della rassegna, tenuta a battesimo dal leggendario Guitar Crusher, al cui concerto – nel giardino adiacente alla Villa Medicea – hanno assistito oltre 1500 persone. Successo bissato nel 2016, quando di fronte a circa 2000 persone si sono esibiti – sempre in data unica – alcuni tra i nomi più interessanti del panorama blues europeo come Marcos Coll, Tom Blacksmith e Jaime Dolce. Il 2017 è stato l’anno della svolta per il Seravezza Blues Festival: non più una bensì due date (con due ospiti di primissimo livello, McKinley Moore e Ana Popovic), spostamento della venue nel giardino di fronte a Palazzo Mediceo, nascita del Villaggio del Blues, con mercatini e mostre di esposizione musicale e inaugurazione della sezione “Proposte” con il concorso “Road to Seravezza Blues”. Oltre 5000 le persone che hanno preso complessivamente parte all’evento.

Info www.seravezzabluesfestival.it
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Martedì 17 luglio 2018, Luca Chiellini, pianista, tastierista e cantante, si esibirà in concerto da solista nella splendida cornice del prestigioso Teatro Romano di Volterra (Pi) nel programma del Festival Internazionale Teatro Romano Volterra.

di Enrico Esposito

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Originario di Volterra, Chiellini si è perfezionato da oltre dieci anni nello studio e nella pratica dell'Organo Hammond, ed è oggi annoverati tra gli interpreti Usa dello strumento. Da cinque anni vive a Chicago e fa parte della nota band blues “Toronzo Cannon and The Chicago Way”, nominata a sei Blues Music Awards e legata alla storica etichetta blues Alligator Records.
In compagnia del celebre chitarrista blues statunitense Toronzo Cannon gira in tour in tutto il mondo nei più famosi festival e locali del genere blues ed ha collezionato importanti partecipazioni televisive su ABC, FOX, the U.
Diventato uno dei tastieristi più richiesti nella scena Blues di Chicago, si è esibito sul palco con musicisti del calibro di Buddy Guy, Sinead O'Connor, Kenny Neal, Billy Branch, Lurrie Bell, Ronnie Baker Brooks, ed ha suonato per l’ex Presidente degli Stati Uniti Barack Obama.
Nel corso della sua attività live ha suonato in tour in più di 40 stati degli USA, in Canada, America Centrale ed in tutta Europa, esibendosi in numerosi festival tra cui l'Heineken Jammin' Festival nel 2008 e il Pistoia Blues nel 2012.

​Torna a Volterra nell’unica data Italiana dell’estate 2018 con il suo progetto solista in uno show intitolato “BACK from CHICAGO - Luca Chiellini in concerto”. La sua musica è influenzata dal Blues di Chicago, dal Rhythm & Blues e Funk di New Orleans, dal Gospel dell’America nera. Al momento è in studio a Chicago registrando il suo disco di debutto, la cui uscita è prevista a Settembre. Durante il concerto del 17 luglio 2018, presenterà al piano, voce ed organo Hammond alcuni brani tratti sul suo prossimo; l’evento vedrà anche la partecipazione di ospiti speciali. E chissà che non dia un assaggio in anteprima di "Warm Heart", il suo nuovo singolo in uscita nello stesso giorno.
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Lo scorso marzo, Luca aveva suonato di fronte a più di 400 persone nell’occasione del suo concerto solista al Teatro Persio Flacco di Volterra.​​ Qui vi mostriamo un estratto video della serata.

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Inizio del concerto previsto per le 21:45; biglietti 12 € intero / 10 € ridotto.
I biglietti sono disponili online su LiveTicket e presso l’Ufficio Turistico di Volterra e presso la ProVolterra. Per maggiori informazioni e acquisto biglietti:
http://www.teatroromanovolterra.it/Spettacoli/51/back-from-chicago-luca-chiellini-in-concerto-.aspx

