Non una limitazione quindi ma un inizio e una garanzia per l’utente che si rivolge a Toomusic!». Nel team Paolo Baglioni (percussionista e batterista), Massimo Barbieri (fonico e produttore), Tommy Bianchi (fonico mastering), Tiziano Borghi (produttore e tastierista), Giacomo Castellano (chitarrista, produttore e videomaker), Finaz (chitarrista, produttore e cofondatore della Bandabardò), Saverio Lanza (autore e produttore), Fabrizio Morganti (batterista), Simone Papi (tastierista e produttore), Giuseppe Scarpato (chitarrista, autore, compositore e producer da 15 anni al fianco di Edoardo Bennato), Fabrizio Simoncioni (fonico e produttore), Lorenzo Tommasini (fonico).

Come funziona Toomusic? Collegandosi al sito www.toomusic.it, dove è possibile consultare la scheda di ciascun professionista ed i servizi offerti, si può accedere all’area personale ed iniziare a creare il proprio progetto in poche semplici mosse.

L’utente può: - creare il proprio progetto, comunicando cosa vuole realizzare (brano, album, videoclip,ecc.),- scegliere il proprio Team, selezionando uno o più professionisti, - decidere il budget, definendo quanto può spendere. Toomusic! valuterà le richieste e in base a valutazioni tecniche e professionali, confermerà le scelte o proporrà soluzioni alternative studiate ad hoc. Chiunque si rivolga a Toomusic! che sia un giovane artista o una casa discografica, ha la garanzia di lavorare solo su standard altamente qualitativi, scegliere i professionisti con cui lavorare, anche in modalità online, quindi a distanza, con la garanzia di essere seguito e consigliato per tutto l’iter della produzione, a costi competitivi e senza complicazioni organizzative.

Il duo Nu Guinea, formatosi a Napoli e ora di stanza a Berlino, crea delle sonorità influenzate dall’idea di un luogo esotico, forse immaginario, frutto di una costante ricerca musicale nel passato. Il loro percorso può essere definito come un’indagine storica sulla musica da “dancefloor” nel suo senso più puro. La chiave è la contaminazione fra generi musicali nata dall’incontro fra differenti culture e popolazioni.
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Il progetto nasce dall’idea di jam sessions, fusioni fra sintetizzatori elettronici e strumenti tradizionali, caratterizzato da un suono che non mira alla perfezione, ma alla “genuinità” e che può essere inteso come una forma in costante mutamento.

Il primo Ep pubblicato su Early Sounds Recordings nel 2014 è seguito dal disco “World Ep” su Tartelet Records. Nel 2016 esce The Tony Allen Experiments, con la collaborazione di Tony Allen, capostipite dell’Afrobeat e batterista storico del leggendario Fela Kuti. A seguire i Nu Guinea fondano la propria piattaforma discografica: NG records. La prima uscita è un 45 giri dal titolo Amore, cover di un brano italiano della fine degli anni ’70.

Il 2018 segna invece un ritorno alle origini. Nuova Napoli, questo il titolo dell’ultimo LP, rappresenta un focus speciale sulla città natale del duo. Guardano la città da lontano ricostruendo la sua energia dal loro studio di Berlino, calibrando i synth sul meridiano del Vesuvio, il vulcano che da sempre protegge e minaccia Napoli. In questo disco i Nu Guinea si lasciano ispirare dalla musica Disco, Jazz-Funk e Fusion Napoletana, unendo tali influenze al caratteristico suono che li contraddistingue.

Obiettivo:
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L’Associazione culturale WOM non riesce proprio a stare ferma un secondo, infatti, a pochi mesi di distanza da WØM FEST, festival musicale svoltosi a fine maggio nel centro storico di Lucca che quest’anno ha proposto artisti del calibro di Donatella Rettore, Colapesce, Selton, Francesco De Leo e molti altri, registrando un’affluenza di più di mille persone tra ragazzi lucchesi e non, mira ad allargare il suo raggio di azione proponendo una stagione invernale di concerti di musica dal vivo.

La nuova sfida di WOM consiste nell’esportare la propria direzione artistica all’interno di un rinomato live club del centro storico di Pisa, il Cinema Lumière. L’esigenza nasce dalla mancanza, a Lucca, di spazi adeguati per proporre spettacoli di una certa caratura artistica nel periodo invernale e dalla volontà di consolidare la fan base diversificando la propria formula di eventi.
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Si ritiene che proporre spettacoli di qualità con una frequenza che abbracci tutto l’anno, anche il periodo invernale appunto, possa apportare dei miglioramenti in termini di affluenza e brand identity per il festival WØM FEST di maggio che, ad oggi, rimane la punta di diamante del progetto.​

Strumenti:
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Dall’intesa artistica tra WØM FEST e Cinema Lumière, in collaborazione con l’etichetta pisana Aloch Dischi, nasce un sodalizio inedito che darà vita ad una stagione di concerti presso il live club pisano. La rassegna musicale avrà una cadenza mensile (un venerdì al mese) partendo da Novembre 2018 fino ad Aprile 2019.

​Per approfondimenti:
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https://www.womfest.it/
https://www.lumierepisa.com/

di Enrico Esposito

Martedì 30 Ottobre il Teatro Verdi di Pisa ha ospitato il secondo appuntamento della Stagione 2018-2019 de "I concerti della Normale", con l'esibizione del Duo Gazzana. Le sorelle Natascia (violino) e Raffaella Gazzana (pianoforte) hanno dato vita sul palcoscenico dell'antico teatro a una performance accesa e profonda, in grado di catturare l'attenzione del pubblico per oltre un'ora e mezza, e mettendo in mostra ancora una volta nel corso della loro fulgida carriera un talento e un'esecuzione di altissimo livello. Se prima dell'esibizione, l'attesa e l'attenzione erano tante per un sodalizio che ha portato la propria musica all'interno di locations prestigiose di tutto il mondo, al termine del concerto, il sentimento che ha cominciato a proliferare tra le platee e la galleria ha preso il nome di impressione.

