Ha illuminato una fresca serata di fine estate con la forza della sua musica e delle sue parole. Emozionando, trascinando e sorridendo. Si è presa anche l'Estate Fiesolana martedì scorso Francesca Michielin, la cantautrice veneta che a soli 25 anni può vantare già quattro album tra cui l'ultimo, "Feat (stato di natura)", uscito lo scorso 13 marzo e adesso portato in giro per l'Italia attraverso una speciale tournee che ha scelto di chiamare "Spazi Sonori". Accompagnata da Ernesto Lopez alle percussioni e dal polistrumentista Francesco Arcuri (tastiere, chitarra elettrica e molto altro), la ragazzina prodigio ha messo in scena uno spettacolo di oltre un'ora all'interno della suggestiva cornice del Teatro Romano di Fiesole dinanzi ad un pubblico che raccoglieva al suo interno famiglie, giovanissimi e altri appassionati di tutte le età. Tra ritmo e riflessione, dalle sue prime note al pianoforte si è fatta strada l'impressione spontanea di assistere a uno show dalle numerose sfaccettature musicali e tematiche, guidato da una personalità giunta ad una fase di maturazione piena. Come hanno largamente dimostrato i suoi due ultimi lavori, Francesca Michielin è una risorsa eccezionale per la musica italiana perché estremamente curiosa del mondo, della vita e del suo mestiere. Il suo stile musicale spazia tra decenni e backgrounds lontani, rendendo omaggio ai formidabili maestri della tradizione canora nostrana (ha aperto il suo encore con il "Il mio canto libero" di Lucio Battisti in occasione del ventiduesimo anniversario dalla scomparsa dello straordinario cantautore reatino), presentando i suoi duetti con conclamati ed emergenti interpreti della scena indipendente pop, hip hop, rock, e infine proponendo percorsi musicali continui, attraverso l'elettronica e la tecno, evocazioni mediterranee e folkloriche.

Il palcoscenico collocato sul fulcro dello stupendo Teatro Romano ospita il set che è solo apparentemente piccolo. Ed essenziale. Le doti tecniche e ingegnose di Lopez ed Arcuri unite all'estro di Francesca danno vita ad un autentico festival propagato in spazi sonori molteplici. La cantautrice veneta entra in scena in punta di piedi, dirigendosi grintosa al pianoforte con cui inizia, alternandosi con la chitarra acustica e un esclusivo serinette, a riproporre vestiti differenti per le nuove tracce di "Feat" e suoi brani celeberrimi e più nascosti tratti dai suoi primi tre dischi ("Riflessi di me" del 2012, "Di20are" del 2016 e "2640" pubblicato due anni fa). "Feat" rappresenta un capitolo inedito all'interno della produzione di Francesca, un volume costituito dai duetti della cantautrice con rappers (Fabri Fibra, Gemitaiz, Shiva), pilastri della musica leggera attuale (Elisa, Max Gazzè), produttori già popolarissimi (Dardust, Taxagi & Ketra, Charlie Charles). Introducendo l'argomento con un' auto-ironia non offensiva nei confronti della delicata questione relativa della pandemia, Francesca parla della sfortunata pubblicazione dell'album all'inizio della quarantena, senza tuttavia mostrare segni di eccessiva rabbia e delusione per quanto accaduto. Il suo pensiero va infatti alla lontananza dalla vera essenza della musica ossia il live, e alla volontà da lei mai tralasciata di non lasciare da solo il proprio pubblico. Così è nata l'idea di "Spazi Sonori", che, seppur in forma ridotta, sta toccando quotidianamente diverse regioni italiane, permettendo agli spettatori di riabbracciare Francesca, di ricondividere con lei un momento di evasione dalla dura realtà pur tuttavia non dimenticando valori essenziali della vita, resi ancora più significativi dall'attuale stato delle cose.

Far sorridere, ballare, commuovere. Francesca Michielin regala tutto questo mentre si alterna come una scheggia tra una postazione e l'altra. Canta "Cheyenne", primo singolo tratto da "Feat", dal medesimo album propone anche "Leoni", e due brani in lingua straniera (Yo no tengo nada, e La vie ensemble). Al pianoforte esegue una evocativa versione di "Io non abito al mare" che sembra immergere l'intero teatro sott'acqua, ricorda la sua infanzia trascorsa in Bolivia attraverso il brano omonimo e "Tropicale", calati all'interno di un'atmosfera tipicamente sudamericana. "Vulcano" la vede scatenarsi ne suoi ritmi dance, "Nessun grado di separazione" è una dolce ma non banale dichiarazione d'amore. Nonostante sia ben esperta di tour, questa sembra essere una delle sue prime performances per l'umiltà che dimostra ringraziando di cuore tutti coloro che la accompagnano in questa ultima avventura e rappresentano i capisaldi del suo benessere. L'apice della serata viene raggiunto con l'esibizione di "25 Agosto", canzone contenuta all'interno dell'album del 2016 "Div20are". Una ballata ariosa e decisa che elogia la bellezza dell'altruismo, del fondersi l'uno nell'altro, dello stare insieme. Prima di sedersi al pianoforte incantandoci, Francesca alza lo sguardo e il pensiero a Willy Monteiro Duarte e a tutte le persone che purtroppo sono rimaste schiacciate da un comportamento radicalmente opposto. Per lui, per loro, allora è necessario cercare di riscoprirsi e ridere alla vita, confortandoci e dandoci forza a vicenda:​

Immagini tratte da:
- profilo ufficiale facebook di Francesca Michielin (https://www.facebook.com/francescacheeks)

