Si scatena ben presto una tempesta elettrica che avvolge l’atmosfera per mezzo dei suoni martellanti degli strumenti, della bruciante passione delle voci, e di un travolgente utilizzo delle luci che si succedono nell’accecare, nell’incupire e nell’incantare. L’intera performance pulsa di una fondamentale corporeità in linea con i contenuti di “Go Go Diva”, il terzo e ultimo album della band pubblicato appena a dicembre e protagonista del tour da poco partito lungo la penisola. Veronica dirige l’orchestra accompagnata da Dario ed Erika in preda a una libertà espressiva che contagia gli spettatori senza troppi filtri. “Questo corpo”, “The bomba”, “Alibi” e tutte le altre tracce di “Go Go Diva” mettono in mostra i loro molteplici significati, le “confessioni” rilasciate dalla protagonista femminile del disco. Un’anima che assume a pieno la vita nei ricordi della propria famiglia, nella descrizione dell’incontro con l’amore e i suoi risvolti, nei lineamenti dei suoi arti, del viso, all’interno della pelle. Si presenta come un’icona fuori dal tempo e dai spazi, dentro la quale si uniscono in coro pensieri di uomini e donne, ragazzi e ragazze, come quelli sul palco o sotto il palco. Lo spettacolo di sensi e arte che la Rappresentante di Lista compone ha nella musica il trampolino per spiccare un tuffo spontaneo nella riflessione. ​

di Federica Talarico

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A meno di una settimana dalla sua serata conclusiva, il Festival di Sanremo continua a far parlare di sé. Del resto, si sa, Sanremo non è Saremo senza le polemiche che lo riguardano (da ben 69 anni) e non potevamo non aspettarci un'ennesima controversia anche alla fine di quest'ultima edizione.

Quest'anno a vincere sono state la modernità, i ritmi orecchiabili, la musica fatta per dare voce alle proteste giovanili – il precariato, l'ansia per il futuro, la disumanità che ci circonda.
E in qualche modo, in un'Italia in crisi, nella quale si fa ancora molta fatica a parlare di tolleranza e multiculturalismo, ha vinto l'integrazione.

Perché Mahmood, vincitore del primo premio, è un giovane cantante figlio di madre sarda e padre egiziano; italiano come il festival, ma sono bastati il colore della sua pelle ed il sangue “impuro” nelle sue vene a farlo apparire come uno straniero agli occhi dei fan che, delusi, avrebbero certamente sperato nella vittoria di cantanti “autoctoni”.

Che poi, anni addietro, a vincere il festival furono personaggi quali Anna Oxa o Malika Ayane – entrambe nate da un genitore di sangue straniero – sembrano esserselo dimenticati in molti, forse complice il fatto che almeno loro la pelle l'hanno sempre avuta di colore bianca.

Mahmood non rinnega certo le sue origini, ma si sente e si professa sinceramente italiano, e da italiano canta le stesse paure e preoccupazioni dei suoi coetanei, ovattandole all'interno di un ritmo orecchiabile e piuttosto difficile da dimenticare, una volta effettuato un primo ascolto.
Il suo è un brano contemporaneo, già in vetta a tutte le classifiche, e che ben rispecchia l'evoluzione moderna della musica italiana; la scelta della giuria critica non è stata certo casuale e ripiegare su un brano così al passo con i tempi, che sin dai primi giorni di rassegna svettava in cima alle playlists, è forse un modo come un altro per distaccarsi da quel vecchio festival così vetusto ed altezzoso.

La società, del resto, si evolve e la musica dovrebbe andare di pari passo.
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Eppure questa vittoria è ancora troppo discussa, da chi non accetta di vedere un mezzo egiziano in cima al podio e chi polemizza riguardo a regole ingiuste e comprensibili, primo fra tutti il secondo classificato Ultimo, certamente vittima di una rancorosa dimenticanza perché nel 2018, con quelle medesime regole, è stato proprio lui a trionfare sul podio nella sezione Giovani.