Seppure nel loro portamento trasmettano serenità e fiducia, una volta a contatto con i loro strumenti, le sorelle diventano "terribili", "indemoniate", perché capaci di spaziare largamente non solo nel repertorio, ma anche nel passaggio subitaneo da un tono all'altro. Da Poulenc a Grieg, reinterpretando en passant Dallapiccola e Pärt, il Duo si produce in un programma incentrato su compositori novecenteschi che hanno attraversato e incantato il secolo con le loro sonate. La scaletta si compone in questo modo:

- Sonata per violino e pianoforte di Francis Poulenc
- Tartiniana seconda di Luigi Dallapiccola
- Spiegel im Spiegel di Arvo Pärt
- Sonata n.3 per violino e pianoforte in do minore op.45 di Edvard Grieg

Un viaggio continentale che parte dalla Parigi inghiottita dalle tragedie della Seconda Guerra Mondiale, con l'avvincente omaggio di Poulenc alla memoria del poeta spagnolo Federico Garcia Lorca. Un' apertura dal forte impatto emotivo, dalla quale il Duo prende le mosse per avvincere il pubblico in maniera incalzante. Dai primi accordi al piano dettati da Raffaella e agguantati pochi secondi dopo dalle corde di Natascia, non c'è più spazio per le parole, né tantomeno per i sussurri, le considerazioni personali. I ritmi trascinanti del Duo si impossessano dello spettatore, prendendolo per mano all'inseguimento di tonalità diverse, di momenti di esaltazione improvvisa a successive discese tra vortici di silenzio. Così accade durante la Tartiniana seconda, composizione del 1955-1956, che Luigi Dallapiccola ultimò per orchestra da camera, un "Divertimento" dai movimenti alterni, che si segnala ancora una volta per la sua poliedricità. Il Duo lo interpreta in una veste pungente e senza indugi, srotolando un tappeto sonoro intriso di impulsi e scambi verbali, oculari. 

La seconda parte del concerto prosegue sul medesimo filone emozionale, spingendosi ancora più in alto e raggiungendo uno stato di sublimazione all'esecuzione di "Spiegel im Spiegel" del maestro estone Arvo Pärt. Una perla datata 1978, concepita poco prima della partenza di Pärt dal suo Paese natio. Fondato sul topic dello "specchio infinito", il motivo si dipana in una dolcezza intima che le sorelle Gazzana distribuiscono prima tra le mani, poi sugli occhi e infine nella mente sgombra degli astanti grazie alla sintonia di spirito per la quale in molti le considerano gemelle. A differenza delle altre composizioni, alle quali aggiungiamo la Sonata n.3 del norvegese Grieg risalente al 1887, in "Spiegel im Spiegel" violino e pianoforte non assumono un portamento teatrale, da dialogo fitto, ma comunque solidamente coordinato, simbiotico. Il virtuosismo e l'eclettismo si schiudono in una quietezza lunga ma mai snervante né fastidiosa, grazie al calcolo magistrale degli incontri tra le voci degli strumenti. L'aria diventa sospesa, la concentrazione si trasforma gradualmente in abbandono allo spettacolo eretto dal Duo Gazzana.

Immagini tratte da www.duogazzana.com

di Carlo Cantisani

Cypress Hill – Elephants On Acid (BMG)
Pesanti, oscuri e stonati. Questi sono i Cypress Hill che ogni amante dell’hip hop ha conosciuto e ha imparato ad amare. E che aveva perso per strada, come testimoniò Rise Up, album del 2010 che, molto timidamente, cercò di riportare sotto i riflettori il gruppo, con esiti alquanto deludenti. Elephants On Acid fa il suo ingresso ben otto anni dopo, e prepotentemente riporta l’ascoltatore al lontano 1995, anno in cui uscì quel capolavoro corrispondente al nome di III-Temples of Boom. Nel nono album in studio della formazione californiana ritroviamo bene o male gli stessi suoni e soprattutto le stesse atmosfere che hanno contribuito a creare quel profilo così unico e caratterizzate dei Cypress Hill: beats grassi e acidi, tocco psichedelico e sottile vena di follia da chicos latini, il tutto avvolto da un impenetrabile fumo di ganja, com’è d’obbligo aspettarsi. Merito soprattutto del ritorno al timone in veste di produttore di Dj Muggs, che, grazie al suo lavoro sui 22 pezzi del nuovo album, si conferma la vera e propria anima del gruppo, senza nulla togliere alle rime di B-Real e Sen Dog, impegnati a snocciolare versi su trip extrasensoriali e sull’onnipresente marijuana. È grazie a lui che l’album suona convincente, compatto nonostante una tracklist molto lunga, frammentata da numerosi intermezzi strumentali che però non disturbano l’ascolto ma, anzi, fanno da ponte fra una sezione e l’altra del disco, donando ancora più unità al tutto. Classico senza essere retrogrado o inutilmente nostalgico, Elephants On Acid restituisce – finalmente – dei Cypress Hill convincenti e in forma. In alto i bong, e bentornati.