Dall’11 settembre è disponibile su tutte le piattaforme di streaming “FRAGILE, VOL.2” (Blackcandy Produzioni), il nuovo EP di MAESTRO PELLEGRINI e volume numero 2 del suo primo disco solista.
Preceduto nei mesi scorsi da “FRAGILE, VOL. 1”, è online “FRAGILE, VOL. 2”, nuovo EP di MAESTRO PELLEGRINI incluso in un progetto discografico full lenght dal titolo “FRAGILE”, in uscita prossimamente. Il nuovo EP – così come l’album di cui farà parte – è un lavoro profondamente intimo ed autobiografico in cui l’artista esplora e mostra una dimensione personale, come essere umano e come musicista, frammentandola in piccoli, fragili pezzi di vita che diventano canzoni.
Racconta Maestro Pellegrini a proposito del nuovo progetto discografico: «L’idea alla base di questo disco è quella di mettermi a nudo raccontando la mia vita attraverso i testi delle canzoni, credo che cantare debba essere una necessità e per me lo è diventata dopo un periodo particolare della mia vita in cui la musica non bastava più. Nel volume 2° ho scelto di non inserire ospiti proprio per mettere a fuoco in maniera migliore la mia identità e la mia cifra stilistica».
 
Di seguito la tracklist di “Fragile, vol. 2”: “A volte ti capisco”, “Inattaccabile”, “Ci dovranno legare”, “Smettere”.
                                      
“Fragile, vol. 1” è già disponibile su Spotify al seguente link: https://spoti.fi/38F4KUw
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Biografia
Francesco Pellegrini, in arte Maestro Pellegrini, è uno dei musicisti più influenti della musica pop/rock italiana. Polistrumentista, inizia la sua carriera con i pisani Criminal Jokers, insieme a Francesco Motta. Ha suonato con Nada come chitarrista, fagottista, voce e cori, ed ha registrato ed accompagnato dal vivo Andrea Appino (Zen Circus) per il suo secondo disco ‘Grande Raccordo Animale’. Ha inoltre inciso e collaborato con diversi altri artisti quali Enrico Gabrielli, Dardust, Bobo Rondelli, Motta, Il Pan del Diavolo.
Attualmente suona in pianta stabile con gli Zen Circus con i quali, dal 2016, ha partecipato a due edizioni del Primo Maggio-Roma ed alla penultima edizione del Festival di Sanremo nella categoria Big. Comincia a lavorare al suo primo disco solista nella Primavera del 2018 in un momento importante di crescita personale. Dopo aver pubblicato “Fragile vol. 1” (Blackcandy Produzioni), disponibile su tutte le piattaforme digitali dal 7 luglio, Maestro Pellegrini pubblica “Fragile vol. 2”, disponibile in digitale dall’11 settembre.
 
 
Facebook: https://www.facebook.com/francescomaestropellegrini/ 
Instagram: https://www.instagram.com/maestro_pellegrini/?hl=it 

A Lucca nasce Lucca Risuona una nuova rassegna di spettacoli promossa dalle associazioni WOM e ROCKOPERA grazie al contributo del Comune di Lucca e Fondazione Banca del Monte di Lucca, nello splendido parco di Villa Bottini.

In un’estate in cui la maggior parte degli eventi sono stati cancellati, in particolare quelli a carattere musicale, l’obiettivo di Lucca Risuona è di portare nella propria città una serie di show diversi tra loro dal punto di vista della proposta artistica in modo da offrire ad un target ampio e variegato di pubblico, la possibilità di tornare a godersi in sicurezza le emozioni dello spettacolo dal vivo.

La manifestazione si struttura su tre serate inserendosi nel programma del Settembre Lucchese il mese che da sempre è sinonimo di grande vitalità per Lucca, il periodo di maggior richiamo sia per i turisti che per i tanti lucchesi che, lasciata la città, ritornano per ricongiungersi con familiari e amici .

Nella prima serata di Lucca Risuona si esibirà Dente, uno dei cantautori che ha contribuito maggiormente alla definizione del genere indie in Italia, accompagnato in apertura da Ciulla, talentuoso musicista lucchese fresco della sua recente pubblicazione “Album dei ricordi” uscita per l’etichetta Costello’s Records. Venerdì 11 andrà in scena Morricone History, un tributo a Ennio Morricone realizzato dalla Cinema Orchestra / Ensemble A.Modigliani, un’orchestra di trenta elementi che ripercorre la carriera del maestro recentemente scomparso tramite i suoi più grandi successi. La serata di chiusura, sabato 12, invece sarà la volta di Jonathan Canini, promettente comico toscano 26enne seguitissimo sul web da una community di oltre 150.000 utenti e che ha già registrato diversi sold out nei suoi ultimi show.

Lucca è una città che, a cose normali, ha un calendario di eventi molto fitto e di altissima qualità. Basti pensare alle grandi manifestazioni come Lucca Summer Festival, Lucca Comics o ad altre come Murabilia, Cartasia, Verdemura che creano, oltre a un indotto economico importante, una serie di opportunità per gli abitanti che favoriscono la socializzazione, lo svago e il divertimento. L’impatto del Covid-19 è stato devastante sul settore culturale e dell’intrattenimento, in particolare sugli spettacoli a carattere musicale e teatrale, lasciando ben poche alternative a chi, in città, volesse passare una serata diversa dal solito.
La rassegna Lucca Risuona nasce da un dialogo con le istituzione locali proprio sulla volontà di offrire nuove occasioni di incontro pur mantenendo come priorità assoluta la sicurezza della salute di tutti. La rassegna a Villa Bottini, infatti, seguirà tutti i protocolli in materia anti-Covid indicati dalla Regione Toscana tra cui i posti a sedere distanziati. Per agevolare un corretto svolgimento delle tre serate l’organizzazione invita il pubblico a presentarsi a Villa Bottini già dalle 19.00 (orario di apertura dei cancelli), muniti della propria mascherina che potrà essere tolta una volta raggiunto il proprio posto a sedere. All’interno del parco di Villa Bottini sarà allestita una zona ristoro dove sarà possibile gustare panini espressi e bibite fresche in attesa dello show.