Talvolta si vince, talvolta si perde... Ma ad essere sportivi, ci si guadagna sempre.

Certo, a guadagnarci è anche – come sempre – il Festival, che non manca mai di guadagnarsi ulteriore pubblicità e certezze di rinnovarsi, almeno per l'edizione successiva, una buona fetta di interesse ed attenzione da parte del pubblico.

Che poi se ne parli bene o male, fa lo stesso: la cosa importante è che se ne parli comunque.

​E se da sessantanove anni il Festival continua a far parlare di sé, qualcosa vorrà pur dire.

Immagini tratte da corriere.it

di Enrico Esposito

di Enrico Esposito

"Go Go Diva". Ancora un personaggio femminile. E come potrebbe essere altrimenti.. Si perchè LRDL, La Rappresentante di Lista, è "una femmina che accoglie, che si prende cura, che ama; un progetto di ricerca, nato con un punto di vista plurale femminile" che trasfigura Veronica Lucchesi in Dario Mangiaracina da quasi dieci anni. Nel 2010 il loro primo incontro a Milano durante l'allestimento di uno spettacolo teatrale, il trasferimento a Palermo "felicissimo", perché portatore dell'incontro con giovani musicisti e fautore della nascita di una magica intesa di pensiero che ha trovato la sua espressione pregevole nella musica. Il canto di Veronica, la chitarra di Dario, dal 2015 la tromba di Enrico Lupi, le percussioni di Marta Cannuscio, e il supporto vocale di Erika, la sorella di Veronica. Nel corso dello scorso anno si unisce alla band anche il batterista Roberto Calabrese, mentre tra Marocco e Toscana Dario e Veronica completano la scrittura delle undici tracce che compongono dai capelli ai talloni il corpo di "Go Go Diva", il terzo album in studio della band uscito lo scorso 14 Dicembre per Woodworm Label,  dopo "Bu Bu Sad" del 2015 e "(per la) Via di casa" del 2011. 

​Questa sera a partire dalle 22:30 la band sarà di scena al Lumière di Pisa per una nuova tappa del tour che sta toccando la penisola seguendo una trasversalità che costituisce il nerbo del progetto LRDL. Il pop oscillante tra acustica e elettronica è queer nella sua accezione globale di "strambo", di sperimentale, in continua evoluzione. I brani de La Rappresentante di Lista vivono di un tempo narrato senza confini, in cui l'attuale, il ricordo e l'ipotesi si uniscono e si confrontano. Veronica e Dario scrivono lasciandosi andare all'istinto, all'elaborazione dei sensi che permettono di manifestare sensazioni molteplici. "Go Go Diva" celebra attraverso il singolo di lancio "Questo corpo" un desiderio profondo che si impossessa di tutti gli organi del corpo. Un impulso che prende forma e vita attraverso le rivelazioni di un'entità femminile che compie un viaggio connotato da nostalgia, solitudine, necessità, volontà provenienti dalle esperienze medesime della band. 

TRACKLIST "GO GO DIVA"
 
01_Questo corpo
02_Ti Amo (nanana)
03_Maledetta tenerezza
04_Alibi
05_Giovane femmina
06_Guarda come sono diventata
07_The Bomba
08_Panico
09_Poveri noi
10_Gloria
11_Woow