Noname – Room 25 (auto prodotto)
La stampa americana si lascia andare, spesso e volentieri, a lodi sperticate per questo o quel fenomeno musicale del momento: nel decennio che ormai sta per volgere a termine, il genere a cui è stato riservato questo trattamento è indubbiamente l’hip hop (con i suoi vari stili e diramazioni). Oggi tocca a Fatima Nyeema Warner, in arte Noname, classe 1991 e proveniente da Chicago, patria della slam poetry, all’ombra della quale cresce la giovane e futura rapper sin dal 2010. In Room 25, primo vero e proprio album dopo il mixtape di debutto Telephone del 2016, riunisce l’amore, il rigore e la bellezza della parola, mutuati dai suoi trascorsi durante le competizioni di poesia: da qui al rap, quindi, è un attimo (grazie anche al supporto di nomi importanti come Chance The Rapper). Il disco della Warner è un diario intimo che prende le mosse dal trasferimento da Chicago a Los Angeles che la poetessa e performer ha affrontato negli ultimi due anni, quando ne aveva 25, età in cui, come da lei stesso dichiarato, ha inoltre perso la verginità. In Room 25, il sesso, le relazioni interpersonali, l’identità, di donna e di afroamericana, nell’America contemporanea sono tutti temi che si incontrano e si scontrano con pezzi che raccontano esperienze più personali e soggettive, tutti frammenti di uno sguardo lucido e spontaneo fra ciò che è fuori e ciò che sta dentro, fra mondo e persona, come rappresentato anche dalla caotica copertina. Alla fine, ciò che emerge è sempre la Warner e la sua delicata fragilità - un po’ sulla scia di Blonde di Frank Ocean. I pezzi a base di jazz e neo-soul, graziati dall’ottima e certosina produzione di Phoelix, sono talmente intrisi di groove e di melodie aperte e ariose da risultare immediatamente coinvolgenti e per niente scontati; la voce di Warner ora canta, ora invece recita e declama, sempre in maniera frizzante e accattivante. Sia chiaro, niente che non si sia già sentito negli ultimi anni. Ma la peculiarità di un album come Room 25 non risiede nell’originalità, e qui non ci si sforza neanche più di tanto di raggiungere questo obiettivo. Tutto suona però fresco e interessante, e per certi versi anche incredibilmente maturo per essere il primo full lenght. Una piccola, grande sorpresa, di quelle che non ci si aspetta, e che pone le basi per qualcosa di ancora più grande in futuro. Speriamo solo che il marketing e gli addetti ai lavori non abbiamo sommerso la memoria a breve termine degli ascoltatori con un ulteriore, ennesimo fenomeno della black music. 

Kurt Vile – Bottle It In (Matador)
Ritorna il folletto della Pennsylvania, e come al solito è sempre un bel sentire. Con il nuovo Bottle It In, Kurt Vile raggiunge quota otto album (se si considera anche il lavoro scritto insieme alla sua controparte femminile, Courtney Barnett, ovvero Lotta Sea Lice) in un lasso di tempo relativamente breve. Quasi un disco all’anno, e questo dice tanto sulla dedizione e la necessità di fare musica per il cantante e chitarrista americano. Ogni lavoro un passo ulteriore verso una forma sempre più personale e definita di folk rock con venature lo fi e psichedeliche, un aggiornamento 2.0 di suoni classici risalenti agli anni ’60/’70 ma reinterpretati attraverso una sensibilità che si potrebbe definire, molto generalmente, “indie”. L’atteggiamento un po’ svagato, quasi da eterno bambino, la chitarra sempre sotto braccio e la “fattanza” fanno poi il resto. Al di là di facili etichette, ciò che rimane è la sostanza, e in Bottle It In ce n’è parecchia. Ancora una volta Kurt Vile si conferma un musicista di razza e un songwriter esperto che sa cosa vuole e sa perfettamente quali suoni e quali note andare a toccare. Si intuisce già da subito dall’opener Loading Zones, estremamente catchy e dal flavour tipicamente americano, come se i Creedence Clearwater Revival si fossero ritrovati in viaggio sulla Road 66. Il resto della scaletta si muove fra atmosfere più ovattate e rilassate, come uno dei pezzi simbolo del disco, Bassackwards, dall’andamento cinematico: una chitarra continuamente in reverse solca il cielo azzurro illuminato da un sole pallido, che illumina pigramente una spiaggia semi deserta; altre poi più trascinanti e cariche di groove, come Check Baby, dall’aria western, o Yeah Bones, che non mancherà di far muovere i fianchi. Ma questi sono solo esempi, stralci di una scaletta molto compatta che non conosce cali significativi, perché la chitarra di Kurt Vile - protagonista del disco ma pronta, allo stesso tempo, a mettersi da parte quando è necessario – è abile nel ricamare intarsi su intarsi di arpeggi, accordi e suoni. In definitiva, Bottle It In non aggiunge niente a quanto già fatto in passato dal musicista americano, limitandosi a confermare, quindi, la sua caratura già conquistata nel corso della sua carriera. Questo non toglie però che i pezzi possano riservare più di una sorpresa a ogni ascolto, e la loro bellezza sta proprio nel perdersi dentro di essi, come dei piccoli sentieri per un unico grande viaggio che conduce dritto dritto nella testa stramba e disordinata del loro artefice. Magia di chi riesce a mascherare la complessità sotto un’aura di semplicità. Quel genietto nella bottiglia di Kurt Vile ce l’ha fatta di nuovo e, dalla copertina, sorride sornione osservandoci soddisfatti.