​PROGRAMMA
Giovedì 10.09 - Dente | open act Ciulla
Venerdì 11.09 - Morricone History | Tributo a Ennio Morricone - Cinema Orchestra / Ensemble A.Modigliani
Sabato 12.09 - Jonathan Canini | “Cappuccetto Rozzo”

ARTISTI

• Dente • www.facebook.com/denteofficial/

In questo tour i brani del suo ultimo album omonimo e le canzoni del suo vasto repertorio verranno riarrangiati in chiave acustica, in attesa di poter tornare all'idea originaria di tour con la band al completo. Sarà un concerto intimo e raccolto, in cui sarà messa in luce la parte più essenziale dei brani del cantautore. Dente sarà accompagnato in alcune date da Simone Chiarolini, chitarrista e tastierista della sua band, che si alternerà con lui alla chitarra e al pianoforte. Nei giorni scorsi Dente ha pubblicato il suo nuovo singolo e video di L'ago della bussola, brano estratto dal suo ultimo disco omonimo, uscito a febbraio 2020 per INRI/Artist First.

• Ciulla • http://www.facebook.com/ciullamusica/

Antonio Ciulla, noto semplicemente come Ciulla, è un cantautore, produttore e compositore di colonne sonore. Nato a Lucca nel 1991 da madre pittrice e padre regista, Ciulla scrive canzoni dalla terza media e non vede alternativa al futuro.

• Morricone History • www.facebook.com/morriconehistory/

Le grandi colonne sonore di Ennio Morricone in un eccezionale concerto con orchestra dal vivo per celebrare la carriera del Maestro. Con 500 colonne sonore, 70 milioni di dischi, sei nomination e due Oscar vinti, tre Grammy, quattro Golden Globe e un Leone d’Oro Ennio Morricone ha regalato emozioni indimenticabili collaborando con i più grandi registri del cinema italiano e internazionale. Con 30 elementi di orchestra lo spettacolo propone un viaggio emozionale attraverso le tappe fondamentali del percorso artistico del compositore.

• Jonathan Canini • www.facebook.com/JonathanCaniniOfficial/

Uno spettacolo dietro l’altro, un sold dietro l’altro. Jonathan Canini è il nuovo asso toscano della comicità e “Cappuccetto rozzo” è il suo cavallo di battaglia. Lo spettacolo rivisita la nota favola, “trascinando” in Toscana i suoi personaggi: lucchese il lupo, fiorentina la protagonista, livornese la nonna, pisano il cacciatore… Alla storia originale si sovrappongono così vernacoli e questioni di campanile, in un esilarante botta e risposta che rivela il talento di Jonathan Canini, ideatore e regista dello spettacolo, oltre che autore dei testi. Con lui sul palco Riccardo Di Marzo. Jonathan Canini si attesta tra i legittimi eredi della grande tradizione comica toscana, quella di programmi tv come Vernice Fresca e Aria Fresca, di mattatori quali Benvenuti e Nuti, Pieraccioni e Panariello, passando per Ruffini e Ceccherini…

COSTI / TICKET

• Dente | open act Ciulla: 12,00€ + d.p.
• Morricone History | Tributo a Ennio Morricone - Cinema Orchestra / Ensemble A.Modigliani: 20,00€ + d.p.
• Jonathan Canini | “Cappuccetto Rozzo”: 13,00€ + d.p.

Prevendite disponibili nelle rivendite abituali del circuito Ticketone (Coop, Mediaworld, teatro del Giglio) e online su www.ticketone.it. Sarà possibile acquistare il proprio titolo di accesso anche la sera stessa dello spettacolo dalle 19.00 presso la biglietteria di Villa Bottini.

ORARI
Apertura porte ore 19.00
Inizio spettacolo ore 21.00
Si invita il pubblico ad arrivare dalle 19.00 per assicurarsi il posto migliore e agevolare una serena gestione dei posti a sedere.

CIBO & BEVANDE
All’interno del parco di Villa Bottini sarà allestita un'area ristoro dove sarà possibile bere e mangiare in attesa e durante lo spettacolo.

ANTI-COVID
Lucca Risuona si svolgerà nel totale rispetto delle normative ANTI-COVID indicate dalla Regione Toscana. Si prega di arrivare all’evento muniti della propria mascherina che potrà essere tolta solo una volta seduti al proprio posto.
INFO
web: www.luccarisuona.it
mail: info@luccarisuona.it
tel: +39 340 28 44 251

​Il 3 settembre VALENTINA GULLACE QUARTET si esibirà in concerto a partire dalle ore 21:00 in occasione della seconda edizione del Fortissimo Classica Festival presso il centro residenziale Colonia San Benedetto in via Suor Crocifissa Militerni, 1 (Cetraro). L’evento è a ingresso gratuito.
È sotto la direzione artistica di Filippo Arlia che il Fortissimo Classica Festival vede quest’anno la sua seconda edizione. Accompagnata da Seby Burgio (pianoforte e arrangiamenti), Daniele Sorrentino (basso e contrabbasso) e Dario Panza (batteria), VALENTINA GULLACE sarà la protagonista della serata del prossimo 3 settembre, esibendosi live nella suggestiva Colonia San Benedetto di Cetraro. Durante l’esibizione, Valentina presenterà i brani contenuti ne “La mia stanza segreta”, suo ultimo progetto discografico full lenght.
L’evento sarà a ingresso gratuito e si svolgerà nel pieno rispetto delle norme di prevenzione anti COVID-19.