Immagini gentilmente fornite da Ufficio Stampa Big Time

di Alice Marrani

A prescindere dai gusti, dalle inclinazioni, dai percorsi (anche musicali) della vita di ognuno, tutti abbiamo una canzone, una voce, un disco che parla di un lato preciso di noi stessi, di un punto di svolta, di un pensiero vicino o lontano nel tempo. Quella voce diventa familiare, simbolo di una prima scintilla di ispirazione o sintesi nuova di mille precedenti scoperte. Ci sono alcuni dischi, cantanti, cantautori, musicisti, capaci di attaccarsi a qualcosa che rimane inalterato, oppure di diventare scoperta, rivelazione o semplicemente comunanza. Questo, forse, è parte di ciò che li rende permanenti, una voce presente nel passare degli anni, per generazioni diverse, diversi contesti. Quella voce raccontata da più persone suona in modo differente, diventa frastagliata e multiforme: a seconda di come la ascolti, ogni punto di vista la illumina da un lato diverso. Non è facile trovare l’angolazione giusta per tanti, il mezzo opportuno che mostri senza deformare. La musica che racconta la musica, poi, non è mai semplice da suonare, il rischio “brutta copia” e naso arricciato è sempre reale, a meno che non si voglia omaggiare un gigante rimanendo sé stessi. Se poi si parla di giganti della musica italiana, Lucio Dalla non può che essere fra questi. Non serve neanche dilungarsi a spiegare perché.
Prendete, quindi, cinque musicisti che raccontano nello stesso concerto lo stesso, grande, cantautore. Mettete che ognuno di questi aggiunga qualcosa di suo, di personale, un proprio riflesso musicale, un suo modo di cantare, suonare e raccontare. Ne deriva un’immagine sfumata, eterogenea eppure estremamente nitida. Come è profondo il mare è un ritratto a dieci mani e cinque teste nel quale la musica di Lucio Dalla incontra non solo la contemporaneità di Tommaso Novi, Giulia Pratelli, Giò Mannucci, Luca Guidi e Matteo Fiorino, ma anche il loro punto di vista, umano e musicale. I loro concerti sono fatti di singole voci e percorsi personali che ogni tanto si incontrano e si intrecciano in pezzi di musica che, almeno in minima parte, fanno parte del vissuto di ognuno di noi. Le varie anime di Dalla si alternano alla musica, alle mani e alla voce di cinque persone diverse in un unico, delicato, divertente e piacevole omaggio.

Il concerto che si terrà stasera alle 22:00 aprirà un mese di “ritorno alle origini” al Nuovo Teatro delle Commedie di Livorno. Dal primo al 28 febbraio, cinque serate dedicate a Tenco, Modugno, Bennato e Battisti: un festival per incontrare e ritrovare la musica de Mostri Sacri della musica italiana con autori e musicisti toscani fra i quali Eugenio Sournia (Siberia), Elisabetta Maulo (Betta Blues Society), Maestro Pellegrini (ovvero Francesco Pellegrini, chitarrista degli Zen Circus, ex Criminal Jockers), Cristiano Tortoli (Siberia), Francesco Bottai, Jara Love, Aurora Loffredo, Dario Miceli, Dario Greco.
 
 
Immagini tratte da: https://bit.ly/2Bcrw6N
 
 