Manes – Slow Motion Death Sequence (Debemur Morti Productions)
È incredibile quanto un gruppo così originale e personale come i Manes sia continuamente messo da parte, di certo non oggetto di hype esagerato come i connazionali Ulver. Eppure di creatività, sensibilità e voglia di osare il quintetto di Trondheim non è certo sprovvisto, anzi, si potrebbe dire che Slow Motion Death Sequence, il nuovo parto della band, riesca anche a superare The Assassination of Julius Caesar degli Ulver in più di qualche momento, se proprio si vuole insistere sui paragoni. I misteri del marketing. Al quinto e ultimo album dei Manes non manca nulla per essere apprezzato da una platea più vasta, anzi, rispetto al precedente e meraviglioso Be All End All - squarcio cubista di art rock mutevole e sperimentale - qui il comparto melodico è ancora più evidente. Colpiscono immediatamente le linee vocali di Asgeir Hatlen, impegnato a donare pathos e sentimento a ogni nota, così come quelle delle due voci femminili di Anna Murphy e Ana Carolina Ojeda: il comparto vocale è un fiore delicato e fragile che si innesta su una musica gelida e grigia, continuamente cangiante nei suoi riflessi argentei e frastagliati, presi in prestito ora dall’industrial, ora dal trip hop anni ’90, ora dall’electro rock mutuato da dei Depeche Mode ancora più avvelenati e acidi. Chi conosce i Manes sa che ormai da tempo la band ha abbandonato i lidi del metal per avviarsi su sentieri molto più impervi; o che, per lo meno, ha saputo sfruttare una certa sensibilità mutuata dal metal per piegarla a ciò che ha voluto trasmettere. Per tutti gli altri, il gruppo norvegese può essere una scoperta unica, l’entrata in un mondo che all’apparenza mostra un guscio freddo e impenetrabile ma che rivela invece un nucleo caldo, accogliente, fragilmente umano. A patto però che ci si approcci senza pregiudizi e con la giusta apertura mentale. Se non si ha paura di affrontare quell’arte che, anche a costo di essere molto diretta e brutale, mette in mostra i lati più intimi della propria personalità, così come le idee di perdita, lutto e isolamento, allora Slow Motion Death Sequence potrà risultare una sfida intrigante.

​Immagini tratte da: 
www.hotnewhiphop.com/
www.stereogum.com/
www.brooklynvegan.com/
dmp666.bandcamp.com

di Enrico Esposito

Ven 26 Ottobre – MUSICA dei POPOLI 2018: BOMBINO (Niger) in concerto

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Stella del desert blues, Goumar Almoctar, conosciuto come Bombino, è nato e cresciuto in Niger ad Agadez, nel nord dell’Africa, nella tribù dei Tuareg Ifoghas, che lotta da secoli contro il colonialismo e l’imposizione dell’Islam più severo. Costretto a fuggire più volte con la sua famiglia, fin da bambino inizia ad esercitarsi con la chitarra diventando allievo del celebre chitarrista Tuareg Haia Bebe che poco dopo lo prende nella sua band. Qui acquisisce il soprannome di BOMBINO da una storpiatura dell’italiano “bambino”. Si appassiona a Jimi Hendrix e Mark Knopfler, di cui studia le tecniche durante i pascoli tra Algeria e Libia. Tornato in Niger intraprende la carriera di musicista a tempo pieno ed il suo talento non passa inosservato, tanto che nel 2009 il regista Ron Wyman diventa produttore di “Agadez”, l’esordio solista su disco.

Nel frattempo la fama del giovane talento cresce fino ad essere conosciuto in tutto il mondo e suonare nei più importanti festival musicali, con collaborazioni prestigiose, tra cui quella con Keith Richards. Dan Auerbach (The Black Keys) lo incontra, ne rimane folgorato, e decide di produrre “Nomad”, il terzo disco che riscuote un successo internazionale. Il desert rock incontra il blues, suonato dalle abili mani di Bombino ed arricchito dalla sua voce intensa e vigorosa.
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In Italia il suo sound ha conquistato tutti, da Fabio Fazio che lo ha voluto ospite a 'Che tempo che Fa' a Jovanotti che affascinato dalla sua storia lo ha coinvolto nella produzione del suo ultimo album.
Apertura ore 20,45 - INGRESSO €18 – (in prevendita €15+dp)
Segue DJ SET by Andrea Mi dj

http://www.bombinomusic.com/ https://www.facebook.com/bombino.official/

​Sab 27 Ottobre – MUSICA dei POPOLI 2018: 
“OMAGGIO ad ANTONIO INFANTINO” 
con AGOTRANCE e i TARANTOLATI di ANTONIO INFANTINO in concerto ​

ANTONIO INFANTINO è uno dei personaggi più geniali, poetici e stravaganti della musica popolare e d'autore italiana; musicista, cantautore, architetto, pittore, poeta, insegnante, intelletuale controcorrente, ricercatore, studioso delle tradizioni popolari, compositore di colonne sonore, scenografo, beatnik: l'elenco dei suoi cento talenti e delle sue attività e collaborazioni è lunghissimo. Inizia con la musica già nel 1966, anno delle sue prime esibizioni al Folk Studio di Roma, e Nanni Ricordi gli fa incidere il suo primo disco. Poi l'incontro con Dario Fo e Franca Rame, che lo chiamano a collaborare allo spettacolo “Ci Ragiono e Canto” ; e con Fernanda Pivano, che firma l'introduzione al suo primo libro di poesie. Nel 1975 fonda i Tarantolati di Tricarico, con i quali ha stravolto e reinventato il repertorio tradizionale della sua terra d’origine, la Basilicata, fondendo nenie e poesie, ballate e ninne nanne, ritmi popolari e canti di lotta.. Poi ancora compone musiche per cinema, teatro e televisione, torna a lavorare con Dario Fo per “Arlecchino” e “Juan Padan” ed incide assieme ai 99 Posse una nuova versione de “La gatta mammona”.
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Nel 2000 il suo nuovo album “Tara'n Trance” entra a sorpresa nelle classifiche delle dancehall internazionali, riscuotendo grande successo soprattutto negli USA. Nel 2015 è ospite nel nuovo disco di Vinicio Capossela: “Canzoni della Cupa” e l'anno dopo ha partecipato al maxi concerto de La Notte della Taranta e al Concerto del Primo Maggio a Roma.