Biografia
Cantautrice, attrice, performer di musical, Valentina Gullace inizia la sua carriera nel 2006 debuttando in teatro col ruolo di Maria Maddalena nel Jesus Christ Superstar della Compagnia della Rancia. In pochi anni diventa una delle interpreti italiane di musical più apprezzate ed è fra i protagonisti di spettacoli come: High School Musical, La febbre del sabato sera, Operazione San Gennaro, Aladin, Cabaret, A Bronx tale. Nel 2015 vince l’Oscar italiano del Musical per la sua interpretazione del ruolo di Inga in Frankenstein Junior. Nell’ultima stagione teatrale è nel cast di The Full Monty, in tour in tutta Italia e al Teatro Sistina di Roma. Conduce una trasmissione su Rai Scuola, Easy Genius, ed è uno dei 100 giudici nella prima edizione del programma di Canale 5 All Togheter Now, condotto da Michelle Hunziker. Parallelamente alla carriera teatrale svolge un’intensa attività live nel jazz club di tutta Italia, esibendosi nel repertorio swing e jazz. Il 27 settembre 2019 pubblica il suo primo disco da cantautrice: “La mia stanza segreta” (Filibusta Records), album impreziosito dalla presenza di Fabrizio Bosso alla tromba. Il disco viene presentato dal vivo al Festival Lucca Jazz Donna e alla Casa del Jazz a Roma. L’ultimo singolo “Respirare” è in rotazione radiofonica dal 10 luglio.

Facebook: www.facebook.com/valentinagullaceartista/
Instagram: www.instagram.com/valegullace
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Set originale e arrangiamenti inediti
In scaletta grandi successi e gli ultimi singoli
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FRANCESCA MICHIELIN
Martedì 8 settembre 2020 – ore 21,15
Teatro Romano – via Portigiani, 1 – Fiesole (Firenze)
Info tel 055.667566 - www.bitconcerti.it
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La musica non si ferma. Francesca Michielin lo ripete dall’inizio di questi tempi difficili e lo ribadisce con il progetto live “Spazi Sonori”, in scena martedì 8 settembre al Teatro Romano di Fiesole, nell’ambito del nuovo cartellone settembrino dell’Estate Fiesolana.

I biglietti – posto unico non numerato 23 euro – sono disponibili punti vendita di Box Office Toscana www.boxofficetoscana.it/punti-vendita (attenzione, negozi Coop temporaneamente inattivi) e online sul sito ufficiale www.estatefiesolana.it.

“Spazi Sonori” propone oltre un’ora di show con un set originale e arrangiamenti inediti, creati appositamente da Francesca attorno alle sonorità dei brani scelti. Sul palco con lei il polistrumentista Francesco Arcuri ed Ernesto Lopez alle percussioni: atmosfere electro-pop ma anche strutture melodiche dal sapore orchestrale, rock urban dalle mille sfaccettature multiculturali, drumpad e synth, per una scaletta unica che racconta la storia musicale di Francesca, dalle canzoni più famose della sua carriera ai più recenti singoli dell’ultimo album.

Particolare attenzione è riposta alle misure di sicurezza: la serata si svolge nel rispetto delle disposizioni anti-Covid, grazie a una meticolosa organizzazione e ad uno staff pronto a regolare flussi d’ingresso e d’uscita, distanziamento interpersonale, accesso all’area ristoro e ai servizi. Ricordiamo che, proprio per garantire la sicurezza del pubblico, la capienza del Teatro Romano è stata ridotta da 1800 a 400 spettatori.
 
Con due performance dal vivo speciali regalate al pubblico a fine febbraio, lanciando così i primi live in diretta streaming, e un album “Feat (Stato di natura)”, dedicato all’importanza dell’incontro e l’unione di mondi apparentemente diversi - l’unico pubblicato coraggiosamente ad inizio lockdown - Francesca Michielin ha deciso da subito di non fermarsi e si è fatta portavoce della necessità di trovare un modo diverso di far vivere la musica in questi tempi complicati e di distanziamento.

“Ma non ho nessuna intenzione di lasciarvi soli quest’estate - ha svelato la cantautrice suoi canali - quindi ho pensato ad alcuni appuntamenti molto speciali e intimi proprio vicino a voi.” Da questa sua voglia di continuare a condividere emozioni è nato “Spazi Sonori” questo esclusivo viaggio musicale estivo, prodotto da Vivo Concerti.

Nel frattempo continua a crescere l’attesa per la grande festa live del 6 giugno 2021 a Carroponte (Sesto San Giovanni, MI), inizialmente prevista a settembre di quest’anno e posticipata per rispetto delle normative.

BIO:
Leanò, all'anagrafe Eleonora Pisati.