di Carlo Cantisani

Il mondo dello spettacolo scalda i motori in vista della novantunesima edizione degli Academy Awards, la notte in cui verranno assegnati i famigerati premi Oscar americani. L’appuntamento è per il prossimo 24 febbraio (in Italia il giorno seguente), e non stanno mancando sin da ora le polemiche per alcune scelte riguardanti l’inserimento di titoli quali Bohemian Rhapsody, Black Panther e A Star is Born fra i nominati per i premi più ambiti – quello per miglior film in primis. Polemiche ingenue visto che sembrano non tenere conto che si parla pur sempre di quella macchina da soldi e celebrità targata Hollywood. Se la scelta di A Star is Born è da un certo punto di vista comprensibile, in quanto appartenente ad un filone di storie molto caro alla tradizione hollywoodiana (il film con Lady Gaga è la quarta versione di un film del 1932 dall’emblematico titolo A che prezzo Hollywood?), gli altri due costituirebbero per i cinefili la pietra dello scandalo poiché prodotti meramente commerciali, “indegni” di concorrere insieme a pellicole come Roma, Blackkklansman o La Favorita. Black Panther, in particolare, segna l’esordio per il Marvel Cinematic Universe nella categoria miglior film, dimostrando ormai l’enorme peso che il brand Disney sta sempre più imponendo nel mondo dell’intrattenimento. Ma questa pellicola chiama in causa anche un altro aspetto, quello politico e sociale - al quale l’ambiente liberal di Hollywood non è mai stato estraneo - incarnato questa volta dalla questione “black”, quella riguardante gli afroamericani e la loro rappresentazione negli Stati Uniti di oggi, dopo le polemiche delle passate edizioni. Proprio questa caratteristica sembra essere stata condivisa nella scelta dei candidati per la migliore colonna sonora degli Oscar 2019: su cinque titoli, tre riguardano o chiamano in causa proprio gli afroamericani. La scorsa edizione dei premi aveva visto Jonny Greenwood, chitarrista dei Radiohead e outsider dell’ambiente hollywoodiano, concorrere per la statuetta per la miglior colonna sonora grazie al suo lavoro su Il Filo Nascosto, nonostante ci fossero concorrenti più noti, con candidature di più lungo corso; gli Academy musicali del 2019 continuano su questa strada e il risultato è, forse per la prima volta dopo svariati anni, un gruppo di nomi più vario e meno monopolizzato rispetto ai soliti noti (come ad esempio Hans Zimmer, John William, Thomas Newman), riflettendosi anche sotto il profilo meramente musicale. Una piccola, bella sorpresa, che potrebbe far riflettere sul ruolo alquanto marginale nel quale è stato relegato il premio come miglior colonna sonora, che sebbene riscuota l’interesse soprattutto degli addetti ai lavori, non ha nulla da invidiare ad altri riconoscimenti (come per il miglior film, miglior regia e miglior attore e attrice protagonista). D’altronde, il sonoro e, in particolare, la musica hanno completamente rivoluzionato il cinema: una manifestazione nota come gli Academy Awards dovrebbe ricordarsene più spesso.

Terrence Blanchard – Blackkklansman
Blackkklansman, ultimo film di Spike Lee, è indubbiamente la testa di ponte per la questione afroamericana portata sotto i riflettori degli Oscar di quest’anno, e non potrebbe essere altrimenti vista la centralità delle problematiche razziali negli Usa sviluppata all’interno della poetica del cineasta di Atlanta. Ad accompagnarlo ancora una volta, ma alla sua prima candidatura per gli Academy, c’è Terrence Blanchard, trombettista e jazzista di lungo corso, almeno dagli anni ’80, da quando cioè ha dato inizio la sua carriera con i seminali Jazz Messengers di Art Blackey per poi raggiungere in seguito il successo internazionale e i giusti riconoscimenti, non solo commerciali. La colonna sonora di Blackkklansman è l’ennesima testimonianza del sodalizio con Spike Lee, portato avanti dal 1991, anno di uscita di Jungle Fever, e che per l’occasione sfodera una musica divisa fra orchestrazioni eleganti ed avvolgenti, dal sapore quasi retrò, e alcune incursioni orientate sul funk, grazie all’uso di chitarra, basso e batteria. Il risultato è fra l’epico e il drammatico.

Ludwig Goranson – Black Panther
Quale miglior strumento se non un cinecomic americano per lanciare prepotentemente al centro dell’attenzione mediatica la questione afroamericana? Black Panther segna un record per un film sui supereroi grazie alle sue sette candidature, fra cui rientra anche quella per la migliore colonna sonora, curata dallo svedese Ludwig Goransson. Compositore e produttore per l’ambiente rap (ha collaborato a tre album di Childish Gambino ed è tra i fautori del successo della hit This Is America dell’anno scorso), Goransson non è nuovo ai blockbuster, avendo lavorato alle musiche per i due Creed, ma nonostante ciò ha deciso di adottare per Black Panther un approccio diverso, che si potrebbe quasi etichettare come “sperimentale” nell’ambito delle colonne sonore marvelliane. Goransson ha infatti unito alla solita pomposa e magniloquente orchestrazione dei cinecomics, sonorità appartenenti alla tradizione africana, in particolare quella senegalese, affiancate dalla voce di Baaba Maal, cantante e chitarrista particolarmente noto in patria. Fra talking drum, tambin, un coro in lingua xhosa (una delle lingue ufficiali dell’Africa meridionale) e ritmi marziali e ossessivi, il risultato è intrigante, fermo restando quel senso di “esageratamente costruito” che accompagna ogni musica di questi prodotti. Alla fine lo sforzo è encomiabile nel suo volersi distaccare dal seminato, e sicuramente più riuscito della stessa pellicola che accompagna.