ANTONIO INFANTINO ci ha lasciati all'improvviso alla fine di gennaio di quest'anno lasciando un grande vuoto nella musica italiana e nel cuore di tutti quelli che l'hanno conosciuto, apprezzato e amato. Questa serata, che riunisce il nutrito gruppo di musicisti che ha coinvolto per anni, è diretta dal suo braccio destro AGOSTINO CORTESE insieme a vari ospiti, è per ricordarlo per quello che è stato: un creatore originale e controcorrente ed un grande artista.
Apertura ore 20,45 - INGRESSO €10/8€
Segue DJ SET by Hugolini dj

ttps://www.facebook.com/antonioinfantinoofficial/ https://it.wikipedia.org/wiki/Antonio_Infantino ​​

  Immagini tratte da:

- Immagine 1 da Bombino official page facebook
- Immagine 2 daAntonio official page facebook

di Alice Marrani

​“Come se avessimo bisogno di un’altra canzone di merda con la pioggia dentro” cantava Giorgio Canali in Orfani di cieli a concludere Rojo. Sette anni dopo, è uscito il 5 ottobre il nuovo Undici canzoni di merda con la pioggia dentro (La Tempesta / distr. Master Music.) ottavo album per Giorgio Canali e settimo con Rossofuoco. Dopo Perle per porci, la raccolta di cover uscita due anni fa, il nuovo album contiene undici inediti che musicalmente portano la sua firma ben riconoscibile, la stessa asprezza, spontaneità e arroganza che ormai contraddistingue uno degli ultimi romantici maledetti della scena musicale italiana. Giorgio Canali e la band come sempre raccontano di pancia una sintesi fra temi personali e sociali intrisi di una nebbia densa che sale da una società ipocrita, problematica, fatta di cambiamenti apparenti, difetti perenni e amori finiti. 

​Anima del CSI, CCCP, PRG, musicista, tecnico del suono, produttore, Giorgio Canali ha lasciato un segno originale su ognuno dei suoi dischi e nei suoni di alcuni dei migliori artisti del rock italiano, fra i quali Verdena, Le luci della centrale elettrica, Marlene Kuntz, Tre Allegri ragazzi morti, The Zen Circus. Dall’inizio della sua carriera è impegnato nella musica sotto varie angolature che non hanno mai limato il carattere ruvido ne ridotto l’energia e la creatività, tutti aspetti che oltre che ascoltati dai dischi, meritano di essere ascoltati dal vivo. Segnaliamo quindi le prossime occasioni per farlo.


20/10 Torino - Blah Blah *Giorgio Canali in solo
26/10 Brescia - Latteria Molloy 
02/11 Bergamo – Druso
03/11 Livorno - The Cage 
09/11 Parma - Wasabi c/o Zu 
17/11 Firenze - Glue 
30/11 Roma - Monk 
14/12 Milano - Serraglio

Immagini tratte da : Big Time 

di Enrico Esposito

Francesco Taskayali è un giovane ed eclettico pianista italoturco che dal 2009 ad oggi rappresenta uno dei più interessanti prospetti nostrani e non solo dello strumento a 88 tasti. Nato a Roma nel 1991, ha iniziato a comporre all'età di tredici anni interessandosi sin da subito ad una ricerca approfondita del piano e delle sue molteplici sfumature melodiche. I suoi brani denotano infatti un repertorio ampio e camaleontico, che intende allo stesso tempo rifarsi al minimalismo di grandi compositori come Ludovico Einaudi e ai generi musicali tra cui jazz, ritmi mediterranei, tradizione sudamericana. Grazie alla sua versatilità Taskayali ha attirato su di sè l'attenzione di orchestre e committenze provenienti dai diversi continenti, e l'hanno visto a partire dall'uscita dei suoi primi lavori in studio editi dall'etichetta internazionale Warner e dall'italiana INRI Classic ("Emre" del 2010, "Le Vent" del 2011 e "Flying" del 2014), compiere un percorso prolifico e apprezzato. Nel maggio del 2012, a soli ventuno anni, il musicista romano è stato l'unico "portavoce" dell'Italia al Festival Europeo de Piano a Caracas, in Venezuela, in una delle sue numerose performance all'estero, che l'hanno portato a esprimere il suo talento in altri illustri capitali, quali Vienna, New York (alla Festa della Musica del 2016), Addis Abeba, Parigi, Londra, Istanbul, Kiev, Jakarta. Nel dicembre del 2016 il mezzo soprano georgiano Nino Surguladze lo invita a prendere parte ad un concerto di beneficenza a Tbilisi alla presenza del Presidente Margvelashvili. Particolare successo in termini di pubblico e critica riscontrano le sue esibizioni all'Auditorium della LUISS Guido Carli a conclusione del suo primo tour mondiale del 2012, e la prima data del ciclo di concerti il 7 dicembre 2017, con cui in un Auditorium Parco della Musica soldout "bagna" la promozione del suo ultimo album "Wayfaring". Il disco, ancora una volta pubblicato con INRI Classic/Warner Music fa il suo ingresso direttamente nella top 100 degli album più venduti in Italia, e anche questo autunno potrà essere ascoltato dal pubblico nell'arco di sette appuntamenti che prenderanno vita in suggestive locations tra Palermo e Bologna.