A metà strada tra gioco e introspezione, la musica di Leanò lascia spazio  ai colori che la fusione tra metropoli e campagna riescono a suscitare.  Le ​origini cilentane​ della cantautrice milanese, hanno influenzato la sua  scrittura che si articola attraverso sonorità indie pop e che unisce  melodie di impronta ​tradizional-popolare​ ad una ricerca sonora più  sperimentale​.  La sua musica è in continua evoluzione ed ​ispirata dal legame che ha  con la natura​, con cui ha un rapporto di condivisione, sintonia e rispetto.  I temi delle sue canzoni vengono affrontati attraverso un linguaggio  semplice e onirico, che riflette una lettura candida, curiosa e attenta sia  del mondo che la circonda sia del proprio mondo interiore. Inizia ad esibirsi nei locali della scena milanese e dell’hinterland,  aprendo i live di diversi cantautori dell’ambiente (Alessio Bondì, Gnut,  Carmelo Pipitone).  A luglio 2019 viene selezionata tra i finalisti del ​Premio Bindi​.  Nell’estate 2019 porta la sua musica in giro per l’Italia in occasione del  suo primo tour.  Il 20 aprile 2018 esce il suo primo singolo ​“Sabbia nelle tasche” . Il 21 maggio 2019 viene distribuito dall’etichetta Sunbeat Music il brano  “Notte”. Entrambi i singoli sono estratti dall’album di esordio ​“Tempio” ​ di  cui è prevista l’uscita nel 2020.
 

di Enrico Esposito
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Ha appena trentatré anni Nicolò Carnesi ma alle spalle una carriera importante e una robusta consapevolezza dei propri mezzi. Nato a Palermo e trasferitosi a Milano in seguito, Nicolò riveste i panni tripli di autore dei testi, interprete e musicista.  Dalla mente al palco passando per il foglio e gli accordi il passo è lungo solo in apparenza. Carnesi è un fine osservatore degli interni e degli esterni degli appartamenti, parafrasando "Turisti d'appartamento", il singolo di lancio del suo ultimo album in studio pubblicato lo scorso dicembre con il titolo di "Ho bisogno di dirti domani". Un volume poggiato sulle coordinate del tempo, con il presente il passato e il futuro che vengono fissati come check point basilari dall'inizio al centro e nel finale. Come nella sua precedente produzione che affonda le radici solo nel 2012 con il debutto "Gli eroi non escono il sabato", il cantautore dalla riconoscibilissima pettinatura viaggia in costante sospensione tra background opposti temporali e spaziali, da Lucio Battisti e altra tradizione italiana leggera fondamentale alla new wave di importazione anglosassone e al jazz elettronico di gusto anni '80 che contraddistingue "il passato", chiusura dell'album. La verità è che Carnesi, che ha da poco pubblicato il videoclip del terzo singolo "Sportiva", ha con "Turisti d'appartamento" affrescato un mondo abitato da molte personalità, spesso conviventi all'interno degli stessi soggetti, facce e fasi contrapposte di una sola identità.
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​Sono tanti gli argomenti affrontati dal cantautore palermitano, i ragionamenti rivolti spesso di norma a un tu che lo ascolta, gli manca o non l’ha mai incontrato, variegati i riferimenti a elementi distintivi delle epoche già dette. Il presente corrisponde necessariamente al punto di partenza del viaggio di Nicolò perché costituisce il momento più confidenziale ed esemplare in virtù delle eredità provenienti dal passato e delle aspettative, spente, verso un futuro immaginato sotto altre spoglie. Un primo capitolo dedicato all’attuale, sviluppato in quattro brani accomunati da un caratteristico climax sonoro, dal momento che le danze vengono aperte dall’incontro tra la voce e le atmosfere disegnate dalle tastiere. L’incipit del volume, “Il presente”, non contiene in sé neppure tracce vocali, naviga e si evolve celermente come un bambino all’interno di un grembo materno. Cresce cresce fino a travalicare la fine del brano e scaturire nella successiva title-track “Ho bisogno di dirti domani”, suggerendo all’immaginazione l’architettura del mondo doppio esplorato dal suo artefice. Universo in cui incanto e disincanto si baciano e fanno a cazzotti, ottimismo e naufragio dettano le leggi e esplicitamente affermano le proprie ragioni affidandosi ad un’anima placida e speranzosa da una parte e dall’altra a uno spirito spietato nella sua schiettezza e imperiosità. C’è posto per entrambi tra i pensieri di Nicolò Carnesi, che si interroga su quanto valga al giorno d’oggi sforzarsi nel credere ancora alla magia trasmessa da un incontro non programmato e nella possibilità di rialzarsi domani quando invece il lexotan basterebbe a tagliare il problema alla radice, allungando il torpore.

​Al giorno d’oggi esiste ancora la possibilità di “inventarsi un mondo” tra le pareti domestiche, di riuscire a dedicarsi con passione all’apprendimento di piccole cose nuove, riscoprendo un’intimità oggi sbeffeggiata dalla rincorsa febbrile al “condividere”, il diktat comune con la parola chiave “navigare”. Ma qui non ci sono barche o traversate di mezzo, solo collegamenti senza fili e distanti, che allontanano le persone e non permettono ancora alle macchine volanti vagheggiate già nei romanzi di fantascienza di un secolo fa di sfrecciare nei cieli. Il futuro, allora, che da il nome alla traccia numero 5, centro simbolico dell’intero lotto, non è allora così alieno, ma già vittima del presente. Nelle cinque canzoni che Carnesi gli fa seguire, si acuiscono i dubbi, in particolar modo derivanti da una constatazione: scegliere è diventato un tormento per chiunque, un'incapacità alla quale non si riesce a dare spiegazione. "Non ci scegliamo più" canta a squarciagola. Un partner, una decisione, l'importanza delle piccole cose si sono trasformati in un nemico quasi, nella paura di un confronto che si cerca di procrastinare senza limiti. Nicolò inventa rime su rime al riguardo, identifica una soluzione in una pura e semplice azione: confrontarsi con un'altra persona, alla quale affidarsi con fiducia come si faceva una volta. "Il passato", canzone che conclude il disco, indica dunque la strada giusta, per superare gli eccessi di una "malinconia auto-indotta" oggi così inflazionata, e volgersi invece a riscrivere un futuro meno ipotetico.