​Nicholas Brittell – Se la strada potesse parlare
Il giovane compositore di New York Nicholas Brittell non è nuovo all’approcciarsi a pellicole che trattano di storie riguardanti gli afroamericani (e a dire la verità non solo quelle, visto che ha composto anche le colonne sonore di Free State of Jones e di Vice, pellicola fra l’altro candidata a miglior film). A partire dal 2013 con 12 Anni schiavo e passando poi per la nomination di tre anni più tardi con Moonlight, si giunge ad oggi con Se la strada potesse parlare, dramma intimo e tragico tratto dall’omonimo romanzo del 1974 di James Baldwin. E così come il film scritto e diretto da Barry Jenkins, così pure le musiche di Brittell racchiudono dentro di loro tutta la tragicità della vicenda e la fragilità dei personaggi, senza però mai dimenticare di far trapelare un senso di forza e di rivalsa, grazie agli emozionanti crescendo degli archi ed alle ariose aperture melodiche che questi sanno creare. Una musica che fa del trasporto emozionale il suo centro, e che grazie al suo approccio volutamente minimale riesce ad ottenere il massimo con il minimo sforzo. Un accompagnamento perfetto per le immagini su schermo ma ugualmente godibile anche da solo.

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Alexandre Desplat – L’isola dei cani
Alla sua decima nomination, il francese Alexandre Desplat è il nome di più lungo corso in questa edizione degli Oscar. Dopo la vittoria dello scorso anno per le musiche dell’acclamatissimo La forma dell’acqua di Del Toro, il compositore ritorna in lizza per il premio come miglior colonna sonora con un altro film che ha riscosso parecchi elogi, L’isola dei cani di Wes Anderson (in corsa anche per la categoria miglior film d’animazione). Come per La forma dell’acqua, anche questa volta Desplat non rinuncia al suo senso del fantastico, con delle differenze che lo immergono in tutt’altra atmosfera, dai contorni più cartooneschi e che declinano volentieri nel farsesco. La peculiarità della colonna sonora sta, da una parte, nel contrasto fra la solennità delle percussioni marziali, dei cori baritonali da Grande Impero Giapponese e le ritmiche ossessive dei fiati e, dall’altra, nelle semplici melodie, divertite e infantili, che fanno capolino sopra questo insieme. Ascoltare la musica dell’ultimo film di Wes Anderson è quasi come osservare ipnotizzati un vecchio giocattolo rotto inceppato. Una musica che riesce a divertire divertendosi – che tributa anche Kurosawa con brani presi direttamente da I sette samurai e L’angelo ubriaco - un piccolo, imperfetto meccanismo dove ogni parte cozza con l’altra.

​Marc Shaiman – Il ritorno di Mary Poppins
Dopo Desplat, è Marc Shaiman l’altro grosso nome in gara per la migliore colonna sonora originale, un compositore a trecentosessanta gradi per quanto riguarda l’entertainment statunitense, attivo sia nel cinema che in tv e in teatro, soprattutto per le produzioni di Broadway. Quest’anno Shaiman ritorna sul grande schermo firmando un prodotto che più classico non si può, disneyano al cento per cento, ovvero Il ritorno di Mary Poppins. Trattandosi di un sequel ambientato venticinque anni dopo i fatti raccontati nel primo film, chi ama il classico del 1964 troverà, musicalmente parlando, tutte le caratteristiche che hanno reso popolare la storia creata dalla scrittrice inglese P. L. Travers. Parliamo quindi di melodie accattivanti, perennemente cangianti e dal tono quasi descrittivo, che si adattano alle varie situazioni del film e ai personaggi. Un’Academy Awards che non poteva puntare più sul sicuro di così.