Francesco Taskayali ha affiancato alla sua produzione discografica una diffusa realizzazione di soundtracks per cortometraggi, spot pubblicitari, campagne di sensibilizzazione, documentari. Collabora infatti fin dai primi anni della sua carriera con la compagnia anglosassone The Music Sales Group Ltd., è autore di colonne sonore per la Tim, Rai 3, La 7, e per il film documentario argentino "Ochos pasos adelante", diretto dalla regista Selene Colombo, e proiettato a New York presso la ECOSOC Chamber delle Nazioni Unite, in occasione della Giornata Mondiale per la Consapevolezza sull’Autismo. Nel suo ultimo album "Wayfayring", il pianista ha ulteriormente ampliato il suo "raggio d'azione", innestando alla base delle verticalizzazioni del suo strumento gli arrangiamenti con strumenti a corda ed elettronica curati dal produttore Ale Bavo. Da pochissimi giorni l'artista romano ha reso visibile sul suo canale Youtube un inedito dal titolo di "Pomeriggio", che viene da Taskayali stesso suonato dal vivo in una cornice del tutto particolare. Taskayali infatti appare "alle prese" con un pianoforte di oltre tre quintali al di sopra di uno speciale palco galleggiante installato sul Lago di Paola a Sabaudia. Atmosfere emozionanti e amene per un brano nato da un'improvvisazione nel silenzio.

Immagini tratte dalla pagina facebook dell'artista

In uscita il prossimo 5 ottobre per BMG la raccolta di oltre trenta brani, con alcuni inediti, che esaltano la voce della cantante britannica.

Ultimate Collection Tracklist 
CD1
1. Nine Million Bicycles
2. What A Wonderful World
3. Plane Song
4. The One I Love Is Gone
5. Crawling Up A Hill
6. In My Secret Life
7. The Love I’m Frightened Of
8. Red Balloons
9. Belfast
10. A Time To Buy
11. What I Miss About You
12. Spider’s Web
13. Thank You Stars
14. I Will Be There
15. River
CD2
1. The Closest Thing To Crazy
2. Dreams On Fire
3. Wonderful Life
4. If You Are So Beautiful
5. Piece By Piece
6. The Little Swallow
7. Just Like Heaven
8. Call Off The Search
9. The Walls of the World
10. The Flood
11. Tiger In The Night
12. I Cried For You
13. If You Were A Sailboat
14. Where Does The Ocean Go?
15. A Perfect World
Bonus Tracks
16. Bridge Over Troubled Water
17. Diamonds Are Forever
Fields Of Gold

L'avevamo conosciuta per la prima volta nel 2003. Il suo primo singolo "The closest thing to crazy" lasciò intuire sin da subito che Katie Melua fosse in grado di colpire il pubblico grazie a un suo stile ricercato. Un blues con venature jazz e "intromissioni" pop illuminato da un timbro vocale metodico, sornione, che si sospinge in totale calma durante l'esecuzione delle canzoni sino a disegnare panorami immensi e ricreare atmosfere piene di riflessione. Un tono rasserenante e portatore di sentimenti profondi. Sogni, rivelazioni ma anche malinconie vivono nelle composizioni della giovane artista di origine georgiana, che sin dal suo esordio intitolato "Call off the search" (etichetta Dramatica) si ritaglia uno spazio di rilievo soprattutto sul mercato della Gran Bretagna che l'aveva accolta nel corso dell'infanzia dopo essere sfuggita ai conflitti nella madrepatria e aver trascorso un periodo tempo a Belfast. In tandem con il produttore Mike Batt, Katie debutta con un album coraggioso in virtù delle covers che si leggono all'interno della playlist, tra cui "Crawling up a hill" di John Mayall, "I think it's going to rain" di Randy Newman e "Lilac Wine" di James Shelton. Sulla falsariga di artiste che a lei si avvicinavano per proposta musicale quali Norah Jones, Vanessa Carlton, Sarah Mclacklan, Katie Melua vende 1.2 milioni di dischi in U.K. perché mostra agli ascoltatori un talento sincero, sobrio, sbocciato dopo gli anni di studio alla BRIT School (prestigiosa accademia presso la quale si sono perfezionate altre notevoli cantanti come Imogen Heap, Adele, Leona Lewis) e l'ascolto di grandi voci della scena soul tra cui Eva Cassidy, protagonista della scena di Washington nel decennio tra il 1986 e il 1996, anno in cui morì prematuramente a causa di un melanoma. In "Ultimate collection", la raccolta che Katie Melua pubblicherà quest'anno per celebrare oltre quindici anni di successi, Eva Cassidy viene opportunamente omaggiata dalla sua fan britannica sia attraverso una riproposizione di "Fields of gold", l'hit dei Police reinterpretata dalla stessa Cassidy, che soprattutto nell'emozionante unione delle due voci che da vita alla cover di "What a wonderful world".

Con le sue trentadue tracce "Ultimate collection" ripercorre in lungo e largo la carriera di Katevan, questo il nome originario della cantautrice. Brani contenuti all'interno dei sette album pubblicati in studio, dall'esordio già citato al più recente "In Winter" del 2016, disco autoprodotto. "Nine Million Bicycles", "If You Were A Sailboat", "I Will Be There" sono solo alcuni esempi dell'apprezzata produzione della Melua, che in una doppia veste, da una parte acustica con voce, chitarra e pochi altri strumenti, dall'altra sinfonica in una piacevole elevazione di note e rime, racconta in prima persona "come da tradizione" le impressioni e i pensieri che prendono vita nella sua mente in momenti comuni della giornata, osservando un tramonto oppure al termine di un viaggio in un paese straniero. La mente non può non incontrare le verità o le ipotesi insite nel cuore, il desiderio di interrogarsi sulle domande molteplici avanzate dal mondo e dai fenomeni che lo popolano, dagli esseri che lo abitano. Katie canta il suo mondo, e allo stesso tempo non dimentica di riservare un ampio e magnifico spazio alla musica stessa, cimentandosi con pietre miliari del passato, con conclamati maestri del settore. Da "Wonderful Life" di Black a "Just Like Heaven" dei The Cure, fino a "Fields of Gold" che chiude la scaletta, preceduta da una riproposizione inedita di "Like A Bridge Over Troubled Water" di Simon & Garfunkel e da "Diamonds Are Forever", altra traccia mai pubblicata prima d'ora, scritta dalla stessa cantante e suonata dal vivo per la prima volta da Katie al Don Black Songbook concert alla Royal Festival Hall.