Immagini tratte da:

Immagine 1 fornita da Ufficio Stampa Big time
Galleria da foto dell'autore (Donatella Gulino)

​di Enrico Esposito
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La musica è diventata parte integrante del Dna di Luciano Panama ancor prima che Luciano Panama diventasse adolescente. Un’attrazione fortissima, ereditata, irresistibile e allargatasi ben presto fino a diventare un coinvolgimento totalizzante. Panama, classe 1980, ha ricoperto i panni del dj, del rapper, del rocker leader degli Entourage Enterinourage, band protagonista di un’evoluzione ed un apprezzamento importanti. Parallelamente ha affinato “la sua dipendenza dalla sperimentazione”, imparando a suonare una vastità di strumenti i cui nomi parlano da soli (chitarra, pianoforte, basso, contrabbasso, batteria, tastiere). L’interesse per l’ingegneria del suono, il missaggio, la regia e il montaggio video lo portano ad aprire alla fine del primo decennio del 2000 uno studio nella sua Messina che prende il nome di Youth-Studio, e da quel momento si trasforma nella fucina al cui interno l’artista coordina e realizza i suoi numerosi progetti. Arrivano due anni decisivi: il 2015, che segna l’inizio di un nuovo, naturale corso per Luciano Panama, pronto a intraprendere un’avventura solista “dovuta” in virtù della storia stessa che già si porta sulle spalle. E il 2017, che vede la pubblicazione di “Piramidi”, il primo album da solista, interamente prodotto, scritto, suonato da Panama, ad eccezion fatta per due guest stars performative, il violino di Giov​anni Alibrandi in “L’Osservatore”, “Come aria” e “Messina guerra e amore”, e la tromba di Matteo Frisenna in “Hey my all’improvviso”. Piramidi è un disco non convenzionale, sviluppato in otto tracce molto diverse tra loro, uscito il 20 ottobre 2017. Una rete di connessioni fluide tra voci e immagini, pause e suoni. Oggi ne parliamo con il loro scrittore ed esecutore, Luciano Panama. ​
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​1 - Buongiorno Luciano e grazie mille per essere qui con noi. “Piramidi” ci ha colpito molto per la sua struttura a matrioska perché si articola in otto canzoni che raccontano momenti e pensieri singoli. E al loro interno è possibile cogliere passaggi molteplici, legati al cambiamento di stato d’animo e di ritmo, all’irruzione di brusii, clacsons e altri elementi non convenzionali. Una componente di fusione che ci riporta indietro nel tempo a tradizioni progressive nostrane e internazionali. Quando hai partorito questa idea di disco? ​

Quando ho pensato al disco, strutturandolo con una parte delle canzoni che ho scritto in quel periodo, non avevo un’idea precisa sulla successione delle canzoni, su come avrebbe suonato o come l’avrei arrangiato e prodotto. Tutto è arrivato spontaneamente lavorandoci, il mio istinto mi guida attraverso delle sensazioni. Cerco di scrivere, impastare e incorniciare al meglio note testi e suoni, scegliendo con attenzione quelli che si avvicinano di più a quello che sono io nel momento in cui compongo e produco. Mi spingo sino in fondo, senza avere paura. Il coraggio è una cosa importante nella vita e soprattutto nei dischi, un disco deve essere soprattutto un’avventura, almeno per me è fondamentalmente questo. Piramidi è un circolo immaginario in cui perdersi attraverso l’ascolto completo. Da solo sono riuscito a trovare un mio senso tra tutti gli elementi. Ci vuole tempo e ogni disco è un’esperienza diversa, un po’ magica… Non ho mai avuto un produttore sino ad oggi, non ho paura di essere quello che sono senza filtri, ma è un’esperienza che in futuro voglio fare. Vorrei lavorare con qualcuno che stimo tanto, che da subito, proprio dopo aver registrato la take in studio, mi dica le sensazioni che prova in quel momento esatto, in modo che anch’ io, attraverso questa esperienza, riesca a mettere sempre più a fuoco i miei argomenti musicali e testuali.

2 - “Piramidi” si affida a una copertina che raffigura i grattacieli di Città di Panama, la capitale dell’omonimo stato centro-americano. Nonché la parola che rappresenta il tuo stesso cognome. Una cover attuale, in cui le protagoniste sono piramidi alternative, contemporanee. Da dove viene la scelta di questo titolo per il tuo lavoro d’esordio in studio e quale valenza assumono la dimensione cittadina e collettiva all’interno della poetica dell’album? La canzone “L’osservatore” mette in scena un autentico monologo della voce narrante nei confronti della realtà circostante, mentre “Messina guerra e amore” esplora l’appassionato e conflittuale legame con la tua hometown, la tua culla umana e artistica, destinataria di una lettera contenente molteplici messaggi.  ​

Le piramidi sono templi. Sono strutture che mi hanno sempre affascinato, sia dal punto di vista architettonico che da quello spirituale. Le ho studiate, ho letto molti articoli e visto tanti documentari su tutte le piramidi che ci sono nel mondo, soprattutto quelle dell’America centrale. Mi hanno sempre attratto per la storia che si portano dietro, sanno di vita vissuta, di umanità, di impresa, di valore acquisito, di energia positiva, di qualcosa che resta nel tempo. Avevo voglia di fare le mie di PIRAMIDI! Credo che il disco parli di tutto ciò. Il titolo nasce dopo aver scritto tutto, cercavo qualcosa che riassumesse al meglio il suo contenuto, poi ho anche trovato la copertina giusta. Io porto il cognome di una città, di un paese intero, e sin da bambino avevo in mente delle mie idee su cosa un luogo dovesse essere per chi lo vive. Tutto questo crescendo si è amplificato ed è confluito in questo disco in modo chiaro. Anche nel mio passato ho sempre scritto di luoghi, partendo proprio da “Pangea”, una delle mie prime canzoni in italiano in ambito rock. E’ qualcosa di naturale che ho messo a fuoco con più precisione in questi ultimi anni e che va assecondato, vissuto, studiato. Porterò avanti la mia idea di città o terra in generale. Oggi ho capito quanto importante sia vivere un luogo attento, sempre pronto ad una novità piuttosto che ad una pausa. Un contesto socio-culturale vigile insieme a famiglia e scuola creano le basi con cui affrontare la vita.