Immagine tratta da: nerdmovieproductions.it

di Enrico Esposito

L'11 gennaio di questo anno Faber muore per la ventesima volta, mangiato dalla malattia un altro anno ancora. In più ci sono le lacrime di chi, come me, non l'ha conosciuto, o era troppo piccolo e privo di malizia per poter capire di cosa parlasse nelle le sue canzoni: e nei romanzi in cui narrava di meravigliose puttane, trasformandole in dame pittoriche. Non ho pianto, non me n'è importato nulla quando l'11 gennaio 1999, mentre aspettavo a tavola coi miei genitori che il pranzo fosse pronto, il Telegiornale aprì con la notizia della morte di un cantante che non conoscevo, perché non l'avevo mai visto in televisione. Infatti in televisione non si vedeva mai. Mica come Lucio Dalla, Ramazzotti, Zucchero! Nella mia mente di bamboccio Fabrizio De André non esisteva, e non ci restò certamente dopo quell'annuncio al telegiornale dell'una e mezza.La mia crescita insieme a De André avvenne solo più tardi, durante le medie, le superiori, l’università e la disoccupazione post-università… Mi sento fortunato ad essere nato con un'inclinazione naturale per l’italiano, e di conseguenza non dover compiere sforzi nell'apprezzare il fascino inconfutabile di canzoni come "Un malato di cuore", e provo una sensazione fantastica a starmene disteso sul divano in salotto o su un muretto con una spiga di grano in bocca oppure arrendendomi al sonno, lasciando che le parole e le melodie di "Marinella" e di "La Canzone dell'Amor perduto" si uniscano armonicamente in una magnifica sinfonia. E accurate sono le covers che omaggiano gli chansonniers d'oltralpe George Brassens e Jacques Brel, o i folksingers americani Leonard Cohen, Bob Dylan, fenomeni assoluti che con le loro intuizioni divine regalano la vera bellezza al proseguimento della vita. La più grande traduttrice italiana di cui io abbia memoria, Fernanda Pivano, aveva ovvia ragione quando disse che Bob Dylan poteva essere ritenuto il Fabrizio De Andrè americano, e non viceversa.

​Ogni volta che per un attimo passo in rassegna tutte le opere che ha avuto il tempo di ultimare prima che ci lasciasse, l’unico confronto che dentro di me ritengo accettabile è quello con Leonardo Da Vinci. Faber, il genovese a cui piacevano le matite colorate Faber Castel, il terribile scavezzacollo nutritosi di un topo per una scommessa persa con Paolo Villaggio. Faber, cantore dall'insopportabile timidezza e dalla morale indecente, fautore di una lotta possibile e forte senza l'obbligo di fasce e bandiere. Faber, pastore sardo indiano, navigatore, amante cronico dell'amore. Faber filologo dei testi dimenticati per sempre dalla religione, e di quelli spilorciamente custoditi dai suoi conterranei. Faber, il Leonardo Da Vinci della musica.