Un'altra prova dell'inconfondibile stile accurato e "lirico" dell'artista inglese, che in "Ultimate Collection" intende concedersi all'ascoltatore nei panni della cantante, della musicista, dell'amante della musica, e rendere grazie a chi ha collaborato al suo fianco e l'ha ispirata. Dopo l'uscita del doppio album prevista per il 5 Ottobre, Katie Melua poche settimane dopo inaugurerà a Stoccolma un lungo tour europeo che la condurrà a esibirsi in ben 13 date in UK, durante le quali saranno presenti musicisti stellari e membri del The Gori Women’s Choir’. Lo show sarà aperto da un set dell’artista Irlandese - Giordana "Keeva".

DATA - STATO/CITTÀ - VENUE
24 Ottobre Swezia, StoccolmaCirkus
25 Ottobre Norvegia, OsloSpektrum
27 Ottobre Danimarca, ArhusMusikhuset
28 Ottobre Danimarca, AalborgAalborg Hallen
30 Ottobre Danimarca, CopenhagenOpera House
31 Ottobre Germania, AmburgoMehr! Theatre
01 Novembre Belgio, BrusselsPalais des Beaux Arts
02 Novembre Olanda, AmsterdamCarre Theatre
04 Novembre Francia, ParigiOlympia
05 Novembre Francia, BordeauxTheatre Femina
06 Novembre Francia, MarsigliaLe Silo
08 Novembre Francia, LioneAmphitheatre
10 Novembre Svizzera, ZurigoHalle 622
11 Novembre Svizzera, GinevraThéatre du Léman
12 Novembre Francia, StrasburgoPalais de la Musique et des Congrès
14 Novembre Germania, MunsterMunsterlandhalle
15 Novembre Germania, WuppertalStadthalle
16 Novembre  Germania, MannheimMozartsaal
18 NovembreAustria, BregenzFestspielhaus
19 NovembreAustria, ViennaStadthalle F
21 Novembre Germania, MonacoPhilharmonie
23 Novembre Lussemburgo, EschRockhal
24 Novembre Germania, HannoverKuppelsaal
26 Novembre Germania, FrancoforteAlte Oper
28 Novembre UK, BournemouthPavilion
29 Novembre UK, CardiffSt David’s Hall
30 Novembre UK, BirminghamSymphony Hall
02 Dicembre UK, SalfordLowry
03 Dicembre UK, NottinghamRoyal Concert Hall
04 Dicembre UK, GuildfordG Live
06 Dicembre UK, BrightonDome
07 Dicembre UK, BathForum
08 Dicembre UK, LondraCentral Hall Westminster
10 Dicembre UK, LiverpoolPhilharmonic
11 Dicembre UK, GatesheadSage
12 Dicembre UK, YorkBarbican
13 Dicembre UK, EdinburgoAssembly Rooms