3 - Quali libri Luciano Panama aveva appoggiati sul comodino mentre lavorava alla messa a punto di questo lavoro? Quali musicisti ascoltava e infine quali esperienze scorrevano nella sua mente fino a stimolarlo eventualmente nella scrittura di versi e melodie? All’inizio di “Man” è possibile riconoscere ad esempio distintamente una citazione de “L’Anarchico” di Giorgio Gaber. In “Hey My all’improvviso” ti inventi d’altra parte una rivisitazione del grande classico di Neil Young “Hey Hey, my my”, riscrivendo in modo personale l’omaggio alla cultura rock del cantautore canadese.


Pensandoci, non ricordo con precisione cosa stessi leggendo in quel periodo, anche perché è stato abbastanza lungo. In linea di massima ho sempre un nuovo libro di poesie, di filosofia, di letteratura e li leggo contemporaneamente, ad esempio adesso ho Prevert, Nietsche, Bulgakov & Jack London. I miei ascolti sono sempre abbastanza vari. Cerco di ascoltare qualcosa di nuovo soprattutto che venga dall’estero, per la produzione dei suoni e per la ricerca musicale. Al mattino spesso ascolto musica classica. Gaber e Young sono sicuramente due autori che stimo tanto. Mi fa piacere parlare anche nelle mie canzoni di chi mi ha insegnato qualcosa.


​4 - Come ha trascorso Luciano Panama gli ultimi strani mesi? Fase 1, fase 2, dalla primavera all’estate il futuro del mondo resta ancora in bilico. La musica come tutte le altre ricchezze della vita rimangono con il fiato sospeso e tentano un po’ alla volta di recuperare il naturale habitat che gli spetta, ossia i concerti, l’attività live. Dunque quali sono le eredità che il lockdown e le sue propaggini hanno rilasciato dentro il Luciano Panama, uomo, medico e musicista, e le conseguenze successive, in modo principale attinenti ai suoi progetti di composizione, pubblicazione, esibizione? Con questa ultima domanda ti salutiamo e ti ringraziamo ancora per averci concesso questa intervista.

Ho trascorso le varie fasi lavorando. Milano è stata una delle città più colpite, io la abito da qualche tempo, per cui ho fatto turni in più come medico del territorio. Gli scenari di questa Milano deserta e spaventata mi hanno fatto vivere dei momenti anche surreali ma ho anche lavorato ad altro, tornando a casa ho sempre cercato di staccare da tutto concentrandomi sul disco nuovo. Ho letto un po’e scritto anche attraverso un altro linguaggio che non sono le canzoni, sto cercando un altro modo di far viaggiare la mia fantasia. Io sono una persona che progetta continuamente, la mia mente non è mai stanca di immaginare delle situazioni… Cosa mi hanno lasciato questi mesi credo che lo scoprirò tra qualche tempo, ho bisogno di rielaborare e fare mia un’esperienza prima di parlarne concretamente. Spero presto di tornare a suonare live in situazioni interessanti dove pubblico, luogo e artista rendano il momento performativo unico e indimenticabile, dove la musica abbia un valore principalmente artistico piuttosto che commerciale. Spero che le prossime canzoni che pubblicherò servano davvero a qualcosa e che abbiano un significato che riesca ad andare oltre il tempo che viviamo. In quest’epoca sembra che i cantautori abbiano perso il loro ruolo nella società. Dobbiamo utilizzare la musica per esprimere un’idea senza essere schiavi del mercato. Credo che la maggior parte dei musicisti (parlo del mio ambito ma sono sicuro che il discorso valga anche per le altre discipline) suoni una musica che non gli piace, ma a loro dire “gli dà da mangiare”. Dobbiamo provare a staccarci da questa idea di musicista e di musica, piuttosto facciamo un altro lavoro, ma occupiamo i palchi per dire qualcosa che ci piace davvero. Proviamo a fare qualcosa di serio anche nei posti dove lo svago è al centro del mirino, lo scontro creerà pensiero.

Grazie a voi per l’intervista e lo spazio sulle vostre pagine.
Luciano
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Immagini gentilmente fornite dall'Ufficio stampa Youth

di Enrico Esposito
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Non poteva esimersi. No, non poteva decisamente farlo, nata e cresciuta all'interno di una famiglia votata alla musica. Padre, fratello, sorella, i primissimi ascolti dello swing italiano, in un secondo tempo la scoperta dei grandi cantautori (Rino Gaetano, Francesco De Gregori, Fabrizio De Andrè solo per citarne alcuni) e delle rock band indipendenti di casa nostra (CCCP, Afterhours), e infine l'incontro con il rock e l'elettronica straniere. Alessia Zappamiglio da Brescia, classe 1992, venuta su a pane e pentagramma, si è innamorata della chitarra da giovanissima e ne ha fatto la sua fidata balestra, affinandola costantemente mentre all'alba dei vent'anni si lasciava sedurre dalla Bologna che l'avrebbe conquistata del tutto col tempo e dalla volontà di intraprendere una nuova fase della vita sotto lo pseudonimo di Miglio.