Per approfondire:  il sito ufficiale è  http://www.fabriziodeandre.it/
Immagini tratte da pagina facebook https://www.facebook.com/Fabrizio-De-Andre-46135857528/

di Enrico Esposito

Il 2019 musicale e non inizia con un'ottima novità. Sua Maestà Brian May a vent'anni di distanza dal suo ultimo album "Another World", datato 1998, ha pubblicato su Youtube il video di un suo brano inedito dal titolo di "New Horizons". Non sono state ancora raccolte indiscrezioni relative alla possibilità che il singolo in questione anticipi l'uscita di un nuovo lavoro per l'ex-Queen, anche perchè la genesi medesima di "New Horizons" appartiene a un evento di grande importanza avvenuto in ambito astronomico, che May ha seguito in prima persona in virtù di suoi interessi personali. "New Horizons" è infatti il nome di una sonda spaziale della NASA che è stata inviata circa dodici anni nello spazio con l'obiettivo di raggiungere il corpo celeste più lontano dell'universo, "Ultima Thule", un asteroide lontano 6,4 miliardi di chilometri dalla Terra. Noto come MU69 2014, l'oggetto speciale si situa all'interno della Fascia di Kuiper, una regione dello spazio immersa in un'atmosfera buia e gelida distante 1,6 miliardi di chilometri da Plutone. Le prime foto di "Ultima Thule" scattate da "New Horizons" ci presentano un "pupazzo di neve" della lunghezza di trentadue chilometri (come Washington) e della larghezza di sedici. 

Cosa c'entra Brian May con tutto ciò? L'ex chitarrista di Freddie Mercury, che ha un dottorato in astrofisica, è affiliato al progetto "New Horizons", che nel 2006 è stato inaugurato con lo scopo di giungere a "pochi passi" dal corpo celeste più remoto sinora scoperto. Alle 6-33 italiane la sonda ha sorvolato "Ultima Thule" e confermato alcune ore dopo con una telefonata via radio il sensazionale traguardo. Come gli altri membri del progetto, May ha gioito a questa notizia e deciso di festeggiare presentando il brano in anteprima mondiale all'interno del quartier generale della NASA, nel Maryland. "New Horizons" è una riflessione a tinte rock scritta a quattro mani con il paroliere Don Black, che a partire dai successi della missione spaziale invia un messaggio di ottimismo e speranza che coinvolge l'intera vita dell'uomo. I nuovi orizzonti di cui parla il testo rappresentano delle mete non ancora conquistate ma per questo inseguite con maggiore forza. Non è assolutamente certo che le ipotesi, i sogni si possano effettivamente realizzare, ma d'altra parte l'uomo e il progresso che ha partorito grazie alla sua tenacia e intelligenza, consentono oggi di poter credere che la storia stessa dell'universo possa essere ripercorsa sino alle sue origini. "La canzone è diventata lo spirito umano che necessita di esplorare oltre i suoi orizzonti e andare oltre" ha rivelato May, che si è detto esaltato dal lancio della sonda tredici anni fa per la velocità mai vista prima da essa raggiunta, e ha paragonato la sua forma a quella di un gigantesco pianoforte a coda. E all'interno della traccia, ricreata mediante un sintetizzatore elettronico, è possibile ascoltare ad un certo punto la dichiarazione che Stephen Hawking, il grande astrofisico scomparso il 14 marzo dell'anno appena trascorso, rilasciò in omaggio al team di "New Horizons" nel luglio 2015, quando la sonda raggiunse Plutone. Storia raccontata nel fascino della musica. 

  Immagini tratte da :

- Immagine 1 da www.blastingnews.com
- Immagine 2 da twitter ufficiale NASA

Venerdì scorso abbiamo avuto il grandissimo onore di assistere al suo concerto al Teatro Signorelli di Cortona (AR) nell'ambito delle iniziative a favore dell'"Associazione Autismo" presieduta da Andrea Laurenzi. Lei, Patti Smith, ha riservato un momento di attenzione particolare alle gravi condizioni vitali legate all'autismo, professandosi direttamente coinvolta nei suoi rapporti personali e ambasciatrice di un impegno perenne per una battaglia estenuante. E lei, la sacerdotessa del rock, Patti Smith, ci ha messo ko tutti.