Immagini gentilmente fornite da Ufficio Stampa A Buzz Supreme

di Carlo Cantisani

Non deve essere completamente semplice per una band come gli Alice In Chains restare a galla nella scena musicale contemporanea. E non sono tanti i gruppi che, seppur avendo alle spalle la stessa lunga storia, possono tranquillamente affermare di mantenersi su livelli musicali, se non proprio eccelsi, quanto meno buoni e/o decenti. Rainier Fog, quindi, potrebbe essere visto come un gesto di sfrontata cocciutaggine e anche - e soprattutto - di personale resistenza al passare del tempo. Con buona pace di chi vede le reunion come un’occasione per gli artisti di portarsi a casa un generoso assegno dalla loro etichetta discografica per imbracciare di nuovo gli strumenti. Perché, comunque la si voglia pensare, fare tre dischi “vecchio stampo” come il terzetto post-reunion Black Gives Way To Blue, The Devil Put Dinosaurs Here e quest’ultimo Rainier Fog, avulsi da tutto ciò che la scena continuamente vomita sulle orecchie degli ascoltatori e risplendenti di una luce tutta loro, senza perdere un grammo della propria identità costruita in trent’anni di carriera, è un atto di rispetto e di amore verso la propria musica.
Ascoltando questi tre dischi sembra che il tempo da quel lontano 1995, anno dell’ultimo omonimo full in studio, non sia passato per niente, senza lasciare tracce evidenti. Nonostante la tragedia di due perdite in seno alla band, nonostante i problemi di droga e alcol che chi è rimasto si porta ancora dietro, come un’ombra. E proprio all’omonimo album di 23 anni fa, Rainier Fog rimanda in più di un’occasione. La sua influenza aleggia lungo le dieci tracce del nuovo disco, e chiama in causa anche la produzione discografica solista di Jerry Cantrell, in particolare quel meraviglioso Boogie Depot del 1998 (non a caso molte tracce finite nel disco del chitarrista erano state scritte all’epoca per l’omonimo del ‘95). Un riallacciare vecchi discorsi, un mezzo ritorno a casa: ‘mezzo’ perché, volenti o nolenti, il grunge, gli anni ’90, le camicie di flanella e tutto l’immaginario che quell’epoca ha costruito intorno ai suoi protagonisti non potranno essere rimessi in piedi, mai più. E di questo sono consapevoli in primis proprio gli Alice In Chains, proprio coloro che, insieme a tanti altri, hanno contribuito al mito, a tramandarlo e alla sua (auto)distruzione. È nel vuoto lasciato dall’altra metà che si può porre il lavoro degli Alice In Chains (versione 2.0? Un po’ esagerato forse) attuali e della loro ultima opera.
Rainier Fog conferma ciò che molti avevano cercato - in cuor loro e disperatamente - di scongiurare sin da quella specie di ottimo “reboot” del 2009: la pedissequa riproposizione di ciò che fu un tempo e che ora non potrebbe, per forza di cose, più essere. La forza di questi Alice In Chains sta proprio in ciò, nel suonare familiari come sempre ma senza essere la copia sbiadita e posticcia della band di Facelift, Dirt e Jar of Flies. Conseguire quest’obiettivo per la terza volta, dopo essere stati assenti dalle scene per tanto tempo, è già grandioso di per sé. Se poi ci mettiamo delle canzoni che nulla hanno da invidiare ai classici del gruppo per impatto, melodia, coinvolgimento e, in generale, scrittura, allora si è di fronte, forse, a qualcosa di unico. Per chi idolatra i ‘90s del grunge si potrebbe tirare in ballo il fatto che buona parte di Rainier Fog sia stato registrato nella loro Seattle, presso gli Studio X, oltre che nello studio privato di Cantrell. Si potrebbe, ma questo riguarderebbe sempre e solo quella solita narrazione che tira in ballo il passato solo quando fa comodo per idolatrarlo. Basta parlare di grunge, fenomeno dai contorni poco definiti, calderone nel quale è stato gettato dentro tutto e di più e che, a parte qualche notevole eccezione (Melvins su tutti), dal punto di vista musicale è stata una corrente molto passatista. Gli Alice In Chains, ormai, sono solo gli Alice In Chains: consapevoli del loro passato – come ad esempio fanno nella title-track, dove tributano la vecchia scena della loro città – e ben piantati nel presente, grazie a un cantante e chitarrista, William DuVall, che, come già dimostrato nei due dischi precedenti, non tenta mai, neppure per un secondo, di imitare QUELLA voce e QUELLA STESSA delicata disperazione. Un omofono, com’è giusto che sia per non perdere una parte assolutamente fondamentale dello stile Alice In Chains, ma non di certo una copia.
A tutto il resto pensa Jerry Cantrell, un chitarrista ancora oggi troppo sottovalutato. Un uomo che, in disparte e senza fare tanto clamore, sembra essere devoto in tutto e per tutto alla sua band. In ogni riff e in ogni assolo degli Alice In Chains post-reunion si può percepire la stessa atmosfera, ora cupa, ora delicata e malinconica, di un tempo, ma con in più una spiccata maturità. La consapevolezza, forse, di chi ne ha passate tante, troppe, e che sa che l’unico modo rimastogli per esorcizzare tutta questa dannata storia è attraverso la musica. In Rainier Fog, infatti, il lavoro di chitarra è tremendamente certosino, mai esagerato e lasciato al caso. La strumento di Cantrell scava nei pezzi come un artigiano nella pietra e nel legno, come nella pesante e quasi metal Red Giant, con quella tipica cadenza lenta, dondolante, strascicata e piena di blues come in Drone, o, ancora, come il riffing più aperto e diretto, tipicamente rock, della title-track. Neanche la produzione aggiornata ai tempi, che rischia in alcuni frangenti di avvolgere l’album in una patina troppo fredda, riesce a scacciare quel retrogusto psichedelico e acido che ha sempre accompagnato il suono della sua chitarra. Cantrell, che canta anche in molti pezzi insieme a DuVall, crea quel giusto ambiente dove far risuonare appieno la sua voce e quella del suo compagno di band, quest’ultimo vero e proprio asso nella manica del gruppo, lasciando anche adeguato spazio alla sezione ritmica di Mile Inez e Sean Kinney, come al solito robusta, compatta e grezza il giusto. Grazie a questi elementi, Ranier Fog fila via tutto d’un fiato senza neanche accorgersene, arrivando alla fine dove ad attendere c’è il terzetto costituito da So Far Under, Never Fade e All I Am, probabilmente i pezzi migliori del disco.
In generale, però, si percepisce come tutti i brani cavalchino la stessa linea d’onda rispetto a The Devil Put Dinosaurs Here, dove sono presenti pezzi come Hollow o Stone e dove era più facile affezionarsi a un brano rispetto a un altro; inoltre non gode dell’effetto sorpresa di cui invece ha beneficiato Black Gives The Way To Blue al momento della sua uscita. Ma è anche vero che la forza di Rainier Fog sta nella sua compattezza: si preme play e non lo si toglie più se non quando si arriva alla fine, assicurandosi ripetuti ascolti.
E alla fine, riuscire a farsi ancora ascoltare e amare nel 2018, per una band di lunga data come gli Alice In Chains, non è un dato per niente scontato. Il mestiere, quando è accompagnato dalla credibilità, paga, riuscendo a convincere anche i più scettici.

Alice In Chains – Rainier Fog (BMG, 2018)

1. The One You Know
2. Rainier Fog
3. Red Giant
4. Fly
5. Drone
6. Deaf Ears Blind Eyes
7. Maybe
8. So Far Under
9. Never Fade
10. All I Am
    

Immagine tratta da: soundlab.com

​Info e biglietti: Stefano Bollani 15 € e consentirà l'ingresso al Festival anche per la giornata di venerdì 28 Settembre, prima data ufficiale di Firenze Libro Aperto. Purché si entri prima delle 14.30. 

Per tutti gli altri concerti occorrerà acquistare il biglietto di Firenze Libro Aperto per la giornata. Ingresso 10 euro. Dj Claptone ingresso 10 euro ticket in cassa.

Prevendite presso tutti i punti vendita Box Office e Ticketone sul territorio nazionale.

Informazioni: info@firenzelibroaperto2018.it - segreteria@firenzelibroaperto.it 
tel. +39 055 584378 ​

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