Nel 2017 si presenta come l'anno giusto. I testi scritti e conservati già da diverso tempo necessitano di un'evoluzione e soprattutto di condivisione. Fuori dal cassetto, con un nuovo vestito alternativo a quello preferito chitarra e voce. Alessia avverte le sensazioni adatte, è tempo di fare il proprio ingresso nel mondo che già conosce bene ma che non sa di cosa lei possa essere capace. Firma con l'etichetta torinese INRI, opta per il nome d'arte "Miglio", propaggine diretta della sua storia e identità personali, sceglie di comporre e cantare in italiano, la lingua prediletta grazie alle opportunità senza limite di divertirsi a giocare con le parole, a smontarle e a plasmarle a seconda delle intenzioni. Nasce in questo modo nel 2018 "Gli uomini elettronici", il singolo di debutto che incarna immediatamente i caratteri distintivi della prima fase della carriera dell'artista bresciana. Un interesse fortissimo per la realtà ammaccata e imperfetta della quotidianità vista e respirata da Alessia nelle sue dinamiche sociali, pubbliche e private. Il punto di partenza di questo esordio come del singolo successivo "Il bar sui binari" e dell'ulteriore "Pianura Padana" (pubblicato nel 2020 ma completato già tre anni prima) consiste nell'osservazione dei dati di fatto, sotto gli occhi di tutto. Miglio annota prima con gli occhi, le orecchie e le esperienze vissute, poi si ferma a riflettere, a casa come altrove. I pensieri integrano le informazioni, e vengono assemblati tra le pieghe di una sorta di editoriale in musica.  Spinge al massimo Alessia nella scrittura e in misura identica con la voce e il suo sound.
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Nevrotica, incalzante, incazzata. Ascoltandola, Miglio non impiega molto a trasmettere all'orecchio il suo stato d'animo, trascinandolo in un turbinio di considerazioni e sentenze. Il tritone al quale si appoggia sono le ritmiche, martellanti, instancabili, e fondamento effettivo della genesi dei suoi vestiti musicali. Le percussioni investono sin dall'attacco l'ascoltatore sbattendo il mostro in prima pagina, sotto i colpi e gli acuti della voce di Alessia, un tono rock, tosto, camaleontico. Freddo, robotico in "Gli uomini elettronici", aspro, velenoso (a me ricorda la Bertè) ne "Il bar sui binari", in grado di tenere il controllo della situazione senza patemi e aprirsi a divagazioni in crescendo da un momento all'altro. In questo periodo stanno già affiorando alcune radici destinate ad evolversi in ramificazioni differenti all'interno del percorso di Miglio. "Il bar sui binari" le permette di partecipare alla finale del ​  BMA (Bologna Musica D’autore) con una performance energica.

Miglio incontra la dimensione dal vivo, la affronta sia in un set elettronico e collettivo che in una versione acustica chitarra e voce, un duplice filo parallelo che terrà ben salto durante la sua evoluzione. Bologna, la sua America, la attira a sé completamente, persuadendola a trasferirsi h24 nel cuore di un ambiente che l'ha sopraffatta da anni ormai e contribuisce a nutrire le sue passioni di vita. Il tempo dei cambiamenti giunge veloce. Matilde Dischi, una sfida nuova, fresca, che coincide con l'avvento del 2020, questo anno disgraziato. Alessia è pronta alla nuova avventura affidandosi alla "vecchia guardia". Recupera dal cassetto "Pianura Padana", la sonorizza, la incide elaborando un nuovo manifesto della sua poetica. "Provincialismo cittadino, provincialismo industriale" recitano l'incipit della canzone. Cronaca dalla provincia grigia e triste, che imbruttisce e isola gli animi, spingendoli a inventarsi altri tipi di viaggi a "bordo di una navicella spaziale". Miglio insiste in questo caso su un "noi", parla a nome di una generazione che ancor prima di compiere trent'anni appare stanca, sfiancata dalla monotonia, desiderosa di evadere dai conflitti irrisolti di tutti i giorni alla volta di lidi inesplorati. 

​In quest' ottica Miglio si presta alla sua metamorfosi più evidente.  La strada, il rock, le preoccupazioni collettive vengono messi un attimo da parte. Alessia mantiene intatta la sua verve risolta, si addentra nel pop tradizionalmente italiano con contaminazioni moderne, espande la sua vena creativa. Una notte trascorsa nell'insonnia produce "Pornomania". Una confessione pura, sfrafottente. Molti hanno detto coraggiosa perché è innegabile che la libertà di parlare di orgasmi ancora oggi non è ancora al sicuro da pregiudizi e lamentele. Ma al di la del testo, interessante e dalle rime vincenti (e che si apprezza ancora di più nel videoclip girato in pieno lockdown dai registi  Carlo junior Sanabria e Victoria Torresi e interpretata dalla cantautrice stessa), l'ultima eredità che Miglio rilascia il 20 maggio scorso racconta di un'artista che sta sbocciando, serena proprietaria dei suoi progetti e di un marchio ben definito (date un'occhiata alla cover di "Abbronzatissima" sul suo profilo instagram). In attesa di un suo nuovo singolo in uscita a settembre e delle finali del Premio Bianca d'Aponte in programma ad Aversa il 23 e 24 ottobre alle quali parteciperà per aggiudicarsi la vittoria finale, l'artista lombarda si sta preparando per tornare a suonare al vivo. Lo farà tornando a casa, domenica 2 agosto al Diluvio Festival.

Immagini tratte da:

Immagine 1 fornita dall'Ufficio Stampa Conza
Immagine 2 da www.rockit.it