Patricia Lee Smith. 72 primavere il 30 Dicembre. Chiome lunghissime ancor più dei tempi del Chelsea Hotel e di "Radio Ethiopia". Il viso solcato da exploits sontuosi e perdite terribili, una voce poderosa, androgina, che si dilata nei momenti di "tensione" artistica e diventa arrembante quando la sacerdotessa entra al centro della folla e la raccoglie instillando le sue gocce di conoscenza. Ma non è una conoscenza "preparata", acquisita sui libri o dopo lunghi studi. O almeno non è solo quello, o il risultato di una consumata ricerca filosofica. Prende vita una dimensione fuori dal tempo, onirica, di visioni derivate dall'immersione nella vita, nel consesso umano e dallo scambio vivo, vitale con gli altri abitanti della terra. Donne, uomini, bambini, anziani, animali, piante. "People Have The Power" caccia in un altissimo inno al di là delle pareti del teatro. Patti disegna linee di musica che appartengono alla leggenda, dona agli astanti le pagine imbevute delle sue riflessioni nate poche ore prima, alla vista dei magnifici affreschi di Piero della Francesca all'interno della Basilica di San Francesco. Piero, San Francesco, Papa Francesco, portatori di una spiritualità che non va scioccamente interpretata all'interno dei confini ben delineati della devozione a Dio. Dalla grandezza delle loro parole, delle loro figure si può essere influenzati nell'elaborazione della propria visione delle cose, in una prospettiva individuale quanto globale. La Smith ha assimilato questa chiave del vivere dagli albori della sua carriera, da quando con Lenny Kaye riempiva le serate dei locali di New York nel nome di Verlaine e Rimbaud. Come Leonard Cohen, una poetessa prestata alla musica, e da lì a poco una rocker, una pittrice, un'osservatrice accurata della condizione umana. A settant'anni bucati la ragazza di Chicago appare colossale, un totem dei sogni e delle battaglie degli anni Settanta, dall'animo punk e con una decisiva apertura alle problematiche terminali dell'aldiqua e dell'aldilà. Integrata a dovere tra passato (con la cover di "After The Gold Rush" di Neil Young) e presente ("Love is All We Have Left" contenuta nell'ultimo album degli U2). Per sempre compagna del suo Fred.

Immagini tratte da: 

Immagini 1- 2 da Foto dell'autore (Alessandro Ferri)
Immagine 3 da Instagram

Anche a Firenze. Dopo l'annuncio della loro partecipazione il 5 luglio al Rock The Castle 2019 presso il Castello Scaligero di Villafranca (VR), nella giornata di ieri i Dream Theater sono entrati a far parte ufficialmente della setlist della data del Firenze Rocks del 13 giugno, che li vedrà calcare il palco della Visarno Arena in compagnia, tra gli altri, degli Smashing Pumpkins e dei Tool. Altre due bands che sono tornate sulle scene in questo ultimo anno, pubblicando album di inediti dopo diverso tempo. I pionieri del prog-metal capitanati da John Petrucci hanno annunciato sulla pagina youtube della Inside-Out la data di uscita del loro quattordicesimo lavori, l'ennesimo di una carriera solcata da milioni di dischi venduti in tutto il pianeta. "Distance over time" è il titolo scelto per un nuovo viaggio che Petrucci, anche produttore, ha definito "il miglior album dei Dream Theater", dedicando insieme a James Labrie, cantante, e Jordan Ruddess, tastierista, una particolare cura in una campagna di graduale rivelazione dei dettagli. Se da una settimana circa è stato infatti diffuso sul web il primo singolo, dal titolo "Untethered Angel", anche l'intera playlist del disco non è ormai più un mistero per i tanti fan. 10 tracce di un lavoro che arriva vent'anni esatti dall'uscita di "Scenes from a memory", album che la band celebrerà suonandolo per intero in alcune tappe del tour mondiale del 2019, tra cui Verona. Un'attesa spasmodica per il ritorno di una delle bands più creative della scena rock degli ultimi trent'anni.

Immagine tratta da metalitalia.com