Per maggiori informazioni: www.lucachiellini.com

di ​Carlo Cantisani

Alla fine, la trinità sulla messa in discussione del nostro mondo si è conclusa. Con Bad Witch, Trent Reznor mette un punto alla sua personale trilogia iniziata due anni fa con Not the Actual Events e proseguita nel 2017 con Add Violence. Se questi ultimi due sono stati catalogati come ep, con questa nuova pubblicazione il master mind dei Nine Inch Nails fa un improvviso passo indietro (o avanti, dipende dai punti di vista) e decide di elevare i sei pezzi ivi contenuti a vero e proprio full-lenght, nonostante la sua durata sia di 30:11, poco superiore a quella delle due parti precedenti, lunghe rispettivamente 21:11 e 27:13. Se qualcuno si stesse chiedendo come mai questo cambio di rotta sul formato, è lo stesso Reznor a chiarire la questione, adducendo come principale motivo che nell’attuale panorama discografico gli ep sono considerati un’uscita minore, soprattutto a causa dei servizi di streaming come Spotify, nei quali questo tipo di uscite rischiano di essere ignorate perdendosi nel mare magnum delle pubblicazioni, a differenza invece – sempre secondo Reznor – dei full-leght come gli lp. Qualunque siano le considerazioni e le aspettative di carattere discografico/produttivo/artistico/economico, questa motivazione del fondatore dei NIN suona quasi un po’ fuori posto rispetto a dove il mainstream sta iniziando lentamente a muoversi, ovvero verso una riduzione del minutaggio degli album che inevitabilmente va a incidere sull’esperienza d’ascolto complessiva. È ancora troppo presto per dirlo, ma la linea che divide singoli ed ep dai full potrebbe in futuro assottigliarsi, magari rendendo obsoleto il formato lungo a favore invece di quello più diretto, immediato e pronto per finire in streaming del formato breve. Come caso lampante potrebbe essere preso proprio quello tutto italiano di Liberato, operazione di marketing perfettamente costruita e riuscita, interamente basata, almeno finora, sul binomio singolo-video; oppure quello delle “Wyoming Sessions” messe su da Kanye West fra maggio e giugno, composte da cinque pubblicazioni rilasciate consecutivamente in altrettante settimane della durata media di venti minuti. Rimane, quindi, il dubbio – legittimo – a cosa Reznor volesse riferirsi, su come stia interpretando il music business contemporaneo; quello che è certo, invece, è che spacciare quello che rimane a tutti gli effetti un ep come un full-lenght non è esattamente una mossa molto corretta nei confronti dei propri ascoltatori (e infatti alcuni non l’hanno presa molto bene).
Ma la musica è l’altro elemento, il più importante, che rimane, e Bad Witch celebra alla grande una rinnovata creatività in casa NIN, probabilmente come non si sentiva da una decina d’anni a questa parte. L’abrasiva oscurità, le ombre e gli scheletri di un suono ossessivo, ipnotico, industriale e, finalmente, sporco, eclissano quella patina tanto perfetta da risultare quasi indigesta e artificiosa di With Teeth, Year Zero, The Slip ed Hesitation Marks, album osannati dai fan ma, alla fine dei conti, con molta poca sostanza. Questa volta invece la sostanza, quella roba marcia e grumosa che Reznor ha sempre covato dentro di sé rigettandola nei suoi dischi simbolo Pretty Hate Machine, Broken, The Downward Spiral e The Fragile, viene rievocata e, almeno idealmente, usata per dare corpo a un lavoro che cerca nei suoi momenti più significativi di discostarsi da ciò a cui di solito i Nine Inch Nails hanno abituato. Sarà la presenza ormai in pianta stabile di Atticus Ross, ormai in coppia con Reznor a tutti gli effetti da Not the Actual Events; saranno le svariate colonne sonore alle quali i due hanno lavorato negli ultimi tempi; o, ancora, sarà stata la discesa nel subconscio di Lynch nell’ottavo episodio di Twin Peaks: The Return, dove i nostri suonano She’s Gone Away, terza traccia tratta direttamente dall’ep del 2016. Se ci si volesse spingere ancora di più con un tocco di fantasia, si potrebbe tirare in ballo anche la trasmigrazione dell’anima immortale della stella nera di Bowie, che su Bad Witch si fa avvertire con una potenza che rimane sottotraccia per tutta la durata del lavoro, soprattutto in certe inclinazioni della voce di Reznor. Sarà quel che sarà stato, ma l’importante è che alla fine i Nine Inch Nails hanno saputo ripescare dal fondo la loro creatività per modellarla su pezzi che rientrano perfettamente nel loro stile e nello stesso tempo ampliano il discorso intrapreso dai due ep precedenti. Se Not the Actual Events potrebbe rappresentare la dolorosa presa di coscienza di un mondo che si scopre essere solo il pallido riflesso della realtà, e Add Violence la reazione, violenta e istintiva, per non soccombere all’apatia di questo mondo, Bad Witch potrebbe suonare come la resa incondizionata, la fine della lotta, l’abbandono di ogni speranza, l’inutilità della ricerca di ogni possibile risposta a domande, probabilmente, mal poste. Il grigiore e la ruggine di un mondo in rovina si sporcano ancora di più, lasciando il posto a un nero soffocante, il quale si palesa soprattutto nel trittico Play the Goddamned Part/God Break Down the Door/I’m Not from This World posto al cuore del lavoro. Tre pezzi – il primo e l’ultimo due strumentali, il secondo cantato – talmente tanto intrecciati fra loro da costituire quasi un’unica composizione, una sorta di trilogia nella trilogia, un flusso continuo dove echi di dark ambient, industrial, stratificazioni sonore create da un sax minimale e protagonista e drum’n’bass al limite del rave creano un mix altamente suggestivo e paranoico, che richiama alla mente in certi punti Lustmord e i Primal Scream di XTRMNTR. Si può dire senza troppi giri di parole che i tre pezzi citati, oltre a essere i brani migliori dell’intera trilogia iniziata due anni fa, surclassano da soli la produzione discografica degli ultimi dieci della band. Le restanti tre tracce, Shit Mirror, Ahead Of Ourselves e Over and Out, sono ugualmente godibili, seppur più canoniche per lo stile della band, ma se si vuole riassaporare quel sapore corrosivo dei vecchi NIN, sotto però un’altra luce, bisogna rivolgere l’attenzione ai tre brani menzionati più sopra. Unico neo: un certo retrogusto di incompiutezza, come se Bad Witch filasse via troppo velocemente lasciando addosso la voglia di ascoltare un seguito (e questo si ricollega al discorso iniziale sul formato spacciato da Reznor, una sensazione, quella dell’incompletezza, che difficilmente un full-lenght trasmette). In ogni caso, non poteva esserci finale migliore per questo viaggio iniziato nel 2006. God break down the door/You won't find the answers here/Not the ones you came looking for: speriamo che Mr. Self Destruct continui a pensarla così anche per il futuro.
 
 
Nine Inch Nails – Bad Witch (The Null Corporation, Capitol – 2018)

1. Shit Mirror
2. Ahead Of Ourselves
3. Play the Goddamned Part
4. God Break Down The Door
5. I’m Not from This World
6. Over and Out

Immagini tratte da:

www.shugarecords.com